Entre paisajes imponentes, encuentros inesperados con animales y largas jornadas en medio de la aventura, el fotógrafo y videógrafo se ha convertido en uno de los creadores de contenido de aventura y turismo más relevantes del país. Desde Quito, EXPRESIONES conversó con el guayaquileño de 30 años para conocer cómo encontró en el arte audiovisual una forma de explorar, admirar y rendir homenaje a la riqueza natural ecuatoriana.

Su conexión con el lente

La fotografía no apareció de un momento a otro en la vida de Sebastián. Desde niño, su mundo ya estaba marcado por la creatividad, las películas, los documentales, el deporte y una curiosidad constante que nunca lo llevó a encerrarse en una sola pasión.Además, creció en un hogar donde el arte siempre estuvo presente. Con una madre muy cercana a la música, esa sensibilidad se fue fortaleciendo desde temprano.

Más adelante, su interés por la publicidad lo llevó a trabajar como redactor creativo, y fue al involucrarse en la realización de comerciales de televisión cuando descubrió la magia de contar historias a través de una pantalla. Sin embargo, a los 25 años, con una cámara prestada, decidió dar un giro a su vida y comenzó a recorrer el Ecuador y perfeccionar sus habilidades fotográficas y videográficas. “Poco a poco, fui encontrando mi mayor pasión, creciendo y descubriendo la magia de estar tras un lente”, menciona.

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A través de sus imágenes y videos, Sebastián no solo retrata paisajes y experiencias, también proyecta al Ecuador ante el mundo, con el deseo de despertar en otros las ganas de conocerlo. Para él, trabajar en fotografía y turismo es una manera de representar al país con orgullo y mostrar su riqueza desde una mirada cercana y auténtica. “Es tener la camiseta del Ecuador puesta y saber que estoy aportando mi granito de arena si es que alguien del extranjero ve mi trabajo y por eso decide venir a conocer mi país”, afirma.

Además, Sebastián resalta que una gran parte de la esencia del Ecuador está en su gente y en la diversidad que encuentra en cada región del país. “Lo que más me llevo de mis viajes es conocer gente muy diversa. En la Amazonía conversas con comunidades kichwas, luego en la Sierra con otras culturas, y en la Costa ves muchas actividades pesqueras que te enseñan mucho de la resiliencia”, expresa.

¿Cuál fue una de sus aventuras más memorables?

La Amazonía siempre me genera una sensación muy especial, porque es un ecosistema que nunca duerme. Incluso cuando uno descansa, sigue escuchando a los insectos, a los animales y a toda la selva viva alrededor. Es un sonido que me relaja y me recuerda que allí la naturaleza es la que manda, no uno.

Uno de los momentos que más me ha marcado fue cuando era asesor del ministro de Turismo y me tocó visitar varias comunidades dedicadas a la hospitalidad en la Amazonía. En ese viaje recorrimos todo el río Napo, desde Coca hasta la frontera con Perú, y estar parado en ese punto fue realmente impresionante. Nuestra Amazonía es impactante, fue una experiencia maravillosa y sentí que estaba en un lugar al que muy pocas personas llegan.

¿Cómo retrata a las personas de las comunidades que visita?

Antes de tomar una fotografía, siempre me gusta conversar con ellas para romper el hielo y generar confianza. Para mí, retratarlas también es una forma de rendirles homenaje, por eso considero importante que sepan desde qué lugar nace esa intención. En cada viaje he aprendido a desarrollar mucho la empatía, a socializar y a mimetizarme con las comunidades de los nuevos lugares que visito. Eso me da una mayor apertura para conocer más de ellas, de sus historias y de sus culturas, y hace que cada retrato tenga una conexión mucho más auténtica.

¿Qué es lo más retador que ha hecho por una foto?

Una de las experiencias más exigentes que he vivido fue en la Patagonia argentina, en el monte Fitz Roy. Hice la caminata hacia la Laguna de los Tres, un sendero que implicó alrededor de 21 kilómetros y unas ocho horas de recorrido. Lo más duro no fue solo la exigencia física del trayecto, sino hacerlo cargando todo mi equipo de fotografía, un peso adicional que la mayoría de excursionistas no lleva. Sin embargo, al final fue una experiencia sumamente gratificante, porque ese esfuerzo me permitió capturar imágenes que no todos logran conseguir.

Sus claves para destacar

Para Sebastián, detrás de una gran foto de viaje no solo hay técnica, sino también intuición, conexión con la naturaleza y una preparación constante. Estos son sus secretos para quienes desean ser fotógrafos de aventura:

• Conexión con el entorno: Tener ‘buena espalda’ o estar en sintonía con la naturaleza le permite leer mejor el momento, atraer buena energía y captar escenas únicas. Para él, mientras más tiempo se pasa admirando su alrededor, más fácil es descubrir instantes que otros podrían pasar por alto.
• Respeto por la vida silvestre: Los animales perciben la vibra de quien los observa, y esa calma puede hacer posible fotografiarlos más de cerca. Ese vínculo silencioso con la fauna, es clave para lograr imágenes auténticas sin irrumpir en su comportamiento natural.
• Buen estado físico: La prepararación física es fundamental para tener resistencia y fuerza en escenarios extremos y aprovechar cada aventura al máximo. Caminatas largas, ascensos exigentes y jornadas bajo el agua hacen que el cuerpo sea una herramienta clave de trabajo.

Su boom en las redes

Convertirse en creador de contenido de aventura (suma cerca de 50 mil seguidores) no fue algo que Sebastián planificó, sino es un camino que se dio de manera natural mientras compartía en redes sociales su trabajo, sus viajes y la forma en la que vivía cada experiencia. “Ser influencer llegó de forma espontánea, no lo busqué. Comencé a documentar mi proceso de trabajo y vida en redes, era muy real”, asegura. Para él, la clave siempre estuvo en la honestidad con la que decidió mostrar su proceso y, más allá de seguir una fórmula, encontró en la autenticidad la mejor manera de construir una comunidad.

Más sobre él

• Es director de producción audiovisual de la empresa de turismo Quasar Expeditions.
• Le gustaría internacionalizarse y crear un libro fotográfico.
• Su isla favorita en Galápagos es Genovesa y su animal preferido, el pingüino de las Galápagos.

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Antes de encontrar su propio camino, su historia ya venía amasándose desde generaciones atrás. Creció en una familia dedicada a la industria del pan, un legado fundado por su bisabuela, a quien sí llegó a conocer y de quien guarda recuerdos entrañables en la cocina. “Me hacía escribir recetas a mano”, recuerda. Hoy, ese vínculo se transforma en homenaje: el nombre de su marca, Masats, lleva el segundo apellido de la señora, como una forma de mantener viva esa herencia que, sin saberlo, terminaría guiando su destino.

Su emprendimiento, sin embargo, no fue inmediato. Aunque “desde chiquita crecí entre olores, masas…”, le tomó tiempo reconocer que su lugar estaba en la pastelería. Se formó en 2017 en Barcelona, en la reconocida Escuela Hofmann, y un año después hizo un Posgrado en Comunicación Gastronómica, una experiencia que la acercó a nuevas tendencias. Pero por miedo, admite sobre ese momento en el que postergó su vocación. Hasta que un viaje a España encendió todo: “probé una tarta vasca y fue como… esto es demasiado rico”. Ese instante, casi casual, marcó el inicio de una obsesión que terminaría tomando forma en su cocina.

Lo que distingue a sus tartas no es solo la técnica, sino la intención. “Me propuse hacer una tarta clásica perfecta”, cuenta, aunque en el camino decidió apropiarse de la receta. Su versión, más cremosa, con base de galleta dialoga entre lo tradicional y lo personal. Una reinterpretación que en Guayaquil se siente casi como un descubrimiento: “es otro tipo de conexión, más emocional”, explica, al hablar de quienes encuentran en su sabor un recuerdo inesperado.

En medio del boom de este postre a nivel mundial, María Laura ha construido algo más que un emprendimiento: una identidad. “No quiero sacrificar la cremosidad, es lo más importante”, afirma, dejando claro que su norte no es la producción en masa, sino la experiencia. Y se nota porque es, literalmente, el sabor de alguien que decidió insistir hasta que todo encajara.

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El sabor de la tarta

Viene de una familia panadera. ¿Qué tanto inspira esa historia en su forma de emprender?

Muchísimo. Mi bisabuela migró desde España y abrió su panadería aquí. Las historias que tengo de ella son de mucho sacrificio: trabajaba de madrugada, se levantaba cada dos horas porque no existían las herramientas que hay hoy.

¿En qué momento decide apostar por la pastelería y dejar otros caminos?

Por miedo lo postergué bastante tiempo. Ya estaba casada, tenía hijos… pero en el fondo sabía que era lo que realmente me apasionaba. Hasta que dije: ya, me voy a lanzar.

En cuanto a ingredientes, ¿cómo fue encontrar en Guayaquil lo necesario para lograr esa tarta que tenía en mente, tan inspirada en Europa?

Encontré muy buenos ingredientes, la verdad. Para mí, uno de los más importantes fue el queso mascarpone, porque hace que la tarta no se sienta tan pesada. Aquí ya hay varias marcas y son las que me han permitido trabajar muy bien.

¿Qué es lo más importante en la base de una buena tarta vasca?

La grasa: las cremas de leche, los quesos. Eso lo es todo. Al inicio usaba combinaciones más suaves, pero luego fui experimentando. Por ejemplo, en sabores del mes he probado con quesos más intensos, como el manchego.

Hoy el público ecuatoriano está más “foodie”. ¿Eso ha jugado a su favor?

Totalmente. Hay mucha curiosidad por probar cosas nuevas. Pero el reto no es solo atraer, sino fidelizar, convertir a esos clientes en fans.

¿Qué ha sido lo más bonito de este proceso de emprender?

Ver la reacción de la gente. Los comentarios que me dicen que mi tarta les recuerda a las de España, o incluso que las comparan con referentes como las de Madrid. Eso ha sido mi motor para seguir y, sobre todo, para no bajar la calidad.

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Educar al cliente: clave del negocio

Para Maria Laura, la comunicación no es un complemento, es parte del corazón del negocio. “Para mí fue clave. Es lo que me permitió no quedarme como un emprendimiento casero más”, explica. En un universo donde lo visual abre el apetito antes del primer bocado, cada imagen está pensada para transmitir una promesa. “Que se vea la cremosidad, el detalle… todo eso es comunicación gastronómica”, resume.

Pero comunicar también implica enseñar. Parte del éxito de sus tartas está en entender cómo deben disfrutarse, y ahí entra su rol como guía. “He tenido que educar mucho al cliente”, cuenta. “Cuando reciben la tarta, deben refrigerarla unos quince minutos para que esté cremosa. Ese es el truco”. Lo que al inicio requería explicación constante, hoy se ha convertido en un código compartido con su comunidad. Porque al final, más que un postre, la experiencia se acerca a una pequeña escapada sensorial: “es como viajar a través del paladar, sin salir de aquí”.

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El impacto mediático de la obra ha abierto la puerta a una posible adaptación audiovisual. Según el diario ABC, la productora 7 y Acción —responsable de El Hormiguero— ya habría iniciado conversaciones con Preysler para desarrollar un proyecto. Otras fuentes citadas por el medio señalan que la propia autora contempla llevar sus memorias a formato de docuserie o biopic.

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Editado por Grupo Planeta, vinculado a Atresmedia, el libro ha tenido una amplia difusión, lo que facilitaría su salto a la pantalla. Preysler ya ha participado anteriormente en contenidos audiovisuales, como un especial para Disney+, en el que mostró aspectos de su vida privada.

Los capítulos más comentados

Entre los episodios más comentados del libro está su boda con Julio Iglesias en 1971, celebrada en Illescas. Preysler reconoce que no vivió ese momento con ilusión: “A los 20 años, recién llegada al Madrid de los setenta, el matrimonio no estaba en mis planes”. La decisión de casarse estuvo condicionada por el embarazo de su primer hijo en común.

Otro de los pasajes aborda la relación entre Julio Iglesias y su hijo Enrique. Según relata, la reacción del cantante ante la decisión de su hijo de dedicarse a la música fue negativa, lo que provocó un distanciamiento: “Su actitud le afectó profundamente a Enrique”, señala, añadiendo que esta situación generó tensiones dentro de la familia.

De concretarse el proyecto audiovisual, estos episodios formarían parte de una narración que recorrería los momentos clave de la vida de Isabel Preysler.

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Este disco, lanzado el 25 de marzo, no responde a una fecha cualquiera, sino a una profundamente simbólica para la Iglesia: la Anunciación. “Eso conecta mucho con nuestro mensaje: anunciar, a través de la música, que Dios está presente y que su amor nos sostiene”, dice el padre Carlos Mendoza.

El álbum, con ritmos pegadizos y coros que se quedan, es el resultado de más de dos años y medio de producción y de un camino que empezó mucho antes, en 2012, cuando los sacerdotes se subieron por primera vez a cantar y estrenaron “Firme en la fe”, sin imaginar que esa canción terminaría convirtiéndose en el corazón de todo un proyecto. Desde entonces, la pregunta del público fue constante: “¿Para cuándo el álbum?”. La respuesta tardó, pero llegó.

Pero si algo sorprende no es solo la producción, sino el alcance. En redes sociales, sus conciertos se vuelven virales y hay niños que corean las canciones como si se tratara de una banda pop. Ellos, sin embargo, lo tienen claro: no es protagonismo propio. “Jesús nunca pasa de moda”, dicen. En tiempos de algoritmos y scroll infinito, su propuesta se mueve en otra lógica: usar cada plataforma posible para llevar un mensaje que, aseguran, sigue encontrando eco.

“Firme en la fe”, el single principal, resume ese espíritu: una invitación a sostenerse incluso en medio de la incertidumbre. En la previa de Semana Santa, el lanzamiento del álbum cobra aún más sentido. Para esta edición, Los Padrecitos, representados por tres de sus integrantes, conversaron con Revista SEMANA sobre el proceso, la viralidad y el sentido de hacer música desde el sacerdocio.

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"Jesús nunca pasa de moda"

¿Se imaginaban esta fanaticada, sobre todo en niños y jóvenes? ¿Cómo ha sido esa experiencia en redes sociales? 

Padre Carlos Mendoza: Esto nos hace entender algo muy importante: Jesús nunca pasa de moda. No son Los Padrecitos los que han generado esta ola de aceptación, sino el mensaje del Evangelio, que no es nuestro, es el mensaje de Jesús. 

¿Ven hoy a las redes sociales como una plataforma de evangelización? 

Padre Francisco Sojos: Totalmente. Hay que recordar que, a lo largo de dos mil años, el Evangelio se ha transmitido en todos los medios posibles. Nunca ha existido un medio en el que La Iglesia no haya podido estar. Hoy, esas plataformas son Instagram, TikTok… y ahí también tenemos que estar. 

El video de “Firme en la fe” se grabó en Guayaquil. ¿Por qué elegir esta ciudad? 

Padre José Manuel: Porque es la ciudad donde ha nacido gran parte de nuestra vocación y donde hemos encontrado un apoyo enorme. Aquí está la gente que nos ha acompañado siempre. Cada video requiere muchas manos, muchas personas que suman, y ese cariño lo hemos recibido en nuestras parroquias y en la gente de esta ciudad.

¿Qué tipo de testimonios les ha dejado su música? 

Padre Francisco Sojos: Han sido tremendos. Realmente impactantes. Por ejemplo, con la canción Ella Sabía, recibimos testimonios de madres que habían perdido a sus hijos y que encontraron consuelo en esa canción. Muchas personas nos han dicho que se han sentido acompañadas en momentos difíciles. Y creemos que con Firme en la fe va a pasar exactamente lo mismo. 

¿Cómo responden a quienes miran con prejuicio que sacerdotes hagan música o conciertos?

 Padre José Manuel: En general, lo que hemos recibido es mucho cariño. Y eso también tiene que ver con que tenemos muy claro quiénes somos: somos sacerdotes. No somos showmans ni cantantes en ese sentido. Nuestra vocación es el sacerdocio, y desde ahí hacemos música. Por eso, la respuesta de la gente ha sido muy positiva. 

¿Y qué le dirían a alguien que no cree en Dios, pero que podría conectar con su música? 

Padre Carlos Mendoza: La música abre puertas. Es una puerta muy importante que Dios utiliza para tocar el corazón. A veces, antes que las palabras, es una canción la que logra llegar.

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Un álbum a lo grande

El productor Jorge Luis Bohórquez,  fundador de Borkis Entertainment y La Barca, fue el encargado de producir el álbum y explica que la grabación se extendió desde Los Ángeles hasta Macedonia, pasando por Miami, Bogotá, Manta y Guayaquil, con músicos, orquesta sinfónica y arreglos pensados al detalle. “En el fondo de mi alma como artista está la ilusión de dar lo mejor que tengo para Dios”, dijo durante la presentación. Y esa búsqueda fue la que marcó el pulso del álbum.

También en podcast

Más allá de los escenarios y los reels virales, Los Padrecitos también han encontrado en el formato podcast otra forma de conectar. Ahí comparten reflexiones, historias de sus giras por parroquias y vivencias que han marcado su camino, desde experiencias de años anteriores hasta momentos como la peregrinación jubilar. Un espacio más íntimo, donde la fe se escucha sin prisa.

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Aunque todavía no define un partido, ya hay líneas claras: se descarta una alianza con Marcela Aguiñaga y persisten las dudas sobre qué respaldos concretos tendrá en esta nueva etapa. Lo cierto es que su imagen sigue teniendo peso propio.

Más allá de la política dura, hay algo que en ella nunca pasa desapercibido: su actitud. Viteri proyecta carácter y eso también se traduce en su estilo. Porque sí, en política la imagen no es banal: comunica, posiciona y construye narrativa.

Últimamente se la ha visto apostando por tonos neutros en conferencias y apariciones públicas, así como en recorridos con la fundación Juntos Somos Futuro. Y fiel a su sello, mezcla lo formal con lo práctico: puede ir de tacones a sneakers sin perder autoridad. Con una paleta de colores que proyectan sobriedad, parece alinearse con una narrativa más estratégica de cara a lo que viene. 

Como aquí nadie se nos escapa del radar, en EXPRESIONES la pusimos en el semáforo de la moda… y dejamos que la IA haga lo suyo.

Tips de estilo

• Un color firma: incorporar un tono distintivo que la identifique visualmente y rompa la monotonía de los neutros sin perder seriedad.
• Accesorios con intención: sumar una pieza protagonista -cinturón, corbata, sombrero- que funcione como sello personal sin saturar el look.
• Calzado estratégico: Sabemos que le encanta usar sneakers pero puede alternar con opciones igual de cómodas pero más pulidas, como mocasines o tacones bajos, para elevar ciertos outfits sin sacrificar funcionalidad.
• Capas ligeras: incorporar chalecos, blazers sin mangas o sobrecamisas que aporten dinamismo y versatilidad a sus looks en recorridos.
• Juego de proporciones: explorar faldas o blusas con corte asimétricos para  modernizar los looks.

Lo que la IA sugiere

Para su mejor versión política, la IA sugiere lucir sets en sastrería, como uno que incluya chaleco, pantalón y blazer, o sumar un accesorio protagonista sutil para elevar el look sin romper la sobriedad.

Para eventos, la inteligencia artificial propone un look potente: sobrio, moderno y con actitud. La corbata da estructura y el bustier drapeado con capa suma elegancia a su look de figura pública.

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La gala se desarrollará el 31 de marzo en el Antiguo Club de la Unión, Centro Cultural Olmedo, ubicado en Av. Malecón y Olmedo.

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El evento reunirá a actores, directores, guionistas y creadores del país, con el objetivo de destacar a 13 figuras en tres categorías: trayectoria, hito audiovisual e impacto humano y artístico.

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Por la alfombra roja desfilarán Giovanna Andrade, Augusto Enríquez, Miriam Murillo, Juan Carlos Román, Pamela Sambrano, Samantha Grey, Joselyn Gallardo y Martha Ontaneda, quien recibirá Valdivia de Oro a la trayectoria. Desde Quito llegarán Christoph Baumann y Eduardo ‘Mosquito’ Mosquera.

Los galardonados...

La alfombra roja estará conducida por Adrián Avilés. La velada tendrá como anfitriones a David Reinoso e Hilda Saraguayo, mientras que las entrevistas backstage estarán a cargo de Danilo Esteves.

Entre los galardonados constan Lupe Machado, Juana Guarderas, Mélida Villavicencio, Isidro Murillo, Augusto Enríquez, Ernesto Landín, Gustavo Valle, Jorge Ulloa, Ana Cristina Barragán y Giovanna Andrade.

Además, se hará un homenaje In Memoriam. Familiares de Lucho Aguirre, Mimo Cava, Patricia Naranjo y Amparo Guillén recibirán un tributo a su legado en la pantalla.

La gala será transmitida a través de las redes sociales de Uniarte.

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Entre las primeras invitadas estuvieron Úrsula Strenge, quien formó parte de Noticias de la mañana, y Narcisa de Ruales, madre del fallecido actor Efraín Ruales.

Enfocado en la salud mental

De acuerdo con Mariuxi, se trata de un espacio digital “enfocado en la mujer, con una propuesta de contenido centrada en salud mental, bienestar emocional, empoderamiento femenino e historias con propósito”.

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Además, junto a Roselena, lidera Vive mujer, una revista digital orientada a acompañar, informar e inspirar a la audiencia femenina mediante conversaciones cercanas, la participación de especialistas y testimonios reales.

La programación de Voces Propias (en YouTube) incluye también el pódcast Detrás de la voz, que se emite los jueves. En este formato, Mariuxi asume un nuevo rol frente a cámaras y en plataformas digitales, tras más de 25 años de trayectoria en televisión y 15 años como directora nacional de noticias de RTS.

A esta propuesta se suma Mujeres sin libreto, un espacio de conversación conducido por Roselena Vásconez y Emma Guerrero.

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Primero fue un restaurante de barrio, ese refugio donde el migrante busca volver, aunque sea por un plato, a casa. Luego vino el giro: El Ñaño nace como un concepto de comida rápida, pensado para nuevas generaciones y con una visión clara desde el inicio: “queríamos un modelo tipo cadena de comida rápida, pero con productos ecuatorianos”.

Con el tiempo, esa primera apuesta evoluciona. Pero el negocio no se quedó en lo rápido: creció hacia una propuesta más amplia donde conviven el encebollado, la guatita, la menestra y otros platos que hoy definen su identidad en España. Cuatro locales en Barcelona, presencia en Madrid y Zaragoza, y una carta que, según Mera, no ha cambiado en más de dos décadas porque “cuando algo está muy bueno, la gente quiere volver a ese momento”. La clave estuvo en entender que internacionalizar no era simplificar, sino elevar: “primero, respetando el sabor”.

Pero así como su cocina, su historia también está atravesada por contrastes. En la misma semana en que llevó el encebollado a un escenario global junto a Ibai Llanos, representando al Ecuador ante millones, enfrentó el incendio de su restaurante en Madrid. Éxito y crisis, exposición y pérdida. Lejos de quebrarse, su respuesta fue casi una declaración de principios: “una tragedia no hay que convertirla en tragedia”, un lema que hoy define su manera de liderar.

Hoy, con la expansión hacia Miami, donde retoma con fuerza el concepto ágil de sus inicios, la visión se mantiene intacta. Pero hay algo que no cambia: el fondo. La familia como estructura, la fe como sostén, “somos devotos de San Gregorio” y una identidad que no necesita explicarse. Porque para Eloy, El Ñaño no solo es una marca: es una forma de llevar la gastronomía ecuatoriana al mundo, hacerla competitiva, emocionante y, sobre todo, inolvidable.

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¿En qué momento pasa de cocinero a empresario?

Empezamos como un restaurante ecuatoriano de barrio, con lo clásico: encebollado, menestra. Pero al vivir fuera entendí que no bastaba con replicar sabores, había que evolucionar. Después de unos años creé El Ñaño como comida rápida, pensado para nuevas generaciones en España. Ahí nace la visión empresarial: un modelo franquiciable, tipo cadena, pero con identidad ecuatoriana.

¿Cuál fue el momento más difícil en el camino?

El 2011, después de la crisis inmobiliaria. La gente no tenía dinero. Y decidimos que la calidad, el servicio y el sabor tenían que estar por encima del precio.

¿Cómo logró adaptar la cocina ecuatoriana a un mercado internacional como España?

Respetando el sabor. Eso es lo más importante. Luego, evitando que los restaurantes sean espacios “étnicos” cerrados. Queríamos que cualquier persona entre y diga: “wow, qué rico está esto”. También trabajamos el emplatado. No necesitas comer una guatita con cuchara para que sea auténtica; puedes presentarla de otra forma, elevarla.

Ha vivido momentos muy mediáticos, como cocinar para Ibai y al día siguiente enfrentar un incendio en su restaurante en Madrid. ¿Cómo se procesa emocionalmente un contraste tan fuerte?

Sí fue muy contrastante. Fuimos invitados a presentar el encebollado como uno de los platos emblemáticos, y eso nos llenó de orgullo porque representábamos al Ecuador. Y al día siguiente, el restaurante que está en Madrid se incendió. Pero he aprendido que una tragedia no hay que convertirla en tragedia. Puede ser un problema grande, sí, pero los empresarios vivimos resolviendo problemas todos los días. Lo importante es tener una estrategia y actuar. Eso es lo que hicimos.

Ahora vino la expansión a Miami. ¿Por qué ese mercado?

Desde que creé El Ñaño, mi idea fue construir una marca global, como lo hizo McDonald’s. Ya lo tenía en mente desde el inicio. Por eso registramos la marca en Estados Unidos y en Europa desde 2018. Miami es un reto grande. Dentro de los mercados latinos en EE.UU., es uno de los más competitivos. Pero también es una oportunidad para subir el nivel.

¿En qué sentido?

En demostrar que la comida ecuatoriana no es solo comida “de cuchara”. Puede ser valorada, puede ser alta cocina, puede competir a nivel internacional… sin perder su identidad.

¿Siente que El Ñaño se ha convertido en una forma de representar al Ecuador en el mundo?

Sí, totalmente. Como migrante, siento esa responsabilidad cultural. Y en nuestro caso, incluso el nombre lo dice todo: “El Ñaño” es una de las palabras más representativas del Ecuador. No necesitamos poner una bandera en el restaurante para decir que somos ecuatorianos.

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La receta del éxito

En sus cocinas no hay solo técnica. Más allá del sabor, el éxito está en la estandarización, en los procesos y en un equipo bien formado. “Cuando estandarizas y das un buen producto, consigues un buen resultado”, resume. Pero en el corazón de esa operación está su madre, Annabel López, a quien define como “la gran jefa”: la guardiana del sabor, de la memoria y de esa cocina que conecta con lo emocional.

A su lado, el proyecto se sostiene también desde la gestión. Su esposa, Mildre Gómez, lidera la parte administrativa, mientras el equipo, entre latinos y españoles, “se forma bajo una misma lógica: calidad, disciplina y adaptación”, dice. Porque para Mera, más allá de la nacionalidad, lo importante es construir una cocina profesional que funcione como un todo o una gran familia.

Ping-pong

• Un plato ecuatoriano que nunca falla: El encebollado.

• Un ingrediente imprescindible: El maní.
• Madrid en una palabra: Elegancia.

• Miami en una expectativa: Aniñado.
• Un recuerdo de Balzar: La paz.
• El mejor consejo de su mamá: Nunca dejes de ser feliz.
• Cocinar o liderar: Liderar.
• Un chef que admire: Iván Grain

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Su estilo convierte escenas cotidianas, retratos y paisajes en piezas que buscan provocar una reacción inmediata en quien las mira. Como ella misma lo resume: “Mis obras siempre tienen mucha vida”.

Sus espectadores han ido expandiéndose con fuerza dentro y fuera del país. Pamela ha presentado su trabajo en exposiciones en Ecuador y también en el exterior, incluyendo una participación en el  Miami Art Week.

Hoy su arte está dando más pasos hacia la escena internacional desde un formato inesperado. La marca brasileña de calzado, Ipanema, la invitó a representar a Ecuador en un proyecto global en el que artistas de distintos países llevan su obra a una colección de sandalias que se comercializará en varios mercados.

Entre caballetes, acrílicos y algunos de sus lienzos más recientes, Pamela posó para Revista Semana, mientras conversa sobre los pasos que sus obras han ido dando dentro y fuera del país.

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Las Islas Galápagos al mundo

La propuesta surgió tras que la marca brasilera descubrió su trabajo en redes sociales, una conexión que terminó en una colaboración que ahora proyecta su lenguaje artístico a escala mundial.

Para esa pieza, Arcos eligió uno de los símbolos naturales más poderosos del país. “Decidí trabajar con las Islas Galápagos”, explica. El paisaje, que combina naturaleza, movimiento y color, será parte del diseño que circulará en distintos países este 2026. Para la artista, el valor de esta colaboración va más allá del soporte. “No solo se internacionaliza mi lenguaje artístico, también se lleva una parte de la identidad ecuatoriana al mundo”.

Sembrar arte

A su recorrido se suma un reconocimiento importante: fue ganadora como artista representante de la provincia del Guayas en un concurso de la Dirección Nacional de Museos de la Casa de la Cultura. Curiosamente, la serie que le dio ese logro fue una apuesta distinta dentro de su propio lenguaje: piezas en blanco y negro. “Normalmente trabajo con mucho color, pero en esa convocatoria presenté obras completamente en blanco y negro”, cuenta sobre aquellas Mini Postales que retratan escenas cotidianas del Ecuador.

Su trabajo no se queda únicamente en galerías o exposiciones. Pamela también comparte su proceso creativo en talleres abiertos a personas de distintas edades, donde enseña a trabajar el lienzo con acrílico y espátula, desde el boceto inicial hasta la composición final. Son espacios donde, además de técnica, busca despertar curiosidad y confianza en quienes se acercan por primera vez a la pintura.

En esos encuentros, tanto en Guayaquil como Quito, el objetivo no es solo aprender a pintar, sino perder el miedo a crear. “Si yo puedo sembrar una pequeña semilla para que alguien se atreva a empezar algo nuevo, ya valió la pena”, dice. Porque, al final, su pintura, ya sea en retratos llenos de color, paisajes vibrantes o piezas monocromáticas, nace de una convicción simple: “El arte tiene la capacidad de conectar”.

Cara a cara

Empezó en el diseño gráfico y luego migró a la pintura. ¿Qué libertad encontró en el lienzo que no le daba la pantalla?

Sí. Yo trabajé muchos años en publicidad y me gustaba, pero siempre sentía que había algo más. Que lo que realmente quería era ser artista. He encontrado en el arte esa capacidad de aportar, de generar reflexión o conexión.

Sus obras han cruzado fronteras. ¿Cómo entiende hoy el impacto de las redes sociales en el arte?

Hoy el Instagram funciona como una galería abierta al mundo. Tu obra puede verla alguien en cualquier país. Eso incluso me llevó a colaborar con una marca internacional.

Y ahí, ¿cómo dialoga su arte con la identidad latina o ecuatoriana? 

Yo trabajo distintos temas, siempre dentro de mi lenguaje artístico. Desde retratos, paisajes hasta la cotidianidad como latinos: la comida que venden en las calles, las conversaciones afuera de la casas... Para mí Ecuador y Latinoamérica no solo son territorios de riqueza natural, también hay muchísima cultura para contar ya sea a color o en blanco y negro.

Con todo el boom de lo digital, ¿utiliza esto en alguna parte del proceso?

La verdad, no. Soy muy artesanal. Empiezo dibujando en lápiz sobre el lienzo, marcando algunas sombras y luces, y después empiezo a construir la obra con la espátula y el acrílico. Pueden medir hasta tres metros.

¿Qué tendencia ve hoy en decoración con arte?

Cada vez se buscan más piezas grandes que dialoguen con el espacio, especialmente en casas contemporáneas. Pero el arte no debería ser solo decorativo. Tiene que contar algo, generar una conexión.

Su arte ya ha llegado a zapatos con colaboraciones internacionales. ¿Ha pensado llevarlo a otras superficies?

Por ahora mi enfoque principal sigue siendo el lienzo, pero quién sabe… el arte siempre encuentra nuevas formas de expandirse.

¿Qué sueño tiene para más adelante?

Quiero que mi nombre esté en la historia del arte ecuatoriano. Así como lo son Guayasamín o Kingman… Y para eso hay que trabajar muchísimo.

CRÉDITOS. Fotos: Gerardo Menoscal. Producción: Gianella Muñoz (IG@gia.munoz_) Maquillaje y peinado: Aldair Quinto (IG@byalda__)

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Con una mirada curiosa y una voz fresca, a sus 23 años se ha convertido en una de las creadoras de contenido hispanohablantes más influyentes al momento de revelar lo que ocurre detrás de la industria textil.

Desde Madrid, España, la periodista de moda comparte con EXPRESIONES cómo es habitar uno de los rubros más fascinantes... y exigentes.

El origen de su pasión

Nacida en Madrid, pero con una historia que se entrelaza con Quito, Paula creció entre dos culturas que, sin saberlo, irían moldeando su forma de ver el mundo. “Mi madre es ecuatoriana y a los ocho años me mudé a Ecuador por el trabajo de mi padre. Viví una década en la capital y siempre he tenido lo mejor de los dos mundos”, comparte.

A los 18 años, tomó la decisión de regresar a Madrid para estudiar periodismo, motivada por la película El diablo viste de a la Moda, que no solo despertó su interés por la moda, sino que le mostró una industria mucho más compleja, estratégica y profunda de lo que aparenta.

Desde entonces, su camino ha estado marcado por su pasión por la comunicación y, actualmente, está próxima a finalizar un máster especializado en comunicación y marketing de moda y lujo en Elle Education.

“Es increíble ver cómo se ha cumplido mi sueño de niña. El mundo de la moda no es fácil y no es para todos. Hay que ser muy fuerte, pero me emociona mucho porque me ha llenado muchísimo. Soy una persona trabajadora que si se pone una meta, hace todo lo posible por que se cumpla. Si se cierra una puerta, yo me meto por la ventana. Siempre hay espacio para todos”, resalta.

De pasatiempo a voz digital

Su historia en redes sociales comenzó a finales de 2018, casi por casualidad. “Empecé como un hobby, haciendo videos de comedia”, recuerda. Sin embargo, al ver que poco a poco su comunidad aumentaba, descubrió el verdadero poder de las plataformas digitales para conectar y construir una voz propia y fue así cómo decidió enfocar su contenido hacia lo que realmente le apasiona, la moda.

“El cambio no fue sencillo. Al inicio perdí seguidores porque transformé completamente mi contenido”, cuenta. Aun así, en lugar de retroceder, optó por mantenerse fiel a su enfoque, una decisión que, con el tiempo, terminó impulsando su crecimiento.

Actualmente, Paula reúne una comunidad de un millón y medio seguidores en sus redes sociales, y su presencia digital le ha abierto puertas en la industria. Ha trabajado con TikTok España en la cobertura de eventos como semanas de la moda locales, al encontrar en el formato audiovisual una forma de conectar con las audiencias desde una mirada más estratégica y acorde a la era contemporánea.

“Estamos en una sociedad en la que algunas personas prefieren ver a chicas bailando, que darse un tiempo para informarse. Pero a mi comunidad le encanta aprender y le apasiona la moda mucho más allá de seguir una tendencia. Puede que no sea la persona más famosa del mundo, pero me llena que las personas me escriban diciendo que descubren cosas nuevas conmigo”, cuenta con emoción.

¿Qué es la moda para usted?

Es mucho más que un outfit bonito. Hoy existe la idea equivocada de que alguien es experto solo por vestirse bien o diferente, pero para mí va mucho más allá. La moda es política, cultura, historia, arquitectura, arte. Es una forma tangible de representar lo que piensa una sociedad o ciertos grupos en un momento específico. Por ejemplo, saber por qué hoy las mujeres podemos usar pantalón o por qué el negro representaba poder en la monarquía. Cuando analizas eso, entiendes la fuerza que tiene cada prenda, cómo cada diseño puede expresar algo y tu forma de ver el mundo cambia por completo.

¿Y qué diferencia la moda de lujo?

La moda puede ser algo más general, más amplio, pero el lujo es una experiencia sensorial. Involucra todos los sentidos y también un componente psicológico que transforma completamente cómo percibimos una prenda, llevándola de algo común a algo extraordinario. El lujo no se trata de dinero, sino de exclusividad. Y creo que eso es algo que se está perdiendo mucho hoy en día. Con las redes sociales sentimos que tenemos acceso a todo, y eso ha diluido un poco su esencia. No lo digo desde un punto de vista económico o social, sino desde la experiencia: lo exclusivo ya no se percibe igual.

¿Qué opina sobre las réplicas?

Las falsificaciones son prácticamente imposibles de eliminar, porque las personas siempre buscan pertenecer. Y en ese intento, muchos recurren a productos que les permiten aparentar un cierto estatus. Personalmente, no estoy de acuerdo con ellas, porque cuando compras algo solo por el logo, se pierde todo el sentido del proceso, la historia y el valor real de la firma. Por ejemplo, prefiero no invertir en una Chanel que se ve repetida en todos lados, y optar por una Jackie vintage de Gucci, que tiene un trasfondo distinto. Al final, el que sabe, sabe.

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Menos tendencia, más identidad

Lejos de seguir al resto, Paula ha construido un estilo que responde únicamente a su esencia. “No me dejo llevar por las tendencias, y eso muchas veces me favorece o hace que la industria vaya en mi contra”, admite. Esa decisión ha sido clave para desarrollar una marca personal sólida, enfocada en la coherencia y no desde el exceso.

“El lujo no se trata de exceso o la persona que tenga más bolsos o zapatos, sino de poder crear un armario cápsula con cosas que realmente tienen sentido para ti”, explica. Por eso, prioriza prendas con historia, especialmente piezas vintage que reflejan el contexto y la identidad de las grandes casas de moda en sus momentos más icónicos. “Ahora muchas cosas se hacen solo por vender”, añade.

Además, su clóset destaca por combinar piezas atemporales con toques actuales. “Mi paleta de colores es negro, chocolate, beige, blanco y gris. Cualquier cosa con color no conecta conmigo”, confiesa. Eso sí, revela que solo haría una excepción: “tal vez un vestido rojo de Oscar de la Renta… pero si no, no gracias”.

Cómo crear contenido con valor

1. Mantente fiel a tu esencia. No te dejes guiar por la opinión de otros ni por la necesidad de viralizarte. Cuando el contenido no nace desde lo que realmente te gusta, es difícil conectar de forma genuina con tu comunidad.
2. Aporta valor. En un entorno saturado de contenido superficial, marcar la diferencia es ofrecer algo más. Motiva, cuenta historias y crea espacios que inviten a aprender.

En pocas palabras

• Su casa de moda favorita es Hermès.
• Ha estado en las Semanas de la Moda de París, Copenhague y Milán.
• Su sueño es trabajar con Anna Wintour.

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Hoy, esta entrenadora, coach y atleta fitness demuestra que a veces los cambios más grandes comienzan con una decisión valiente: cambiar el rumbo para transformar su propia vida y la de miles de personas más.

De la TV al bienestar

Antes de dedicarse por completo al mundo del fitness, la guayaquileña de 34 años, ya había construido una trayectoria en los medios de comunicación. Su camino comenzó como presentadora de televisión, un espacio desde el cual empezó a combinar dos de sus grandes pasiones: la comunicación y el movimiento, al liderar segmentos enfocados en promover el ejercicio.

“Siempre me ha gustado estar en movimiento, pero nunca me imaginé que eso me llevaría a dar clases en televisión y enseñar ejercicio a las amas de casa”, recuerda con cariño. Y posteriormente, su versatilidad hizo que sea parte de un reality de baile e incursionó en la radio como anchor de programas orientados a promover un estilo de vida saludable. “Siempre he sido una mujer soñadora, constante y disciplinada, pilares que han estado siempre en cada faceta en la incursiono”, comenta.

Una comunidad que crece

Aunque su vida profesional estaba encaminada a otro rubro, la pandemia marcó un punto de inflexión para Titi, quien decidió enfocar todos sus esfuerzos en convertirse en creadora de contenido fitness. Lo que comenzó como una forma de compartir su estilo de vida pronto se transformó en una comunidad digital en constante crecimiento y hoy suma más de 490 mil seguidores que la acompañan a diario en su camino hacia una vida más activa y consciente.

“Durante ese tiempo comencé a crear contenido fitness y poco a poco mi comunidad empezó a crecer. Las marcas también empezaron a confiar en mí”, cuenta. A partir de ahí, dio un paso más y creó su propia plataforma digital, desde donde acompaña a mujeres que buscan transformar no solo su físico, sino también su mentalidad frente al deporte, la alimentación y el bienestar.

Gran parte de su audiencia está formada por mujeres de distintos países que encuentran en su contenido, un espacio de motivación y apoyo. Es que, más allá de las rutinas o los consejos de alimentación saludable, Titi también comparte reflexiones sobre amor propio, autoestima y el proceso personal que ha implicado su transformación. 

Sin miedo a las pesas

Titi cuenta que uno de los mitos más comunes es que muchas mujeres temen entrenar fuerza por miedo a desarrollar una figura demasiado musculosa. Sin embargo, la experta explica que eso no puede pasar porque “no tenemos los mismos niveles de testosterona, además influyen factores como la genética y la alimentación”, explica.

Por ello, la entrenadora insiste en la importancia de educar sobre los beneficios reales del trabajo de fuerza. “Es fundamental entrenar fuerza por muchas razones: ayuda al equilibrio hormonal, permite crear masa muscular y favorece la salud a largo plazo. Todos vamos a envejecer, y construir músculo es una forma de asegurarnos una vejez más saludable e independiente. Además, mientras más masa muscular tienes, tu metabolismo trabaja más rápido y eso también ayuda a quemar grasa de forma más eficiente”, afirma.

¿Qué tan difícil es llegar a la mejor versión física de cada persona?

Más que difícil, es un proceso. Muchas veces trato de educar a las chicas para que entiendan que esto no es una carrera rápida, sino un camino de constancia que termina convirtiéndose en parte de tu vida. Las herramientas que usamos deben ser sostenibles. No se trata de hacer cosas extremas o cambios imposibles de mantener, sino de construir hábitos que se adapten a tu estilo de vida y que puedas sostener con el tiempo. El ejercicio no es un castigo, es bueno para ti, tu salud y tu mente.

¿Cómo mejorar la alimentación tras dietas extremas?

Hay quienes llegan con una relación muy complicada con la comida porque han pasado por dietas muy restrictivas o han vivido el famoso efecto rebote. Las dietas extremas no solo afectan el cuerpo, también impactan mucho en lo mental. Cuando alguien tiene miedo de comer, muchas veces hay algo más detrás, como ansiedad, baja autoestima o momentos difíciles que terminan reflejándose en la forma en que se alimenta. No se trata de dejar de comer, sino de aprender a hacerlo. La alimentación debe adaptarse a tu vida y ayudarte a sentirte bien, no convertirse en una lucha constante. La comida no es el enemigo, sino una aliada.

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¿Son necesarios los quemadores de grasa?

No estoy en contra de que alguien los use, porque cada persona toma sus propias decisiones. Pero personalmente prefiero que no se consuman ese tipo de productos, porque no es algo sostenible en el tiempo. Si no construyes hábitos reales de alimentación y ejercicio, no va a haber suplemento que logre un cambio verdadero. El trabajo más importante siempre es el que se hace desde adentro, atacando la raíz del problema. Se puede lograr un cuerpo atlético y saludable sin necesidad de recurrir a eso.

¿Qué tan importante es ‘escuchar’ el cuerpo femenino?

Es importantísimo. Hay fases o momentos en los que nos sentimos más fuertes y otros en los que no tanto. Cada persona es diferente, si un día no puedes entrenar, no pasa nada. El ejercicio puede ser un gran aliado cuando estás bajo presión, pero si te sientes agotada, también es válido descansar y retomar la rutina al día siguiente.

¿Qué papel juega el trabajo mental en el amor propio?

Durante un tiempo competí en fisicoculturismo. Fui seleccionada por Ecuador y por Pichincha, y quedé sexta en Sudamérica en mi categoría. Esa etapa me enseñó mucho, pero también me hizo entender algo muy importante: para sentirte completa no basta solo con trabajar el cuerpo, también hay que fortalecer la mente y la parte espiritual.

Es un proceso constante de aprendizaje. Para mí ha sido clave seguir cultivando a la mujer que quiero ser y rodearme de personas que sumen de forma positiva, incluso si eso significa alejarme de ambientes que no me hacen bien. En ese camino también he aprendido a perdonarme, a sostenerme en momentos difíciles y a seguir evolucionando.

En pocas palabras

• Fue elegida dentro del Top 100 de creadores de contenido del Ecuador 2025 en los Ekos Influencers Awards.
• Uno de sus libros favoritos es ‘Si lo crees lo creas’ de Brian Tracy.
• Entre los audiolibros que escucha está: ‘Deja de ser tú’ de Joe Dispenza.

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Su triunfo nacional, logrado en la ciudad de Piñas, fue una demostración de concentración absoluta. La competencia duró apenas ocho minutos, tiempo en el que tuvo que enfrentar ocho grupos de tres tazas cada uno en la llamada prueba de triangulación: dos tazas con el mismo café y una diferente. El desafío consiste en detectar cuál es la distinta. Jonathan acertó las ocho sin cometer un solo error, una hazaña que, en caso de empate, se define por segundos. “Hay que hacerlo bien y hay que hacerlo rápido”, resume sobre un formato que exige mucha precisión.

Aunque hoy compite al más alto nivel, su relación con el café empezó mucho antes de las competencias. Viene de una historia familiar ligada a este grano desde hace generaciones. Creció entre Guayaquil y Loja, visitando la finca de su abuelo en Cariamanga, donde los sacos de café eran parte del paisaje cotidiano y también del juego infantil. Aquella memoria sensorial, la misma que hoy entrena de manera técnica, fue el punto de partida de una vocación que con el tiempo se volvió profesión.

Hoy, mientras se prepara para representar a Ecuador en el mundial, Jonathan repite el ejercicio una y otra vez en su rutina diaria: ocho grupos de tres tazas, cronómetro en marcha, mente enfocada. No hay improvisación. Hay disciplina, visualización y rituales que incluyen ayuno, meditación y entrenamiento del paladar. “Todo es memoria sensorial”, explica. Y en cada práctica también está presente una convicción que resume su historia: “El café ecuatoriano es un producto noble y uno de los mejores del mundo”. En mayo, su desafío será demostrar su talento frente a más de cincuenta países. 

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La disciplina detrás de la cata

La preparación de Jonathan para competir no se limita a entrenar el paladar; también implica una rutina casi atlética. Antes de una competencia cuida cada detalle de su alimentación: evita el alcohol, el azúcar y las comidas muy fuertes o especiadas. Incluso descarta ingredientes como ajo o cebolla porque “son sabores que se quedan en el paladar y pueden interferir en la cata”, explica.

Pero, en su caso, la preparación va aún más allá. Antes del campeonato nacional realizó un ayuno de casi un día completo para “reiniciar las papilas gustativas y tener el paladar más fresco”. 

A esa disciplina suma un ejercicio mental constante: visualizar la competencia. “Visualizo el recorrido, las tazas, todo el proceso”, dice. Una forma de entrenar no solo el gusto y el olfato, sino también la concentración que exige distinguir, en cuestión de segundos, la taza diferente entre tres casi idénticas. Esto formará parte de su preparación rumbo a Tailandia.

La entrevista

¿Cómo empezó su relación con el café?

Yo crecí en Guayaquil, pero siempre íbamos de vacaciones a Loja a visitar mi familia. Mi abuelo vive en Cariamanga, al sur de la provincia, y cuando era niño él tenía una finca. Recuerdo mucho el galpón donde almacenaban los sacos de café. Era enorme, una bodega llena de sacos y con mis primos nos metíamos a jugar, nos trepábamos sobre ellos. El olor del café siempre estaba presente.

¿Cuándo dejó de verlo como algo familiar y empezó a verlo como un proyecto de vida?

El punto de quiebre fue cuando entré a trabajar formalmente en la empresa. Tenía alrededor de 20 años y todavía estaba en la universidad. Empecé a involucrarme más en el negocio y ahí fue cuando realmente me enamoré del café.

Es Q-Grader. ¿Qué significa exactamente esa certificación?

El Q-Grader significa Coffee Quality Grader. Es una certificación internacional que tienen catadores en todo el mundo y es la más prestigiosa dentro de la industria del café. Para obtener la licencia tienes que aprobar veinte pruebas. Ahí aprendes a distinguir aromas y atributos del café como acidez, dulzor, cuerpo, amargor o salinidad, y también a identificar cafés de distintos orígenes del mundo.

¿Cómo se entrena el paladar para llegar a competir a este nivel?

Al principio, cuando uno empieza a catar, todo sabe simplemente a café. Todos los cafés parecen iguales. Pero con práctica y con guía empiezas a desarrollar la memoria sensorial. En el café, como en el vino, los sabores se identifican por asociación. Es decir, por los recuerdos de aromas o sabores que tienes en la memoria: frutas, flores, especias. Todo eso se entrena.

¿Cómo fue la experiencia de ganar el Campeonato Nacional de Cata?

La competencia consiste en un ejercicio de triangulación. Yo acerté las ocho tazas y el que obtuvo el segundo lugar también, pero la diferencia estuvo en el tiempo: lo hice unos treinta segundos más rápido. En competencias de este nivel, muchas veces se gana por apenas segundos.

Después de este título nacional, ¿qué representa para usted competir en el mundial?

Para mí es una mezcla de pasión y responsabilidad. Siempre quise competir en esta disciplina porque la cata es el ámbito del café que más me gusta. Pero también es una oportunidad para mostrar el café de Ecuador. Hoy nuestro café está reconocido como uno de los mejores del mundo y poder representarlo en una competencia internacional es un orgullo muy grande.

Ping-pong cafetero

• Aroma favorito: Floral.
• Un país cafetero que admire: Costa Rica.
• ¿Qué es más difícil en competencia: velocidad o precisión? Velocidad.
• Un café que le haya sorprendido: La variedad de sidra, es autóctona de Loja.
• ¿El café se disfruta en silencio o con música? Con música.
• ¿Qué música? Soy rockero (risas) pero para el café prefiero algo más suave: blues o jazz tranquilo.
• Una palabra que defina al café ecuatoriano: Noble.
• Lo mejor de catar café: La experiencia sensorial.

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Nacida en Caracas y formada como actriz, Michelle entendió temprano que “nada es permanente”. Migró a Miami en 2012, volvió a empezar, transformó cada etapa en contenido real y hoy su cuenta personal supera los 275 mil seguidores.

Su giro más profundo llegó con la maternidad. Tras enfrentar ovarios poliquísticos y un tratamiento complejo para poder quedar embarazada, en 2022 se convirtió en madre de gemelos. Compartir ese proceso cambió su narrativa pública y la acercó a miles de mujeres que buscaban honestidad en medio de informes médicos, hormonas y miedos silenciosos. De esa experiencia nació un contenido más íntimo, y, paradójicamente, más poderoso.

Paralelamente, su pasión por el bienestar la llevó a crear Michis’s Wellness, una línea de productos veganos alineada con su estilo de vida saludable. La misma coherencia que proyecta en redes la ha llevado también a escenarios de alto perfil: no solo se la ve como speaker en eventos internacionales, sino también en alfombras rojas como Premios Lo Nuestro o Premios Juventud, donde su presencia confirma que la influencia hoy se mide más por credibilidad que por flashes.

Durante su reciente visita a Ecuador, Michelle ofreció charlas dirigidas a mujeres interesadas en aprender cómo monetizar en el entorno digital y convertir sus redes sociales en una fuente de ingresos. “Lo importante no son los seguidores, es la comunidad y la conexión real”, dice. 

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Monetizar con propósito

La experiencia que ganó con su restaurante en Miami, lo convirtió en contenido: publicó un libro de recetas  (arepas de quinoa, ceviches, smoothies de proteína, bowls latinos en versión más saludable) y entendió que su comunidad no solo quería inspiración, sino herramientas prácticas. Monetizar, para ella, fue el resultado de una construcción paciente, más que un golpe de suerte. Lo mismo pasó cuando lanzó su podcast; no tenía auspiciantes pero hoy suma más de diez marcas internacionales. “Nada cae del cielo”, refiere.

Su filosofía empresarial es simple, pero incómoda para quienes esperan resultados inmediatos. “Si abría la puerta de mi restaurante y no entraba nadie, me tocaba hacer eventos, publicidad, conexiones, repartía flyers. Lo mismo aplica para lo digital”. La lógica es la misma: movimiento constante. Para Michelle, no es cuestión de subir una foto y esperar. “Hay que levantarse y hacer que las cosas pasen”.

También desmonta la fantasía de la independencia perfecta. “Ser tu propia jefa está romantizado”, dice sin rodeos. “Es más fácil que alguien te diga qué hacer. Lo difícil es ponerte tus propias metas y no fallarte a ti misma”. Y en un ecosistema donde la credibilidad lo es todo, su filtro es claro: coherencia. Ha rechazado propuestas que no encajan con su estilo de vida porque entiende que “la reputación es el activo más importante”. En tiempos de exposición permanente, monetizar implica criterio: vender con propósito y saber decir que no.

La entrevista

Hoy tiene más de 15 años en redes, ¿qué le enseñó empezar tan joven?

Me enseñó que nada es permanente. No puedes acomodarte demasiado porque todo cambia. Cuando algo se termina, no es el final; casi siempre es el comienzo de algo nuevo.

De las redes nace “More Than Mamis”. ¿Qué significa ese proyecto para usted?

Es mi espacio más real. Ahí hablo de maternidad sin filtros, de salud, de miedos, de los retos como mujeres. Más que seguidores, lo que me importa es la comunidad y la conexión real.

¿Cuál es el error más común que ve en nuevos creadores?

Estoy viendo mucho contenido que ya no se siente humano, sobre todo con el abuso de la inteligencia artificial. Personas que crean avatares y ni siquiera se graban a sí mismas. Y creo que lo que más conecta es la esencia real. La gente quiere autenticidad.

¿Cómo maneja la presión de mostrar una vida ‘perfecta’ en redes?

No intento mostrar perfección. Lo que conecta es la esencia. La herramienta ayuda, pero la esencia no se delega. Si empiezas a sonar como todo el mundo, pierdes tu diferencial.

Trabaja mucho con mujeres. ¿Qué limitante ve con más frecuencia?

El miedo. Y es por el peso que todavía tiene el machismo. Muchas latinas todavía sienten que necesitan permiso de su pareja para crecer. Y no. Nosotras también podemos generar, podemos construir, podemos facturar. Y la libertad financiera es también nuestra herramienta de poder.

Este 8 de marzo conmemoramos el Día de la Mujer. ¿Qué mensaje darías en ese contexto?

Que no hay una fórmula mágica para el éxito. La clave es seguir. Prepararte, rodearte bien y no rendirte cuando las cosas no pasan al ritmo que quieres. Y que la M de mamá no borre la M de mujer.

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En el caso de la asambleísta Mónica Palacios, su estilo al parecer caminar de la mano con la intensidad con la que suele participar en la contienda política. No es casualidad que muchos de sus looks recurran a colores fuertes como el rojo o azul y a prendas de corte formal con ciertos guiños a piezas más modernas.

Sin embargo, como ocurre con muchos perfiles políticos, el reto está en equilibrar elegancia y coherencia institucional. Y ahí es donde se nota que la asambleísta ha intentado pulir su estilo. 

Si se comparan sus apariciones recientes con las de años anteriores, cuando abundaban los bloques de color demasiado estridentes o la acumulación de maxi accesorios en un mismo look, es evidente que hay un esfuerzo por depurar sus outfits.

Porque los detalles también importan. Y justamente por eso analizamos algunos de sus looks públicos y los pasamos por nuestro Semáforo de la Moda, dejando que la inteligencia artificial también proponga cómo podrían elevarse estos outfits sin perder personalidad.

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Los looks que propone la IA

Mantener las prendas en colores vibrantes, como blazer rojo, que funcionan muy bien como pieza protagonista, pero combinarlo con tonos beige, blanco o marfil y accesorios minimalistas. Así se conserva la fuerza del color sin saturar el look.

La inteligencia artificial sugiere también apostar por looks monocromáticos a partir de chaquetas en tonos vibrantes que a ella le gusta lucir. Llevar un solo tono es una fórmula elegante y muy poderosa en política.

Asimismo, la IA recomienda mantener el traje estructurado, pero optar por una versión ligeramente más larga o con pantalón de sastrería para reforzar la imagen institucional.

Sobre ella

• Asambleísta de la bancada RC5
• Es licenciada en Economía, Ciencias Políticas e Historia por el Queens College, City University of New York.

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Entre los requisitos constan tener entre 18 y 27 años, ser ecuatoriana de nacimiento o naturalizada, ser soltera, no tener hijos, no estar embarazada y haber nacido mujer. Con esta convocatoria se marca el arranque oficial de la nueva temporada del certamen.

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La reina que se marcha

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La futura soberana será la sucesora de Gisselle Rosales de origen cubano y machaleña de corazón. Cuando llegó al país siendo niña, participó en el festival de mini reinas de la Feria Mundial del Banano.

Después, ya adolescente, probó suerte en el Fashion Weekend, en el que se quedó con el primer lugar. Desde entonces continuó vinculada estrechamente al modelaje y a las pasarelas.

Con 1,69 metros de estatura y ojos verdes, volvió a ponerse a prueba en el año 2022 cuando participó en la elección de la Reina de Machala, título que ganó.

Su elección generó debate en redes sociales por su lugar de nacimiento. Sin embargo, ella cumplía con uno de los requisitos del reglamento: haber residido al menos cinco años en la ciudad antes de postularse.

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Ser mujer y afro en un entorno vulnerable significó convivir con expectativas limitadas. “Muchas veces primero evalúan cómo te ves y después lo que sabes hacer”, dice sin titubeos. Pero su historia tomó otro rumbo: culminó la universidad, ganó becas, estudió en Alemania y comprobó que las oportunidades que parecen lejanas sí existen. Ese contraste, entre el prejuicio y la capacidad, no terminó de encender su propósito.

Antes de formalizar su propia fundación, Anselma ya había pasado por organizaciones comunitarias, colectivos juveniles y proyectos con migrantes. El servicio no fue una moda, fue una crianza. Cuando por fin legalizaron Mina Horizons Foundation, el sueño dejó de ser conversación de sobremesa y se convirtió en estructura, voluntarios y proyectos concretos. Hoy, la fundación trabaja principalmente con niños, adolescentes y madres solteras en Guayaquil, ofreciendo formación en educación financiera, liderazgo, tecnología y salud mental.

En escenarios internacionales, donde también ha sido invitada como conferencista, Anselma habla con orgullo de su país. Reconoce los desafíos, pero rechaza el discurso derrotista. “El entorno no define quién eres”, afirma, convencida de que la resiliencia también se aprende. Su apuesta es clara: consolidar la fundación en Ecuador y proyectarla al mundo.

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Fundación con propósito 

¿Recuerda cuál fue su primer gran sueño que parecía imposible lograrlo?

Terminar mis estudios. Como mujer afroecuatoriana del sur de Guayaquil, parecía que el destino era limitado. Pero mi mamá nos enseñó que la educación era el único camino para salir adelante.

¿Desde cuándo empieza su vínculo con el trabajo comunitario?

Desde muy pequeña. Mi mamá siempre estuvo involucrada en organizaciones sociales y eso lo heredamos. Participábamos en organizaciones del Guasmo Sur, del Guasmo Central y también del centro de Guayaquil, tanto afro como no afro. Organizábamos actividades lúdicas para niños y, ya de adolescentes, trabajé en una organización que apoyaba a jóvenes migrantes y desplazados de Colombia, Venezuela y Haití, ayudándolos a integrarse al sistema educativo ecuatoriano.

¿Qué sentía que hacía falta y por eso decidió crear la fundación?

Un espacio que trabaje con sectores vulnerables en general, especialmente niños y madres solteras, dándoles formación real. La educación transformó la historia como hermanos y queremos que transforme la de otros.

¿Qué tipo de capacitaciones ofrecen?

Educación financiera, liderazgo, tecnología, manejo responsable de redes sociales y salud mental. No basta con motivar, hay que dar herramientas.

¿Qué estereotipo le gustaría romper?

Que la imagen define tu capacidad. Muchas veces primero evalúan cómo te ves y después lo que sabes hacer.

¿Qué la sostiene cuando llegan los “no”?

La resiliencia y el espíritu de ayudar. No siempre es un sí, a veces es un después. Pero si podemos aportar aunque sea a 50 jóvenes, vale la pena.

Estamos próximos a conmemorar el Día de la Mujer ¿qué le diría a una niña que siente que su contexto la limita?

Que fortalezca su mente y su carácter. El entorno no define tu destino; está en ti decidir hasta dónde quieres llegar.

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Tejiendo redes con más países 

Más allá del discurso inspirador, Anselma está construyendo una red de apoyo. Sus experiencias en estudios en Alemania y conferencias en Estados Unidos no son capítulos aislados en su biografía, sino conexiones estratégicas. Cada viaje implica tocar puertas, presentar la fundación y buscar alianzas que permitan intercambios, capacitaciones virtuales y colaboraciones binacionales. La meta no es solo impactar localmente, sino posicionar a Mina Horizons Foundation como un puente entre Ecuador y otros países.

El modelo de trabajo también marca diferencia. La fundación no apuesta por figuras mediáticas, sino por jóvenes profesionales que sepan conectar con niños y madres solteras desde la experiencia real. La apuesta es clara: acompañamiento sostenido, seguimiento posterior a cada taller y formación práctica en temas que realmente inciden en la autonomía económica y emocional.

A cinco años de su creación, el siguiente paso es consolidar infraestructura propia y asegurar financiamiento estable. El sueño es ambicioso: bases sólidas en Ecuador y expansión internacional, empezando por Brasil donde está su hermana, la modelo Carmen Mina. El enfoque es prudente: primero fortalecer y luego escalar. Porque para Anselma, el impacto no se mide solo en números, sino en historias que logran sostenerse en el tiempo.

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Llegó a Ecuador de su natal Venezuela, y fue la pandemia la que redefinió su historia. Sin ingresos estables, decidió convertir su bagaje deportivo en oportunidad. Así nació su marca con una premisa clara: unir estética y funcionalidad. Porque, como ella misma dice, “hacer ejercicio ya es un reto; si además te sientes incómoda con tu ropa, la disciplina se cae”.

Su red social, donde hoy reúne una comunidad de más de 35 mil personas, ha servido de empuje para tener un trabajo sostenido. Ya ha recibido tres reconocimientos importantes: primer lugar en InnovAItech, avalado por la UNEMI. Segundo lugar en Capital Up de Working Up y AEI, y finalista de los 100 Mejores Emprendimientos de Ecuador (AEI).

Pero quizá lo más poderoso no está en los premios ni en las cifras, sino en el propósito. Izanayi diseña pensando en la mujer latina, es decir, curvas, fuerza, maternidad, cansancio y ambición incluidos. De ahí que su objetivo es más íntimo y más grande a la vez: que cada mujer, antes de salir a entrenar o a enfrentar el día, se mire al espejo, respire profundo y se diga: “Sí puedo”.

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Proveedores 10/10, el gran reto

Producir en Ecuador no fue romántico, fue estratégico. El mayor reto no estuvo solo en las telas, sino en encontrar proveedores que entendieran el estándar que ella buscaba: “conseguir telas que no se rompan, que no se destiñan, que realmente resistan”. Pero más complejo aún fue la confección. Muchas prendas lucían impecables a simple vista, hasta que al usarlas “la costura fallaba”. Fue un proceso de ensayo constante, de exigir muestras, de probar antes de aprobar. Porque, como ella misma reconoce, “el emprendimiento no tiene estructura al inicio; la vas construyendo”.

Esa rigurosidad técnica dio paso a la innovación. Para Izanayi, la funcionalidad es clara: “que la prenda te haga sentir segura”. Por eso eliminaron la costura frontal en licras, diseñaron push up con costuras estratégicas y desarrollaron su propuesta más reciente: prendas reversibles y faldas 2 en 1 pensadas para mujeres que entrenan distinto, pero viven igual de rápido. Cada detalle ha sido testeado por ella misma en movimiento.

Tienda física vs online

Cove's nació digital y se mantiene así. “Todo empezó y sigue siendo online, desde casa”, afirma. Más que una limitación, ha sido una decisión estratégica: construir tráfico, comunidad y presencia diaria. Participar en ferias tras la pandemia y trabajar con puntos aliados —canchas de pádel, tiendas multimarca, espacios estratégicos— permitió que las clientas tocaran la prenda sin abandonar la esencia digital.

La experiencia física más potente fue su paso por Onda Loca, en Mall del Sol. Lo que inició como un contrato de tres meses se extendió a nueve. “Fue una locura maravillosa”, recuerda. El tráfico que generaban superó incluso las ventas online. Sin embargo, cuando sintió que el ciclo estaba cumplido, decidió cerrar esa etapa. Porque más que depender de un espacio físico, su fortaleza está en una comunidad que conecta con la marca todos los días, desde cualquier lugar.

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La entrevista

Crear para la mujer latina no debe haber sido sencillo. ¿Le tocó estudiar distintos tipos de cuerpo?

Muchísimo. Fue uno de los retos más grandes. La mujer latina tiene pierna fuerte, cadera amplia, curvas marcadas. Y muchas veces las prendas estaban pensadas para cuerpos fit. Mandábamos a hacer producción y la licra estiraba, pero la costura comprimía demasiado la pierna. Se veía y se sentía incómodo, así que con las costureras ajustamos el patrón.

También está el tema de las tallas, ¿cómo lo manejó?

Al inicio cometimos el error de trabajar con talla única porque era más rentable. Pero entendí que no estaba pensando en la clienta. No hay nada más triste que alguien diga: “Me encanta, pero eso no está hecho para mí”. Hoy trabajamos de S a XL porque quiero que cualquier mujer se pruebe la prenda y se sienta incluida.

¿Cree que una marca necesita agencia o puede crecer desde lo orgánico?

Hay cosas que puedes hacer de manera empírica y funcionan, incluso se viralizan más porque son reales. Lo natural conecta. Pero también creo que necesitas dirección profesional. El marketing hoy lo es todo. Hay personas que viven y respiran eso, y escuchar a quienes saben siempre suma.

¿Eso incluye trabajar con grandes influencers?

No es mi prioridad. Prefiero mujeres reales. Mamás que entrenan cuando pueden, emprendedoras que sacan tiempo para hacer ejercicio. Porque esa es nuestra clienta. No la chica que está de fiesta; es la mujer que trabaja, que tiene hijos, que lucha por su espacio. Cuando ellas se ven reflejadas, conectan.

¿Qué significan los reconocimientos para usted?

Son validación después de años de constancia. Hemos recibido tres importantes, pero más que premios, son impulso para seguir creciendo.

¿Siente que volvió esa mentalidad de atleta que era?

Sí. La medallista nunca se fue. Solo cambió de escenario. Antes competía en karate; hoy compito conmigo misma, con mi disciplina, con mi constancia. Emprender tiene esa misma fuerza.

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Su historia comienza en lo doméstico, en lo cotidiano, en lo femenino ancestral que marcó su mirada estética. Creció rodeado de crochet, bordado y agujetas, observando a su madre y a su abuela crear. Esa herencia cultural no es un recurso visual dentro de su marca Orrthiz: es el punto de partida.

De ahí nace su proceso creativo,  no responde a fórmulas tradicionales de diseño. Parte desde la emoción antes que desde el boceto. Él mismo lo explica con una frase que define su método: “las prendas tienen que hablar”. Eso se traduce en piezas hechas a mano que pueden tomar meses en construirse, donde cada hilo, cada estructura y cada silueta responden a investigación, prueba y error, y a una búsqueda constante de nuevas posibilidades dentro del lenguaje textil.

Más allá de lo estético, su propuesta también es cultural y social. Diseña desde la identidad latinoamericana y desde la historia ecuatoriana, explorando el mestizaje, la memoria y la construcción de identidad colectiva. Su objetivo no es solo crear ropa, sino generar conversación. 

Hoy, esa visión sube a pasarelas y escenarios. La marca ha estado en plataformas como Quito Fashion Week y Dual, sino también Guatemala Fashion Week. Además, será uno de los encargados en vestir a la artista ecuatoriana Brenda para el Festival de Viña del Mar, (que inicia hoy, 22 de febrero) llevando al escenario una propuesta donde el textil artesanal, la herencia cultural y la identidad ecuatoriana dialogan en una sola pieza.

Para Orrthiz, este paso no solo representa proyección internacional, sino también la posibilidad de posicionar su sueño mayor: construir una marca que represente el lujo artesanal latinoamericano desde Ecuador hacia el mundo.

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La herencia que se convierte en lujo

Dentro del proceso creativo, la figura materna es clave. Él mismo lo resume con naturalidad: “Mi mamá trabaja mucho en la elaboración de piezas grandes, como vestidos. Yo me enfoco en acabados, sistema de color, combinaciones y dirección estética”. Es una dinámica donde tradición y mirada contemporánea conviven.

En su proceso creativo actual, Orrthiz se mueve entre memoria y presente. Reconoce que ambas fuerzas conviven en su trabajo, aunque mira hacia adelante con un discurso más directo: “En nuevas colecciones quiero abordar temas sociales y políticos de forma más directa”. Su moda no busca ser decorativa; busca ser conversación. Una postura que conecta con su visión de la moda como herramienta cultural y como vehículo de identidad.

Ese mismo enfoque se refleja en su relación con los materiales y en la transición que marcó su vida profesional. Sobre el acceso textil, es claro: “El acceso a materiales es uno de los retos más grandes. Seguimos el canal tradicional: vamos a los mismos lugares donde compran mujeres que tejen para el hogar, pero damos otro tratamiento, otra narrativa, otro valor”.

La entrevista

¿Qué representa ahora Viña del Mar para la marca?

Para mí, es el resultado de una relación que se ha construido con el tiempo. Con Brenda nos conocimos en 2024 a través de Instagram, cuando le pedí autorización para usar una de sus canciones en mi primer desfile dentro del Quito Fashion Week. Nuestros lazos de amistad se fortalecieron y comenzamos a trabajar juntos en distintos proyectos. Que hoy ella lleve una pieza mía para un escenario como Viña del Mar significa mucho. No solo por la visibilidad, sino porque representa un proceso real de confianza, de crecimiento conjunto y de respeto mutuo por lo que cada uno construye desde su arte.

¿Qué cambia cuando diseñas para una artista y no para pasarela o certamen?

Todo. No es lo mismo diseñar para un concurso de belleza que para una artista que canta, baila y se mueve en escenario. La prenda tiene que acompañar la energía del show.

Hablas mucho de identidad… ¿Desde dónde nace esa búsqueda?

De entender que históricamente hemos sido más conquistados que conquistadores. Eso genera una lucha constante por construir identidad propia. Desde ahí también nace la fuerza de la marca.

¿Cómo has ido construyendo la parte técnica?

Con años de prueba y error. Hemos desperdiciado material, hemos fallado, pero así se aprende. Ahora estamos logrando siluetas estructuradas con tejido, algo que antes parecía imposible. Trabajamos con crochet, tejido en dos agujas, bordado a mano, bordado con hilos y pedrería.

Tus colecciones ya están cruzando fronteras ¿cómo llega la inspiración para crear las prendas?

Muchas veces desde la emoción, y eso parte de la música, la literatura ecuatoriana, la historia, la poesía. En la poesía encuentras frases que pueden convertirse en prendas.

¿Y cómo manejas la línea entre inspiración cultural y apropiación?

Con respeto. Por ejemplo, cuando trabajé con sombreros, los compré directamente a artesanos para generar economía circular. No eran piezas para venta.

Si la marca se vuelve más comercial, ¿qué nunca sacrificarías?

Lo artesanal. Siempre habrá algo hecho a mano en cada pieza. Sino, la prenda pierde alma.

El dato

• El nombre de su marca nace desde el núcleo familiar: la base viene del apellido Ortiz, ligado a su madre y la doble “r” por su abuela de apellido Rosero; mientras que “th” responde a su propio nombre, Jonathan, convirtiendo la marca en una fusión directa entre herencia y autoría.

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El verdadero empujón llegó cuando la vida la sorprendió con una noticia: sería abuela. Y así se adentró en el mundo de los cuentos ilustrados. Mientras escribía las historias, entendió que ese viaje creativo era también un viaje emocional hacia sí misma. “Sentía que abrazaba a mi niña interior” dice.

El libro, al que llamó Vuelo a la infancia, propone volver a mirar el mundo desde la sensibilidad de los niños. “La infancia no desaparece, solo se queda dormida. Y hay que aprender a despertarla”, afirma. Bajo esa idea, la obra invita a recuperar la capacidad de asombro, la creatividad y la conexión con lo simple. No es casual que esté pensado “para niños de 0 a 99 años”, una declaración directa sobre su alcance emocional.

Ligada al mundo wellness, Verónica apuesta por la memoria sensorial: pasta dura como las enciclopedias de antes, páginas texturizadas y cuentos ilustrados que integran tecnología actual mediante apoyo de inteligencia artificial. El resultado es una pieza que no solo se lee, sino que se toca y se siente, en coherencia con el mensaje central de la autora: volver a lo esencial, a lo tangible y a lo que nos conecta con quienes fuimos.

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El origen de Vuelo a la infancia

¿Qué significa ese “vuelo” para usted emocionalmente?

 Es una invitación a volver a mirar el mundo con ojos de niño y a rescatar esa infancia que todos tenemos dentro. La infancia no desaparece, solo se queda dormida. Y hay que aprender a despertarla.

¿Cuándo sintió que el libro realmente empezó a consolidarse?

Ya venía puliéndose desde hace un tiempo, y el nacimiento de mi nieto, hace cuatro meses, terminó de darle un sentido muy especial. El primer cuento es dedicado para él, pero el resto está dedicado a todos nosotros.

¿De dónde parten las historias de su niñez?

Yo crecí en el barrio de Urdesa. Era de las que bajaba mangos del árbol y me reunía con mis amigas afuera de casa para jugar … Pero estas historias vienen de la infancia en general. De experiencias y sensaciones con las que muchas personas se van a sentir identificadas.

 Cuando empezó a escribir estos cuentos, ¿a quién sentía que estaba abrazando?

Sentía que me abrazaba a mí misma. Incluso sentí que me transporté al útero materno, a esa conexión profunda con mi madre.

¿Qué siente que sanó?

Más que sanar con la escritura, siento que me permitió ver la riqueza que tenemos dentro como seres humanos y la importancia de volver a mirar la vida con ojos de creatividad, valorando lo simple y lo esencial, tal como lo hacen los niños.

Ha tenido una formación diversa. ¿Cómo ha influido eso en su camino?

Siempre he sido una eterna estudiante. Pasé por periodismo, publicidad, orientación familiar, talleres de escritura… Todo ha sumado a quien soy hoy.

 ¿Su formación en orientación familiar influyó también en este proyecto?

Sí, todo se complementó: la terapia, la orientación familiar, la escritura, el yoga. Todas mis facetas están abrazadas en este libro.

¿Qué significa para usted haber lanzado un texto en esta etapa de su vida?

Siento que fue la edad perfecta. Hace 20 años quizás me habría dado vergüenza decir muchas cosas. Hoy escribo sin filtros, escribo desde el corazón.

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La escritura como bienestar

Para Verónica, la escritura no nació como un proyecto literario, sino como una necesidad emocional profunda. Este hábito se acentuó hace casi una década, durante la enfermedad y posterior fallecimiento de su esposo, cuando su psicóloga le sugirió hacerlo. “Comencé a escribir como parte de un proceso terapéutico”, recuerda.

Ese proceso no fue sencillo. Hubo momentos en los que, según explica, la escritura fue “bastante oscura” y aparecieron emociones y recuerdos difíciles de procesar. Sin embargo, ese espacio también se convirtió en un canal de liberación emocional. “Yo desfogaba todo ahí”, cuenta. Incluso abrió un blog donde publicaba esos textos, sin imaginar que esa exposición íntima terminaría marcando el inicio de un camino creativo mucho más grande.

Con el tiempo, la reacción de quienes leían esos escritos fue clave para que la idea de un libro comenzara a tomar forma. Amigos cercanos le decían: “Qué bonito escribes, deberías escribir un libro”. Esa semilla creativa empezó a gestarse.

Hoy observa además un cambio cultural claro: “La gente busca bienestar a través de la lectura, la escritura, el yoga, el autocuidado. Son cosas que parecen simples, pero son muy importantes”. Para ella, el cuidado emocional y físico ya no es un lujo, sino una necesidad esencial en la cotidianidad .

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Lo que llamó la atención del público y de la prensa fue que Mara Topic, Miss Universo Ecuador 2024, tuvo mayor protagonismo y prácticamente asumió el rol de anfitriona, en lugar de Nadia Mejía, Miss Universo Ecuador 2025, a quien le correspondía esa función.

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EXPRESIONES consultó a Miguel Panus, uno de los directores de CNB Ecuador, organización encargada del certamen nacional, quien explicó: “Nadia no recibió a Fátima en el aeropuerto porque se encontraba cumpliendo otros compromisos en Ambato. Se saludaron al día siguiente, antes de iniciar el desfile de la Fruta y las Flores. Y Fátima se quedará hasta el 18”.

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Previamente, Tahiz Panus, también directora de CNB Ecuador, pidió en sus redes sociales que “no se indisponga a las chicas que están con la mejor actitud”.

Nadia no ocultó decepción

Sin embargo, el contexto no pasa desapercibido. Tras el triunfo de Fátima Bosch como Miss Universo, en el certamen desarrollado en noviembre en Tailandia, Nadia Mejía no ocultó su decepción al asegurar que percibió situaciones que calificó como “no transparentes”.

Cuando regresó al país, el escándalo estaba en pleno auge por supuestas irregularidades y un presunto fraude. “Viví cosas raras allá. Viví experiencias incómodas, favoritismo y cosas que escuché que no fueron justas”, dijo en ese entonces la hija del rapero Gerardo Mejía, quien además denunció haberse sentido discriminada por estar casada.

“Ellos cambiaron las reglas para permitir madres y mujeres casadas, pero en 2024 y 2025 no recibieron el mismo trato que el resto. Si vas a mencionar inclusión, celebremos a una mujer casada, celebremos a las madres. Pero creo que la organización no estaba lista para eso. Durante el concurso me decían: ‘Nadia, por favor, no digas que eres una mujer casada’”, manifestó.

Ahí no quedó todo. La soberana señaló que fue víctima de amenazas y de una campaña de odio en redes sociales, no solo contra ella, sino contra varias excandidatas.

La descompensación de Fátima

Durante el desfile en Ambato, Fátima Bosch sufrió una pequeña caída o descompensación mientras recorría las calles sobre un carro alegórico. El hecho ocurrió de forma repentina, cuando saludaba a los asistentes. Se indicó que la causa probable habría sido el mal de altura, ya que Ambato se encuentra entre los 2.500 y 2.580 metros sobre el nivel del mar, lo que puede provocar mareos, falta de aire y desmayos en personas no habituadas.

No obstante, la reina mexicana está acostumbrada a vivir en altura. Reside en Ciudad de México, situada a unos 2.240 metros sobre el nivel del mar.

Según datos de Ibope, el médico Esteban Ortiz publicó en su cuenta de X que el incidente no estaría relacionado con el mal de altura. A su criterio, la descompensación habría sido consecuencia de agotamiento o de una inadecuada alimentación previa al desfile.

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