Fechas de los conciertos 

El circuito de presentaciones abarcará recintos privados y espacios públicos, con paradas programadas cada miércoles. La ejecución de este cronograma cuenta con la promoción del gestor cultural Luis Alberto Illescas y congrega a ensambles de la entidad organizadora y de la Universidad de las Artes (UArtes).

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La jornada de apertura está fijada para el 8 de abril en Andes Brewing Co. a las 20:00. El escenario recibirá al Ensamble Músicas del Pacífico de la UArtes y a la banda de la facultad de la UCSG, para luego habilitar un espacio de improvisación abierta para músicos asistentes. El ingreso requiere el pago de 10 dólares, tarifa que cubre una bebida.

Para el 15 de abril, el circuito operativo se traslada a La Cueva Jazz Club a las 20:00. En este espacio intervendrá el proyecto guayaquileño Zeroo Groove. La entrada general cuesta 10 dólares, con una reducción a 5 dólares para ciudadanos que presenten credencial estudiantil.

La tercera fecha del cronograma se cumplirá el 22 de abril en Casa Cino Fabiani, a la misma hora, con la ejecución musical de Yatáale Ensamble. Se mantiene la política de cobro de 10 dólares para el público general y 5 dólares para el sector universitario.

La fase en recintos particulares concluye el 29 de abril en Odisea Brewing a las 20:00 con la presentación de "Voces Reimaginadas", un proyecto de colaboración interinstitucional directa entre la UCSG y la UArtes. El acceso para esta noche tiene un costo único de 10 dólares.

Concierto gratuito 

Tras cumplir el itinerario de cuatro fechas, la programación finalizará con la séptima edición del Festival Jazz UCSG 2026. Este evento de cierre se ejecutará el 2 de mayo en la explanada de la Plataforma del MAAC.

La logística de esta última jornada contempla un horario continuo desde las 14:30 hasta las 20:30. A diferencia de los eventos previos que exigen pago de cover, el acceso de los asistentes al festival de cierre será de entrada libre, eliminando la restricción de boletería en este espacio cultural.

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El anuncio, adelantado por Variety, llega tras semanas en las que los propios espectadores impulsaron la conversación digital en torno a la serie, pidiendo su continuidad. En declaraciones recogidas por el medio, miembros del equipo creativo destacaron que la respuesta del público superó expectativas iniciales, algo que terminó por acelerar la decisión de renovar el proyecto. Así, la serie no solo asegura su regreso, sino que reafirma el potencial de las adaptaciones locales dentro del streaming global.

Una adaptación que aterriza en lo latino

Basada en la icónica The Office, que a su vez adapta la versión británica original, La Oficina traslada el formato mockumentary a un entorno completamente distinto: la empresa Jabones Olimpo, núcleo donde se desarrollan las dinámicas laborales que sostienen la serie. Desde este espacio, la producción construye un retrato reconocible del día a día en oficina, donde lo absurdo convive con lo cotidiano.

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Al frente de la empresa está Jero, interpretado por Fernando Bonilla, un gerente cuya necesidad constante de aprobación y liderazgo errático se convierte en uno de los ejes del humor. A su alrededor, un elenco coral da vida a distintos perfiles laborales: el empleado que evita responsabilidades, el que busca destacar a toda costa o el que simplemente sobrevive al entorno, generando interacciones que resultan cercanas para el público latino.

Aunque la serie mantiene ciertos guiños al material original en cuanto al uso del falso documental, las miradas a cámara o situaciones incómodas prolongadas, su verdadero acierto está en la apropiación cultural. Lejos de limitarse a replicar estructuras, la adaptación incorpora códigos propios: celebraciones, formas de comunicación, tensiones jerárquicas y hasta dinámicas informales que responden directamente al contexto mexicano. Esto le permite construir una narrativa independiente que dialoga con el original, pero no depende en su totalidad de este.

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Uno de los factores clave en la rápida renovación de La Oficina ha sido su impacto en redes sociales. Desde sus primeros días en la plataforma, la serie comenzó a generar conversación a través de clips, capturas y frases que los usuarios adoptaron como parte de su lenguaje cotidiano en internet.

Momentos específicos véase silencios incómodos en reuniones, reacciones exageradas de los personajes o situaciones laborales absurdas, se transformaron rápidamente en memes. Esta circulación no solo amplificó el alcance de la serie, sino que también reforzó su conexión con una audiencia que encontró en estos fragmentos un reflejo de experiencias propias.

De acuerdo con declaraciones recogidas por Variety, los creadores tenían claro que la clave estaba en esa identificación. “Queríamos capturar esas pequeñas verdades del entorno laboral que todos reconocen”, explicaron, subrayando que el objetivo era construir situaciones que, aunque exageradas, partieran de una base real; es precisamente esa mezcla entre reconocimiento y exageración, lo que ha permitido que la serie trascienda la pantalla y se instale en la cultura digital.

Una renovación impulsada por la audiencia

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La confirmación de la segunda temporada se realizó a través de los canales oficiales de Prime Video, apenas semanas después del estreno de la primera entrega. La rapidez del anuncio refleja no solo el desempeño de la serie en la plataforma, sino también el peso que tuvo la respuesta del público en redes sociales, donde la continuidad del proyecto ya se daba casi por sentada.

Tras hacerse oficial la noticia, tanto el elenco como los seguidores reaccionaron de inmediato; actores de la serie compartieron mensajes celebrando la renovación, mientras que los fans destacaron la rapidez con la que el proyecto logró consolidarse. Este tipo de interacción refuerza la idea de que La Oficina no solo funciona como contenido de consumo, sino como un fenómeno participativo que se alimenta de su comunidad.

Con una segunda temporada en camino, la serie tiene ahora la oportunidad de expandir las dinámicas y personajes que conectaron con la audiencia en su primera entrega. Más allá de su origen como adaptación, La Oficina se perfila como un proyecto con identidad propia, capaz de sostener su relevancia dentro del panorama actual del entretenimiento latinoamericano.

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El videoclip se integra a la era de Man’s Best Friend, convirtiéndose en el tercer single con video oficial tras Manchild, que dio inicio a este ciclo, y Tears. En esta ocasión, Carpenter no solo protagoniza el proyecto, sino que también lo dirige junto a Margaret Qualley, quien además forma parte del elenco junto a Madelyn Cline. Lo cierto es que este detalle no es menor pues, Qualley es esposa del productor Jack Antonoff, figura clave en el sonido del álbum, lo que refuerza la cohesión entre lo visual y lo musical en esta etapa.

Un 'house tour' poco convencional

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A diferencia de los videoclips anteriores de esta era, House Tour no apuesta por una narrativa compleja ni por múltiples escenarios. En su lugar, concentra toda la acción en una misma locación: una lujosa mansión que las protagonistas recorren y saquean bajo una dinámica que mezcla humor, estética pop y cierto aire de irreverencia, a pesar de eso los fanáticos han notado que sigue una continuidad con Tears, como si de una serie episódica se tratase; una estrategia que Sabrina había utilizado previamente entre Espresso y Please Please Please.

El video presenta a Carpenter junto a Qualley y Cline como parte de una especie de crew que irrumpe en el espacio con total naturalidad, apropiándose de objetos y situaciones. Entre los momentos más llamativos destaca el robo de un premio Grammy, utilizado como guiño irónico dentro del relato visual que ha sido interpretada como una referencia a los galardones que la artista no ganó la entrega pasada.

De igual manera, el videoclip da continuidad de un recurso que ya se ha vuelto casi tradición en esta etapa: la presencia de violencia estilizada, incluyendo la muerte de un personaje masculino, tal como ya había sido confirmado en Tears, tras ser un factor común en varios videoclips como Feather y Espresso.

En términos visuales, el clip apuesta por una estética cuidada, dinámica e incluso híbrida, con una energía que prioriza la actitud y la performance sobre la construcción de una historia lineal. El resultado es una pieza que se siente más como una extensión del imaginario de la artista que como un relato cerrado, reforzando así la idea de un universo en expansión.

Un lanzamiento que se expande más allá del videoclip

En línea con esta construcción de universo, la web oficial de Sabrina Carpenter ya cuenta con merchandising vinculado directamente a House Tour. Entre los productos disponibles destacan el vinilo del single, una alfombra con la frase “Do you want the house tour?”, en referencia directa a la canción y una camiseta con el mensaje “Just robbed a house”, guiño directo al desenlace del videoclip.

Estos elementos no solo funcionan como extensión promocional, sino también como parte del lenguaje visual y narrativo de la era, trasladando los códigos del video a objetos concretos para los fans.

El video oficial de House Tour llega, además, en un momento estratégico, pues este estreno se da en la antesala de las presentaciones de Sabrina Carpenter en Coachella, uno de los escenarios más importantes del circuito musical.

Con este nuevo video, la artista no solo mantiene el impulso de su actual etapa, sino que también eleva la expectativa de cara a sus próximos shows, donde este universo visual podría encontrar una nueva dimensión en vivo.

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El lanzamiento pone fin a un silencio de seis años desde The New Abnormal (2020), su último trabajo de estudio hasta la fecha. Con ello, Reality Awaits se convierte en el séptimo álbum de la banda desde su formación en 1998, consolidando una trayectoria que ha sabido mantenerse vigente dentro del rock alternativo.

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Por ahora, los detalles oficiales sobre el álbum siguen siendo limitados, ya que la banda ha confirmado que Reality Awaits estará disponible en el verano de 2026 en el hemisferio norte, es decir, entre los meses de junio y septiembre. Aunque no hay una fecha exacta, este margen sitúa su lanzamiento en plena temporada alta de festivales, lo que podría jugar a favor de su impacto inicial.

Lo cierto es que, el teaser compartido funciona como una primera pista estética y sonora. En él, The Strokes apuesta por una marcada vibra retro, con referencias visuales a anuncios impresos de inicios de los años 80 y gráficos tipo 8 bits. La frase “In the flesh, it’s even sexier” acompaña el clip, junto a un breve fragmento musical que, aunque fugaz, sugiere una continuidad o una posible evolución del sonido que exploraron en su anterior etapa.

En cuanto a la producción, se especula que el disco podría estar vinculado a las sesiones que la banda realizó junto al productor Rick Rubin en Costa Rica hacia finales de 2022. Aunque este detalle no ha sido confirmado oficialmente, su participación apuntaría a un enfoque más depurado y orgánico en el sonido final del proyecto, siguiendo la línea de trabajos recientes del productor.

El anuncio de Reality Awaits no llega en un vacío, pues coincide con una intensa agenda de presentaciones en festivales durante 2026, lo que refuerza la expectativa de que el nuevo material comience a formar parte de sus sets en vivo en los próximos meses. Entre el regreso discográfico y su presencia en escenarios clave, The Strokes parecen estar alineando todas las piezas para un comeback que, más que nostalgia, apunta a reafirmar su lugar en la conversación actual del rock.

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La inclusión de esta canción no es un detalle menor, ya que desde su primera entrega en 2006, la saga ha mantenido una relación estrecha con la música como parte de su identidad estética, utilizando sus selecciones para reforzar el ritmo, la actitud y el universo aspiracional de la moda. En esta nueva etapa, la apuesta por dos figuras clave del panorama actual: una consolidada y otra en ascenso, sugiere una intención clara de actualizar ese lenguaje sonoro sin perder su esencia.

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Así suena ‘Runway’

Runway marca la primera colaboración entre Lady Gaga y Doechii, un cruce generacional que combina la trayectoria consolidada de Gaga con el ascenso reciente de Doechii dentro del pop y el hip-hop. El resultado es un tema que mezcla actitud, teatralidad y una energía alineada con el universo fashion que propone la película.

En el adelanto, la canción se construye sobre una base rítmica marcada y un tono seguro, pensado para acompañar la intensidad visual del tráiler. Más allá de su función promocional, el track se perfila como una extensión narrativa del filme, reforzando su estética ligada al lujo, la pasarela y el poder dentro de la industria de la moda.

Para Gaga, este lanzamiento representa un nuevo acercamiento al cine desde lo musical, un terreno que ha sabido integrar a lo largo de su carrera. Mientras que, en el caso de Doechii, la colaboración supone un paso clave en su proyección dentro de grandes producciones, consolidando su presencia en el circuito mainstream.

Lo cierto es que, ambas artistas han expresado su admiración mutua, por su lado Gaga vía Vogue resaltó la poca frecuencia de artistas que irrumpan con un talento legendario como el de la intérprete de Anxiety. Asimismo a inicios de año Doechii le entregó a Gaga el Premio a la Innovación en los iHeartRadio Music Awards, y compartió que de niña se identificaba como una Little Monster al mismo tiempo que resaltaba su impacto en los jóvenes queer.

Nuevos datos de la película

Más allá del apartado musical, el filme continúa generando expectativa por su desarrollo y elenco. La película, secuela del exitoso filme de 2006, tiene previsto su estreno para el 1 de mayo de 2026 y busca actualizar su mirada sobre la industria editorial y de la moda en un contexto contemporáneo.

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En cuanto a la participación de Lady Gaga, diversos reportes apuntan a que podría tener una aparición especial dentro del filme, lo que reforzaría su vínculo con el proyecto más allá de la música. Por ahora, los detalles sobre su rol y el de Doechii se mantienen bajo reserva.

Con el lanzamiento de Runway como carta de presentación, la secuela no solo apuesta por la nostalgia, sino también por una actualización estética y sonora que dialoga con nuevas generaciones. Todo indica que la moda, la música y el espectáculo volverán a encontrarse en una combinación pensada para dominar la conversación cultural.

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Este género musical se caracteriza por adoptar una estructura rítmica con instrumentos como la guira, tambora y acordeón, mezclando beats sincopados, líneas de bajo potentes y letras con lenguaje urbano.

A continuación te presentamos una selección de temas entre clásicos y modernos que han logrado posicionarse y definir el impacto actual del merenguetón.

Niña Bonita (2009)

Considerado como uno de los temas más representativos de Chino y Nacho lanzado en el 2009, la canción que mezcla ritmos tropicales, presenta una historia de amor idealizado, donde el protagonista expresa una admiración profunda hacia su pareja, a quien la describe como perfecta, en una narrativa llena de romanticismo. 

A nivel lírico, Niña Bonita, construye una imagen del amor como una experiencia intensa y casi irreal, empleando metáforas que elevan la relación a un plano emocional superior. Frases recurrentes refuerzan la idea de un vínculo puro y estable, convirtiendo al tema en un himno para quienes asocian el amor con la felicidad y plenitud.

En lo musical, combina ritmos tropicales con una base de pop, lo que le facilitó su expansión en el mercado. Su estructura y composición con un tono alegre, han contribuido a su permanencia en el tiempo, consolidándose como una de las canciones más recordadas del género en la última década.

Bailando por ahí (2012)

El tema musical aborda una historia donde un hombre se encuentra con un amor del pasado en medio de un ambiente festivo donde el baile y la música contrastan con la nostalgia de lo que ya finalizó.

Denominada como uno de los mayores éxitos de Juan Magán, esta canción juega con la dualidad entre la celebración y la melancolía. La protagonista disfruta de su presente, pero su felicidad no es plena ya que revive recuerdos y emociones generando una tensión emocional que conecta con experiencias comunes del amor.

Musicalmente este tema musical combina bases electrónicas, con ritmos tropicales como el merengue. Su éxito radica en la fusión entre la emoción y la fiesta, que la convirtió en un himno de discoteca y la mantiene vigente dentro del repertorio latino.

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Capaz (2024)

Con esta canción, el dúo venezolano Alleh y Yorghaki logró posicionarse en el radar musical impulsando el regreso del merenguetón en las plataformas digitales. La letra describe la incertidumbre de una relación que recién comienza marcada por dudas, emociones intensas y la inmediatez de los vínculos actuales.

La repetición de su coro refuerza la espontaneidad, conectando con una generación que vive el amor desde lo inmediato y lo emocional.

Este éxito del conocido dúo venezonalo, mezcla el ritmo acelerado del merengue con bases urbanas contemporáneas, creando un sonido movido y fácilmente viralizable. Su éxito en redes sociales especialmente en TikTok, consolidó su impacto y lo convirtió en uno de los hits más representativos del género en la actualidad.

Mi Dios Quiera (2025)

Posicionando a Eiden LP como una de las nuevas figuras del merenguetón, el tema se enfoca en la construcción de un futuro en pareja, abordando temas de estabilidad, amor y aspiraciones compartidas.

Su narrativa conecta con una visión más romántica dentro del género. Su coro logró viralizarse en redes sociales, reforzando esa idea de cercanía emocional y conexión directa con el público. Mi Dios Quiera, combina los ritmos tropicales con bases urbanas, su gran acogida muestra la vigencia del merenguetón en el panorama musical.

Ponme en tu boca (2025)

Es una colaboración entre los venezolanos Jerry Di, Danny Ocean y Corina Smith, que gira en torno al deseo, conexión emocional y la atracción física, utilizando metáforas tropicales para construir una narrativa veraniega. Su letra busca transmitir cercanía y complicidad.

La producción de esta canción combina los elementos urbanos con una base merenguera destacada, pensada para espacios festivos y temporadas como el verano. El tema refuerza el posicionamiento de la nueva generación de artistas venezolanos en la escena global.

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Marte es el planeta asociado a la acción, la iniciativa y la energía física. Cuando transita por Piscis, un signo de agua vinculado a la sensibilidad y la disolución, esa fuerza se transforma y deja de expresarse de forma directa. En lugar de impulso, aparece una tendencia a actuar desde la emoción o la intuición, lo que puede generar una percepción de menor energía o lentitud.

Un tránsito que afecta la energía y las decisiones

Este movimiento planetario, activo entre marzo y abril de 2026, modifica la forma en que se enfrentan los desafíos. Según interpretaciones astrológicas, Marte en Piscis invita a dejar de forzar resultados y a moverse con mayor fluidez, lo que cambia el ritmo habitual de acción.

En este contexto, muchas personas experimentan una tensión interna: la necesidad de actuar frente al deseo de evitar el conflicto. Esta dinámica puede traducirse en agotamiento mental, dudas o dificultad para tomar decisiones.

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El impacto emocional y físico

La astrología también vincula este tránsito con una mayor sensibilidad. Marte, relacionado con los impulsos y la reacción, al entrar en Piscis pierde fuerza directa y se vuelve más introspectivo.

Esto puede provocar que emociones como la frustración o la incomodidad no se expresen de forma clara. En lugar de manifestarse externamente, se acumulan, lo que se percibe como cansancio o desgaste emocional.

Además, Piscis, como signo asociado a la disolución, puede generar confusión o falta de límites claros, lo que intensifica la sensación de agotamiento en la rutina diaria.

Especialistas en astrología señalan que este tránsito no es aislado. Forma parte de un proceso previo a nuevos movimientos planetarios que marcan el inicio de ciclos. En ese sentido, Marte en Piscis funciona como una etapa de revisión interna antes de retomar la acción.

La lectura apunta a un periodo para replantear decisiones, revisar emociones y preparar el terreno antes de avanzar.

Cómo reducir el impacto del cansancio

Frente a este escenario, la recomendación general es adaptar el ritmo en lugar de forzarlo. Entre las acciones sugeridas están:

• Incorporar movimiento físico para liberar tensión acumulada.

• Identificar emociones en lugar de evitarlas.

• Tomar decisiones sin esperar condiciones ideales.

Marte en Piscis no solo explica una sensación de cansancio que se repite este lunes. También plantea un cambio en la forma de actuar y relacionarse con las emociones, en un momento que, según la astrología, anticipa un nuevo inicio.

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Al igual que los brainrots, que también captaron gran atención del público, las frutinovelas muestran cómo la inteligencia artificial puede generar contenido altamente viral. Estas series cortas destacan por su capacidad de enganchar al público mediante contrastes y parodias de clichés televisivos clásicos.

Cómo nacen las frutinovelas

Estas microhistorias combinan inteligencia artificial y edición rápida. Filtros de reconocimiento facial permiten que frutas y verduras tengan ojos, bocas y expresiones humanas, recreando escenas de celos, traiciones y secretos familiares.

Cada fruto tiene personalidad propia: un aguacate puede ser el villano calculador, mientras que una uva interpreta a la hija inocente o al romance fugaz. Los creadores se inspiran en telenovelas clásicas, realities o incluso hechos de la vida cotidiana, generando momentos cómicos que capturan al espectador.

Por qué los usuarios no pueden dejar de verlas

El secreto del éxito está en el contraste y la exageración: zoom rápidos, música de suspenso y efectos de sonido mientras las frutas se "golpean" entre sí. En cápsulas de apenas 30 segundos, condensan toda la intensidad emocional de un episodio largo de telenovela.

El humor absurdo y la parodia hacen que estos clips sean adictivos y provocan que los espectadores regresen por más.

Más allá del entretenimiento

El fenómeno de las frutinovelas ha captado la atención de marcas de alimentos y creadores. Historias con frutas como protagonistas humanizan los productos y acercan la audiencia de manera inesperada.

También reflejan cómo las nuevas generaciones consumen melodramas: no en episodios de una hora, sino en cápsulas breves y virales que condensan toda la emoción.

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La gira que refleja su vida y música

El tour sirve de soporte a su segundo álbum, Do Not Disturb. Según Miko, el disco nace de un momento intenso en su vida, entre giras y cambios personales. “Estuve extrañando mucho a mi familia... Todo este caos afectó mis relaciones, mi trabajo, mi vida familiar. Me sentí apagada y despegada de mí misma”, confesó.

El Late Checkout Tour no solo es un recorrido de conciertos; es un capítulo que muestra su crecimiento artístico y personal.

Fechas y paradas clave de la gira

El tramo norteamericano iniciará el 13 de octubre en Seattle y cerrará el 5 de noviembre en el Barclays Center de Nueva York, con escalas en Houston, Miami y Atlanta. En México ofrecerá cuatro conciertos, incluyendo Guadalajara y Ciudad de México.

Ecuador aún no figura en la lista oficial, pero los seguidores mantienen la esperanza de un anuncio pronto.

Cómo conseguir boletos

La preventa será el 7 de abril a las 10:00 y la venta general inicia el 10 de abril a la misma hora.

Young Miko: éxitos que trascienden fronteras

Conocida por hits como 'Wassup', 'Lisa', 'Classy 101' con Feid y 'FINA' con Bad Bunny, Miko sigue consolidando su carrera en la música urbana. Su reciente colaboración con Gap para la primera campaña en español muestra que su influencia va más allá de los escenarios.

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El hombre detrás de la leyenda

Antes de convertirse en Hulk Hogan, fue Terry Bollea. La docuserie busca precisamente mostrar esa dualidad entre el personaje que conquistó al mundo y el hombre real detrás del mito.

A través de material inédito y testimonios cercanos, la producción promete un retrato sin filtros que profundiza en su vida personal, sus inicios en la lucha libre y el fenómeno global que representó la llamada “Hulkmania”.

Su última entrevista, el eje del documental

Uno de los elementos más impactantes de la serie es la inclusión de la última entrevista que el luchador concedió antes de su fallecimiento en 2025.

En el adelanto, Hogan reflexiona sobre su vida y deja frases que anticipan un tono íntimo y revelador, abordando tanto su legado como los momentos más complejos de su trayectoria.

Entre la gloria y la polémica

El documental no solo repasará sus logros en el ring, sino también las controversias que marcaron su imagen pública en los últimos años.

Desde su impacto como figura clave en la expansión global de la lucha libre hasta las críticas por sus declaraciones fuera del ámbito deportivo, la serie plantea una mirada completa sobre su figura.

Testimonios cercanos y momentos íntimos

Además de su propia voz, la docuserie contará con testimonios de personas cercanas, incluyendo a su exesposa Linda Hogan, quien comparte reflexiones sobre su relación y los años posteriores a su separación.

Estas declaraciones aportan una dimensión más humana al relato, mostrando aspectos emocionales que rara vez fueron visibles durante su carrera pública.

Un estreno que llega tras WrestleMania

El lanzamiento de la docuserie se dará, apenas una semana después de WrestleMania, uno de los eventos más importantes de la WWE.

Con cuatro episodios de aproximadamente una hora cada uno, la producción busca convertirse en una pieza clave para entender el impacto cultural de una de las figuras más influyentes en la historia del entretenimiento deportivo.

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Música de los 80, un viaje que conecta generaciones

El espacio se presenta como una experiencia sonora que trasciende el tiempo. A través de una cuidada selección musical, el comunicador revive los grandes éxitos que definieron los años 80, acompañados de anécdotas y recuerdos que mantienen viva la memoria colectiva.

Desde el pop hasta el rock, pasando por la balada y el new wave, cada emisión construye un recorrido que apela tanto a la nostalgia como al descubrimiento de nuevas audiencias. Es un espacio pensado para quienes vivieron esa década y para quienes hoy desean redescubrirla.

Clásicos inolvidables y artistas icónicos

En Me quedé en los 80, los oyentes podrán disfrutar de canciones que hicieron historia. Bandas y artistas como Mecano, Soda Stereo, Hombres G e Ilegales se integran con referentes internacionales como Duran Duran, Culture Club, Depeche Mode y Pointer Sisters.

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A esta selección se suman voces imprescindibles como Madonna, Michael Jackson, Cyndi Lauper, Prince y Laura Branigan, para finalmente configurar una propuesta musical diversa que refleja la riqueza y el dinamismo de la época.

Nostalgia, entretenimiento y farándula

Adem´ás, el programa incorpora contenidos de farándula local e internacional.  La idea es aportar un enfoque dinámico que combine información y entretenimiento. 

Con esta propuesta, Santiago San Miguel reafirma su vínculo con la audiencia y apuesta por un formato que celebra la nostalgia sin perder vigencia. “Hay épocas que no se olvidan, se escuchan”, resume el espíritu de un programa que regresa para quedarse.

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Un regreso lleno de emoción

Antes de convertirse en una estrella global, Hassan Emilio Kabande, nombre real del artista, fue un estudiante más en la Samuel Clemens High School, una escuela secundaria ubicada en zona metropolitana de San Antonio. 

El pasado viernes, regresó a dicha institución, pero ahora como un referente de la música global, generando una recibimiento cargado de emoción por parte de estudiantes y docentes.

Durante su visita, el cantante y compositor mexicano recorrió los pasillos de su antigua escuela y se reencontró con profesores quienes recalcaron que para ellos el artista seguirá siendo un Buff, apodo de los estudiantes de la escuela. El momento más emotivo fue cuando ingresó al auditorio, donde cientos de jóvenes lo esperaban con gritos y algarabía.

Un mensaje que conectó con los estudiantes

En medio del entusiasmo, el cantante tomó el micrófono y compartió un discurso enfatizando sus inicios y recordando que alguna vez estuvo en el mismo lugar que los estudiantes que lo escuchaban.

Además, convivió con el mariachi escolar durante casi una hora, brindando consejos musicales y motivando a los jóvenes a seguir sus sueños, destacando la importancia de mantener sus raíces culturales.

Un reconocimiento histórico en San Antonio

El homenaje continuó con una ceremonia oficial encabezada por autoridades locales, quienes le entregaron la llave de la ciudad y proclamaron el 3 de abril como el “Día de Peso Pluma”. Según destacaron, el artista ha logrado convertirse en un puente cultural, conectando a las nuevas generaciones con sus raíces mexicanas a través de los corridos tumbados.

La celebración culminó en el Frost Bank Center con un concierto especial que reunió a miles de fans. Uno de los momentos más destacados fue la aparición del cantante mexicano Pepe Aguilar, quien subió al escenario como invitado sorpresa.

Un artista en la cima de su carrera

Este reconocimiento llega en un momento clave para Peso Pluma, quien continúa consolidándose como una de las figuras más influyentes del género regional mexicano.

Con giras exitosas como el tour Dinastía by Peso Pluma & Friends y posicionamientos destacados en listas internacionales, el artista que con su último álbum alcanzó el primer lugar del Top Latin Albums de Billboard, sigue expandiendo su impacto a nivel global, mientras mantiene un fuerte vínculo con sus raíces.

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También de explicar cómo se retroalimenta la música con otras artes, dejar testimonio de la importancia que tiene en la vida de sus devotos o simplemente compartir todo aquello que nos genera escuchar una buena canción como si se tratara de una revelación divina.

Hoy EXPRESIONES le recomienda cinco libros sobre música, cuyos autores han recurrido a diferentes vertientes en su afán de acercarse a ella: la reseña histórica, el ensayo, el reportaje, la crónica e incluso la poesía o la ilustración.  

Brutalismos: Enciclopedia de músicas secretas y vandalismo pop (Vol. 1)  

Nos sacamos el sombrero ante el libro Brutalismos: Enciclopedia de músicas secretas y vandalismo pop (Vol. 1) de Editorial La Felguera, de España, lanzada en febrero de este año, que combina el espíritu del fanzine con la rigurosidad de la crónica periodística.

Editado por David Bizarro y Servando Rocha, en sus más de 360 páginas este volumen 1 recopila artículos de la revista y sitio web Agente Provocador, además de escritos que aparecieron en el diario El País y las revistas Triunfo y Destino, de ambos autores y otros colaboradores que firman con alias como Doctor Peligro, Eureka o Lady X (Valentina Blum).

En este caso, el término pop es considerado en su espectro más amplio, es decir con el significado de música popular, así que explora por igual géneros disímiles como rock and roll, salsa, jazz, balada, heavy metal, hardcore o punk, con historias que resultan interesantes no solo a los melómanos.

A modo de ejemplo podemos mencionar el texto autoría de Eduardo Bravo sobre la banda de jazz y swing Charlie and His Orchestra, creada por el Ministerio de Propaganda nazi dirigido por Joseph Goebbels durante la Segunda Guerra Mundial, quien pese a criticar estos estilos musicales, aprovechó su popularidad para hacer propaganda pro Alemania y contra los aliados.

Brutalismos incluye también un extenso archivo gráfico. Y la portada es obra del artista madrileño Mario Rivière, creador de cómics y quien ha realizado ilustraciones para otros libros y también discos de artistas como Malena & Belcebú, Sugus o La Bien Querida.

Días de Pescado: Spinetta, la psicodelia y el rock pesado

Con 21 años de trabajo a cuestas, Gourmet Musical Ediciones, de Argentina, es una editorial especializada en libros dedicados a la cultura musical, con 120 títulos lanzados hasta el momento

Una de sus obras más recientes es Días de Pescado: Spinetta, la psicodelia y el rock pesado, que lanzó en enero de este 2026 y que explora el periodo del músico argentino Luis Alberto Spinetta con su agrupación Pescado Rabioso, que integró con David Lebón, Black Amaya y Carlos Cutaia.

De todos las bandas que formó, es una de las más breves (de 1971 a 1973), pero una de las más significativas no solo de su carrera sino del rock argentino.

El libro fue escrito por el bonaerense Nicolás Igarzábal, licenciado en periodismo, docente, corrector y productor, quien se basó en testimonios del entorno de Spinetta, músicos y allegados, documentado con fotografías hasta ahora inéditas, entrevistas y diarios de aquellos años.

Siempre bajo la meticulosidad y cuidado de Leandro Donozo, editor y fundador de Gourmet Ediciones y responsable de su mística.

Yana Anta

Ojito con lo que está haciendo Cuerpo de Voces, editorial de Manta fundada por Alexis Cuzme, que después de publicar Hijos bastardos de la modernidad de Freddy Plazarte a inicios de 2025, meses después apostó por otra investigación de enfoque académico sobre la música extrema, el libro Yana Anta: Hibridaciones sonoras entre la cosmovisión andina y el metal pagano en el Ecuador, de Viviana Herrera Ayala.

Ella es licenciada en Comunicación Social y magíster de Investigación en Estudios de la Cultura, mención en Artes y Estudios Visuales. Fundadora del programa de radio online Ikuychukuna Ukupacha.

Vamos pal perreo

Publicado en 2020, Vamos pal perreo: historias, argüendes, poemas y dibujos sobre reguetón recopila ensayos, relatos, ilustraciones, puntos de vista y poesías acerca de este estilo. Incluye el trabajo de más de veinte escritores y nueve dibujantes, provenientes de México, Cuba, Chile, Colombia, Perú y Puerto Rico.

La edición estuvo a cargo de Patricia Salinas y Juan Pablo Ruiz Núñez, y la obra fue lanzada por Editorial Fruta Bomba, de Oaxaca, México.

Se trata de una reivindicación en toda regla, abordando los mitos, orígenes y posibilidades del reguetón como forma de expresión social, cultural e incluso política, analizando todo lo que puede explicar sobre nuestros cuerpos, nuestro lenguaje, la formas de relacionarnos con otros, el amor y el deseo.

Además de recomendar en sus páginas un montón de nombres de artistas y canciones para escuchar y bailar, por supuesto.

Y tratándose de un género acusado de machista y sexista, destaca el hecho de que muchos de estos textos han sido escritos por mujeres, que reivindican su derecho a mover su cuerpo cómo y con quien ellas quieran.

Porque como sostiene Patricia Salinas en su ensayo Más zorras que los cazadores: “Las narrativas del reguetón alejan al sexo del dramatismo solemne y culposo en el que ha estado sumido durante tanto tiempo, y lo acercan a la eufórica elocuencia de la broma (...) para narrar las travesuras de la calentura, de modo que el sexo se va pareciendo más a la alegre potencia del baile que a la oscuridad del sufrimiento o la obligación”.

Curiosidades del mundo del rock

La española Diábolo Ediciones, de los editores Pilar Lumbreras y Lorenzo Pascual, acaba de relanzar esta belleza del dibujante y músico vasco Mauro Entrialgo.

La obra salió a la calle por vez primera en 2003, por la editorial Ponent, de Valencia, a cargo de Paco Camarasa (+). Compila dibujos que desde mediados de los noventa Mauro publicó en revistas y fanzines.

Usa el formato de pasatiempo, con ‘actividades por resolver’, que son el pretexto para mostrar sus puntos de vista, chistes, información y reflexiones sobre los hábitos de la fauna rockera y sus diferentes tribus. No con la visión de un recién llegado o un extranjero, sino como alguien que conoce ese mundillo desde dentro.

En la contraportada, aparecen frases de músicos españoles como Rosendo Mercado, Jorge Explosión (de Doctor Explosión), Silvia Superstar (de Killer Barbies) o esta del mismísimo Miguel Ríos: “Curiosidades del mundo del rock será una de las cinco cosas que me llevaré al geriátrico”.

Mauro Entrialgo, además de su faceta como músico con sus bandas Fat Esteban, Esteban Light o Tyrexitone, también ha escrito para teatro, televisión y cine. Y a fines de 2024 lanzó el ensayo Malismo. La ostentación del mal como propaganda (editorial Capitán Swing).

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El anuncio fue realizado a través de la cuenta oficial de Anitta, donde confirmó la participación de la artista colombiana en el track número XIII (13) del proyecto. En la publicación, la cantante escribió: “No tienen idea lo feliz que estoy de anunciar esta colaboración de mi álbum EQUILIBRIVM”.

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El tema ‘Choka Choka’ ya tiene fecha de estreno

La canción ‘Choka Choka’ será lanzada el 9 de abril, días antes de la salida completa del álbum. En el mismo mensaje, Anitta indicó lo feliz que estaba de lograr esta colaboración.

El tema forma parte de la lista oficial del disco, que incluye 15 canciones. El proyecto está dividido en dos partes, con temas en portugués y en otros idiomas.

‘EQUILIBRIVM’, el nuevo álbum de Anitta

El álbum EQUILIBRIVM es el octavo trabajo de estudio de Anitta. El proyecto contempla canciones en portugués, español e inglés. Entre los sencillos ya publicados se encuentra ‘Pinterest’, lanzado el 6 de marzo.

La colaboración con Shakira se suma a la estrategia de Anitta para posicionar su música en distintos mercados. El lanzamiento del álbum está programado para el 16 de abril.

La relación entre Shakira y Anitta

El anuncio de la colaboración se da en un contexto de cercanía entre ambas artistas. En una entrevista previa, Anitta se refirió a su vínculo con Shakira y señaló: “La quiero mucho. Estaba súper feliz por ella. Creo que se lo merece todo”.

La cantante también explicó cómo comparten tiempo fuera del ámbito musical. “Nos gusta cuidarnos y cuando estamos juntas hacemos tratamientos para la piel, para el alma, para el cuerpo. Hacemos algunos cuidados de bienestar sólo para sentirnos bien”, indicó.

En ese mismo espacio, agregó: “Soy una persona muy espiritual. Me gusta meditar. Me gusta hacer yoga y cosas que me ayuden a mirar hacia dentro. Creo que eso es lo que nos gusta hacer cuando estamos juntas”.

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Expectativa por ‘Choka Choka’

La colaboración entre ambas artistas fue confirmada tras la publicación del tracklist oficial del disco. El tema ‘Choka Choka’ aparece como una de las canciones centrales del proyecto. Shakira da un pasó más en el mercado portugués en la que sería su primer tema oficial en ese idioma. 

Cabe recordar que Shakira ofrecerá un concierto histórico y gratuito el 2 de mayo de 2026 en la playa de Copacabana, Río de Janeiro, dentro del evento 'Todo Mundo no Rio'. Este masivo espectáculo forma parte de su exitosa gira 'Las Mujeres Ya No Lloran World Tour' y se espera que supere el millón de asistentes, siguiendo la tradición de artistas como Madonna.

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Un encuentro inesperado tras las rejas

El rapero aseguró que coincidió con Nicolás Maduro en el Centro de Detención Metropolitana de Brooklyn, donde ambos permanecieron durante un periodo reciente. 

Según los datos oficiales, el exmandatario venezolano fue trasladado al penal tras su captura en enero de 2026, en medio de un operativo ejecutado por autoridades estadounidenses.

Este inesperado encuentro entre una figura del entretenimiento y un actor político de alto perfil ha generado un fuerte interés mediático en redes sociales, no solo por lo inusual, sino también por los detalles que el artista decidió compartir tras recuperar su libertad.

Conversaciones en la prisión

De acuerdo con lo relatado por el rapero en el streaming de Adin Ross, ambos mantuvieron conversaciones dentro del centro de detención. Tekashi afirmó que Maduro le habría contado cómo se produjo su captura, describiéndola como un operativo sorpresivo y de gran magnitud.

El artista también explicó que desde el inicio intentó mantener una actitud respetuosa, evitando incomodarlo y ofreciéndose a ayudar en lo que fuera necesario. Este acercamiento, según sus palabras, permitió que se generara cierto nivel de interacción entre ambos dentro del penal.

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Cercanía y vida cotidiana en el penal

Uno de los aspectos más llamativos fue la cercanía entre ambos dentro del centro de detención, Tekashi aseguró que sus camas estaban prácticamente frente a frente.

Además, explicó que compartían áreas comunes dentro del penal, lo que hacía inevitable la interacción diaria. Estas condiciones, habituales en este tipo de centros, permitieron que el rapero observara de cerca la rutina del exmandatario.

Un comentario que se viralizó

Durante su relato, Tekashi también hizo referencia a las condiciones en las que Maduro llegó al centro de detención, lo que rápidamente generó controversia en redes sociales. Según indicó, en un inicio Maduro tenía un olor desagradable, aunque esta situación habría mejorado con el paso de los días.

Estas declaraciones, especialmente por su tono directo, provocaron reacciones divididas entre los usuarios, entre quienes cuestionan la veracidad de sus palabras y quienes siguen de cerca cada detalle de su testimonio.

El objeto firmado por Maduro

Tras salir de prisión, el rapero mostró en redes sociales un peluche de Bob Esponja que, según afirmó, fue firmado por Nicolás Maduro durante su estancia en el penal. En el objeto se puede leer una dedicatoria que rápidamente llamó la atención de sus seguidores movilizándose en pocas horas de su publicación.

El contexto de su paso por prisión

Tekashi 6ix9ine cumplió una condena de 90 días tras admitir la violación de los términos de su libertad condicional, luego de un caso relacionado con posesión de drogas en 2025. Su ingreso al centro de detención se dio en ese contexto legal.

Esta controversia se suma a la larga lista de polémicas que han marcado su carrera, consolidando su imagen como una figura mediática que constantemente genera titulares tanto dentro como fuera del ámbito musical.

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Un puente entre la selva y el mundo

De un universo de 3.700 postulantes, el documental fue elegido entre los 160 filmes que integran la muestra oficial. El Colectivo Tawna, integrado por artistas de las nacionalidades sápara, kichwa y mestiza, destaca que esta selección no solo premia el vigor visual de la cinta, sino su capacidad para actuar como un lenguaje que conecta realidades distantes. Para Sani Montahuano, cofundadora del colectivo, la participación en Suiza trasciende lo artístico: es la representación de la vida misma dentro de los territorios indígenas.

La encrucijada del transporte solar

La narrativa se centra en la figura de Luciano Peas, un joven técnico Achuar que encabeza una iniciativa de transporte solar frente a la inminente construcción de una carretera. El proyecto vial se presenta como una amenaza que podría fragmentar la selva, dividir a las comunidades y erosionar su herencia cultural. En su periplo por el río Kapawi, guiado por la mitología local, Luciano busca alertar a su pueblo sobre el impacto ambiental y social de la infraestructura tradicional.

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Se trata de los fines de semana del 10 al 12 y del 17 al 19 de abril, cuando el Empire Polo Club de Indio se convertirá en el escenario donde convergen la música, la moda y las nuevas narrativas estéticas. Allí también van a convivir la nostalgia de los íconos indie con el dominio absoluto del pop global y la electrónica inmersiva. El lineup 2026 cruza géneros y generaciones, y Coachella promete anticipar el futuro de la industria.

Justin Bieber: El renacimiento de un ícono en el desierto

Si hay un nombre que acapara todas las conversaciones, es el de Justin Bieber. Luego de un periodo de considerable silencio mediático y apariciones esporádicas que han dejado a sus fans con ganas de más, el canadiense regresa por la puerta grande como cabeza de cartel. 

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Ahora todos sienten que el pasado show sorpresa en Los Ángeles, el 29 de marzo en The Roxy Theatre, fue un aperitivo de lo que se verá en el desierto: una propuesta que transita entre la intimidad de su nueva etapa artística y el despliegue técnico de un espectáculo de gran formato. 

Karol G y el poderío latino en el escenario principal

Coachella 2026 marca un punto de inflexión histórico con la presencia de la colombiana Karol G. La Bichota se consolida como una de las grandes protagonistas, y su presencia demuestra que el reguetón y el pop latino llegaron para quedarse y que, hoy por hoy, son el eje central de la industria musical global. 

Su actuación es una de las más esperadas. Sus fanáticos esperan cantar junto a ella sus éxitos más pegajosos e incluirla así en una demostración de que la música es cada vez más diversa y multicultural. Se espera que su show sea uno de los más multitudinarios y emocionales.

Sabrina Carpenter y la consagración de la nueva reina del pop

De promesa emergente a headliner indiscutible. Esa es Sabrina Carpenter, quien llega al Empire Polo Club en el punto más alto de su carrera. Luego de una racha de hits bastante interesante que han dominado las listas de reproducción globales, su presencia en la parte alta del cartel parecía ndiscutible. 

Su estatus actual de superestrella. Coachella termina por consagrarla y su participación se convierte en una suerte de rito de iniciación definitivo hacia el olimpo del pop. El público, por su parte, estará dispuesto a aplaudir con fuerza la energía y estética de la estadounidense que terminará explotando en las redes sociales durante todo el mes de abril.

The Strokes: El regreso de la esencia indie rock

También hay espacio para los puristas y amantes del rock alternativo. El regreso de The Strokes es el gran reclamo de esta edición. Los íconos de los años 2000 vuelven al festival para apelar a ese ADN indie que vio nacer a Coachella. 

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Pero más allá de la nostalgia, los organizadores y la banda garantizan un importante cruce generacional, y se pondran frente a nombres como The xx, Interpol, David Byrne e Iggy Pop, una grilla que, este año, ponen el peso específico al rock y la vanguardia alternativa en la cultura contemporánea.

Anyma y Æden: La frontera tecnológica de la música electrónica

El cierre de esta selección lleva el nombre de Anyma con su proyecto Æden. Este show audiovisual apunta a ser el más ambicioso del cartel que va más allá de un extraordinario set de música electrónica. 

Con ellos no todo está dicho y su presentación despierta una gran expectativa. De lo que se sabe, ellos proponen una experiencia sensorial inmersiva que utiliza tecnología de última generación.

La idea es redefinir lo que suele entenderse como un espectáculo en vivo, junto a leyendas como Armin van Buuren, DJ Snake y Fatboy Slim.

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Crecer escuchando español y portugués, cada uno con su propia musicalidad y secretos, la llevaron en su momento a querer dedicarse profesionalmente a la traducción, deseo en el que también contribuyó el haber aprendido inglés desde joven y su innato amor por los libros.

Larissa nació justo en la frontera entre Argentina, Brasil y Paraguay: en Foz de Iguazú, ciudad brasileña de no más de 300.000 habitantes que pese a ser turística y recibir viajeros todo el año, contrasta con la efervescencia de Buenos Aires, metrópolis donde vive actualmente.

Desde allí, con su castellano rioplatense herencia de su padre, atendió a SEMANA para conversar sobre uno de los roles más complejos y menos comentados del universo literario: el oficio de traductor, un arte en sí mismo que va más allá de las reglas gramaticales y sintácticas, y que tiene que ver más bien con la interpretación y las sensaciones que es capaz de evocar la palabra.

Todo traductor, pese a que tiene que respetar la voz del autor original de un texto, también debe apropiarse de dicho texto, hacerlo suyo. Una especie de doble juego.

Sí. Me intriga mucho cómo la misma obra traducida por personas diferentes puede tener resultados muy diferentes. No digo que le vayan a cambiar el final, pero cada traductor le da su matiz.

Recuerdo que un amigo guitarrista me dijo que si cinco guitarristas diferentes tocan la misma canción, pueden tocar las mismas notas, las mismas escalas, pero los cinco van a sonar distintos.

Creo que cada traductora y traductor pone su estilo de alguna forma. Eso incluso influye en el hecho de que cada 20 o 30 años se publican nuevas traducciones de libros. La traducción va muy de la mano de la época en que se hizo. Tenemos que tener traducciones a las que los lectores de hoy puedan acceder con más facilidad.

Aunque sean libros clásicos...

Aunque sea Shakespeare, tiene que tener una fluidez para el lector de cada época. Creo que cada traductor le da el matiz propio de su época. Las traducciones como que de alguna forma se agotan. Aunque tanto un lector de la década de los 60 como un lector ahora tengan la misma experiencia con el mismo libro, cada época tiene su ‘lenguaje’ y su tono.

Traducir es, al fin y al cabo, interpretar.

Y no solo interpretar en el sentido de actuar. Yo estoy actuando como si fuera la autora del libro que traduzco, pero también en el sentido de mostrar la forma en que veo el libro. Qué entiendo, qué interpreto. Intento llegar a una traducción que muestre mejor mis pensamientos o la forma en que interpreto la obra.

Tratando de mantener la fidelidad del original.

No me gusta trabajar con el concepto de ‘fidelidad’ en la traducción. No creo que haya maneras de ser fiel o infiel al texto. Vos tenés que respetar el texto, pero respetarlo no siempre es buscar equivalencias, sino buscar lo que evoque mejor el sentido de aquello que la autora o autor pretendía.

No tiene que ver necesariamente con las palabras, sino más bien con las sensaciones que genera.

No es buscar la misma palabra, o la palabra equivalente, o la oración equivalente. A veces te tenés que inventar o tenés que darle vueltas o no sé. Si causa la misma sensación que me causó en castellano, logré lo que creo que el lector va a sentir traducido al portugués.

¿Es distinto traducir textos escritos que trabajar con la palabra hablada?

Quienes trabajamos con textos tenemos también ese ejercicio de escuchar el idioma porque, muchas veces, escuchándolo entendés el tono, y el tono te dice algo acerca de una intención, de una ironía, por ejemplo.

¿Cómo traduce un texto escrito en jerga o muy coloquial? ¿Lo lleva también a jerga en portugués?

Por ejemplo en el libro ‘Fiebre de carnaval’ de Yuliana Ortiz, aparecía mucho la palabra ‘ñaña’, ‘ñaño’, para decir hermana, hermano. Nosotros en portugués tenemos ‘mana’ y ‘mano’ para decir lo mismo. En ese caso busqué palabras coloquiales en el mismo contexto.

Pero hay cosas intraducibles.

Marcas culturales muy fuertes, como las comidas, yo las pongo siempre con el nombre original. También muchas veces hay pasajes que son ambiguos, y eso pasa por la intención del autor o autora.

¿Cómo lidia con la ambigüedad?

Si siento que fue intencional, la mantengo, para que el lector en portugués también tenga esa duda, esa inquietud.

Hay que tener cuidado de tampoco descaracterizar el libro.

Yo quiero que el lector vaya al país donde se desarrolla la novela. Quiero que el lector diga, por ejemplo: “Este es un libro que viene de Ecuador, ¿qué hay allá?, ¿qué es lo que no conozco de ese país y que me puede gustar?”. Me encanta la posibilidad de llevar al lector siempre al país donde se desarrolla una novela. No al revés.

De Foz de Iguazú a ‘Baires’

Ha pasado casi toda su vida en Foz de Iguazú. ¿Por qué decidió mudarse a Buenos Aires?

En Foz de Iguazú no tendría las mismas oportunidades que tengo acá. La Argentina es un polo literario muy grande. Hay muchos talleres, clubes de lectura, eventos en torno a la literatura y la traducción.

Buenos Aires es una ciudad de muchos contrastes también.

Pasan muchas cosas. En una calle hay protestas, en otra calle hay turistas... Es una ciudad donde siempre está pasando algo, que no duerme. Tiene sus cosas buenas y malas, pero como me gusta tanto estar acá, intento siempre ver por el lado todo muy bueno.

Asimismo, vivir en una gran metrópolis puede ser abrumador.

Para quien viene de una ciudad chica es abrumador. Yo no vivo en la capital, sino en el Conurbano, así que todo me queda lejos. Tengo que tomarme no sé cuántos ómnibus, colectivos y ‘subtes’ para llegar a los lugares. Pero por otro lado, tengo oportunidades y conozco cosas y gente que no conocería en Foz de Iguazú. Por ejemplo, hacer un taller de fotografía, que es algo que no tendría en Foz...

Y que también termina sumando en su desempeño profesional.

Para mí todo es material para la traducción. Si voy a traducir un libro de una región específica, cualquier conocimiento me sirve mucho. Si conozco un fotógrafo o artista plástico ecuatoriano, me puede dar un panorama de Ecuador. Me encanta conocer los países a través de la música, por ejemplo, porque es un arte que es muy fácil de identificarse, y a todos les gusta la música. Me encanta la diversidad de cosas que se conocen a través del arte.

“El portugués de Brasil es muy distinto al de Europa”

¿Cómo es la relación entre el portugués de Brasil y el de Europa?

El portugués de Portugal es muy distinto. Tanto así que editoriales con presencia en Brasil y Portugal, tienen distintos traductores para cada país. Leo autoras y autores portugueses, y claro, se entiende porque es el mismo idioma, pero cada vez más siento que estamos caminando para decir que en Brasil hablamos el ‘brasilero’ y ellos hablan el portugués.

¿Diría que en ese sentido se empieza a abrir un abismo entre Brasil y Portugal?

Lo que pasa es que Portugal consume mucho más la cultura brasilera, que Brasil la de Portugal. Portugal consume nuestra literatura, nuestra música, nuestras novelas, nuestros programas de televisión...

¿No ocurre lo mismo en el sentido contrario?

Si vos le preguntás a un brasilero si conoce a un artista portugués, difícilmente te nombrará uno. Pero si le preguntás a un portugués qué conoce de Brasil, te va a decir muchas cosas. Creo que en ese sentido hay un abismo.

Pero mucho más del lado de Brasil que del lado de Portugal...

Portugal nos consume y nos conoce, pero en Brasil no conocemos mucho de ellos. Por lo menos en los medios que yo me muevo. Incluso hay gente que dice que ni entiende lo que dicen los portugueses.

Alguna vez vi una entrevista a Cristiano Ronaldo y me pareció muy diferente su portugués con respecto al que se habla en Brasil.

El portugués de ellos es más cerrado, tienen un vocabulario muy distinto al nuestro. No sé si porque son un país más chico, ellos tienen una cultura muy encerrada en sí misma.

El portugués de Brasil tiene otra musicalidad.

Es muy distinto, el vocabulario es distinto, cómo suena también, la entonación, el acento. Y dentro de Brasil, que es un país enorme, tenemos miles de acentos, de sur a norte. 

Las sugerencias literarias y musicales de Larissa

Aprovechamos la oportunidad para pedirle a Larissa que nos sugiera libros y autoras. De su país nos recomendó ‘La pediatra’, de Andréa del Fuego (Sao Paulo, 1975).

Y de Argentina, el libro de relatos ‘Soy una tonta por quererte’ de Camila Sosa Villada (La Falda, 1982); además de ‘Las aventuras de la China Iron’, escrita por Gabriela Cabezón Cámara (San Isidro, 1968), una reversión del Martín Fierro de José Hernández, contada desde la perspectiva de la esposa de Fierro.

Y de música, la brasileña Ana Frango Elétrico (Río de Janeiro, 1997), que “me hace recordar a Rita Lee (+) y esas bandas de los 70, pero con su propio estilo e identidad”. 

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