Saratoga, surgida en Madrid en 1992, forma parte de esta tradición, lo que no significa que su música se haya quedado estancada en la nostalgia.

La agrupación está viviendo un momento especialmente dulce, pues este mes verá la luz su nuevo disco, En estado puro, ocho años después de Aeternus (2018), su último trabajo en estudio. Aunque durante este tiempo se han mantenido en constante actividad, pues lanzaron dos álbumes en vivo, además de XXX (2021), con regrabaciones de sus temas más conocidos.

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Este 24 de abril sale a la calle el disco y al día siguiente Saratoga inicia la gira de promoción en Murcia, en su natal España, que incluye fechas en América Latina, específicamente en Colombia, Ecuador (ver nota adjunta), Argentina, Chile y Perú.

En estado puro, que tendrá diez canciones, fue grabado en Madrid en los estudios New Life, bajo la batuta de José Garrido y Daniel Sabugal. Saldrá en formato vinilo y disco compacto (CD), por el sello español Maldito Records.

“En un CD entra muchísima música, pero un vinilo tiene un minutaje determinado. Ya nos había pasado en otros discos que en la versión de vinilo teníamos que quitar dos temas, lo cual es una pena. Entonces hicimos un disco redondo con diez canciones para que encaje perfecto en el vinilo”, le explicó el vocalista Tete Novoa al medio ecuatoriano Headbangers acerca de la elección del número de tracks.

Ya han publicado dos adelantos: los singles Inteligencia artificial y A toda velocidad.

En cuanto al primero, Tete comentó: “Es una canción con una temática muy actual. En la industria musical está cambiando a pasos agigantados la forma de composición y producción. A veces parece que el ser humano evoluciona, pero muchas veces parece que ese avance significa cinco pasos atrás, porque cada vez nos hacemos más perezosos. Cada vez más hacemos a un lado la creatividad humana, el arte, y dejamos que las máquinas nos faciliten la vida, pero creo que eso es una involución”.

Acerca del segundo sencillo, A toda velocidad, es un tema compuesto por su nuevo integrante, el peruano Charlie Parra del Riego, quien ya había tocado con Saratoga en sus conciertos en tierras americanas, pero ahora se mudó a España para unirse a la agrupación.

Este segundo sencillo “es un hostiazo en la cara, súper heavy, muy cañero, con unas guitarras muy potentes. Este es el primer disco que Charlie Parra del Riego graba con Saratoga como compositor y se ha adaptado perfectamente. Él es camaleónico y ha compuesto temas que suenan a Saratoga de toda la vida”.

A toda velocidad tiene su respectivo videoclip, rodado íntegramente en Ciudad de México, donde estuvieron tocando con Ángeles del Infierno. El audiovisual incluye imágenes de ese show en vivo, backstage y la efervescencia del público.

Para los conciertos de la gira de promoción de En estado puro, la banda ha previsto dividir el show en tres bloques. “Vamos a rescatar grandes joyas olvidadas, porque hay un montón de canciones de la discografía de Saratoga que no se han tocado casi nunca o nunca en directo. Luego, los temas que más estén funcionando del disco. Y tendremos una última parte de grandes éxitos”, detalló Tete.

En Saratoga destaca su visión empresarial, lo que incluye una detallada planificación de las giras y el tipo de promoción por ejecutar. “Tuvimos varias reuniones para elegir estratégicamente los singles. El sello trabaja con empresas digitales, porque ahora tienes que atacar sobre todo ese mercado y tienen unas acciones muy potentes. Haremos la presentación para medios y una preescucha para fans”, concluyó el vocalista.

Tete también forma parte de 'WAH Show'

Tete lleva cuatro años trabajando en el WAH Show, en Madrid, una experiencia multisensorial con la participación de más de 40 artistas, que va por su quinta temporada. El espectáculo cuenta con tecnología de punta, sonido envolvente 360º y pantalla led de 240 m².

“Es un show difícil de explicar. Siempre digo lo mismo: WAH hay que vivirlo porque es una experiencia que fusiona gastronomía, artes escénicas, ocio nocturno”, comenta Tete.

WAH comprende tres actos. En el primero el protagonista es la gastronomía e incluye magos, acróbatas y demás artes escénicas. El segundo acto es musical, con fusión de estilos como flamenco, rock ópera o música clásica. Y cierra en plan discoteca, con DJ, sets en vivo y cocteles.

Conciertos de Saratoga en Ecuador 

Saratoga se presentará en Quito el sábado 30 de mayo, en la Plaza de Toros, junto a Obús (foto) y Kabrones (ambas de España), y las cuencanas Basca y Bajo Sueños, en el concierto llamado La Noche del Rock 2.

Boletos: $30 en general, $40 en preferencia, $50 en contra barrera, $75 en arena vip y $85 sillas rock box (precios no incluye en valor del servicio).

Y el domingo 31, Saratoga tocará en la ciudad de Atuntaqui, provincia de Imbabura, con Obús, Basca y otros nombres por confirmar. 

Kabrones (o cómo hacer enojar a tu exbanda)

En el concierto La Noche del Rock 2 genera expectativa la presentación del grupo español Kabrones, formado por exintegrantes de Mago de Oz: el cantante José Andrea (nacido en La Paz, Bolivia); los guitarristas Frank Gómez y Carlitos Marín; además del bajista Salva Rogelio García.

Ellos grabaron los discos más conocidos de Mago de Oz, al punto de que muchos siguen asociando a la banda con la voz de José Andrea, lo que demuestra que los fans suelen aferrarse a determinados momentos y canciones de sus grupos favoritos.

El repertorio de Kabrones está formado, precisamente, por los grandes hits de su exbanda.

Inicialmente decidieron llamarse Los Mago, pero por líos legales con el baterista Txus di Fellatio, fundador de Mago de Oz, tuvieron que cambiarlo.

Los problemas con Txus datan desde 2018, cuando este decidió registrar la marca Mago de Oz a su nombre, sin consultar con el resto de integrantes, lo cual fue considerado una puñalada por la espalda por sus compañeros, quienes argumentaron que Txus se adueñó de un proyecto que nació de forma colectiva.

José Andrea estuvo en Mago de Oz hasta 2011 y a pesar de que en su momento salió en buenos términos, la relación con Txus se ha deteriorado con los años.

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Muchas bandas y solistas, quizás un poco a contracorriente, aún se atreven a lanzar discos, en lugar de únicamente sencillos.

Puede ser considerada una apuesta arriesgada, ya que a diferencia de la brevedad del single, un disco exige un mayor esfuerzo por parte de los oyentes, que deben darse el tiempo necesario para apreciar con atención la colección de canciones que propone un álbum.

Hoy queremos que nuestros lectores se pongan al día con tres (mejor dicho cuatro) lanzamientos desde Ecuador y dos de México, de diversos géneros musicales: dungeon synth, hiphop, rock alternativo, punk rock y reguetón. Porque nuestra bandera es la diversidad musical.

Ultratumba: 'Atrako live' + 'QuitoFest 2025'

Después de su último álbum de 2011, la agrupación guayaquileña de punk rock Ultratumba lanzó a fines del año pasado Atrako Live, grabado en vivo en las instalaciones del centro cultural Atrako, en Guayaquil, por Manuel Carbajal Dunkley, en su mayoría con temas que no aparecen en sus dos discos.

Y a inicios fue publicado otro disco en concierto, nada menos que de su participación en el QuitoFest 2025, registrado por el productor Sergio Vivar, quien también está trabajando el nuevo álbum en estudio de la banda.

La presencia de Vivar fue clave además porque ayudó a Ultratumba a solucionar un contratiempo que amenazaba con echar a perder su show en la capital. Resulta que una hora antes de partir del hotel rumbo a la sede del QuitoFest, el vocalista y bajista Omar Sotomayor perdió la voz casi en su totalidad.

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Pero Sergio Vivar acudió al rescate y recordando sus años como estudiante de Medicina antes de dedicarse a la música, le inyectó corticoides a Omar, quien veinte minutos antes de subir a la tarima recuperó su voz.

Superado el bache, Ultratumba puso a los 35.000 espectadores del festival a gritar, bailar y poguear, en una presentación que se realizó justo mientras caía la tarde y el cielo cambiaba de color, para añadir un toque de magia extra al momento.

Este disco incluye varios clásicos y canciones nuevas, adelantos de lo que será su tercer trabajo de estudio de largo aliento, esperado durante quince años por la escena.

A diferencia de Atrako Live, en el que la batería la tocó Jorge Cabezas, el disco QuitoFest 2025 fue grabado por el nuevo integrante de Ultratumba, Fabricio Carriel, con un largo recorrido en grupos como Telémaco, Callejón Zaruma, Pi9, Lylith, entre otros proyectos.

Urku Llanthu: 'Wachuma'

El nuevo álbum de Urku Llanthu, que toca una fusión de dungeon synth y dark folk, se titula Wachuma, nombre en kichwa que recibe el también conocido como cactus de San Pedro, rico en mescalina.

Constituye una planta mística para la cosmovisión andina, a la que se le atribuye el poder de establecer una conexión entre el mundo material y el espiritual.

La ceremonia de la wachuma es un ritual llevado a cabo por un chamán, cuyo objetivo es que los participantes se reconcilien con sí mismos, con la tierra y con sus ancestros; que florezcan y que su subconsciente se abra de la misma forma que el cactus florece en la noche.

Este es el concepto que inspira el sexto disco (publicado por Takiri Independent Productions) de este proyecto unipersonal del quiteño Pablo Mesías.

Desierto Drive: 'Antes de que salga el sol'

Aprovechando que pronto estarán en Ecuador, queremos recomendar el más reciente álbum del grupo Desierto Drive, de Monterrey, México, formado por exintegrantes de los recordados Panda.

Es el segundo disco en estudio después de Mexican Dream (2019), y lo que más han comentado los fanáticos es el esfuerzo de la banda por encontrar su propio sonido en lugar de vivir de la fama de su anterior grupo.

Incluso en redes se puede ver que gran parte de sus seguidores no son necesariamente nostálgicos de Panda, sino nuevas camadas que han conectado directamente con la propuesta de rock alternativo de Desierto Drive, que se presentará este 8 de mayo en Guayaquil y el 9 en Quito.

En ambos conciertos los acompañará el proyecto/tributo Panda Vive, liderado por Jorge ‘Kross’ Vázquez, el baterista original de Panda. 

Mogo: Pleroma

Aunque vio la luz a fines del año pasado, no queremos dejar pasar la oportunidad para recomendar Pleroma, el más reciente disco de Mogo, nombre artístico del guayaquileño Anthony Mogollón.

Grabado en El Decibel, punto clave de la escena hiphop en Guayaquil, que trabaja en silencio pero con tenacidad, este disco de Mogo contiene ocho temas con beats de lujo y líricas sin filtros no aptas para mojigatos. Todo marca de la casa.

El repertorio incluye dos colaboraciones: con la cantante de neosoul y blues Nohe, en Mi negra, y con el rapero Lapentti, en Quiebre; además de contar con el flow de DJ Cone.

Charly Gynn: 'Sin suerte, nacimos bendecidos'

Para quienes gusten de música y líricas hechas por mujeres ‘power’, el segundo álbum de la mexicana Charly Gynn, lanzado en este 2026, dos años después de su debut, La Matatana.

Con la producción de Tzunami, en esta nueva entrega la cantante y compositora ha trabajado con nombres como Alnz G, Yoss Bones o Sir Speedy.

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Pero más allá de esa mirada dicotómica -entre la exaltación y la condena-, la exposición El otro García Moreno: pensamiento científico y modernización propone una lectura distinta: volver sobre su proyecto de modernización del Estado y el contexto histórico que lo rodeó, con el fin de ampliar la comprensión de su legado. La muestra abrió sus puertas en el Centro Cultural Biblioteca Ecuatoriana Aurelio Espinosa Pólit (Beaep), ubicada al norte de la capital, en Cotocollao.

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“La inauguración de la exposición propone un ejercicio necesario de lectura crítica”, señala el padre Daniel Ycaza, Provincial de la Compañía de Jesús en el país. “Custodiar el patrimonio no es solamente conservar vestigios del pasado, sino sostener una memoria viva, interpelada, que cuestiona y que orienta. También implica repensar nuestras propias tensiones actuales entre fe, razón, Estado y sociedad”, agregó.

Más allá de la política

La investigación que sustenta esta propuesta fue desarrollada por Edmundo Estévez, Nelson Reascos y Elizabeth Falconí, quienes reunieron archivos, documentos y nuevas lecturas sobre el periodo. A partir de este trabajo, la exposición se plantea como un espacio de reflexión, estructurado en cuatro ejes.

El recorrido inicia con su niñez y entorno familiar, avanza por su juventud y se detiene en su consolidación política, su relación con la fe y su paso por Francia. Este último aspecto resulta clave para comprender la incorporación de modelos científicos y educativos que derivaron en hitos como el laboratorio de ciencias de la Universidad Central del Ecuador, la renovación del sistema de salud y la creación del Observatorio Astronómico de Quito.

Por su parte, Ricardo Gutiérrez, director ejecutivo del BEAEP, enfatizó la necesidad de situar al personaje en su tiempo. “Lo importante aquí es cómo entender un personaje tan complicado cuando a veces solo lo vemos de un lado o de otro. ¿Qué pasaba en el Ecuador? Este caballero nace en 1821. Nueve años después desaparece el Departamento del Sur. Ni siquiera éramos Ecuador. Su juventud está marcada por un caudillo. Flores. Y se forma en esa lógica”, explicó.

Y añadió: “Podemos entonces entender el carácter de unas personas, como muchos de nosotros, estamos influidos por muchas de estas cuestiones políticas, sociales y culturales que están moviendo la nación. Esa es la idea, que podamos ir entendiendo un personaje tan complejo como García Moreno”.

Un proceso de renovación

La exposición se inscribe, además, en un proceso de modernización impulsado por la Biblioteca Ecuatoriana Aurelio Espinosa Pólit, que desde el año pasado ha incorporado recorridos especializados por sus fondos antiguos, así como conciertos, conversatorios, talleres familiares, ferias y actividades gastronómicas.

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“La idea es que nuestros 500 mil archivos no permanezcan como parte del pasado, sino que dialoguen con el presente”, comentó Ricardo Gutiérrez. En ese sentido, añadió que El otro García Moreno: pensamiento científico y modernización no busca ser un “lavado de cara” del controvertido político, sino abrir nuevas líneas de diálogo en torno a su figura.

“A través de estos ejes, la exposición no busca resolver las tensiones en torno a García Moreno, sino abrirlas”, señaló.

La exposición puede visitarse de martes a sábado, de 08:00 a 17:00.

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Eso demuestra lo veleidoso del mundillo de la venta de obras de arte, donde la especulación, la manipulación y la ingenuidad de los compradores son moneda corriente.

A pesar de que sus obras en la actualidad pueden alcanzar millones de dólares, en su momento Vincent apenas pudo hacer dinero con unos pocos cuadros, como la obra ‘Los viñedos rojos cerca de Arles’, que compró en 1888 la pintora belga Anna Boch; un retrato del marchante Julien Tanguy; unos encargos de su tío Cornelis; además de intercambiar obras con colegas suyos, por comida o materiales para pintar. Aunque la cantidad exacta siempre es tema de debate entre los historiadores.

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Es imposible comprender la relevancia que adquirió Van Gogh sin las cartas a su hermano Theo, cuatro años menor que él. Esos textos revelaron el mundo interior de un hombre con un entendimiento único de la naturaleza humana, demasiado sensible quizá para una sociedad fatua y esclava de las apariencias.

Es a su cuñada, Johanna van Gogh-Bonger, a quien debemos que la obra de Vincent haya sido conocida. Tras la muerte de Theo en enero de 1891, seis meses después del deceso de Vincent, Johanna, viuda y con un hijo pequeño que mantener, se quedó con gran parte de los cuadros del artista. Movida por la necesidad, decidió reivindicar su obra. Y como parte de ese plan, las cartas tuvieron un rol fundamental.

Para ello, Johanna se autoeducó en los secretos del negocio de obras de arte y con mucha astucia estableció una estrategia. Aprovechando sus contactos previos, logró que galeristas le prestaran atención a las pinturas de Vincent. Es el caso de los primos Bruno y Paul Cassirer, alemanes que organizaron la primera exposición de Van Gogh en su país, en Berlín específicamente, en 1902.

Además de las exposiciones con fines comerciales, Johanna se aseguró de que los cuadros también se exhiban en museos, para que pudieran ser vistos sin restricciones por el público en general, más allá del circuito de marchantes, pintores, críticos y coleccionistas.

Precisamente Bruno Cassirer publicó en 1906 una pequeña selección de las cartas entre Vincent y Theo, traducidas al alemán, antes de que la colección completa viera la luz en enero de 1914.

Tal como Johanna lo preveía, la correspondencia hizo que aumente el interés por la obra de Vincent, por encarnar a la perfección el arquetipo de artista sensible e incomprendido cuya vida tiene un final trágico.

Líneas como la que transcribimos a continuación son un ejemplo de aquello: “Alguien que ha rodado largamente como sacudido sobre un mar tempestuoso, llega al fin a su destino; alguien que parecía inútil e incapaz de desempeñar ningún cargo, ninguna función, termina por encontrar una (...). Te escribo un poco al azar lo que me viene a la pluma, me sentiría muy contento si de alguna manera tú pudieras ver en mí algo más que un haragán”.

O también: “Pienso en lo que dice (Jean-François) Millet: No quiero de ninguna manera suprimir el sufrimiento, porque a menudo es lo que lleva a que los artistas se expresen con mayor energía”.

Sin embargo, no todo es desazón. “Vamos, viejo, ven a pintar conmigo en el bosque, los campos de patatas, ven a galopar conmigo detrás de la carreta y el pastor, vente conmigo a ver los fuegos, a tomar un baño de aire puro en la tempestad que sopla sobre la floresta. Yo no conozco el porvenir, si hay que esperar un cambio o no, o si tendremos el viento con nosotros, pero en todo caso no puedo hablar de otra forma”, le escribe a su hermano, dejando testimonio de la fuerza que le daba el impulso creativo.

Su automutilación y su suicidio, puestos en duda

Las cartas nos permiten conocer que Vincent se enamoró de una prima suya de nombre Kate, quien había enviudado. Él le declaró su amor, pero ella lo rechazó y de ahí las palabras de Vincent en una misiva escrita a Theo desde un lugar llamado Etten, en Países Bajos, el 3 de septiembre de 1881: “Si alguna vez te enamoras y tienes que oír un ‘jamás, no, jamás’, ¡no te resignes!”.

Y cuatro días después añadiría en otra carta desde la misma ciudad: “El amor es algo positivo, algo fuerte, algo a tal punto real, que es tan imposible para el que ama arrancar este sentimiento como atentar contra su propia vida. Si tú me respondes: ‘Pero hay hombres que atentan contra su vida’, te respondo simplemente: ‘Yo no creo ser hombre con semejantes inclinaciones’. Le he tomado verdaderamente gusto a la vida, y me siento muy feliz de amar”.

Difícil creer que años después, el mismo hombre autor de esas palabras se cortaría parte de su oreja izquierda y se dispararía a sí mismo en el abdomen, causándose la muerte, como reseñan la mayoría de crónicas históricas.

Sin embargo, ambos episodios han sido puestos en entredicho.

Los académicos alemanes Hans Kaufmann y Rita Wildegans, en su ensayo ‘En la oreja de Van Gogh: Paul Gauguin y el pacto del silencio’ (2009), sostienen otra versión. Según ellos, Paul Gauguin, pintor francés con el que Vincent vivió un tiempo en Arles, Francia, fue quien le cortó la oreja, aunque no han podido precisar si fue un accidente o algo intencionado, considerando que Gauguin era esgrimista.

Y con respecto a su deceso, los estadounidenses Steven Naifeh y Gregory White Smith, en su biografía ‘Van Gogh: la vida’ (2011) argumentan que según el ángulo de entrada de la bala, es imposible que Vincent se haya disparado a sí mismo.

Ambos plantean que fue un caso de homicidio imprudente, pues Vincent se encontraba bebiendo licor con un par de chicos mientras jugaban con un arma, contexto en el que habría ocurrido el accidente fatal.

Tanto en el caso de la oreja cortada como en el del disparo que lo mató, Vincent habría asumido la responsabilidad para librar de culpa a los verdaderos implicados.

Van Gogh en el séptimo arte

Además de los registros históricos, la correspondencia de Vincent van Gogh ha sido una de las principales fuentes de las películas que han tratado de recrear la vida del artista, cada una con la particular visión de sus respectivos guionistas y directores.

Una de las menos conocidas es la versión del francés Maurice Pialat, titulada simplemente ‘Van Gogh’, de 1991, que no tiene la mirada condescendiente de los otros directores, ni idealiza la relación que mantenía con su hermano.

Mención aparte se merecen las interpretaciones de Kirk Douglas en ‘El loco del pelo rojo’ (1956, del director Vincent Minnelli) y de Willem Dafoe en ‘Van Gogh en la puerta de la eternidad’ (2018, de Julian Schnabel).

Aunque otros preferirán el filme ‘Vincent y Theo’, del estadounidense Robert Altman, con Tim Roth como Vincent y un enorme Paul Rhys personificando a un Theo incluso más atormentado que su hermano artista.

Además tenemos ‘Painted with Words’ (2010) de Andrew Hutton; o ‘Lovin Vincent’ (2017) de Dorota Kobiela y Hugh Welchman, una hermosa versión creada con fotogramas pintados a mano al óleo, quizá el tributo más significativo al legado de Van Gogh.

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De inmediato, una pantalla se enciende y el público es transportado a ese bosque del noroccidente de la capital, reconocido como Reserva de la Biósfera por la Unesco. Y es que, ubicado a pocos kilómetros de Quito, el Chocó Andino es un mosaico de vida. En sus distintas alturas habitan miles de especies de flora y fauna, muchas de ellas endémicas. Pero su importancia trasciende la riqueza natural: se trata de un territorio clave para la regulación hídrica del Distrito Metropolitano.

Lorena Cajamarca, guía educativa del Yaku Parque Museo del Agua, donde se exhibe la exposición, cuenta que una de las primeras reacciones de los visitantes suele ser de sorpresa: “¿Esto también es Quito?”. Y sí, responde. “Mucha gente reconoce que ha pasado por el Chocó, por Puerto Quito cuando viaja a la playa, o que ha ido a Mindo sin saber que está en el Chocó. Esta muestra, justamente, busca visibilizar ese territorio maravilloso que tenemos al alcance de la mano”, dice.

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En la segunda sala, a través de recursos como el mapping y las piezas visuales inmersivas, los visitantes pueden adentrarse en un gigantesco modelo en 3D del territorio. Al presionar un botón, se revelan los espacios que recorre el bosque: los ríos, el hábitat del oso andino y la diversidad de flora y fauna que habita en cada piso altitudinal. “El bosque se presenta como un sistema vivo, en constante transformación, del que también forma parte la vida humana y que es vital para nosotros”, añade Lorena Cajamarca.

La muestra esta abierta al público de martes a viernes, de 08:30 a 16:30, y fines de semana y feriados, de 09:00 a 17:30.

La belleza y los desafíos

Si bien la muestra profundiza en la riqueza de la región, también aborda las amenazas que la atraviesan. La minería ilegal y la deforestación aparecen como tensiones que ponen en riesgo este equilibrio.

 Frente a ello, la exposición visibiliza iniciativas locales de conservación y resiliencia comunitaria, impulsadas por organizaciones y habitantes del Chocó Andino, y propone una reflexión sobre la responsabilidad compartida en el cuidado de este territorio.

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La reacción no tardó: desde los púlpitos se desató un furibundo ataque, circularon panfletos y se convocó a los fieles que, al grito de «¡Al Ejido!», pedían la incineración de ambas. El clero llegó incluso a fijar una “Hora Santa” en el mismo día y a la misma hora de la disertación, para que la ciudad se replegara en oración. 

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Pero ni el clima hostil, ni las presiones ni las amenazas doblegaron a Ugarte, periodista e impulsora de la educación femenina, la igualdad de derechos y el sufragio, quien se mantuvo firme en la defensa de la libertad de pensamiento, con una convicción inquebrantable.

Esa misma determinación atraviesa hoy Zoila Ugarte de Landívar. La Escritora, el volumen que reúne su obra y devuelve su voz a la palestra pública.

Sin embargo, la historia de este libro comienza mucho antes de su publicación, en enero de 2026. Comienza en la insistencia de su nieta, Myriam Landívar de Silvers, quien durante años emprendió una búsqueda minuciosa entre papeles familiares, archivos y bibliotecas para recuperar sus escritos. 

“Sus escritos estaban diseminados en revistas, folletos, periódicos de Sierra y Costa. No había un registro completo de ellos (…) Investigué, conseguí un gran número de documentos, los transcribí, los ordené cronológicamente y por temas; pensé que estaban listos para sacarlos a luz…”, señala en el prólogo de la obra, editada por el sello El Fakir.

Una vez concluida esa ardua recopilación, buscó al historiador y escritor Hernán Rodríguez Castelo y le pidió prologar esos textos. Él, que había conocido a Ugarte de Landívar en su infancia y había sido su alumno, aceptó gustoso y juntos emprendieron la labor. 

“Cada semana, yo le llevaba un grupo de escritos para que él los estudie, y así continuamos hasta terminar con todo el material (…) Fueron alrededor de seis meses”, recuerda Landívar. De ese intercambio, sin embargo, nació mucho más que un prólogo: surgió un libro que acompaña y contextualiza la escritura de Ugarte.

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Recuperar la voz 

Hernán Rodríguez Castelo concluyó ese trabajo en 2014. Y, aunque era un hombre parco en elogios, dejó en sus páginas una afirmación que resuena como eje del volumen: Zoila Ugarte de Landívar fue “la mejor prosista ecuatoriana de fines del XIX y principios del XX”. Sin embargo, falleció en 2017 sin ver publicada la obra. Así permaneció hasta que Myriam Landívar de Silvers decidió retomar el proyecto junto al editor Álvaro Alemán.

Alemán encontró en los textos de la intelectual un trabajo intenso, pulcro y lleno de convicciones que aún dialoga con el lector contemporáneo. “Volver a leer a Zoila Ugarte no es un ejercicio de nostalgia. Es (…) un acto profundamente político. Leerla hoy implica confrontar su palabra con el presente, interpretar su legado desde las urgencias contemporáneas y asumir que toda lectura es, en sí misma, una toma de posición”, ha señalado.

Añade, además, que la lucidez de sus escritos permite abrir una reflexión necesaria: la invisibilización de autoras e intelectuales en el siglo XX. “Resulta imposible leer a Zoila Ugarte y no adoptar una postura ante su militancia como mujer. Leerla es también un alegato a favor de una revisión profunda de las omisiones de nuestra historia literaria”, asegura.

Entre luces y sombras

En ese cruce entre pasado y presente, el libro permite reconstruir una obra que no fue concebida como tal. Zoila Ugarte no publicó libros en vida. Escribió artículos, columnas, editoriales. Su pensamiento circuló en medios impresos que, con el tiempo, desaparecieron. “Zoila Ugarte no escribió novelas o cuentos. Escribió artículos periodísticos. Su pensamiento circuló en diarios y revistas, soportes efímeros que, al desaparecer, arrastraron consigo su influencia”, señaló Alemán en una entrevista. Esa condición explica, en parte, su ausencia en la historia literaria oficial.

La recuperación de esos textos permite acercarse a distintas facetas de la autora. Está la periodista que firmaba como Zarelia, la editora que fundó la revista La Mujer en 1905, la directora de La Prensa, la maestra, la bibliotecaria, la activista. En sus escritos aparece una voz directa, sin rodeos, que interpela a su tiempo.

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Pero su voz no se limita a la denuncia. También construye una mirada sobre la sociedad, la cultura y el papel de las mujeres en ellas. En el editorial Nuestro ideal, publicado en 1905, Ugarte escribe: “Es demasiado cruel que los egoístas quieran hacer de la mujer un simple biberón humano y nada más humillante que destinarla al papel de la hembra inconsciente”. 

Las palabras, escritas hace más de un siglo, conservan su intensidad en la lectura actual, y en las luchas feministas contemporáneas, lo que, sin duda, debería incomodarnos y llevarnos a un cuestionamiento más profundo.  

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Esta semana tenemos al narrador paraguayo Juan Ramírez Biedermann (Asunción, 1976), quien en su faceta como músico pertenece actualmente a las agrupaciones Eyesight y Coral Negro.

Él además tiene un amplio historial tras haber sido parte de Sabaoth, nombre inevitable al momento de estudiar la historia de la música extrema no solo de su país, sino de la región.

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Desde estas páginas queremos acercar a nuestros lectores a artistas de países que muchas veces no son lo suficientemente explorados, pero que ofrecen una gran riqueza y diversidad.

Lo contactamos aprovechando el lanzamiento de su novela Mango en Argentina, a cargo de Ediciones Diotima, después de que en noviembre pasado el texto fue reconocido con una Mención de Honor en el Premio Nacional de Literatura 2025. 

Se trata de la tercera edición, luego de que Mango fuera publicada en Paraguay por Editorial Rosalba y en Perú por Altazor, editorial que ya le había publicado sus dos primeras novelas, Fondo de nadie y Plegaria de Penumbras. 

Juan nos da su punto de vista acerca de la relación entre la música y la literatura como forma de manifestarse, además de contarnos de sus proyectos pasados, presentes y futuros.

Siempre a los artistas de países pequeños en tamaño, como Ecuador y Paraguay, les resulta difícil proyectarse fuera de sus territorios.

Paraguay es un país pequeño, de menos de siete millones de habitantes, y eso hace que represente un mercado pequeño para la industria editorial. Estamos rodeados de Brasil, que es un continente, y de Argentina, que tiene más de 40 millones de habitantes. Esos dos países nos tienen como sándwich. Eso hace que la difusión de la literatura paraguaya no sea la mejor, lamentablemente.

Sin embargo, Uruguay también es pequeño...

Uruguay es más pequeño que el Paraguay, pero tiene otro tipo de gestión y de tradición y ha sabido ganarse un espacio, sobre todo en la industria cultural. El Paraguay no, el Paraguay fue un país siempre muy cerrado, muy complejo en cuanto a apertura y acceso a mercados grandes del arte.

Pero en Paraguay eso debe estar cambiando con el tiempo...

Sí. Por ejemplo, en el tema del cine, tenemos películas que compiten en el Festival de Cine de Berlín, que son presentadas en Cannes. No tantas, porque la industria no tiene recursos para producir muchas películas. Tenemos Narciso (del director paraguayo Marcelo Martinessi), que acaba de ganar (el premio Fipresci) en la Berlinale 2026.

En su caso, ¿cómo ha logrado publicar fuera de Paraguay?

Yo en la literatura seguí el ejemplo de Sabaoth, de buscar que mi trabajo no termine en Paraguay. Porque uno escribe para el mundo. Entonces, uno hace el esfuerzo, se va moviendo. La editorial Altazor, de Perú, publicó (en 2010) mi primera novela, El fondo de nadie, y me dijeron: “¿Te animabas a presentar el libro?”. Hice el esfuerzo, pasé 20 días recorriendo 5.000 km presentando el libro 18 o 19 veces en distintas ciudades de Perú.

La autogestión es muy válida.

Si vienes de un país pequeño y con poca visibilidad, tienes que hacer no un doble o triple esfuerzo, sino hasta un quíntuple esfuerzo.

Después se cosecha el resultado de ese esfuerzo.

De a poquito va rindiendo frutos, se abren puertas. Fue lo que ocurrió con la editorial argentina: estuvieron abiertos a leer Mango y les encantó. Es un trabajo de persistencia, de mucho sacrificio, pero si uno está convencido de lo que hace y tiene vocación, no queda otra.

El año pasado, Mango fue reconocida en su país.

Recibió mención especial en el Premio Nacional de Literatura del Paraguay, que sería el más importante de mi país. Ahora aparece en la escena argentina gracias a Diotima. Estoy a punto de cerrar una cuarta edición en otro país, ojalá se dé este año. Y sería genial publicar en Ecuador.

Asunción, en el mapa del underground mundial  

Gracias a toda la información que existe ahora, el metal latinoamericano extremo ha sido reivindicado a nivel mundial en los últimos años.

Sí. Nosotros a fines de los 80, en los 90, teníamos un circuito de correspondencia, una red de ‘tape trading’ (intercambio de ‘casets’ por correo postal). Eso nos permitía acceder a fanzines, a gente que coleccionaba música underground, principalmente de Europa, y allá siempre estuvieron muy interesados en Sudamérica.

Un respeto ganado a pulso.

A comienzos de los 90 intercambiábamos cartas, por ejemplo, con la gente de Emperor (de Noruega), que en aquel entonces se llamaba Thou Shalt Suffer; y muchas bandas del black metal cuando aún no surgían o estaban en camino a surgir. Gente de Mayhem, (Kristian) Vikernes de Burzum y más.

En entrevista con Marko Laiho, de Beherith, una de las primeras bandas extremas de Finlandia, él le confesó a EXPRESIONES su devoción por el metal brasileño.

Nuestra pieza fundamental para intercambios con ‘tape traders’ de Europa era Sarcófago. Todo el mundo te lo pedía y a cambio recibíamos material nuevito. Recuerdo que llegó la primera edición del disco de Merciless, The Awakening, del sello (noruego) Deathlike Silence, de Euronymous (+); o Worship Him, el primero de Samael, de Osmose (sello francés).

Más importante que el dinero, era tener contactos, para acceder a esa música.

Yo conservo hasta ahora el primer disco de Burzum (autotitulado, de 1992), la edición limitada de la Deathlike Silence. Ese disco cada vez está más caro. Ahora creo que se vende en 3.500 euros o una cosa así.

¿Cómo era grabar con las limitaciones de la época?

En el Paraguay los primeros demos profesionales los lanzamos nosotros, Sabaoth, además de la banda de grindcore Disincarnated. Dimos un poquito el puntapié inicial a ese proceso de profesionalización de la música extrema. Había muy pocos lugares para tocar, muy pocos recursos. Pero éramos chicos de 17, 18 años, con toda la energía del mundo

Igual con la difusión.

Estamos hablando de una época pre-internet. Había que ir todos los días al correo cargado de sobres, cajas, estampillas.

Eso motivó a otras bandas.

Asumo que Sabaoth fue clave en la escena paraguaya para ayudar a potenciarla. El primer disco de metal en el país fue de Corrosión, de thrash metal, y poquito después Sabaoth sacó su disco. En un par de años hicimos dos demos que tuvieron mucha difusión. Eso ayudó a que nuestro primer disco lo lance un sello argentino (Stormsouls), que nos dio más visibilidad. La escena argentina es mucho más grande que la paraguaya.

Sabaoth ya se había ganado un nombre gracias al intercambio de cintas.

Al propio sello le impresionó nuestra dedicación a la distribución del material.

Ese disco debut lo presentaron en Buenos Aires.

Prácticamente el primer show que dimos después de lanzar el disco fue en Buenos Aires con Sarcófago, dos noches, en 1996. Mucha gente vio la impronta que dejaba Sabaoth con su esfuerzo. Y nosotros hicimos eso viendo lo que hacían bandas internacionales. Veíamos cómo trabajaban y decíamos: “Tenemos que hacer lo nuestro con lo que hay y con lo que no hay también”.

El cariño hacia Sabaoth se mantiene.

Incluso ahora, todas las semanas, por no decir todos los días, hay gente que nos escribe en redes.

Nuevo proyecto y sugerencias

Luego de Mango, ¿ha trabajado en un nuevo texto?

Sí, una novela. Por primera vez estoy empezando a tocar temas relacionados con el black metal. Muchos amigos me decían que tenía que contar la historia del black metal, de todo el contacto que nosotros teníamos en aquel entonces, en tiempo real, cuando allá en el norte (de Europa), sobre todo en Noruega, ocurrían todos los sucesos (iglesias quemadas, músicos involucrados en asesinatos).

Hay un material interesantísimo ahí.

Sí, esta novela por primera vez aborda eso y me está generando muchísimo entusiasmo. Voy súper bien. Soy un poco lento para escribir, creería que este libro va a estar terminado en tres, cuatro años.

¿Qué editoriales y escritores de la escena paraguaya nos podría recomendar?

Recomendaría leer a Rolando Duarte Mussi, Cave Ogdon, Montserrat Álvarez, Christian Kent, Damián Cabrera, Javier Viveros, José Pérez Reyes, Mónica Bustos, entre otros. En cuanto a editoriales, acudan, por ejemplo, a Rosalba, Arandura, Ediciones de la Ura, Aike Biene...

¿Y qué bandas de la escena paraguaya extrema nos podría sugerir?

Todos ustedes están obligados a escuchar Coral Negro, un desatino y atropello de grindcore, doom, stoner rock, drone, entre otros. Asimismo, Kuazar, Verthebral, Sadistic Art, Wisdom, NOD 206 están haciendo cosas muy importantes.

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Se trata de un trabajo ideal para escuchar después de un día pesado, cuando lo que buscamos es desconectarnos del caos exterior y queremos encerrarnos en nosotros mismos, o simplemente disfrutar un momento íntimo.

Lleno de melodías delicadas y minimalistas, tiene sin embargo letras duras y realistas, como se espera del hiphop auténtico y honesto, lo que contribuye a darle ese tono introspectivo al que nos referimos en el párrafo anterior.

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Este disco constituye una compilación de nueve canciones, que el artista tuvo que seleccionar entre más de ochenta tracks que había trabajado en los últimos años, incluso desde la pandemia.

El disco abre con NAI, tema en el que colabora el rapero venezolano Boikido, al que conoció en las batallas de rap en Quito.

“Cada vez que Boikido participaba, ganaba. Ahora la está ‘partiendo’ en Venezuela, y me alegro porque acá en Ecuador la estaba pasando difícil. Los venezolanos rapean cuando hablan, tienen esa musicalidad. Lo grabamos en una sola toma. Él es una fábrica de free style, una fábrica de letras. Por eso puse su canción al inicio, para que explote de entrada”, nos cuenta Kabuto The Kid.

A la esmeraldeña Mel Mourelle, quien participa en la canción Real, la conoció gracias a su amigo el rapero Vittorio, quien también metió voces en 2777. “Tiene un sample afro. Yo tenía en mente algo tipo Missy Elliott, pero Mel lo hizo mucho mejor. Quedó lindísimo”.

También colabora Erre Funk, del Valle de los Chillos, otro free styler espectacular. “Ese beat lo hice con el corazón, en la época más densa de la pandemia. Tiene mucho la técnica clásica del hiphop de cortar varios samples. Fue el track más difícil de trabajar porque se me perdieron unas sesiones y por cuestiones técnicas, pero me encanta la canción con Erre Funk”.

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Para el tema Honor contó la voz del guayaquileño Oleas (foto), otro de los artistas más activos de la actual escena de hiphop local, quien aportó sus líricas punzantes que dejan testimonio de la violencia urbana actual.

El bajo que suena al inicio es sampleado de la canción Artículo 57 del grupo Wañukta Tonic (de Alex Alvear). Y al final se incluyó el sample de un piano de la banda de reggae El Vecindario, ahora desaparecida, de la que Kabuto y Oleas formaron parte.

Además, la mezcla y masterización de 2777 estuvo a cargo de El Cholo, referente del movimiento hiphop en Ecuador, y que en su momento también perteneció a El Vecindario. 

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La historia de Miskay, retratada en escena por la actriz peruana Hilda Tovar, fue una de las piezas inaugurales del Encuentro Internacional “Caminos hacia el Clown”, una propuesta que reúne a artistas de Ecuador, Perú, Colombia, Argentina y Brasil en torno a funciones, talleres y una residencia dedicada a la investigación pedagógica del clown, y que abrió sus puertas en la capital.

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El teatro clown es una técnica escénica basada en la comedia física, la improvisación y la exageración de las vulnerabilidades para crear un personaje cómico auténtico. A diferencia del payaso tradicional de circo, el clown teatral busca la conexión honesta con el público, rompiendo la “cuarta pared” y celebrando el fracaso y la ingenuidad.

Y si bien a la disciplina se la asocia con la comedia, esta también se utiliza para retratar temas sensibles y problemáticas sociales complejas, como afirma Tovar, quien en la obra narra su propia historia como migrante.

“Ser mujer payasa en escena es un acto político. Es tomar un espacio históricamente negado a las mujeres y, desde la risa y la vulnerabilidad, transformar y resistir”, cuenta.

Un espacio para repensar el clown

El encuentro se plantea como un espacio de cruce entre escena, formación e investigación. “Esta propuesta surgió hace algunos años, cuando investigadores y pedagogos pensamos en juntarnos para repensar el teatro clown, su técnica y sus procesos de formación”, explica Carlos Quito, director de la Corporación Quijotadas Ecuador. El proyecto se concretó con el respaldo del programa Iberescena.

La residencia reúne a artistas seleccionados que investigan el clown como práctica escénica y herramienta pedagógica, mientras que el encuentro propone funciones, varietés y laboratorios abiertos al público.

El interés por revisar el clown desde este enfoque responde también a la necesidad de repensar su lugar dentro de las artes escénicas. “El clown es una manifestación artística, una forma más teatral de llamar a la técnica de payaso”, dice Quito. En ese proceso, añade, resulta necesario mirar los contextos propios: “Para nosotros también era regresarnos a ver en el sentido de cómo influyen nuestras culturas en la creación y la puesta en escena, cómo hay un conocimiento que se ha ido adaptando para generar una propuesta pedagógica”.

En Ecuador, este lenguaje ha ido tomando forma desde inicios del siglo veintiuno, con espacios como la Escuela del Cronopio y la influencia de grandes actores ecuatorianos como Cacho Gallegos, que dieron los primeros talleres al público.

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Más allá del ámbito escénico, no obstante, el clown también ha encontrado resonancia en otros espacios. “Es una técnica bastante noble. Mucha gente, de cualquier profesión, ha venido a reconocerse, a aprender a reírse de sí mismos”, explica el actor y dramaturgo.

Entre la academia y las tablas

La programación del encuentro reúne propuestas de distintos países y formatos. El 25 de marzo se presentará “Blanca Nieves”, de la artista colombiana Diana Bolaño, en Espacio Vazio, una obra que reescribe el cuento clásico desde el clown y la bufonería para cuestionar, con humor crítico, los relatos tradicionales.

El 26 de marzo, en el mismo espacio, tendrá lugar la Varieté Internacional II, un formato que reúne piezas breves de artistas nacionales, invitados internacionales y participantes de la residencia. Se trata de un encuentro escénico donde los personajes revelan sus fragilidades y exageran sus mundos internos a través de distintas propuestas.

El cierre se realizará el 27 de marzo, en el marco del Día Internacional del Teatro, con el Torneo Clownch Internacional, una competencia escénica de improvisación entre delegaciones de distintos países, seguida de la “Fiesta Desclowntrolada”, un espacio de encuentro abierto a la comunidad que se realizará en el espacio cultural La Quadra.

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Quito señala que, tras esta primera experiencia, se buscará que Caminos hacia el Clown se vuelva un encuentro anual de carácter itinerante. “La propuesta es que futuras ediciones se desarrollen en otros países y aborden nuevas líneas de investigación dentro del clown”, agrega.

En ese proceso, el encuentro se plantea también como una oportunidad para fortalecer la producción teórica en artes escénicas. “Es importante que Ecuador también genere conocimiento teórico a nivel de artes escénicas”, concluye.

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Ella, nacida en Colombia pero radicada en Argentina, nunca pensó de niña dedicarse al cine. Le gustaban más los números, por lo que pensó incluso ser física.

Hasta que en su adolescencia un día vio en el cine la cinta Inception del británico-estadounidense Christopher Nolan, que terminó convirtiéndose en una especie de revelación.

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“Es muy loco porque yo siempre consideré que el cine no era una vocación, sino que era una pasión, que era algo que yo quería aprender a hacer, pero no era para lo que nací”, nos cuenta Berrio.

A través del periodismo conoció el mundo de las cámaras, lo que la impulsó a decir “voy a intentar hacer cine”. 

Aunque inicialmente iba a estudiar en Chile, su destino fue la Universidad del Cine de Buenos Aires, Argentina, y luego la Escuela de Escritores de Madrid, España.

Hoy ese recorrido la ha llevado a dirigir más de diez cortos, un largometraje, videoclips, además de colaborar como directora de fotografía y cámara para otros proyectos, sin dejar de trabajar en sus propias ideas.

Su primer largometraje, Fomalhaut (2019), lo realizó cuando aún era estudiante. Eso necesita mucha valentía.

Totalmente. Mira, yo siempre fui muy independiente. Trabajo desde los 14 años. Entonces para mí, adentrarme en la carrera universitaria siempre fue con un propósito muy laboral.

Quizás distinto a lo que les pasaba a sus compañeros.

Sí, que venían del ‘cole’. Yo en paralelo siempre trabajé, también para poder pagar la universidad que elegí, que es la Universidad del Cine (FUC). Así que creo que hay un poquito de eso, de mis datos de personalidad. Además soy deportista, eso te genera empuje.

Ya tenía un recorrido previo haciendo cortos.

Previamente ya había dirigido cortometrajes durante toda la carrera. La FUC cada año te permite hacer un corto. Todos los de ese curso compiten presentando una propuesta, que la universidad te produce. Yo durante todos los años que estuve en la universidad lo gané.

Ya eso demostraba temple.

Creería que eso me dio mucha ‘cancha’. Entonces en un momento dije: “Bueno tengo un ‘largo’, ¿qué tal si nos mandamos a hacerlo?”. Y es que esta película se hizo dos veces, realmente fue una hazaña fuerte.

¿Por qué dos veces?

La primera vez, la universidad la produjo. Tuvimos muchísimos fondos y equipos. En paralelo, un rental (casa de alquiler de equipos audiovisuales) muy grande de Argentina nos dio equipos, apostó por el grupo de trabajo que armamos, todos ‘ad honorem’ (sin cobrar). Éramos estudiantes, pero había también exalumnos, o sea egresados que me estaban apoyando en la dirección de fotografía o en arte.

Hubo mucha gente apostando por Fomalhaut.

Imagínate, yo 100 % agradecida. La actriz principal era una chica que al principio parecía muy comprometida con el proyecto, pero en Pinamar, ciudad en Argentina, sufrió un brote psicótico. Fue lo que ella dijo.

¿Qué tanto llevaban avanzado?

Ya llevábamos más de la mitad de la película grabada. Ni siquiera pudimos quedarnos con el material, que fue secuestrado. Al final hubo una disputa legal. Era la versión de Fomalhaut que yo amaba.

Luego de ese traspié, ¿cómo lograron hacer la segunda versión?

Después me la jugué. Básicamente metí todos mis ahorros, vendí lo que tenía, vendí un auto... No quería dejar sin un producto final a todo ese equipo que voluntariamente trabajó tanto. En ese momento ya no teníamos nada para ofrecer a los actores.

Muchos se quedaron.

La mayoría del elenco se sumó de nuevo, de forma gratuita. La nueva protagonista fue Flor Piturro, una gran amiga. Apelé a un equipo más cercano. Y bueno, la segunda vez se hizo con menos recursos, no teníamos ya los equipos de la versión inicial, pero decidimos terminarla.

Decidió asumir el riesgo.

Sí, es todo inversión mía. Para las locaciones, hubo gente y amigos que nos prestaron lugares, pero todo lo demás fue costeado por mí.

Esa mala experiencia le dio luces de todo lo que puede pasar a ese nivel. Cuando hay mucha plata y muchas personas implicadas.

Lo mejor es que todo lo que salió mal, se dio cuando estuve arrancando, no en un proyecto más grande...

Un proyecto que talvez implique cifras estratosféricas, inmanejables de forma individual.

Sí. Siempre he dicho: “¡Qué bueno que me la pegué al principio!”. 

"El que manda es el formato de consumo"

¿Wanda, nos podría contar en qué se encuentra trabajando actualmente?

Es para un streaming grande y para una productora grande, entonces mientras estamos en desarrollo no te puedo contar mucho. Es una serie vertical, con guion de mi autoría. Voy a ser la directora. Empieza el rodaje en abril y para junio debería estar lista para su estreno.

Formato vertical, para celulares.

Sí, ahora está en mucho auge. Si por ahí no lo tienen en el radar, los invito a que se metan un poquito. En Argentina se están filmando muchísimas producciones de cine vertical, de series verticales. Es un formato que empecé a aprender muchísimo desde 2025, y creo que está dando sus frutos. Mi aspiración es intentar ser una de las principales representantes.

Muchos cineastas ven con recelo el formato vertical. Quizás por romanticismo.

Totalmente, es una idea que tenemos todos muy romántica de lo que hacemos. No es un paso fácil pasar al vertical después del horizontal. Y te soy sincera, yo hago el vertical con mucha pasión, pero con la intención de que me dé experiencia y cancha y, por qué no, nombre para que me produzcan mis proyectos horizontales.

Sobre todo los cineastas de mayor edad son más renuentes al vertical.

Al final el que manda es el formato de consumo, porque el que manda es el espectador, y si el espectador está consumiendo eso, pues nada, es cuestión de hacerlo. Yo creo que ahora van a estar todos atrás del vertical porque es mucho más fácil y mucho más rápido de hacer.

A pesar de ello, no deja de ser pensado con visión cinematográfica.

Sí, la idea es poder darle una impronta cinematográfica. No es algo grabado casero como si fuera para una red social. Es pensado como cine, solamente que con un formato distinto y con un desafío distinto.

Porque finalmente, si la historia es buena y hay corazón de por medio, pasa a ser un detalle menor si es vertical u horizontal.

Sí, sí. En Argentina ahora hay bastante furor. Los actores principales de Argentina están haciendo este tipo de series. Va a ser algo realmente que va a venir a impactar mucho.

“Mi ritmo cinematográfico es el thriller”

También ha hecho videoclips, como Otra vez me dejas de Rodrigo Aramburu o Hasta la tumba de Javier Calamaro.

Ahí era estudiante de cine. Creo que algunos artistas de música confiaron en mí porque yo en paralelo cubría recitales. Como que tenía el ojo para el lado de la música y por ahí se fue dando.

Estuve en cosas como el Lollapalloza. Trabajé en un recital que hizo la Bersuit (Vergarabat) y eso como que me ayudó a despegar. Luego trabajé en un recital de AC/DC y eso me fue llevando a después hacer videoclips.

Eso es lo importante de crear redes de apoyo. Quien la conoce, puede recomendar su trabajo a otro artista.

Sí, sí. Es súper importante, para mí las cadenas de personas siempre son lo más importante. Terminan pasando de esa manera las cosas.

¿Cuáles son los temas que la mueven, las cosas que quiere contar?

Tengo una pasión tremenda por la física. Yo hago thrillers más psicológicos, pero siempre que puedo meto una pequeña cosita de ciencia ficción. Soy una interesada en la psicología humana. Y soy una persona de una familia muy espiritual y busco de alguna manera transmitir algún valor moral desde lo que haga, darle al espectador algo en que reflexionar. Apunto siempre a espectadores activos.

¿No se ve en otros géneros?

Soy muy poco de la comedia, soy muy poco del drama romántico. Si hay un drama, (me gusta) trabajarlo más desde la psicología emocional. Pero mi ritmo cinematográfico es el thriller. 

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En ese camino ha podido no solo presentar y profundizar en su obra, sino también compartir conversaciones y experiencias con lectores, editores y colegas, ganando, más que seguidores, amigas y amigos.

Esta novela, su ópera prima, incluso ha sido traducida al inglés, italiano y portugués, lo que demuestra la fuerza de su narrativa y su voz.

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Justo antes de su viaje a Puerto Rico para participar en la Cumbre Internacional de Afrodescendencia 2026, evento organizado por la escritora puertorriqueña Mayra Santos-Febres, contactamos a Yuliana Ortiz para que nos contara las experiencias vividas en estos recorridos junto a 'Fiebre de carnval'. 

Sin embargo, lo que inició como un diálogo sobre literatura, terminó desembocando inevitablemente en la situación de precariedad y abandono que vive la población afro en Ecuador. 

Se trata de una realidad tan cruda y violenta, que la escritora esmeraldeña, nacida en Limones en 1992, no duda en compararla con las crueldades cometidas incluso en la propia Sudáfrica durante el apartheid del siglo pasado. 

Usted sostiene que a diferencia de países como Colombia o Brasil, nuestro país nunca abrazó con orgullo su herencia afro.

En Ecuador se abraza la cultura afro, su música y su gastronomía, pero excluyendo al negro.

Considera que Ecuador es uno de los países más racistas.

Yo cuando leo novelas sobre Sudáfrica y el apartheid, veo que se parece mucho a Ecuador. Y es raro porque en Ecuador se supone que no hubo un apartheid legal.

¿En qué sentido?

Para mí, las lógicas de la división de castas y de razas están tan marcadas, que veo un parecido muy fuerte con Sudáfrica. Colombia también se parece mucho a Sudáfrica en ese sentido. Pero creo que Colombia ha intentado subsanar eso a través de leyes y espacios donde se aplica realmente el deseo de encuentro entre comunidades.

Algo que no ve en Ecuador.

En Ecuador, también por los 10 años que ya vamos a tener de gobiernos de derecha, creo que hay un retroceso muy grande en esa intención de juntarse.

Muchas veces esta desunión se ve incluso dentro de la propia comunidad afrodescendiente. Pero también hay casos que muestran que la comunidad ha sabido responder a ese odio no necesariamente con más odio.

Hay un poema de Concepción Evaristo que dice “ellos acordaron matarnos, nosotros acordamos no morir”. Creo que el mismo hecho de estar vivos indica que hubo una comunidad presente que nos cuidó y que no permitió nuestra muerte.

Y en un contexto de conflicto armado interno en Ecuador, la precariedad de la población afro se vuelve más crítica.

Cuando el gobierno dice ‘conflicto armado interno’, lo que hace es generar una narrativa de que la gente que vive en los barrios (marginales) es una amenaza. Usualmente las personas que viven en espacios barrializados son afrodescendientes. También hay gente chola, mestiza, pero en su gran mayoría afrodescendientes. Y eso genera un enemigo interno, que en Ecuador es el afrodescendiente.

Un discrimen fomentado por el propio Estado.

Porque sabemos por dónde sale la cocaína: a través de un proceso mucho más complejo y más empresarial, no necesariamente a través de la gente que está en los barrios. En ese sentido, sí siento que en Ecuador hay un retroceso. Un retroceso con políticas raciales, económicas, sociales, de género. Creo que lo de los niños de Las Malvinas dio una alerta importante. Una alerta que igual no se la tomó como tal.

Yuliana, en su obra usted narra situaciones de violencia, pero también de resistencia ante esa violencia. No se trata de victimizarse...

Sí, sí, pero de todas formas es importante entender que uno es víctima más allá de si uno se siente o no como tal. Sí es importante decir que hay personas que están siendo víctimas del sistema. Y yo me enfoco en los afrodescendientes porque es la comunidad que más conozco.

Porque es la comunidad en la que ha vivido.

Sí me parece importante dar cuenta de que más allá de cómo nos sintamos, hay una violencia que está permeando nuestro territorio. Una violencia de despojo, una violencia de explotación, de contaminación.

Esmeraldas ha sufrido cinco décadas de derrames petroleros.

No quiero que mi obra sea entendida como si yo solo celebro la cultura y la resistencia, sino que también doy cuenta de que hay un límite también en las resistencias. Lo que está pasando ahora en Ecuador, en Esmeraldas, con todos los derrames de petróleo, la movilidad forzada. ¿Hasta cuándo el Estado va a seguir despojando a la comunidad por petróleo, por minerales, por recursos que no llegan a nosotros?

La resistencia no basta.

En Esmeraldas hasta el 2022 había puertas de madera que daban a la calle. Yo llevaba a mis amigos a Esmeraldas y se quedaban sorprendidos de cómo la gente estaba siempre en las veredas. Nadie te asaltaba. Y luego en el 2022 todo cambió de manera radical. Por la ocupación militar y también porque el Estado deja baldío ese territorio, de manera que ahora por ahí pasa la droga.

Las traducciones

Cada idioma tiene sus propias características, su musicalidad y cadencia, lo que hace que llevar un texto de una lengua a otra sea una tarea compleja. Más aún considerando la riqueza del lenguaje de ‘Fiebre de carnaval’, con un marcado protagonismo del habla coloquial esmeraldeña y el lenguaje familiar.

La traducción al portugués, lanzada por la editorial Bazar do Tempo, la realizó Larissa Bontempi, nacida en la ciudad brasileña de Foz de Iguazú y actualmente radicada en Buenos Aires.

La versión en inglés, de la editorial Soft Skull Press, estuvo a cargo de Madeleine Arinivar, estadounidense radicada en Quito, lo que le permitió también tener un acercamiento más íntimo con la novela. 

Y la traducción al italiano, de editorial Sur, la trabajó Marta Rota Núñez, quien fue la única que no pudo visitar Ecuador, pero se mantuvo en constante contacto con la autora, que le enviaba fotos de su localidad, para que Marta se hiciera una idea más fiel de los escenarios descritos en la obra.

Con las tres traductoras se mantuvo en constante contacto, para resolver sus dudas e inquietudes, en un trabajo compartido a la distancia.

En la Cumbre Afro 2026 en Puerto Rico

El lunes 16 de marzo, Yuliana viajó a Puerto Rico para participar en la quinta edición de la Cumbre Internacional de Afrodescendencia 2026 (Cumbre Afro), que se extendió hasta el viernes 20.

El evento se lleva a cabo en la Universidad de Puerto Rico en Río Piedras y es organizado por la escritora y profesora universitaria Mayra Santos-Febres, referente de las letras en el Caribe.

Se trata de un evento anual para presentar ponencias e investigaciones en artes afrodescendientes, caribeñas y africanas, que concita a la diáspora afro y a estudiosos del tema. “La primera vez que asistí fue en el 2024”, recuerda Yuliana. “Aprendí muchísimo, pude ver la bomba y plena en vivo, conocer los lugares como el asentamiento negro Loíza”, sitio clave en la herencia africana en Puerto Rico.

Aparte de leer sus poemas, presentará el proyecto que realizó el año pasado con mujeres de la Trinitaria y otros barrios, quienes a través de talleres relataron sus historias, escribieron poemas e incluso hicieron trabajo de fotografía, lo que derivó en el libro ‘Re-escribir la isla; re-habitar el tránsito: Autohistorias de mujeres barrializadas y de Isla Trinitaria’, que recoge precisamente toda esta producción. Yuliana fue la directora del proyecto y la responsable de la labor de compilación y edición del libro.

Nueva novela

Tras ‘Fiebre de carnaval’, Yuliana inició la escritura de su nueva novela, que terminó el año pasado y espera que vea la luz en 2027. “Estamos viendo qué editorial la publica. Es muy diferente a ‘Fiebre’, porque empezaron a surgir muchísimos personajes y tuve que cambiar la voz narrativa. Y es mucho más larga también”, explica.

Al igual que en su ópera prima, en este nuevo proyecto su universo e imaginación van hacia Esmeraldas, “sobre todo, Limones, que está a dos horas a Centroamérica en lancha. Limones está conectado con el Caribe y con África. Me parece sumamente interesante”.

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La séptima de ellas, Nazarena, barre el patio a diario con una obsesión que roza lo ritual, como si al hacerlo pudiera contener las grietas que avanzan por la familia. Pero el polvo no se disipa: en él se agitan rivalidades, deseos de fuga, animales que anuncian desgracias y muertos que regresan.

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Entre visiones y silencios, la casa se convierte en un territorio donde lo real y lo alucinado se confunden, y donde cada gesto revela la fractura de un linaje que parece condenado a repetirse.

Esta es la historia que narra Nazarena, cuarta novela de la escritora venezolana radicada en España, Karina Sainz Borgo. La obra construye una saga familiar que se despliega entre finales del siglo XIX y mediados del XX, en una geografía ficticia que remite a la región central de Venezuela.

Esta se articula a partir de múltiples voces y tiempos, con una narradora cuya lucidez convive con la sospecha de la locura. “Nazarena es un personaje que tiene un tipo de trauma. No es un personaje fiable, es una narradora de la que sabemos que no está bien mentalmente, pero al mismo tiempo es muy lúcida”, ha explicado la autora.

El origen de esta historia, señala, se encuentra en una búsqueda por comprender las raíces de una experiencia colectiva. “Quería hacer un retrato venezolano y al mismo tiempo universal de cómo una familia llega a su fin, de cómo un país desaparece”, afirma.

En ese tránsito, la casa -espacio central de la novela- deja de ser refugio para convertirse en un escenario de tensiones donde se disputan el poder, el afecto y la supervivencia, y que a su vez remiten a una dimensión más amplia: la del desarraigo y la pérdida.

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La construcción de la novela implicó un proceso de varios años, marcado por la complejidad estructural y simbólica del relato que no había estado presente en sus obras anteriores.

“Nazarena ha sido el libro y la novela que más trabajo me ha dado, porque ha sido la que más problemas me ha planteado. Es mi cuarto libro, pero es cierto que creo que era la más ambiciosa de todas”, comenta la escritora.

La novela también se inscribe en una trayectoria literaria que ha explorado, desde distintos ángulos, la experiencia venezolana. Tras el impacto internacional de La hija de la española y la publicación de títulos como El tercer país, Sainz Borgo vuelve sobre temas como la violencia, el desarraigo y la fragilidad de los vínculos.

Sin embargo, en este nuevo libro el foco se desplaza hacia el interior de la familia, entendida como un espacio de conflicto. “La casa es una jaula. Yo misma lo sentí siempre en mi propia casa, mi casa familiar, como un lugar del que necesito salir”, afirma la autora, quien extiende esa idea a otros ámbitos: “Las patrias son jaulas muy pequeñas. Tú no eliges la familia, el país de origen no lo eliges”.

La dimensión simbólica de la novela se construye, además, a partir de una relación estrecha con la memoria y la imaginación. Sainz Borgo reconoce que la historia se nutre de relatos familiares, transformados por la ficción: “Es la novela más personal que he escrito, la más personal en el sentido de que está alimentada con pesadillas, con imágenes de infancia, con pulsiones ansiosas, con leyendas familiares”.

¿Quién es Karina Sainz Borgo?

Nació en 1982. Es periodista y escritora. Está radicada en España desde 2006. Su novela debut, La hija de la española (2019), fue un éxito mundial traducido a más de 20 idiomas. Entre sus obras también constan las novelas El tercer país y La isla del doctor Schubert.

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Desde las clásicas biografías, pasando por la ficción, los ensayos, las reseñas históricas o la crítica musical, muchos músicos han encontrado en la escritura otra forma de expresión. Y viceversa.

Solo por citar un par de ejemplos recientes, el año pasado la chilena Pehuén Editores lanzó Escuchando radio. Canciones que inspiraron a Jorge González, cantante y alma de Los Prisioneros, obra que recoge sus conversaciones por WhatsApp con la escritora musical Johanna Watson.

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Y Lumen, de España, publicó en español Pan de ángeles, las memorias de la cantautora estadounidense Patti Smith.

A ellos podemos sumar músicos novelistas como el argentino Flavio Oscar Cianciarulo (de Los Fabulosos Cadillacs) o el brasileño Chico Buarque; la estadounidense Maddona con sus libros infantiles; o el escocés David Byrne (de Talking Heads) con su hermoso ensayo Cómo funciona la música, su Diarios de bicicleta o su libro de dibujos y diagramas Arboretum. Solo por nombras unos pocos artistas.

En este artículo queremos referirnos a músicos que escriben (o escritores que hacen música, que viene siendo lo mismo), aunque también ofrecemos un 'bonus track' del mundo del cómic. 

Un vistazo a la escena internacional y también nacional, por supuesto.

Yuliana Ortiz Ruano

La novelista y poeta Yuliana Ortiz Ruano, nacida en 1992 en Limones, Esmeraldas, también es una gran melómana, al haber crecido en una familia con un papá coleccionista de ‘salsa dura’ y tíos que fueron DJ o trabajaban en la radio, lo que siempre la expuso a mucha música diversa.

Con el nombre de DJ Viringa explora sonidos y ritmos africanos y la herencia negra en América, jugando con el dancehall caribeño y del Pacífico, afrobeat, champeta, son y muchos otros estilos. 

“Creo que todo el mundo debería ser DJ, porque es un ejercicio interesante. Me dio ganas de hacerlo también para reclamar una pista afro, porque todo el tiempo estamos bailando música negra, pero no hay gente negra en las pistas”, sostiene Yuliana. “Los espacios culturales están como muy limpios de personas afrodescendientes, y eso me molestaba”.

“Pasar música para mí es la posibilidad de que otras personas negras se sientan convocadas a bailar, a escuchar música de mi comunidad, música colombiana, del Pacífico. Sin ninguna intención de la perfección, sino más bien con la intención de pasarla bien y generar un espacio divertido para poner cosas que no suenan cotidianamente”.

Ella destaca que en Brasil, muchos escritores afrodescendientes son también DJ, performers, “pero también académicos, y a nadie le parece raro, porque la afrodescendencia para mí se caracteriza por la posibilidad de hacer muchas cosas. Eso tiene que ver profundamente con mi diáspora, que tiene un acervo musical gigante”.

Nick Cave

Aparte de la narrativa y la música, el gran Nick Cave, nacido en Australia en 1957, incluso ha incursionado en el cine, como actor y como guionista. Por ejemplo, ha escrito libretos para las películas The proposition, Lawless y Ghosts... of the Civil Dead.

En lo que respecta a libros, gracias a la editorial mexicana Sexto Piso tenemos tres títulos en español que recomendamos muchísimo a los lectores de EXPRESIONES.

Nos referimos a La canción de la bolsa para el mareo (con comentarios, recuerdos, poemas, letras de canciones, reflexiones), Más extraño que la bondad (un hermoso puzzle de fotos, apuntes y letras de canciones escritas a mano) y Fe, esperanza y carnicería (conversaciones con el periodista británico Seán O’Hagan). 

Juan Fernando Andrade

“Mi faceta como músico le da ritmo a mi escritura”, resume el cronista y novelista Juan Fernando Andrade (nacido en Portoviejo en 1981), autor de las novelas Hablas demasiado (2009) y Adicto + Comedia romántica (2023, un libro doble), además de baterista del dúo de rock Los Pescados.

“Muchas veces hago el ejercicio de leer en voz alta lo que escribo y voy marcado el ritmo, con las palmas de las manos o golpeando contra la mesa, para ver si lo que he escrito tengo el ritmo que busco”.

Y en sentido inverso, es decir cómo influye la escritura en su música, Juan Fernando cree que cada canción “es la oportunidad de contar una historia”.

Patti Smith

Si bien su nombre se asocia principalmente al rock y el punk, la artista nacida en 1946 en Chicago ha sabido expresarse a través de otras disciplinas como la fotografía y la escritura.

Patti Smith ha dejado hermosas obras, como el poemario Morning Dream, que ella autopublicó en 1972 (tres años antes de su disco debut, Wild horses), imprimiéndolo en un mimiógrafo, siguiendo la impronta de la filosofía del ‘hazlo tú mismo’ y la estética del fanzine.

Justo a fines del año pasado, la editorial española Lumen presentó Pan de ángeles, la versión en castellano de Bread of Angels: A Memoir (Random House), un recorrido desde su infancia hasta su carrera musical, siempre con un tono íntimo, sin pretensiones ni miedo a mostrarse imperfecta, pero siempre auténtica.

Robert Crumb

Mientras en la superficie, editoriales como Marvel, DC, Charlton o Archie Comics popularizaban a nivel masivo las historietas en los 60 y 70 del siglo pasado, en el subterráneo había también dibujantes que exploraban el rostro más visceral y siniestro de la sociedad estadounidense.

Y entre esos nombres, destaca por derecho propio Robert Crumb, nacido en 1943, con una obra extensa; amante también del jazz, swing, blues, bluegrass y country (tiene una impresionante colección de discos de pizarra).

En su faceta como músico lideró el grupo R. Crumb and his Cheap Suit Serenaders (nacido como Keep on Truckin´ Orchestra) y ha tocado la mandolina para el dúo Eden and John’s East River String Band, y el banjo para el grupo francés Les Primitifs du futur.

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Eso la llevó a formar parte como corista de artistas y proyectos como Jenny Villafuerte, Flota Invisible, Orange Crew, Profemanco o Rayo, con quienes fue empapándose de nuevos sonidos y referentes, conociéndose a sí misma como artista y definiendo su estilo para lo que sería su inevitable siguiente paso: lanzarse como solista.

Siempre son odiosas las etiquetas al tratar de describir la propuesta de un artista, sobre todo de las nuevas camadas, con una visión mucha más amplia y libre de ataduras. 

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Pero en el caso de Nohe podríamos mencionar su gusto por el blues, el reggae y ciertas pinceladas rock, a lo que debemos sumar todo su bagaje como corista en una iglesia cristiana, que marcó su inclinación natural por música poderosa pero dulce como el gospel y el soul.

Desde Estados Unidos, donde se encuentra de intercambio estudiantil durante sus vacaciones universitarias, Nohe nos contó cómo se complementan y retroalimentan mutuamente sus facetas como corista y solista.

Asimismo, nos explica las complejidades y satisfacciones que le ofrece su labor como coach vocal, una faceta que también le ha permitido enriquecer su arte.

Su estilo vocal está marcado por el hecho de haber crecido en una iglesia cristiana y tener un contacto directo con la música que ahí se hace y se canta.

Sí, definitivamente. Mis papás son los pastores de una iglesia cristiana. Entonces desde chiquita tuve esa crianza. Fui corista y allí fui descubriendo poquito a poquito ciertas cosas. Mi hermano me introdujo en el mundo de las armonías vocales, por ejemplo.

Considerando eso, ¿le generó conflicto en algún momento hacer música no sacra?

Mi mamá siempre me decía: “¿Vas a hacer música cristiana o del mundo?”. Y yo pensaba: “Pero es solo música, ¿por qué tienen que definirlo de esa manera?”. Porque no creo que mis letras digan nada malo, aunque no necesariamente son cristianas. Por eso, por mucho tiempo como que yo negaba esa parte de mí. Hasta que finalmente pude aceptar que el gospel y el soul han sido una gran influencia en mi vida por la música cristiana que yo he escuchado desde pequeña.

Se nota en su voz, que suena poderosa, pero a la vez dulce.

Sí. Siento que mi forma de cantar tiene esa fuerza vocal que caracteriza la adoración, el ‘worship’. Como digo, sí tuve un conflicto interno en su momento, pero finalmente lo he aceptado, honestamente. Sobre todo porque es mi identidad vocal, más que todo. Más que la parte instrumental de mis canciones, marcó la manera en la que canto.

Otra parte importante de su formación es el haberse desempeñado como corista de varios proyectos.

Claro. He estado acostumbrada a ser más corista que cantante principal, porque en la iglesia yo empecé como corista. Desde que llegué a la universidad, sabía que no quería solo concentrarme en aprobar las materias, sino formar parte de proyectos musicales. Entonces desde el primer semestre conocí a Rayo, de quien soy su corista. También he trabajado con la Flota Invisible. Me ha ayudado bastante a conocer mi propia voz y lo que puedo hacer con ella en cuestiones de dinámica y color. Disfruto mucho siendo corista, la verdad.

El rol que desempeña una corista es más de apoyo, a diferencia de ser cantante principal, que asume una mayor responsabilidad. No solo en la parte vocal, sino tomando la mayoría de decisiones creativas.

Como ‘lead’ (cantante principal) tengo una intervención más directa, tanto con el público como hacia mí misma. Porque sé que debo alzar mi voz con firmeza, con seguridad de lo que estoy cantando. Y es como convertirme en un personaje para cada canción o cada frase que debo de decir. Estoy al frente y doy la cara al público.

Asumo que dar ese paso como solista implicó un proceso.

Al momento que quise abrir este proyecto de Nohe, me conflictuaba mucho la parte de la identidad vocal. Al inicio tenía un poco ese conflicto de cómo debe sonar Nohe. Yo recién estaba en ese proceso de aceptación de estas voces cristianas, como hablamos, el gospel y el soul.

O sea, aceptar que era una influencia válida.

Exacto, porque yo era como: “A mí me gusta esta canción y quiero hacer algo así”. Pero luego venía el conflicto de la parte vocal. ¿Qué dinámica debería tener? ¿Debo ser más suave? ¿Debo ser más fuerte? ¿Debo ser serena? ¿Qué quiero transmitir? Fue como un proceso de saber realmente cómo quiero transmitir lo que estoy diciendo. Siento que aún tengo que descubrir más cosas, pero ya voy reconociendo mucho más quién soy, tanto como persona como sonoramente hablando.

Sabiendo que es un proceso que nunca acaba, de alguna manera. Un cantante siempre está midiendo sus capacidades. Hasta dónde puede llegar. Y qué es lo que quiere contar con su voz.

Exacto, sí, sí, definitivamente. Como dije, creo que me conozco mucho más ahora. Y ya tengo aceptado que el góspel y el soul son parte de mi identidad vocal.

“Aprendo mucho de mis estudiantes”

Coméntenos por favor sobre su trabajo como coach vocal.

Ha sido una de mis mayores bendiciones. Nunca me vi enseñando. Siempre dije: “No voy a enseñar nada, voy a hacer lo mío”, pero una vez dentro de este ámbito pude descubrir muchas otras cosas.

Ser coach va mucho más allá de la parte estrictamente musical y vocal.

Demanda mucha confianza y firmeza en lo que dices como maestra, ya que todo lo que digas es lo que tus estudiantes aprenderán y aplicarán como artistas y seres humanos.

¿Cuál es su parte favorita de esta labor?

Las tutorías personales, porque puedes conocer mejor a cada alumno y trabajar de manera individualizada aspectos como el estado de ánimo, los conflictos que tiene cada uno consigo mismo, cuáles son las limitaciones que tienen o que creen tener. Los ayudo a construir su confianza, levantar su ánimo, creer en sí mismos y ayudarlos a comprender la historia de lo que están cantando.

Tiene que ver mucho con la autoconfianza y la seguridad.

Tiene que ver muchísimo con alzar la voz. Hay chicos que son ‘full’ cohibidos o tímidos, pero luego sacan tremenda voz. Siento que es como cuando no puedes alzar mucho la voz ante tus padres, pero cuando te encierras en tu cuarto lo sacas todo. Yo era una de esas (risas).

Ser coach vocal es un trabajo de psicólogo también.

Dos o tres veces tuve casos de estudiantes que no podían hacer bien un determinado ejercicio. Yo trataba de realizar la explicación de otra manera, pero no podían y se frustraban y terminaban llorando. Y en esas situaciones les he pedido que me contaran si les ocurría algo y me decían ‘es que me pasa esto’ o ‘tuve un problema’.

Nohe, su propia experiencia como estudiante le ayuda a comprender mejor la situación de sus alumnos.

A mí me sucedió con mi maestra Jenny Villafuerte. No podía haber bien un ejercicio y empecé a llorar. Influye tu estado emocional. La voz refleja muchísimo tu estado emocional. Si estás triste, se nota. Si estás alegre, sube el tono. Si estás con coraje, suenas más directo. Hay que conocer nuestro cuerpo, porque la voz no se trabaja solamente desde la garganta, como normalmente se suele pensar. La voz se trabaja con todo el cuerpo realmente. Por eso hacemos muchos ejercicios de relajación, de respiración consciente.

Seguramente, también aprende mucho de sus alumnos.

Sí, claro. Ser vocal coach también me ha ayudado en gran parte a identificar lo que yo también puedo mejorar. Me nutro también de lo que puedo ver en mis estudiantes. De pronto hay cosas que yo no sé y ellos me prenden la lucecita y me digo: “¡Ah, así ha sido!”.

Sobre referentes y gustos personales

Solemos pedir a nuestros entrevistados que nos hablen de sus referentes y nos recomienden bandas. Es una manera de que los lectores conozcan música nueva a la que talvez no se tiene comúnmente acceso.

Mi referencia musical principal es Jenny Villafuerte, mi profesora de canto. Desde que la conocí sabía que iba a congeniar con su estilo musical y su forma de ser. Siento que es un ejemplo para mí. La admiro como artista y como persona y amiga.

¿Y de fuera de Ecuador?

Me gusta mucho Perotá Chingó, dúo argentino de chicas que hace un folk medio experimental. La argentina Vale Acevedo, que hace blues con pop. Taylor Momsen, vocalista de The Pretty Reckless. Y Julia Michaels. Aparte de artistas ‘mainstream’ como Adele, Amy Winehouse y Miley Cyrus.

¿De dónde viene su influencia reggae?

Eso viene de la Flota Invisible. Y la parte neo soul, de Rayo. Son sonidos que vienen de esos proyectos en los que he sido corista.

También incursionó en el rap. Grabó Mi negra con Mogo, del dúo de hiphop Nota&Mogo.

Sí. Me dijo: “Tía, confía en mí para hacer una canción”. Lo hicimos en El Decibel, el estudio de El Cholo, en una sola toma, capturando la energía del momento. Me gustaría hacer una versión con mi banda y, obviamente, como es un tema en colaboración, cantarla con Mogo.

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Con este coro inicia 5 y 6, el sencillo con el que la cantante y compositora ecuatoriana Paulina Aguirre abre una nueva etapa musical. La canción, que mezcla pop latino con elementos de bachata, forma parte de un proyecto con el que la artista busca explorar nuevos territorios dentro de la música latina.

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El tema, señala la cantante, nació a partir de una conversación íntima y difícil con una amiga cercana. “Fue terrible. Ella salía de un matrimonio de veinte años que terminó cuando él literalmente trató de matarla, y después de pasar por esa situación ella empezaba de nuevo. Me contó que estaba pensando en viajar por primera vez. Me decía: ‘Nunca viajé a ningún lado, nunca salimos de vacaciones, y esta es la primera vez que voy a viajar y que voy a salir de paseo como una persona normal’. Entonces yo le dije: ‘Si te vas a ir a Italia, siéntate en un café, tómate un vino, mira a la gente pasar y celebra hasta las 5, hasta las 6’”, recuerda la cantante.

Ese consejo terminó dando título a la canción y abrió la puerta a una reflexión más amplia sobre las relaciones y las expectativas sociales. “Como mujeres, por un tema social y cultural, hemos tolerado muchos comportamientos de parte de nuestras parejas que no están bien, que son injustos o egoístas. Nos criaron pensando que, si ya te casaste, tienes que aguantártelas. Pero la vida tiene muchos matices y creo que lo más importante es aprender a amarnos a nosotras mismas”, dice.

De la fe al empoderamiento

El lanzamiento del sencillo marca también la consolidación de una nueva identidad artística para la cantante. Bajo el nombre de BRAVA, Aguirre busca reunir una serie de proyectos musicales que amplían el registro con el que parte del público la conoce. “Brava significa valiente, determinada, valiosa. Más allá de lo que nosotros conocemos como ‘brava’ de estar enojada, tiene connotaciones de ser magnífica, de ser grande. Creo que las mujeres somos algo bien único y tenemos que reconocernos a nosotras mismas así”, explica.

Detrás de este nuevo nombre, sin embargo, hay una trayectoria de más de dos décadas dentro de la música. Paulina Aguirre se dio a conocer primero en la escena pública por su música cristiana, con la que incluso obtuvo el Latin Grammy a mejor álbum de música cristiana por Esperando tu voz, en 2009.

Pero aunque parte del público la asocia con ese repertorio, la cantante señala que su carrera siempre ha transitado por distintos proyectos y colaboraciones y que se rehusa a encasillarse en un único género. A lo largo de los años ha trabajado con artistas internacionales y ha desarrollado una actividad constante tanto como intérprete como compositora. Entre sus colaboraciones figuran nombres como Michael Bublé, Luis Miguel, Marta Sánchez y Marco Antonio Solís, además de composiciones realizadas junto a creadores como Mario Domm, del grupo Camila.

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Su trabajo también ha estado vinculado al cine y a la producción musical. Aguirre participó en la banda sonora de la película Dedicada a mi ex, de Sony Pictures, y el año pasado participó en el tema de cierre de la película animada Batman Azteca: Choque de Imperios, de Warner Bros., junto a Taboo, integrante del grupo Black Eyed Peas.

Además de su carrera musical, Aguirre ha participado en proyectos vinculados a tecnología y producción artística. “Mucha gente sabe que soy la voz de Google Maps, pero ahora también soy directora de talentos para ChatGPT. Estoy trabajando con varios actores de distintos países y me da gusto poder estar desde el otro lado”, explica.

Entre el amor y la incomodidad

El lanzamiento del sencillo, no obstante, ha generado distintas reacciones entre sus seguidores. Según cuenta Aguirre, parte del público ha conectado con el mensaje de la canción, mientras que otros oyentes -especialmente aquellos que la conocieron por su repertorio de música cristiana- han recibido con sorpresa la propuesta.

“Hay gente a la que le gusta mucho, pero también hay criticas. En el video salgo con un vestido rojo, mostrando la pierna, y entonces especialmente al público de música cristiana como que se les hace un poco extraño, o un poco incómodo”, comenta.

Frente a esas respuestas diversas, la cantante afirma que su prioridad es mantener coherencia con su proceso creativo. “Entiendo esas dudas, pero yo no tengo que gustarle a todo el mundo, ni tampoco esa es mi labor. Mi labor es ser honesta con las propuestas musicales que hago”, dice. 

Los sonidos latinos

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El lanzamiento de 5 y 6 es el primer adelanto de un proyecto discográfico más amplio que la artista prepara actualmente. Según comenta, las nuevas canciones estarán orientadas hacia sonidos latinos y contarán con la participación de otros intérpretes invitados. “Se viene un disco de música latina bien fuerte, donde voy a tener varios cantantes invitados. El siguiente sencillo que viene se llama Son Son, y es una canción que tiene son, trompetas, toda una onda latina”, adelanta.

Ese giro musical busca reunir influencias que han acompañado su trayectoria, desde el pop hasta los ritmos tropicales y caribeños. “Es una onda superlatina, es un proyecto muy comercial con el que estoy muy emocionada”, añade.

Para Aguirre, el punto de partida de cada canción sigue siendo la composición. La artista explica que su proceso creativo se nutre de experiencias personales y de historias cercanas. “Soy cantautora y para mí escribir una canción tiene que ver con ser honesta y poder transmitir un mensaje claro. El cantante puede hacer la ejecución de la canción, pero el cantautor habla desde sus entrañas y desde la esencia de quién es”.

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Sin embargo, antes de ese momento ya había abierto otras puertas: fue la primera bachiller del Ecuador y también la primera doctora graduada del país, en una época en la que el espacio público estaba reservado casi exclusivamente para los hombres.

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Esa historia, marcada por decisiones que cambiaron el rumbo de la vida pública ecuatoriana, vuelve a contarse en Matilde, con el puño abierto, una novela gráfica de la escritora Gabriela Alemán y la ilustradora Glenda Rosero que reconstruye los primeros 40 años de vida de Hidalgo. El libro entrelaza ilustración, archivo histórico y narración para seguir el camino de una mujer que cambió el país.

La obra, publicada por Editorial El Fakir, nació como parte de un proyecto académico a partir de un encargo de la Universidad Central del Ecuador, cuando se preparaba una exposición para conmemorar el centenario de la graduación de Hidalgo como médica.

“La universidad quería hacer una gran exposición sobre las mujeres en la Universidad Central y dentro de ese proyecto iba a aparecer una novela gráfica que contara el paso de Matilde Hidalgo por la facultad de Medicina”, recuerda la autora. Sin embargo, la pandemia retrasó los planes iniciales y el libro terminó creciendo más allá de la idea original.

Sumergirse en la historia

“El plan era hacer un cómic de unas veinte páginas. Pero cuando el proyecto se retrasó, pude seguir investigando y mirar también el rol de la universidad pública a inicios del siglo XX. Fue fascinante entrar a ese mundo y entender cómo se articulaban la ciencia, la política y las reformas sociales en esos años”, cuenta Alemán.

El resultado es un libro que no se limita a contar la vida de Hidalgo. También explora el contexto social en el que vivió y los espacios que compartió con otras mujeres que comenzaban a cuestionar los límites impuestos por la sociedad. En la historia aparecen figuras como Zoila Ugarte de Landívar y María Angélica Idrobo, protagonistas de los primeros debates feministas en el país.

La investigación para escribir el libro partió de una referencia fundamental: la biografía de Hidalgo escrita en los años ochenta por la historiadora Jenny Estrada. “Si ella no hubiera hecho ese trabajo, gran parte de la memoria sobre Matilde se habría perdido”, explica la escritora. “Muchos de sus contemporáneos todavía estaban vivos y ella pudo hablar con su familia, acceder a documentos y reconstruir momentos clave de su vida”.

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A partir de esa base, la autora buscó archivos fotográficos, documentos universitarios y textos históricos para ampliar el contexto del libro. La investigación también tuvo momentos inesperados.

“Mientras estaba trabajando en el libro hablé con mi mamá y me dijo: ‘yo fui alumna de Matilde Hidalgo’. Yo no lo sabía”, cuenta Alemán. “Cuando Matilde ya era mayor se trasladó a Quito y fue vicerrectora del colegio Manuela Cañizares. Ahí también daba clases y les contaba a sus estudiantes algunas anécdotas de su vida”.

Una de esas historias aparece en la novela gráfica. Durante los años en que Hidalgo asistía al colegio Bernardo Valdivieso en Loja, un zapatero le lanzaba un zapato cada vez que pasaba frente a su taller camino a clases. El episodio, transmitido oralmente por la propia Hidalgo, terminó convirtiéndose en una de las escenas del libro.

Revalorizar a la autoras ecuatorianas

La publicación también forma parte de una línea editorial que Editorial El Fakir ha desarrollado en los últimos años para rescatar la obra y las historias de mujeres vinculadas a la cultura y la literatura ecuatoriana.

“Desde que creamos la editorial teníamos una colección que se llama Virago, inspirada en una editorial inglesa de los años setenta que se dedicó a reeditar textos escritos por mujeres”, explica Alemán. “La idea era hacer una especie de arqueología y mirar qué pasó con esos textos y con esas autoras que muchas veces quedaron fuera del canon”.

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El libro ha comenzado a recorrer varias ciudades del país. Su primera presentación se realizó en Loja. “Era la ciudad de Matilde y yo estaba un poco recelosa, pero fue una acogida maravillosa”, recuerda la autora.

Luego vinieron presentaciones en Guayaquil y Quito, y el recorrido continuará en otras ciudades vinculadas a la vida de Hidalgo. Alemán dice que muchas lectoras y lectores se sorprenden al descubrir aspectos menos conocidos de su historia.

“Mucha gente se sorprende de esa vida excepcional y también de ciertos detalles del pasado”, comenta. “Por ejemplo, cuando Fernando Procel pidió la mano de Matilde, su mamá le dijo que no iba a autorizar el matrimonio hasta que los dos tuvieran un título universitario. Ese tipo de episodios nos permite mirar la historia con otros matices”.

La autora también destaca que el formato del libro permite distintos niveles de lectura. “Si alguien quiere saber más sobre la universidad o sobre los inicios del feminismo ecuatoriano, puede ir a las notas y a la bibliografía. Pero también puede leerse simplemente como una historia”, dice.

Añade que, para los jóvenes lectores, la obra permite conectarse de una manera amena con la vida de Hidalgo, y para los adultos, es una oportunidad para retomar el pasado.  "Siento que es una forma de volver a pensar quién fue Matilde Hidalgo y qué significó su vida”, dice. 

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Es una señal de que se trata de propuestas que no tratan de encajar en moldes preestablecidos, sino que muestran puntos de vista propios, vivencias íntimas, mundos únicos.

Tras haber escuchado y reescuchado en las últimas semanas el disco Diamante crudo de Pinxame (se pronuncia Pinchame), me asaltan en primera instancia términos como música industrial, dark, noise, que luego se ven matizados con elementos de folk, ambient, rap.

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Por eso quizá sea mejor apelar a las emociones para describir la música de este dúo quiteño. Podríamos hablar, entonces, de esa especie de ‘tranquilidad oscura’ o ‘dulzura siniestra’ que sobrevuela su obra.

Además, los sonidos son tan solo una parte de su arte, en el que el cuerpo es protagonista, no solo como movimiento sino también como presencia poderosa sobre el escenario o ante las cámaras.

En 2022, Jabiera Guerra y Rafaela Valarezo decidieron rendir tributo a mujeres poderosas cuya música las había marcado. 

Y cuando juntaron sus voces y sus experiencias vitales surgió una fuerza que las tomó por sorpresa incluso a ellas mismas. Esa fuerza se llama Pinxame.

Leí que en sus primeros shows no tenían nombre.

Jabiera: No teníamos nombre porque nunca tuvimos pensado hacer una banda o proyecto. Con Rafa dijimos: “Hagamos covers de distintas artistas mujeres”. Y dentro de esos covers había un tema de Rebe...

Pinxame mosquito.

J: Sí y así le pusimos al evento de covers, Pinxame. Cuando terminamos de cantar la primera noche, mucha gente nos decía: “Ustedes son Pinxame”. Y un amigo de Radio Cocoa, Juan Jaramillo, nos dijo: “Chicas, ustedes ya son una banda, son Pinxame”.

¿Fue un periodo de ir definiendo sonidos y enfoques? ¿O desde ese momento ya la tenían clara?

J: Siento que más bien fue un periodo de exploración, de juego, de una conexión como muy mágica entre Rafa y yo.

Me gustaría conocer sus referencias musicales.

J: Vienen de este primer show de covers. Con Rafa hicimos una playlist de artistas femeninas que nos movían y que queríamos explorar y aprender de ellas.

Se los pregunto porque juegan con sonidos dulces y delicados, pero también elementos más ácidos.

J: Ya poniendo nombres, Juana Molina, Bjork, Rebe, La Rosalía, La Chica son referencias. Siento que hay mucho esta oscilación entre cosas muy delicadas y también más oscuras. Esa es nuestra magia: fusionar universos que se chocan, pero también se mezclan de maneras muy interesantes.

Su manera de cantar tiene mucho de urbano, de tropical, pero también de rap.

J: Tenemos esta cosa urbana y electrónica y también como muy latina. Siento que destaca la dinámica y el ‘junte’ de voces de Rafa y yo.

Esa forma muy libre de cantar se adapta muy bien a sus líricas, que tienen un carácter más intimista.

J: La primera vez que cantamos juntas fue muy impresionante para las dos, nuestras voces se complementan un montón.

Rafaela, el hecho de que su mamá sea Margarita Lasso debe genera una presión inevitable.

Rafaela: Creo que hay una presión ahí, sobre todo porque mi madre es como la referencia que yo tengo de cómo debería verse una carrera musical, o cómo es hacer música, o hasta qué tipo de música.

Pinxame le ofrece la libertad de hacer música sin etiquetas. Incluso sin expectativas.

R: Obviamente ha habido en mí una búsqueda de una voz propia, de encontrar nuevos caminos. Siento que son también nuevas herramientas, nuevos momentos de creación, nuevas experiencias de cada una. Pero a la final siento que están canalizando como el mismo universo compartido y también ya las vivencias que no podemos compartir. Pero el universo de ella está en todo lo que yo hago, y también la voz de mi padre (el percusionista Pablo Valarezo).

Un proyecto interdisciplinario

Tanto en sus videos como en sus conciertos, se nota la importancia del cuerpo como medio de expresión, complementando la parte netamente musical.

J: Sí, fue muy chévere cuando se empezó a crear este proyecto porque había estas dos disciplinas desarrolladas en nosotras. Rafa, por su lado, tiene mucho más conocimiento y trayectoria en la música. Sus papás son músicos.

Jabiera, usted tiene formación en danza y además su mama, Carolina Váscones, es bailarina.

J: Tengo una trayectoria muy amplia en la escena. Mi mamá es bailarina y mi papá (Gerson Guerra) es actor del Teatro Malayerba. Yo nací en el universo de las artes escénicas, y Pinxame se fue creando mucho desde la escena.

¿Cómo trabajan esta parte más coreográfica? ¿A la par de la música o más bien después de que tienen definidos los sonidos?

J: Casi siempre hacemos la coreografía a partir ya del tema que tenemos, las pautas o premisas de movimiento que vamos a tener en las presentaciones. Pero siento que igual parte del sonido y de todo lo que se siente en lo musical, también está muy permeado por todas las experiencias y todos los shows escénicos que tuvimos. Y para los videos musicales también siento que fue muy importante esta narrativa del cuerpo. Siempre nos ligamos a eso para todos los videos, para todos los shows.

“Nuestras voces son el hilo conductor de Diamante crudo”  

Desde su lanzamiento en 2025, el disco debut de Pinxame, Diamante crudo, ha ido ganando oyentes y adeptos. Como nos cuenta Jabiera, “lanzamos nuestro disco dos años después de haber tocado más de 50 shows en Ecuador. Por eso siento que mucho de la música también se formó y se fue cocinando en el escenario”.

Considera que al tratarse de música no tan digerible a la primera escucha, atrapa mucho más al oyente cuando este disfruta también del show escénico. “Más que nada porque siento que todo lo que proyectamos y contamos viene desde nuestras entrañas, desde nuestro cuerpo, desde lo que sentimos, desde nuestra conexión, y eso es mucho más fácil verlo en las presentaciones”.

Parte de la grabación la hicieron en La Reina Records, con Damián Segovia y Martín Flies, que tienen el proyecto Miel y ayudaron al dúo a llevar la sonoridad un poco más lejos.

Asimismo, en La Bulla Producciones, donde trabajaron las cuerdas, voces y coros, con Omar Miranda. Y en Villa Celia registraron unos pianos. En el proceso también contaron con Renato Arias y Pablo Molina como técnicos de audio. La masterización la hizo Santiago Navas.

“Siento que Diamante crudo es justamente, como el nombre lo dice, este diamante, esta piedra preciosa, pero en bruto, brusco también. Con todo lo que conlleva ser un diamante y también estar en esta tierra y atravesar por todas las atrocidades que vivimos”.

Como mencionó Jabiera antes, sobresalen “los viajes y atmósferas que crean nuestras voces. Y también el juego de que mientras una baja, la otra sube. Siento que nuestras voces son el hilo conductor del disco”.

Fe de errores

En una primera edición de esta publicación, se atribuyó el crédito de las fotografías a otra persona, cuando en realidad son de Ariel Martínez. Pedimos disculpas al autor de las fotos y a nuestros lectores. 

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Las piezas funcionan como pequeños relicarios de luz. Rayos solares y lunares atraviesan el vidrio catedral y proyectan tonos intensos —verdes, amarillos, rojos y azules— que dibujan nuevas presencias en el espacio. Cada vitral actúa como una especie de hechizo visual: superficies donde aparecen escenas que remiten a lo mítico, lo simbólico o lo espiritual.

Pero detrás de esa apariencia luminosa hay una historia material. Los colores comprimidos en el vidrio provienen de óxidos metálicos que también remiten al interior de la Tierra. Uranio, plata, oro, hierro, magnesio o titanio forman parte de esa mezcla que, al fundirse y transformarse, se convierte en transparencia y brillo. Así, mirar hacia el cielo a través de estas piezas también implica recordar la corporalidad mineral del planeta.

Las tensiones presentes

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La exposición también juega con una tensión entre opuestos. Inspirada en ideas sobre la armonía y la reconciliación de lo contradictorio, la muestra pone en evidencia que esa integración no ocurre sin fricción. Fuego, soldadura y procesos de opacidad revelan el sacrificio material que existe detrás de cada pieza, donde la luz convive con lo oscuro y lo espiritual permanece ligado a la materia.

La artista, nacida en Quito en 1990, ha desarrollado una práctica artística centrada en la transformación de los materiales y en la forma en que los objetos pueden disolverse o cambiar de significado. En su trabajo utiliza resina, metal, piedra, cera o gelatina, combinando técnicas escultóricas con procesos experimentales que a veces toman referencias de la ciencia culinaria.

Cien cielos se inaugura el miércoles 18 de marzo, de 17:00 a 20:00, en N24 Galería de Arte, ubicada en la calle Isabel La Católica y Galavis. La muestra podrá visitarse hasta el 10 de abril, de martes a sábado. El ingreso es libre. 

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Así arranca Ni contigo ni sin ti, comedia dramática que protagonizan Érika Vélez y Víctor Aráuz y que explora ese territorio incómodo de las parejas: las discusiones que empiezan por algo mínimo y terminan creciendo hasta volverse enormes. “Son dos personajes que se hacen rollo de la nada. Y yo creo que eso pasa mucho en las parejas, que de una cosita muy pequeña podemos hacer una discusión gigantesca, hasta terminar separándose. Pero después te pones a pensar qué inició eso… y ya ni te acuerdas. Solo sabes que estás bravo y que todo está mal”, comenta Aráuz sobre la dinámica entre los protagonistas.

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En el caso de Steve, explica el actor, el conflicto está marcado por el orgullo. “Tiene un orgullo bastante tonto que muchas veces cargamos los hombres. Ama, pero no se atreve a decirlo. Ese orgullo termina convirtiéndose en una especie de cobardía. Y ahí empieza este baile raro entre ellos donde uno quiere una cosa y el otro quiere otra, y aunque luego se arrepienten, ya es tarde”, dice.

Alice, en cambio, vive la relación desde otro lugar. Para Vélez, su personaje está atravesado por la inseguridad y la necesidad de entender qué está pasando. “Todo el tiempo está preguntando: ‘¿Hice algo malo? ¿Pero qué hice? ¿Por qué te vas en la madrugada? ¿Por qué no duermes conmigo?’ Es esa sensación de no tener claro el panorama y de pensar que tal vez no eres suficiente”, explica la actriz.

Entre el amor y la ternura

A pesar de los conflictos, la obra se mueve entre la risa y el llanto. “Es una obra súper bonita. Te enternce, pero también te desespera porque ves una pelea que podría pasarle a cualquier pareja real. Son esas discusiones que empiezan por una tontería y que de repente terminan deteriorando la relación”, dice Vélez.

La pieza es una adaptación de Breaking Up, obra del dramaturgo estadounidense Michael Cristofer. La actriz señala llevaba más de una década interesada en interpretar a Alice. “Estuve detrás de esta obra desde el 2013. Amo mucho el personaje porque no nos parecemos en nada”, cuenta entre risas.

El montaje, no obstante, tuvo un camino marcado por los reto. Primero se dieron las dificultades de concretar los derechos de la obra para poder presentarla en el país, luego hallar un teatro donde presentarla, y finalmente coordinar las complejas agendas de ambos actores y del equipo creativo.

“Ha sido un milagro cuadrar la agenda de los dos”, reconoce Vélez. Aráuz agrega que incluso hubo ensayos fragmentados entre viajes y grabaciones, con jornadas en distintas ciudades.

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Aun así, decidieron que el estreno sería en Quito, algo que sorprendió a más de uno porque ambos actores son de Guayaquil. “Todo el mundo pregunta por qué estrenamos aquí. Pero yo le cogí mucho cariño a este teatro y al público quiteño”, dice Aráuz. 

La obra se presenta el jueves 12, viernes 13 y sábado 14 de marzo a las 19:00, y el domingo 15 de marzo a las 18:00, en el teatro del centro comercial Scala Shopping. El equipo espera que esta primera temporada abra la puerta para llevar la historia a Guayaquil y a otras ciudades del país.

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Así comienza la primera escena de Esperando a Godot, pieza escrita por Samuel Beckett en 1952, que presenta a los vagabundos Vladimir y Estragón en un paisaje mínimo, donde el tiempo parece suspendido y el diálogo gira alrededor de una frase que se repite como una constatación inevitable: “No hay nada que hacer”.

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Desde ese punto de partida también arranca Un acto de fe, la obra que las actrices ecuatorianas Randi Krarup, Caymo Pizarro y María Fernanda Restrepo presentan en el Teatro Nacional Sucre de Quito. En escena, las tres intérpretes intentan montar precisamente esa pieza de Beckett.

Pero el ensayo pronto se desvía. La obra que debía representarse empieza a transformarse en otra cosa: una sucesión de escenas donde se filtran experiencias personales y aparecen temas como la maternidad, la pérdida, el cansancio, la frustración, el gozo, la violencia, la memoria y la crisis nacional. A partir de ese intento fallido de montaje, la escena se abre a un proceso en el que la frontera entre ficción y realidad se vuelve cada vez más porosa.

Lanzarse al vacío

La directora y actriz Randi Krarup cuenta que la idea detrás de la pieza surgió con una estructura básica, pero sin un texto definitivo. “Un acto de fe nace con la idea de montar una obra sin un guión preestablecido, sino con una premisa en la que tres actrices intentan montar Esperando a Godot pero nunca lo logran, nunca pasan de la primera escena”, explica.

La idea, añade, apareció hace varios años y terminó de tomar forma con la llegada de las actrices Caymo Pizarro y María Fernanda Restrepo. A partir de ahí, el proceso se convirtió en una creación colectiva. Krarup tenía algunas escenas en mente, pero el resto debía surgir durante los ensayos. “Yo tenía un esquema preestablecido, tenía ciertas escenas en mi cabeza, pero siempre quise que el cuerpo de la obra fuera algo más orgánico y que viniera de la vida misma de las actrices”, señala. “No quería imponerles un texto, sino que más bien el texto se vaya generando de acuerdo a las vivencias de cada una. Por eso es improvisación”, añade.

Ese método hizo que el proceso se extendiera durante un año. Para Restrepo, el montaje fue “un proceso de largo aliento” en el que el trabajo escénico se fue mezclando con la vida cotidiana. “Se nos fue colando la vida misma en las escenas”, dice. Uno de los desafíos, recuerda, fue conseguir un espacio donde ensayar. “A veces llegábamos y no teníamos acceso a una sala; esa es también la realidad de los artistas en este país: incluso encontrar un espacio para realizar una obra puede ser complicado”.

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Durante ese tiempo, cada actriz llevó al escenario su vida diaria, y esas vivencias, alegres y frustrantes, terminaron convirtiéndose en material escénico. “Cada una traía consigo lo que duele, lo que pesa, lo que nos hace reír, lo absurdo de la vida o del país en el que vivimos”, cuenta Restrepo.

Creer sin pruebas

En ese intercambio de vivencias y ensayos fue tomando forma también la dinámica entre las tres intérpretes. Caymo Pizarro explica que el vínculo se construyó desde la vulnerabilidad que implica el trabajo escénico. “Creo que el hecho de hacer teatro y de desnudar tu vulnerabilidad, ya sea en un ensayo o donde sea, es un acto de fe”, dice. “Nosotras fuimos directamente a los temas sobre los que queríamos hablar y cómo lo queríamos hacer, y eso generó una química de muchísima confianza, muchísimo amor y muchísima escucha entre nosotras”.

El título de la obra surgió casi por accidente. Durante los primeros encuentros, Krarup solía repetir una frase a sus compañeras. “Yo les decía: ‘Tengan fe, tengan fe. Les juro que yo tengo la obra aquí en la mente’. Y un día la Fer dijo: ‘Bueno, ¿por qué no le ponemos ese nombre a la obra?’”, recuerda. “Y tenía sentido: claro, es un acto de fe. Es un acto de fe el que ellas tuvieron conmigo como directora y el que yo tengo con ellas como actrices”.

Restrepo añade que el título también funciona como una mirada hacia el contexto en el que se hace teatro en el país. “Apostar por Ecuador, en las condiciones en que vivimos, también es un acto de fe”, señala.

Una esperada función

Antes del estreno, el montaje tuvo un pequeño primer público: estudiantes de la Universidad San Francisco de Quito, donde el grupo pudo ensayar en algunos momentos. La reacción de esos espectadores jóvenes fue una sorpresa para el equipo. “Nos preguntábamos si iba a funcionar o no, si iban a entender estas piezas sueltas que se van uniendo”, comenta Krarup. “Pero sorpresivamente les gustó mucho y a cada uno le llegó un tema distinto”.

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La función será la primera presentación abierta al público de esta creación colectiva. Después de más de un año de trabajo, las actrices hablan de una mezcla de expectativas y entusiasmo.

“Siempre hay nervios”, dice la directora. “Pero sobre todo hay muchísima emoción y ganas de que ya suceda todo, de ver el resultado final después de haber vivido este proceso durante más de catorce meses”.

Un acto de fe se presenta el jueves 12 de marzo a las 19:00 en el Teatro Nacional Sucre de la capital. El costo es de $ 12.

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