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Figuras del audiovisual ecuatoriano desfilaron, se abrazaron, se aplaudieron y, por momentos, hasta hicieron reír al público. La Valdivia Dorada se entregó en varias categorías, destacando trayectorias y el trabajo silencioso que ha sostenido a la industria durante años.

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Como conductor de la gala, el actor David Reinoso (quien interpreta a Pepe Chalén en El Cholito Forever) junto a Hilda Saraguayo, puso su nota de humor y nostalgia. Durante su intervención, recordó una anécdota de su niñez: cuando llegó disfrazado de Tiko Tiko a un evento “en el cerro”, donde también estaba el personaje… y todos creyeron que era su hijo.

El payaso Tiko Tiko, visiblemente emocionado, subió al escenario y juntos protagonizaron una escena que conectó generaciones.

Algunas anécdotas

El amor también tuvo su espacio. El actor y director Andrés Garzón entregó el reconocimiento a la trayectoria de su esposa, Mélida Villavicencio, pero la gente quería más: “¡Beso, beso!”, gritaban. Ellos, entre risas, cumplieron… a su manera, con un beso simulado.

La escena se repitió cuando la actriz Miriam Murillo entregó la distinción a su esposo, Augusto Enríquez. Otra vez el público pidió beso… y otra vez hubo complicidad, risas y aplausos.

Otro momento espontáneo lo puso nuevamente David Reinoso cuando Catherine Velasteguí subió al escenario. Desde su asiento, no dudó en gritarle: “¡Estás hermosa! ¡Estás bella!, lo que provocó risas entre los asistentes.

En cuanto al estilo, hubo de todo: elegancia y brillo. Ricardo Velasteguí y Adrián Avilés destacaron entre los más impecables de la noche.

La actriz Giovanna Andrade llegó acompañada de su hijo Lucas, y el reencuentro con David Reinoso trajo de vuelta a la recordada niña María Gracia de El Cholito.

Los galardonados

Valdivia Dorada a la Trayectoria, actrices: Lupe Machado, Martha Ontaneda, Juana Guarderas y Mélida Villavicencio.

Actores: Eduardo ‘Mosquito’ Mosquera, Isidro Murillo, Augusto Enríquez y Virgilio Valero.

Guionista: Ernesto Landín.

Director: Gustavo Valle.

Valdivia Dorada al Hito Audiovisual: Jorge Ulloa y Ana Cristina Barragán.

Valdivia Dorada especial: Giovanna Andrade.

El reconocimiento In Memoriam lo recibieron familiares de Patricia Naranjo, Lucho Aguirre, Amparo Guillén y Mimo Cava.

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El proyecto, que comenzó el 9 de octubre de 2011 con publicaciones en YouTube, se consolidó como una de las propuestas digitales más vistas del país. A lo largo de sus tres temporadas, EN4 superó las 59 millones de reproducciones, construyendo una comunidad que siguió de cerca la evolución de sus personajes. E incluso, siguen viendo los capítulos en la famosa plataforma de vídeos. En 2026, además, la serie marca un hito: cumple 10 años desde su emisión, lo que convierte este regreso en un ejercicio de memoria cargado de humor con sabor ecuatoriano.

Con episodios cortos, humor directo y una dinámica de grupo basada en la complicidad, La ficción cómica retrató historias sobre amistad, ego, deseo y decisiones que parecen acertadas en el momento, pero que suelen derivar en consecuencias inesperadas. Cuatro amigos (Carolina Pérez Flor, Ave Jaramillo, Pancho Viñachi y Lorena Robalino) enfrentaban situaciones absurdas, y a veces incómodamente reales, donde las lealtades se ponían a prueba y, cuando uno cometía un error, los otros tres lo llevaban aún más lejos.

Ese universo narrativo ahora se traslada al escenario en vivo en forma de reencuentro. La obra propone el paso de YouTube al teatro, y no solo cambia el formato, sino también la perspectiva: los personajes regresan con el peso del tiempo, enfrentando versiones de sí mismos que ya no pueden sostener con la misma ligereza. En ese tránsito, la comedia se mezcla con la nostalgia y con una pregunta inevitable: qué queda de quienes fuimos cuando los años pasan, pero las amistades permanecen.

La sinopsis de EN4

La comedia EN4 regresa a los escenarios para cerrar su historia con un capítulo final que combina humor, nostalgia y verdades incómodas. La obra conecta con una generación que alguna vez creyó que sus veinte años serían eternos, y que hoy se enfrenta a las decisiones que quedaron pendientes.

En escena, cuatro amigos se reencuentran en una casa detenida en el tiempo, un espacio atravesado por recuerdos, promesas no cumplidas y versiones de sí mismos que ya no encajan del todo. Lo que inicia como una reunión entre panas pronto toma otro rumbo cuando deciden volver a jugar Verdad o desafío, el mismo juego que marcó su juventud. A partir de ahí, las confesiones y los retos abren paso a una serie de revelaciones que pondrán a prueba su amistad y la imagen que cada uno ha construido con los años.

La entrevista

¿Cómo se siente este reencuentro, como si fueran los Friends de Ecuador?

Estamos emocionados y con gripe (risas), pero con todas las ganas de llevar a cabo este reencuentro que muchos fans estaban esperando. Ha sido un proceso cargado de expectativa, no solo por lo que significa volver a trabajar juntos, sino también por todo lo que representa EN4 para quienes nos han seguido desde el inicio.

Después de la serie web y la insistencia del público en redes sociales, ¿cómo ha sido para ustedes enfrentar el paso del tiempo y llegar a este momento?

En gran parte hicimos caso al público. Había una demanda constante, la gente lo pedía mucho y, en paralelo, también nosotros sentíamos ganas de volver. En algún momento coincidimos en esa necesidad y dijimos: “Hagamos algo, hagamos feliz a la gente”. Así empezó todo. Evaluamos cómo hacerlo y el teatro apareció como una opción viable, que además nos permitía mantener la esencia de la serie y de los personajes, pero con una estructura más manejable en términos de producción.

¿Cómo se dio ese primer impulso? ¿Quién tomó la iniciativa de llevar EN4 al teatro?

Alejandro Lalaleo fue una de las cabezas que impulsó la idea. Ya había existido un intento previo durante la pandemia, que no se concretó. Entonces, cuando volvió a plantearse, todos dijimos: “Hagámoslo”. Había una necesidad colectiva de retomar el proyecto y esta vez sí llevarlo a término.

¿Qué tanto de la serie web se mantiene en la obra de teatro?

Hay muchos elementos pensados especialmente para los fans, guiños que quienes vieron la serie van a reconocer. Sin embargo, también construimos la obra para que funcione de manera independiente. Queríamos que cualquier persona, incluso quien nunca vio EN4, pueda entenderla y disfrutarla. Es una historia que se sostiene por sí sola, aunque evidentemente tiene capas adicionales para quienes ya conocen a los personajes.

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¿Existe la posibilidad de una continuación de la serie web?

No es algo que podamos asegurar. Es poco probable, sobre todo por los costos que implica producir una nueva temporada. En cambio, la obra de teatro sí podría tener más recorrido: llevarla a otras provincias o incluso a otros países. Eso es más viable. Si en algún momento aparecen marcas interesadas en sumarse, claro que estaríamos abiertos.

El humor en EN4, ¿rompe la barrera entre lo costeño y lo serrano o sigue existiendo esa división?

Creemos que el humor debería ser universal. Más allá de lo regional, lo que funciona es lo que conecta con las personas en general. En nuestro caso, la serie logró llegar a públicos de todo el país e incluso del extranjero. Eso se refleja en los comentarios que recibimos. Los temas que abordamos, relaciones, afectos, sexualidad, amistad, son universales. Por eso EN4 no se quedó en un humor local, sino que trascendió.

¿Cuándo fue la última vez que compartieron una ‘chupa’ y jugaron Verdad o desafío?

Entre nosotros, la verdad, nunca hemos jugado Verdad o Desafío. No ha sido necesario. Somos tan chismosos que contamos todo sin necesidad de ese juego. No hay muchos secretos entre nosotros. Sin embargo, en la obra sí existen secretos que se revelan y que son clave para la trama.

Más allá del humor, ¿qué retos enfrentaron al construir esta historia?

Teníamos varios desafíos. Uno era atraer a un público que no necesariamente conociera la serie, sin dejar de cumplir con el fan service. Otro era evitar caer en el típico relato de relaciones de pareja. Queríamos hablar de algo más amplio: la amistad, la nostalgia y lo que ocurre con los vínculos a lo largo del tiempo.

¿Qué ocurre con los personajes en este reencuentro, diez años después?

Cada uno llega con una versión renovada de sí mismo. Pero en ese encuentro descubren que la percepción que tienen de sí mismos es, en muchos casos, un espejismo. El contacto con el otro es lo que realmente revela quiénes son, qué partes de su identidad son reales y cuáles son construcciones.

¿Hay experiencias reales dentro del guion?

Sí, hay muchas. A diferencia de la serie, donde a veces escribíamos cosas que luego ocurrían en la vida real, aquí partimos de nuestras experiencias actuales. Diez años después, miramos dónde estamos como personas y como profesionales, y desde ahí construimos los personajes.

¿Cómo analizan su propio paso del tiempo en estos diez años de carrera?

Ha sido un proceso de crecimiento y también de privilegio. Poder vivir del trabajo artístico en Ecuador es algo significativo. Hemos logrado mantenernos vigentes, diversificar nuestras actividades y seguir generando proyectos. También ha sido una etapa de madurez, de entender mejor el trabajo en equipo y de reinventarnos constantemente.

¿Esa evolución también está presente en los personajes?

Sí, ese es precisamente el conflicto central. Los personajes se enfrentan a versiones de sí mismos que creían completas, pero descubren que siguen cambiando. Es un reflejo de cómo todos evolucionamos con el tiempo.

Sin hacer spoilers, ¿cómo se siente este cierre para ustedes?

Se siente necesario. Muchos nos quedamos con la sensación de que faltaba un cierre en la historia original. Esta obra cumple ese rol. Además, ha sido un proceso muy disfrutable. Nos hemos reído mucho, hemos recordado momentos y reconectado como grupo. Hay mucha nostalgia, pero también mucho presente.

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¿Dónde y cuándo se presenta EN4?

Estrenamos el 20 de marzo en el Teatro CCI, en Quito. Las funciones serán viernes y sábado a las 19:00 y domingos a las 18:00, hasta inicios de mayo. Las entradas están disponibles en www.elteatro.com.ec.

¿Cuánto dura la obra?

Aproximadamente una hora y media, aunque eso puede variar por la reacción del público. Hay muchos momentos de humor, y las risas también forman parte del ritmo de la función.

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La pieza es una adaptación de Direction Critorium (1980), del dramaturgo francés Guy Foissy, autor reconocido por su estilo vinculado al teatro del absurdo y la comedia negra. Foissy nació en Dakar, Senegal, en 1932, y desarrolló gran parte de su carrera en París. Sus obras se han representado en más de 35 países y traducido a quince idiomas. Con este antecedente, el colectivo asume el reto de reinterpretar un texto que cuestiona las dinámicas de poder y los comportamientos sociales.

Un futuro donde gritar es un deber

La historia se sitúa en un mañana cercano en el que gritar está prohibido fuera de espacios autorizados. La sociedad ha creado los “gritaderos”, lugares destinados al desahogo colectivo. En una parada de bus coinciden tres mujeres que esperan transporte hacia ese sitio. Cada una carga tensiones, frustraciones y silencios acumulados. La espera se vuelve cada vez más absurda y el derecho a gritar adquiere un matiz inquietante: deja de ser una opción liberadora para convertirse en una obligación social.

Señora 1, interpretada por Kiany Cárdenas, se aferra a sus convicciones con intensidad. Defiende lo que cree, aunque esa postura la encierra en una burbuja de comodidad que le impide reconocer la realidad. Señora 2, a cargo de Ericka Ávila, se ocupa de todo y busca orden, pero duda con facilidad y oscila entre posturas sin definirse. Señora 3, interpretada por Gabriela Medina, proyecta una imagen intelectual y serena; sin embargo, oculta conflictos bajo esa compostura.

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Las tres actrices cursan la carrera de artes escénicas y forman el núcleo interpretativo de la obra. El proyecto adquiere un carácter interdisciplinario gracias al aporte de estudiantes de otras áreas: Natalia Reyes, de multimedia, lidera la gestión de redes sociales; Renata Barba, de diseño gráfico, asume la dirección de arte; Sara Luna, de psicopedagogía, coordina la gestión comunitaria; Juan Ruiz, de multimedia, trabaja en la producción audiovisual; y Fernando Palacios, de artes escénicas, cumple funciones como asistente de escena.

Un proyecto con vocación formativa

La dirección y guía están a cargo de Diana Pacheco, docente y coordinadora, junto con la actriz y maestra de teatro Itzel Cuevas, cuya trayectoria aporta solidez al montaje. La iniciativa no se limita a la puesta en escena: incluye funciones gratuitas dirigidas a estudiantes de colegios, con el propósito de despertar interés por el teatro y promover el pensamiento crítico.

El estreno abierto al público tendrá lugar el 19 y 20 de marzo en el Teatro Casa Zona Escena, ubicado en Imbabura 204 y Panamá, frente al Museo del Cacao. Habrá descuentos para estudiantes y personas de la tercera edad.

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Fue allí donde recibió la propuesta para formar parte de la comedia Corto-Circuito, que se presenta con gran éxito en la ciudad de Córdoba.

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Este trabajo teatral se convirtió en una especie de terapia, pero también en un enorme reto personal. Ana Paula atraviesa un proceso de duelo y, aun así, debe subirse al escenario para hacer reír al público que llena el Teatro del Lago, en Villa Carlos Paz.

Brilla con luz propia

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La hija del músico Nerio David brilló con luz propia. Su desempeño fue tan destacado que acaba de alzarse con el Premio Carlos 2026, en la categoría artista revelación de la temporada.

La puesta en escena, dirigida por Pedro Alfonso, ha sido uno de los grandes éxitos de la temporada. La historia gira en torno a Ángel, un uruguayo desempleado que visita a su hermano Washington para pedirle ayuda con una entrevista laboral. Así llega al departamento de Ulises, un científico que pasó los últimos diez años de su vida creando a Mía (Ana Paula), un robot humanoide. Ahí empezarán los enredos.

La prensa argentina destaca su trabajo

Medios como La Voz del Interior destacaron que “sorprende la brillante actuación de Ana Paula, con una interpretación de alto nivel en voces y movimientos robóticos. Por momentos, logra que el espectador se meta tanto en el personaje que cuesta distinguir si se trata de un robot o no”.

En redes sociales, varios espectadores coincidieron en que el nombre de la ecuatoriana debería figurar en el cartel promocional de la obra. Generalmente solo se menciona a los protagonistas o figuras principales.

Nerio David se encuentra con ella

La entrega de los Premios Carlos 2026 se vivió como una verdadera fiesta del espectáculo en Villa Carlos Paz. En una noche cargada de emociones, se reunieron artistas, productores y elencos en el Hotel Eleton para celebrar lo mejor de la temporada teatral.

Según Ana Paula, la obra se mantendrá en cartelera hasta fin de mes y, a partir de ahí, iniciarán una gira. “Son los premios más importantes”, señaló.

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El teatro se tomó distintos espacios que rinden homenaje a este arte, convocando a niños, jóvenes y adultos que compartieron butacas, corearon canciones como sacadas de Broadway y se conmovieron con historias que, además de entretener, invitaron a la reflexión.

Estudio Paulsen, apostó por obras shakesperianas como Otelo y La fierecilla domada, consolidando una línea artística. Por su parte, el Sánchez Aguilar combinó producciones internacionales y nacionales con el formato musical, presentando Tarzán: El musical, bajo la dirección de Gabriela Andrade, así como la obra chilena El carnaval de los animales. 

El Teatro Centro de Arte no se quedó atrás: entre homenajes navideños, conciertos orquestales y obras con contenido reflexivo, el público también respondió a la agenda de este espacio.

Al igual que las obras, sus creadores destacaron por una mirada auténtica y original en la fabricación de sus narrativas artísticas. Marlon Pantaleón presentó en Estudio Paulsen Una vida en el teatro, una interpretación que dialogó de forma íntima con el panorama teatral actual y que fue adaptada en colaboración con Lucho Mueckay, director de Sarao. 

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Mueckay forma parte de un circuito creativo que impulsa la danza contemporánea en Ecuador y ha trabajado de la mano con Raymundo Zambrano en Tuco y Manuco que, tras doce años, reactivó al emblemático dúo y marcó una reinvención dentro de la comedia nacional. Gabriela Andrade, directora de Royal Company, materializó su estilo dinámico en Tarzán, una puesta que adoptó un enfoque más reflexivo, ambientalista y ecuatorianizado. 

Desde el Teatro Sánchez Aguilar, Fabiola Pazmiño acompañó de cerca su desarrollo durante el año. “El objetivo es que el teatro sea reconocido tanto por la calidad de su programación como por su compromiso con el desarrollo del sector y con una oferta cultural viva, amplia y sostenida en el tiempo”, señaló. Como ella, numerosos directores y gestores inmersos en la escena teatral confían en el crecimiento del sector de cara a 2026.

El 2025 se consolidó así como un año de cambio, resiliencia y reafirmación para el teatro ecuatoriano.

EXPRESIONES conversó con algunas de estas figuras para conocer sus posturas, los aprendizajes y retos que deja el año, así como un aspecto fundamental: la acogida del público ecuatoriano ante estas producciones.

Esta recopilación busca proyectar un nuevo año a partir de opiniones firmes construidas sobre lo vivido en 2025.

Preguntas

1. ¿Cuáles fueron los principales retos y aprendizajes de 2025?
2. ¿Cómo respondió la audiencia ante nuevas propuestas teatrales?
3. ¿Cuál es su panorama en el teatro en 2026?
4. ¿Qué avances espera ver en la escena teatral el próximo año?
5. ¿Qué espera transformar y potenciar en 2026?

Marlon Pantaleon - Fundador y Director Ejecutivo de Estudio Paulsen

Pregunta 1 

El mayor reto fue sostener una alta producción teatral, diez obras en el año, junto con programas formativos y talleres internacionales. El aprendizaje clave ha sido revisar constantemente las propuestas escénicas y mantenerse atentos a la escena local y nacional para seguir mejorando.

Pregunta 2

La audiencia se mostró abierta a propuestas innovadoras, especialmente cuando se combinaron obras no convencionales con clásicos como Shakespeare, lo que generó una respuesta positiva y sostenida del público.

Pregunta 3

Estudio Paulsen continuará apostando por la producción teatral vinculada a la formación actoral, fortaleciendo su programa intensivo basado en la técnica Meisner, alianzas con instituciones sociales y convocatorias como la beca William Paulsen, cuyo proceso iniciará en mayo de 2026.

Pregunta 4

Se busca consolidar una propuesta artística propia que cuente con un público fiel, seguir formando audiencias y arriesgarnos con obras innovadoras. Es un año clave en el que Estudio Paulsen celebrará su décimo aniversario.

Pregunta 5

La seguridad aparece como un factor clave para incentivar la asistencia a las salas. A nivel general, se espera que el teatro y las artes escénicas continúen creciendo, junto con otras expresiones culturales como el cine y los conciertos en vivo.

Fabiola Pazmiño - Directora Artística

Pregunta 1

El 2025 fue un año de transición, marcado por la observación de audiencias y dinámicas culturales. Entre los retos estuvieron la apertura de convocatorias nacionales, el equilibrio entre artistas emergentes y consolidados, y la estructuración de franjas de programación. 

El aprendizaje principal fue entender la programación como un ejercicio dialogado, descentralizado y de responsabilidad cultural. 

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Pregunta 2

La audiencia muestra mayor apertura a nuevas propuestas cuando estas están bien contextualizadas y acompañadas por procesos de mediación. Sin embargo, la asistencia enfrenta una fuerte competencia con otras formas de entretenimiento, por lo que el compromiso y la constancia del público resultan claves para sostener la escena teatral.

Pregunta 3

El 2026 se plantea como un año de maduración del sector teatral, enfocado en consolidar procesos sostenidos de creación, circulación y formación de públicos. Lo que buscamos es fortalecer el diálogo entre lo independiente y lo institucional, manteniendo activa la escena cultural pese a desafíos externos como el Mundial de Fútbol.

Pregunta 4

Se espera una escena más diversa y consolidada, abierta al cruce de lenguajes como la música, el movimiento, lo audiovisual y la tecnología. También se apuesta por procesos creativos más largos como las residencias, coproducciones y proyectos ‘site specific’.

Pregunta 5

Buscamos fortalecer la planificación a largo plazo, Bajo el eje ‘Conexiones: historias que nos unen’, el Teatro Sánchez Aguilar apunta a consolidarse como un espacio de encuentro, creación y diálogo cultural con proyección nacional e internacional.

Lucho Mueckay - Fundador y Director Artístico de Sarao

Pregunta 1

El mayor reto fue sostener una operatividad constante en un contexto país complejo y con apoyos limitados. Como aprendizaje, se reafirma que la permanencia de Sarao, con 37 años de trayectoria, se sostiene en la construcción de una estética propia y en el diálogo continuo con su público.

Pregunta 2

Las nuevas propuestas suelen generar interés, aunque su trascendencia depende de múltiples factores. Más que hablar de un solo público, se reconoce la existencia de “los públicos”, cuyas respuestas varían según la articulación de la oferta cultural, la comunicación y la visibilidad de las propuestas.

Pregunta 3

Sarao proyecta consolidar su rol formativo mediante cursos y talleres en teatro, danza y canto, fortaleciendo la formación de nuevas generaciones desde el rigor profesional, además de continuar con la producción de obras escénicas en distintos espacios de la ciudad.

Pregunta 4

Se espera una mayor participación de la empresa privada y un acompañamiento más efectivo del Estado, a través de políticas culturales que direccionen sus apoyos hacia las agrupaciones independientes que han sostenido su trabajo de manera persistente.

Pregunta 5

Resulta fundamental fortalecer los apoyos públicos y privados, incentivar un mayor riesgo creativo en el hecho artístico y reforzar el compromiso con la formación, tanto desde las nuevas generaciones como desde quienes ejercen la docencia teatral.

Gabriela Andrade - Directora de Royal Company

Pregunta 1

El mayor reto fue montar una obra multidisciplinaria. Como aprendizaje clave, se evidenció la importancia de generar más alianzas comerciales para fortalecer las producciones.

Pregunta 2

La audiencia se ha mostrado más abierta e interesada en nuevas propuestas, sin embargo, aún se necesita mayor apoyo para consolidar esta apertura.

Pregunta 3

El panorama se vislumbra como una etapa de evolución y proyección. La meta es fortalecer el sector mediante un mayor número de montajes, apostar por propuestas visualmente más atractivas y superar los retos creativos

Pregunta 4

Se proyecta incrementar la cantidad de producciones anuales y apostar por avances tecnológicos que mejoren la experiencia visual del espectador.

Pregunta 5

Se busca contar con artistas mejor preparados y formar un público más culturizado y comprometido con el teatro.

María de Lourdes Rivera Hinojosa - Directora de marketing del Teatro Centro de Arte

Pregunta 1

El principal reto fue mantener una programación continua y de calidad desde una gestión privada y autogestionada, adaptándose a los nuevos hábitos de consumo cultural. Como aprendizaje, se reafirmó la importancia de una gestión estratégica, la coherencia intitucional y la calidad artística para generar confianza y fidelidad en el público.

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Pregunta 2

La audiencia mostró una mayor apertura a diversos formatos y propuestas, siempre que exista una conexión genuina. El público respondió positivamente a experiencias que lograron emocionar, entretener y generar reflexión.

Pregunta 3

El 2026 se proyecta como un año de consolidación, crecimiento y celebración para el sector teatral, marcado por los 60 años de la Fundación Inge Brückmann.

Pregunta 4

Se espera una escena más dinámica, diversa y conectada con el contexto global, con una agenda internacional especial, nuevos lenguajes escénicos, formatos contemporáneos y una mayor integración de tecnología, sin perder la esencia del teatro en vivo.

Pregunta 5

Se busca fortalecer la experiencia integral del público mediante mejoras en infraestructura, implementación de tecnologías como pantallas LED, nuevas zonas de entretenimiento y la consolidación de alianzas estratégicas con marcas que apoyen el desarrollo sostenible del ecosistema cultural.

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Guayaquil celebra la Nochebuena con experiencias gastronómicas en el Hilton Colón, además de funciones musicales como Suite Cascanueces y el cierre de la gira de la Orquesta Sinfónica de Guayaquil con una propuesta de villancicos.

En Cuenca, la tradición toma las calles con un desfile teatral, mientras que la música también se hace presente con ¿Qué pasará esta Navidad?, un tributo íntimo a artista de folk. 

Quito, por su parte, apuesta por el encanto visual y el encuentro familiar con la exhibición del pesebre iluminado y la Feria Santa en el Bicentenario, que reunirá emprendimientos locales con zonas interactivas. 

El Hilton Colón abre sus puertas a la Nochebuena

El espíritu navideño se adueña de las instalaciones del Hilton Colón Guayaquil, que ya está sold out en muchos de sus ambientes. Ante esta alta demanda, surge una atractiva propuesta de última hora: Nochebuena en el Salón Isabela. 

La velada del 24 de diciembre incluye una exquisita cena buffet con platos nacionales e internacionales, con una amplia variedad de ceviches y ensaladas, tiradito limeño de pesca blanca y mariscos, selección de sushi, rolls, gunkans y nigiris, roast beef con salsa gribiche y tártara, salmón en salsa piccata, arroz navideño Colón y el tradicional relleno navideño, entre otras opciones, además de una extensa pastelería. 

La experiencia se complementa con la propuesta musical a cargo del dúo @vinotinto.music.

Adhesión: $70, impuestos y servicio incluidos. Reservas con pago anticipado al 098 759 8810 o en el punto de venta del lobby del hotel.

Dirección: Av. Francisco de Orellana Mz.111

'Suite Cascanueses' llega de la mano de la Orquesta Filarmónica

No hay diciembre sin El Cascanueces, clásico navideño capaz de cautivar a cualquier tipo de público. Adultos, jóvenes y niños podrán disfrutar de esta pieza musical que se ha mantenido vigente a lo largo del tiempo, presentada en la Sala Principal del Teatro Centro de Arte (TCA), el jueves 18 de diciembre. 

La Orquesta Filarmónica Municipal de Guayaquil, junto con los bailarines de las Escuelas de Arte del TCA y el coro Coral Adventista de Guayaquil, unen su talento para dar vida a una presentación que promete revivir la magia de un clásico. La función inicia a las 19:45 y la entrada es libre.

Dirección: Av. Carlos Julio Arosemena, Km 4.5 de la Vía a la Costa

Un desfile cargado de tradición navideña

Las cábalas navideñas cobran vida en un recorrido teatral por las calles de la Atenas del Ecuador. A las 18:00, miles de asistentes podrán presenciar diversas tradiciones y rituales decembrinos en el Parque San Sebastián.

El 20 de diciembre, de la mano de Provocando Experiencias, este paseo navideño llenará las calles de espíritu festivo y costumbres propias de la fecha.

Dirección: Coronel Guillermo Tálbot

Exhibición del pesebre iluminado

Hasta el 21 de diciembre. Las clásicas figuras del Nacimiento se iluminan para dar vida a la Virgen María, San José, el Niño Jesús y los animales del portal, pero la magia llega en las luces que acompañan cada pieza y en el simbolismo que evocan en las calles quiteñas.

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La muestra está disponible de 18:00 a 23:00 en dos espacios: Plaza Foch y Hermano Miguel (San Blas).

Dirección: Entre las calles Mariscal Foch y Reina Victoria

Feria 'Santa en el Bicentenario 2025'

El Centro de Convenciones Metropolitano de Quito reunirá 21 stands de emprendimientos locales con su oferta de productos, además de tres zonas instagrameables: una esfera de nieve gigante, un backing 3D y un túnel de muérdago. También se sumarán coros navideños.

La feria se llevará a cabo durante tres días: del 19 al 21 de diciembre, como una propuesta ideal para comprar regalos, apoyar a los emprendedores y disfrutar de la Navidad en familia.

Dirección: Av. Río Amazonas

Después de una gira llega la función final

La Orquesta Sinfónica de Guayaquil se llena de alegría con un espectáculo que reimagina los villancicos más conocidos. Esta puesta en escena reúne las voces del Coro Comunitario, el talento de las Escuelas de Danza del Teatro Centro de Arte y la dirección de Naomi Wright y Paola Villacís. 

La presentación final es el 19 de diciembre a las 15:00 en las instalaciones del Teatro Centro Cívico. La entrada es libre.

Dirección: Parque Forestal

Un tributo especial en ¿Qué pasará esta Navidad?

El Otorongo Lounge se convierte en el punto de encuentro para los fanáticos (o no) de Kevin Kaarl y Ed Maverick en Cuenca, con una banda en vivo que interpretará sus temas más reconocidos. Esta Navidad tendrá un ambiente distinto: lleno de sentimiento, nostalgia y sonidos folk.

El evento iniciará a las 20:00, y los asistentes podrán disfrutar de un café mientras escuchan la presentación. Adhesión: $5.

Dirección: Av. 3 de Noviembre, Plaza del Otorongo

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El evento mantiene su horario a las 20:00 y tiene como escenario el Café Vino Bar, un espacio que se transforma en un punto de encuentro para quienes disfrutan del canto, el entretenimiento en vivo y el espíritu propio de la temporada navideña.

Más que un concierto tradicional, el Karaoke Christmas Party se plantea como una experiencia participativa. El público no solo asiste como espectador, sino que se convierte en protagonista, con la oportunidad de cantar sus canciones favoritas, sumarse a dinámicas de karaoke, participar en juegos, ganar premios y compartir momentos de diversión en un ambiente cercano e íntimo.

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La propuesta está concebida como un plan ideal para disfrutar entre amigos, en pareja o en familia, fomentando la celebración colectiva que caracteriza a la Navidad. La música en vivo, junto a las sorpresas preparadas para cada función, busca ofrecer una experiencia distinta dentro de la agenda cultural de fin de año.

Con la fecha de cierre cada vez más cercana, el 17 de diciembre marcará la última presentación del año, en la que varios asistentes serán parte del espectáculo y del cierre oficial de esta iniciativa.

Las entradas tienen un valor de $25  y pueden adquirirse a través de la app del Teatro Sánchez Aguilar, en su página web o directamente en boletería. 

Con esta propuesta, el teatro reafirma su interés por ofrecer una mirada renovada de la Navidad, capaz de conectar al público con el arte y el entretenimiento desde la participación.

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Desde hace meses, la bailarina Jessica Abouganem, directora de la compañía En Avant, y la coreógrafa y directora española Avatâra Ayuso han construido, ensayo tras ensayo, la esencia de La Pavlova, obra biográfica que rinde homenaje a Anna Pavlova, la leyenda eterna del ballet ruso.

Entre jornadas que empiezan a tempranas horas del día y terminan cuando la música se apaga, ambas artistas han transformado la sala de ensayo en un laboratorio de emociones y precisión. Allí, cada gesto y movimiento buscan capturar el espíritu de una mujer que cambió la danza para siempre.

La idea que unió a dos artistas

La semilla de La Pavlova comenzó a germinar mucho antes de que ambas bailarinas pisaran el estudio juntas. Jessica recuerda que la idea inició en plena pandemia, cuando tomaba clases de historia del ballet con la profesora uruguaya Lucía Chilibroste. “A través de ella, me enteré de que hace dos años una coreógrafa española (Avatâra) había puesto en escena una obra en Santiago de Chile sobre la vida de Bronislava Nijinska”, relata.

Aquella referencia, sembró en ella una inquietud creativa que no tardó en encontrar un camino propio y, a finales del año pasado, decidió contactarla. “Nos pusimos a analizar personajes porque sabíamos que debíamos trabajar con una figura relacionada a la danza, y mutuamente surgió el nombre de Anna Pavlova”, cuenta. Desde entonces, la idea dejó de ser un sueño para volverse un proyecto concreto que tomó varios meses de investigación a cargo de Avatâra junto al dramaturgo Ignacio Vleming.

Eso sí, lo que impulsó a Avatâra a venir a Ecuador para este proyecto fue la determinación que Jessica le transmitió al querer hacer algo que nunca nadie había hecho, contribuyendo al repertorio del mundo del ballet.

“Me motivó saber que había una mujer ahí, al otro lado del mundo, que quería atreverse a darle vida a esta idea. Cuando creas algo nuevo de cero es lo más arriesgado, porque el público no conoce la historia. Éramos muy conscientes de que había que hacer un trabajo para ayudar al espectador a ver la relevancia en la danza de este personaje a principios del siglo XX y que pasó por Guayaquil en 1917”, añade.

Tintes del cine mudo

La ambientación de esta obra transporta al público a una época en la que la luz, las sombras y el silencio lo dicen todo. Inspiradas en el cine mudo y la estética del film noir, Avatâra y Jessica concibieron un ballet en blanco y negro, una puesta en escena que juega con contrastes para evocar el mundo en el que Pavlova se convirtió en leyenda.

“Quisimos recrear esa atmósfera y, una vez tomada la decisión estética, comenzó el trabajo minucioso: definir utilería, vestuario y todos los detalles clave para construir una narrativa visual ideal para la historia”, explica Avatâra.

Sin embargo, aunque la estética remite al pasado, la puesta en escena tiene un toque moderno y minimalista que crea “un contraste de lo antiguo en lo moderno”, como señala Jessica. Destacan objetos alusivos a los países que Pavlova visitó (como abanicos españoles, sombreros mexicanos o sombrillas chinas). Uno de los elementos más impactantes es la instalación de 400 puntas donadas por bailarinas de Guayaquil y de España, suspendidas en el aire como un homenaje silencioso a todas las mujeres que han construido la memoria del ballet con dedicación y entrega.

“Es un honor para nosotras tenerlas presentes”, expresa, consciente del peso simbólico que estos objetos representan. ¿Por qué? Porque las puntas colgadas no solo adornan el escenario, también hablan del recorrido, del sacrificio y del legado compartido entre generaciones de artistas.

Los otros rostros

El elenco reúne a alrededor de quince intérpretes, en su mayoría bailarines de la compañía En Avant. Jessica interpreta a Anna en su versión adulta, mientras que la versión joven está a cargo de Dallyana Román.

Además, entre los personajes de la obra está Víctor Dandré (pareja de Pavlova), interpretado por el coreógrafo residente Max McClure. La directora de cine Lloy Weber es personificada por la gestora cultural y docente Cindy Cantos, en tanto que Doménica Morán da vida a Chaplin y Marina Robinson encarna a La Muerte, personaje ficticio que refleja la dualidad entre la fuerza y la fragilidad que acompañaron la vida de la bailarina rusa.

Jessica Abouganem y su regreso a las puntas

Para Jessica, volver al escenario implica un trabajo físico, pero también un viaje emocional hacia lo que siempre la ha definido. Su última presentación fue en 2019. 

Tras la pandemia y el nacimiento de su tercer hijo, volcó su tiempo a la maternidad, la docencia y al arduo trabajo que hay detrás de una compañía de ballet.

Pero cuando surgió la idea de esta obra hace un año, Avatâra le propuso interpretar el papel de Pavlova, porque “Jessica trae su pasión, su alma, un conocimiento propio al escenario. Ella está en sus 40, la misma década en la que Pavlova murió, y se necesitaba alguien que tuviese una experiencia vital en las artes y en la vida”, dice la coreógrafa española.

Desde entonces, la bailarina ha vuelto a ensayar, sin importar el dolor inevitable de cada sesión. “Todavía sufro una barbaridad cada vez que me pongo y me saco las puntas, pero es un dolor que me hace sentir viva. Es algo que me apasiona y amo hacer”, afirma.

No hay duda: interpretar a Pavlova representa uno de los mayores desafíos de la carrera de Jessica. Por un lado, está su reencuentro con las puntas; por el otro, la profunda carga simbólica de este rol. 

“Siento que puedo honrar el trabajo que ella dejó. Eso me emociona y me honra mucho”, confiesa.

Guayaquil: Una ciudad que abraza la danza

Ambas artistas están seguras de que el estreno de La Pavlova llega en el momento preciso, ante un público local que está preparado pero que, además, merece disfrutar de espectáculos que abrazan la historia de la ciudad y su patrimonio cultural.

“Es importante para la propia identidad del guayaquileño que sepa y reconozca a las grandes personalidades de la cultura que pasaron por aquí y dejaron un legado”, afirma Jessica.

Avatâra coincide y destaca la relevancia de que este estreno suceda justamente en el país. “El guayaquileño debe sentirse orgulloso, porque este ballet no lo ha hecho nadie en todo el mundo. Con todo el equipo hemos sido los primeros en contribuir a ese legado del repertorio del ballet y de las artes”, señala.

Datos claves

• Entre las escenas más memorables estará La muerte del cisne, la emblemática pieza que la bailarina interpretó más de cuatrocientas veces a lo largo de su vida.
• La obra se dará a cabo el domingo 21 de diciembre a las 17h00 en el Teatro Centro de Arte. La entrada es libre y puede obtener sus entradas desde el jueves 11 de diciembre en las instalaciones de la academia En Avant (Urdesa, Calle Circunvalación Norte 311).

Créditos. Fotos y producción: Vanessa Tapia (@vantap.photostudio). Maquillaje: Paola Saavedra (@paosaavedramakeup). Peinado: María José Llorente (@majollorente_mua). Locación: Academia En Avant (@enavant.ec). Vestuario de Avatâra: Sandy Fashion (@sandyfashion).

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Su nombre, ligado a décadas de creación, enseñanza y compromiso con las artes escénicas, vuelve a estar en el centro de la conversación pública, esta vez para despedirlo y reconocer la huella que deja en la cultura nacional colombiana.

Un referente del teatro colombiano

La Asociación Colombiana de Actrices y Actores (ACA) confirmó el fallecimiento del artista a través de un comunicado en redes sociales, detallando que murió en Bogotá a los 88 años por causas naturales. Con ese anuncio, no solo se informó su partida, sino que se abrió un espacio para recordar la relevancia de quien, por más de cuatro décadas, permaneció como una figura esencial en el teatro, el cine y la televisión.

Según la entidad, García inició su carrera en 1979 y desde entonces se convirtió en un pilar del teatro colombiano, explorando líneas de investigación escénica y compartiendo su conocimiento como docente. Obras como La Gaitana e I Took Panamá son consideradas hitos dentro de la dramaturgia nacional y muestran la potencia creativa del actor, director y escritor.

El Ministerio de Cultura, las Artes y los Saberes también lamentó su muerte, destacando que su obra enriqueció “de manera invaluable las artes escénicas del país”. Para la entidad, García deja un legado que seguirá inspirando a nuevos creadores gracias a su trabajo más reciente junto a Batacklan Teatro, donde continuó desarrollando proyectos que fortalecen la escena contemporánea.

El impacto en el gremio artístico

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La noticia generó un inmediato homenaje colectivo en redes sociales. Diversas figuras del teatro y la televisión, entre ellas Freddy Ordoñez, Carmenza Gómez, Luis Fernando Bohórquez, Carolina Cuervo, Cristina Campuzano y Aida Bossa, expresaron su dolor a través de mensajes y emojis que reflejaron el respeto y cariño que despertaba García dentro del gremio.

La ACA acompañó el anuncio con la frase “Que la tierra te sea leve”, una despedida cargada de simbolismo que resume el afecto por un artista que dedicó su vida a los escenarios. Sus colegas coincidieron en que su partida deja un vacío difícil de llenar, especialmente por su capacidad de formación, liderazgo y compromiso con el desarrollo del teatro nacional.

Más allá de su trabajo creativo, su figura también era reconocida por su labor como maestro, pues acompañó procesos formativos que impulsaron a generaciones de actores. Su sensibilidad, disciplina y visión crítica marcaron a quienes compartieron escena o aula con él.

Una vida dedicada al arte

Luis Alberto García Jiménez nació en Tunja, Boyacá, y desde joven mostró interés por las humanidades. Estudió Filosofía y Letras en la Universidad Nacional de Colombia, donde también se vinculó al grupo de teatro El Búho. Allí compartió escenario con figuras como Santiago García y Fausto Cabrera, nombres cruciales en la historia teatral del país.

Más adelante se formó en la Escuela Nacional de Teatro del Teatro Colón de Bogotá, bajo la guía de Víctor Mallarino, y llegó incluso a dirigir el Teatro Popular de Bogotá, consolidándose como uno de los líderes más importantes del movimiento teatral independiente.

Su trayectoria lo llevó a integrar colectivos clave, entre ellos el Teatro Independiente de Bogotá y el grupo de teatro de la Universidad de América. Además, su versatilidad lo hizo protagonista de proyectos en televisión como La mujer del presidente, Marcela, Lejos del nido, Bolívar, El hombre de las dificultades, La tregua y la recordada Hasta que la plata nos separe.

Aunque por ahora no se han entregado más detalles sobre las circunstancias de su muerte, la comunidad cultural ha coincidido en un mensaje común: el país pierde a un creador que definió gran parte de la identidad escénica de Colombia.

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El detalle hacia su amiga y vecina Carolin Reiber, es uno de los ejemplos más conmovedores, quien recibió una carta acompañada de un collar de jade que había admirado por años. El sobre llevaba la instrucción “Abrir después del 18 de noviembre”, un día posterior al fallecimiento.

La decisión de las Kessler no tomó por sorpresa a quienes conocían su filosofía de vida. Ellen había expresado su deseo de no “apagarse lentamente ni perder su autonomía”. Ambas insistían en la profunda unidad que las definía: “Nacimos juntas y queremos morir juntas. Nos prometimos que eso no nos pasaría a nosotras”. 

Nunca se casaron, por mutuo acuerdo, y esa elección fortaleció su determinación de compartir no solo la vida, sino también la partida.

Trayectoria antes de su partida

Las hermanas, que en su apogeo compartieron escenario con figuras como Frank Sinatra, tomaron esta decisión dentro del marco legal alemán: eran adultas, actuaron de manera autónoma y asumieron responsabilidad por su elección. El conde de Luxemburgo, Sodoma y Gomorra y La furia de los vikingos, son algunas de las producciones que marcaron su trayectoria actoral.

El legado de las Kessler ha generado una profunda conmoción en Alemania e Italia, donde han recibido tributos en medios como la RAI y mensajes de figuras públicas, entre ellos el alcalde de Grimma, quienes lamentaron la partida de las artistas que marcaron una generación.

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La creación surge del trabajo con personas con distintas discapacidades y propone una experiencia escénica en la que el cuerpo, el sonido y la imagen se convierten en lenguajes que dialogan entre sí desde la diversidad sensorial.

El proyecto nació en 2022 con la pregunta de "¿Cómo los modos particulares de percibir el mundo, ya sea desde la discapacidad visual, auditiva o física, pueden nutrir y transformar los procesos creativos, más allá de pensar únicamente en inclusión?". 

Desde esta exploración, los artistas desarrollaron la metodología de las 'transducciones': trasladar un sentido a otro para entender cómo una percepción distinta redefine la escena. “No se trata de cómo el arte apoya a las personas con discapacidad, sino de cómo su experiencia sensorial transforma el arte”, explica Sofía.

¿Cómo comenzó la construcción de 'Dormíamos Bailando'?

A partir de múltiples laboratorios experimentales realizados con participantes con y sin discapacidad, el equipo construyó la obra, que contará con un elenco joven de diez intérpretes. Los actores han trabajado desde septiembre en ensayos, exploraciones y montajes donde su propia percepción y corporalidad dieron origen a los personajes. “Los personajes no se imponen desde afuera, sino que se construyen desde lo que los chicos conocen, imaginan y sienten”.

La puesta en escena no sigue una narrativa lineal. En cambio, invitan al público a entrar en una fiesta onírica, un espacio común donde cada espectador puede construir su propia historia desde la experiencia sensorial. 

Luz, sonido y movimiento se combinan para generar una atmósfera que, más que contarse, se vive. La obra incorpora además material audiovisual documental y experimental, con grabaciones en las casas de los intérpretes y archivos personales que revelan su intimidad, su historia y su mundo interior antes de llegar a la fiesta.

Lo que se espera de la obra

La propuesta apuesta por la accesibilidad como principio creativo. “Hablamos de accesibilidad más que de inclusión. Pensamos en cómo el espacio creativo puede enriquecerse, transformarse y volverse habitable para todos”, aclara Juan José Ripalda.

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La obra está diseñada para que cualquier persona, sin importar su condición sensorial o física, pueda experimentarla plenamente.

La participación activa del elenco 

En cuanto al elenco, los directores destacan el crecimiento visible durante el proceso. El paso de los laboratorios a los ensayos en teatro les permitió explorar nuevas capas expresivas. “Ha sido muy potente verlos reconocerse como adultos en un proceso creativo profesional, con responsabilidades, horarios, remuneración y compromiso”, afirma Priscila. 

Para los intérpretes Joel Coello, Richard Cumba, Nalany Franco, Anaís García, Victor Mata, Abel Medina, Melanie Moscoso, Cindy Rangel, Jumely Rosado y Abraham Vaccacela, esta experiencia representa una oportunidad poco frecuente en el país.

Dormíamos Bailando se presenta como una celebración de la diversidad, una invitación a ponerse en el lugar del otro y a experimentar el arte desde los sentidos, más allá de la razón. 

La obra estará disponible en Zona Escena este viernes y sábado a las 19:00, y el domingo a las 18:30, en avenida Imbabura y Panamá. La adhesión es: general $10, estudiantes y adultos mayores $5 y personas con discapacidad, gratis.

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Dirigida por Ricardo Velasteguí, quien ya ha explorado la obra del dramaturgo inglés en producciones anteriores como Otelo, la puesta en escena propone un puente entre el mundo shakesperiano y los roles de género que aún persisten.

Para Ricardo, la motivación principal de retomar este clásico fue la experiencia transformadora que vivió al trabajar otras obras similares. “Shakespeare ya suena a perfección, suena a oportunidad de descubrir otro nivel de trabajo. Tras nuestro montaje anterior me quedó ese sabor increíble del proceso, de llevar una obra de este nivel. Por eso, cuando recibí la adaptación de David Castro, sentí que podía darle una nueva visión”, explica a EXPRESIONES.

La versión que llega ahora a las tablas es resultado de varios meses de adaptación y combinación de estilos. El resultado, señala el director, es una propuesta “atemporal, fresca y profundamente divertida”, que rescata una obra que, a pesar de ser un clásico, ha sido dejada de lado en los últimos años.

Un Shakespeare más vigente que nunca

Parte del atractivo de volver a montar a Shakespeare, según Ricardo, es su capacidad para "retratar la naturaleza humana" con esa diferencia de matices. “Shakespeare suena a viejo, pero no lo es. Era una persona adelantada a su tiempo. Su manera de escribir, desde la necesidad humana, sigue resonando hoy”, afirma.

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La obra, centrada en el conflicto entre Catalina y las normas sociales que intentan moldearla, dialoga directamente con la realidad contemporánea. Aunque la historia fue escrita hace siglos, temas como la presión sobre las mujeres, los roles de género y las expectativas sobre el matrimonio permanecen actuales.

Mare Cevallos, quien da vida a la protagonista, sostiene que estas tensiones siguen vigentes: “Hoy tenemos derechos que antes no existían, pero la presión social permanece. A los 30 ya te preguntan por el matrimonio, por los hijos, por cómo debes comportarte. Ese discurso viene desde nuestras abuelas hasta hoy”.

Aunque la actriz comparte con su personaje la necesidad de defender su propia voz, reconoce que ya no enfrenta la rabia del mismo modo. “Catalina todavía arde por dentro. Yo ya aprendí que la tranquilidad también es fuerza”.

¿De qué trata ‘La fierecilla domada’?

La historia gira principalmente alrededor de Catalina, una mujer fuerte, directa y considerada “rebelde” o “difícil” por no encajar en los comportamientos que la sociedad espera de ella. Todos la llaman “la fierecilla”.

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Su padre, Baptista (Diego Naranjo), ha decidido que Catalina debe casarse primero para luego permitir que su hermana menor, Bianca (Gabriela Menéndez) pueda hacerlo. Pero nadie quiere casarse con Catalina… hasta que aparece Petruchio (Andrés Guerrero), un hombre decidido a conquistarla sin importar su carácter.

Él está motivado tanto por el desafío como por el interés económico, y comienza a aplicar métodos extremos y manipuladores para “domarla”.

Paralelamente, varios pretendientes compiten por el amor de Bianca, cada uno usando engaños y estrategias cómicas para ganarse su corazón.

Un elenco escogido desde la intuición y el afecto

El director confiesa que eligió al elenco pensando en actores con quienes ya había trabajado y con quienes quería volver a crear. “Cuando leo un texto, siempre imagino caras. Esta adaptación me iba llevando a ellos. Además, me gusta que el proceso sea alegre, como pasar un domingo entre amigos. Así se vive este montaje: disfrutando y jugando”.

En los últimos ensayos, asegura, se reafirmó su intuición: “No me equivoqué. Me encanta cómo hacen sus personajes. La obra tiene un despegue natural y estoy muy tranquilo con lo que verá el público”.

Una obra que invita a volver a la raíz

Si tuvieran que describir la obra en una sola frase, tanto Ricardo como Mare coinciden: volver a la raíz. Volver a Shakespeare, volver a los temas olvidados y volver a mirar las estructuras sociales que aún determinan cómo debemos ser o comportarnos.

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“La obra muestra claramente los estereotipos, las imposiciones sociales, las poses que adoptamos para encajar. Todos vivimos con máscaras porque así funciona el mundo. La pregunta es quién seríamos realmente si nos permitiéramos serlo”, concluye el director.

Detalles

La obra se presenta en Guayaquil del 13 al 30 de noviembre de 2025, con funciones de jueves a sábado a las 20:00 y los domingos a las 17:00. Las calles del Numa Pompilio Llona serán el punto de encuentro perfecto para esta puesta en escena que cobra vida sobre las tablas. La adhesión es de $20.

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Kirkland deja una huella de talento, audacia y activismo que remite tanto a la escena off-Broadway como a las grandes producciones de Hollywood.

De los escenarios atrevidos a la gloria de Hollywood

Sally fue pionera en romper tabúes: en los años sesenta fue de las primeras celebridades en aparecer desnuda en un escenario legítimo, en la obra Sweet Eros de 1968, un acto que la colocó desde temprano en la órbita de la provocación artística y la experimentación. 

Su formación con Lee Strasberg y su relación con el entorno de Andy Warhol marcaron una trayectoria que transitó con soltura entre el teatro alternativo y la pantalla grande.

Anna: la cumbre que la llevó al Óscar

El punto de mayor reconocimiento llegó en 1987 con Anna, la película que le valió la nominación al Óscar y un Globo de Oro por su actuación. 

Su interpretación de una actriz checa exiliada en Nueva York le dio a Sally un lugar entre las grandes intérpretes del momento; compitió con actrices como Meryl Streep y Glenn Close en una terna inolvidable y memorable para la época. Aquella nominación cristalizó una carrera que hasta entonces había sido constante, pero mayormente recogida por críticos y públicos de nicho.

Filmografía: de The Sting a JFK y Revenge

La filmografía de Kirkland es extensa y variada. Intervino en clásicos como The sting (1973), compartiendo escena con Robert Redford y Paul Newman, y años después trabajó con Kevin Costner en Revenge (1990). 

Fue parte del reparto de JFK, de Oliver Stone, en 1991, y tuvo papeles en comedias y dramas que mostraron su versatilidad. En las últimas décadas se volcó con frecuencia al cine independiente, sin abandonar nunca su espíritu iconoclasta.

Luchas personales: salud, activismo y legado

La vida de Sally no estuvo exenta de dificultades. En 1998 se sometió a la extracción de implantes de silicona por problemas de salud, experiencia que la llevó a fundar el Kirkland Institute for Implant Syndrome Survivors (KIISS), una organización de apoyo a mujeres afectadas. 

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En sus últimos años afrontó problemas de salud graves. La situación llevó a algunos de sus allegados a lanzar campañas de recaudación para ayudar a cubrir gastos médicos tras infecciones y fracturas que la mantuvieron debilitada. Finalmente, falleció en un centro de cuidados en Palm Springs.

Un carácter indómito y una artista multifacética

Además de su faceta como actriz, Sally Kirkland exploró la pintura, que la llevó a abrir su propia galería en Los Ángeles para mostrar sus obras, y la espiritualidad: fue pastora ordenada en el Movement of Spiritual Inner Awareness, impartió clases de yoga y mantuvo un programa de radio. 

Su curiosidad la llevó a escribir guiones, participar en proyectos independientes y mantenerse activa creativamente hasta sus últimos años. Esa mezcla de artista completa y activista comprometida la convirtió en una figura respetada más allá del star system.

Anécdotas de una actriz sin ataduras

Kirkland recordó en entrevistas pasadas el sabor de ir a los Óscar sintiéndose como una Cenicienta, así como la crueldad y la ternura de la industria. Su carrera incluyó papeles televisivos recurrentes y colaboraciones con cineastas de primer nivel. 

Durante su recorrido profesional, siempre reivindicó la libertad artística y defendió a las mujeres que sufrieron daños por implantes, transformando una tragedia personal en un proyecto de ayuda pública.

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Esta idea surgió hace un par de años, cuando la compañía trabajaba con música clásica en vivo junto a una orquesta del sur de Chile. Tras quedar fascinados con el resultado, los músicos propusieron una colaboración que dio inicio a la búsqueda de piezas que encajaran con su lenguaje escénico. 

Fue entonces cuando El carnaval de los animales apareció como la opción perfecta: una obra familiar, creativa, ecológica y profundamente visual.

Álvaro Morales, quien dirige junto a Edurne Rankin, conversa con EXPRESIONES sobre el proceso creativo, los desafíos y la magia que hay detrás de esta puesta en escena.

La entrevista

¿Qué simbolizan los animales en escena?

Nuestros espectáculos siempre tienen múltiples lecturas, porque no trabajamos desde el realismo. Nos gusta que el público use su imaginación. Así, el espectador redescubre el mundo animal desde lo cotidiano y, al mismo tiempo, comprende que la naturaleza y los animales son poesía pura. Es una invitación a reconectarse con ese respeto que le debemos al mundo natural.

¿Existe intención de concientizar sobre el mundo animal?

Sí, totalmente. No damos un mensaje directo ni moralista, pero al contemplar la belleza y fuerza de los animales, inevitablemente surge la reflexión sobre qué estamos haciendo con nuestro entorno. Es una invitación a cuidar, valorar y respetar lo que aún tenemos.

¿Qué esperan del público ecuatoriano con esta presentación?

Venimos de una gira internacional, donde el público se conectó muchísimo con la obra, pese a las diferencias culturales y de idioma. Creemos que en Ecuador ocurrirá lo mismo. Ya habíamos estado antes con Pareidolia y el recibimiento fue increíble.

¿Cuál fue el mayor desafío de montar esta obra?

Uno de los mayores retos fue mantener la atención del público en una pieza sin historia lineal. Tuvimos que construir una dramaturgia visual que equilibrara lo cómico, lo poético y lo fantástico. Además, trabajar sobre una obra musical tan reconocida exigía estar a su altura, sin perder nuestra autenticidad.

¿Cómo describiría El carnaval de los animales?

Es una fusión entre música clásica y teatro sin palabras, donde cinco actores dan vida a más de 40 animales. Hay máscaras, sombras, danza, objetos y un despliegue escénico que sorprende. Es una fiesta.

¿Cómo ha reaccionado su público ante esta propuesta?

El público suele salir con palabras como “hermoso”, “mágico”, “conmovedor”. Los niños, especialmente, lo viven de una manera única. Adivinan los animales, participan, se asombran con lo que se puede crear con tan poco. Esa energía contagia también a los adultos. Es muy emocionante ver cómo todos, sin importar la edad, entran en la misma fiesta de la creatividad.

¿Existe algún ritual antes de salir a escena?

Sí. Cada presentación requiere una gran preparación técnica y emocional. Los actores montan sus propios objetos y animales, revisan las luces y luego hay un momento grupal de concentración. Es un proceso que exige mucha energía y precisión, porque son solo cinco intérpretes los que dan vida a todo un universo.

¿Qué opina de las personas que dicen que el arte visual puede ser superficial?

Es un prejuicio. La profundidad no depende del texto o de la palabra, sino de la experiencia. Un espectáculo visual puede conmoverte y transformarte profundamente. Nosotros no buscamos dar mensajes racionales, sino generar una experiencia sensorial que cambie la percepción del espectador. El arte visual puede tocar fibras muy profundas del ser humano. Esa también es nuestra intención con El carnaval de los animales.

El mensaje de ‘El carnaval de los animales’

El carnaval de los animales no es solo una puesta en escena visualmente distinta, sino también un recordatorio del vínculo entre el arte, la naturaleza y la imaginación.

Es una invitación para que el espectador, niño o adulto, mire el mundo con ojos nuevos y redescubra la belleza de lo simple. Aquí, el público juega un papel fundamental, pues, como explica Álvaro Morales, cada persona encuentra su propia capa de significado.

En palabras del director, citando a Peter Brook: “Una vez que el público siente, luego comprende profundamente y ve un cambio”.

Detalles

• Una sola función: miércoles 12 de noviembre en la Sala Principal del Teatro Sánchez Aguilar
• Hora: 18:00
• Adhesión: $25 (cualquier localidad)
• Dirección: Av. Rio Esmeraldas, Samborondón 

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Los restos del actor, recordado por su participación en Tal para cual junto a Prisca Bustamante y Azucena Mora (Ecuavisa), en Manzana 12 (Sí TV) y como parte del grupo Los Morisquetos, están siendo velados en la Sala Fe 2 de Jardines de la Esperanza. Su sepelio se llevará a cabo el miércoles 5, al mediodía, en el mismo camposanto.

“Todo se lo debo a mi papá”

Su hija Ana María, fruto de su relación con Cecilia Cedeño, compartió con pesar: “Hubo altas y bajas en estas semanas, pero su condición era compleja. La semana pasada sufrió dos paros, lo que causó un retroceso en el pequeño avance. Permaneció en UCI hasta el final. Desde 2025 empezó a recibir diálisis”. 

Con la voz entrecortada, añade: “Todo lo que soy se lo debo a él. Siempre dispuesto a ayudar a quien le tocara la puerta, nunca se negaba. Fue parte de la Defensa Civil, al igual que mi hermano (Diómedes Junior)". 

Y agrega: "Era amigo de todo el mundo, siempre aportaba en lo que podía. Es lo más importante que me llevo de mi papá”.

La actriz Prisca Bustamante también lo evocó con cariño: “Las personas se despiden así. Mejoró un poco. La esposa (Rosa Luna) me dijo que la había reconocido. Lloró de alegría. Ella lo acompañaba a todas partes, tenía mucha fe… pero así es la vida". 

Recordó también las últimas veces que lo vio: "Fue cuando íbamos a visitar a Azucena Mora. Era muy bonachón y alegre, siempre sucumbía ante sus dos ‘mujeres’, que éramos Azucena y yo. En De casa en casa, el año pasado, nos hicieron un homenaje a los tres. Viajamos por el tiempo”.

Su compañero de arte, Honorio Santistevan, le dedicó estas palabras: “Mimo Cava, mi hermano y compañero de tantas horas por el Ecuador con nuestro arte, Dios sonríe con tu presencia”.

Con Los Morisquetos

El periodista de espectáculos Alsino Herrera recordó que Mimo fue uno de los actores más apreciados por los fallecidos empresarios Pío Cupello (esposo de Hilda Murillo) y Pancho Falquez. 

“Cuando este trajo una revista de humor al país, llegó también el dúo Los Mariposas. Al finalizar la temporada dejaron un vacío en el género cómico, y fue entonces cuando Mimo, junto a Guillermo Zuñiga, dieron vida a Los Morisquetos, una brillante recreación de aquel dueto, con el cual recorrieron el país y conquistaron al público con su ingenio”.

Herrera añade que, como todo dúo legendario, “vivieron momentos de gloria y de tensiones. Se separaban, volvían a unirse, discutían y se reconciliaban, pero el escenario los necesitaba juntos: eran como dos mitades que solo brillaban completas cuando compartían la escena. Con el tiempo, Los Morisquetos se convirtieron en un clásico de la comicidad nacional. La muerte prematura de Zuñiga dejó al humor en estado de shock. Mimo, que ya había encontrado su propio camino, tuvo que regresar a la comicidad independiente”.

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Desde México, la actriz Vilma Sotomayor, quien compartió con él en Manzana 12, expresó con tristeza: “A medida que pasa el tiempo, vivimos muchas pérdidas en nuestras vidas. Fue una de las personas con el corazón más noble y grande que he conocido. Siempre tenía un gesto amable, una palabra cariñosa, buscaba el bien del grupo, estaba presente en cada momento". 

Asegura que la última vez que visitó Ecuador, las dos únicas personas que vio de Manzana 12 fueron al director de la comedia, Lucho Aguirre, y a Mimo. "Los dos ya partieron. Era alguien con quien se podía contar y confiar. Es una gran pérdida para el arte del Ecuador. Más allá de su talento y de las risas que regaló al público, nos queda el gran ser humano que fue”.

Cuando El Puma se vistió de mendigo...

Recuerda Alsino Herrera que, en 1986, Mimo fue quien guió al cantante José Luis Rodríguez, El Puma, por Guayaquil cuando este se disfrazó de mendigo. Fue Mimo quien le prestó el traje raído y el sombrero que completaban la caracterización, y también quien lo acompañó desde el hotel Oro Verde, punto de partida del recorrido.

Ambos caminaron por el parque Centenario y llegaron hasta el Mercado Central, donde algunas personas los reconocieron. “La camioneta de Ecuavisa los seguía a poca distancia, para registrar el momento y por si algo ocurría. Aquella experiencia fue presentada en El Show de Bernard, quedando en la memoria de los televidentes”.

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El arte nacional, así como el de España, México y El Salvador se abrirán paso en el teatro con eventos que irán desde la danza hasta la reflexión introspectiva de la lectura.

La visión se renueva y el arte se carga de vitalidad con una serie de eventos artísticos: teatro, música y literatura se unen en una programación en el que la edad no es el límite.

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Mayo. El teatro se reúne en una gala internacional que reúne a 25 artistas y logra combinar técnica, elegancia y emoción en un mismo escenario.

Bajo la dirección del maestro búlgaro Rumen Ivanov Rashev, los bailarines, en su mayoría jóvenes, aportarán energía y dinamismo a la puesta en escena. La Isla y Grand pas de Paquita forman parte del repertorio de la nueva temporada. ¿Veremos algo de eso en suelo ecuatoriano?

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Junio. Carlos y Claudia ocupan el protagonismo de esta obra. Son una pareja moderna que por fin logran convertirse en padres, pero cuando su hijo llega al mundo, ambos descubren que no es como se lo habían imaginado.

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‘Jerónima’

Junio. Humor, historia y rebeldía se dan la mano en esta comedia española que revive la vida de una monja pionera del siglo XVI… y promete que el público empatice con su historia. 

La mirada contemporánea busca unir lo sagrado de la iglesia con lo mundano de la vida cotidiana.

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Octubre. ¿Existe un espacio salpicado de elementos musicales y plásticos? La ópera-instalación mexicana fusionará la voz femenina con la tradición artesanal de la cartonería. Dos artes que confluyen en el mismo lugar.

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Ecuador, en los años 70, será testigo del amor entre dos almas. En un país que reprime, el amor emerge.

Una producción del español Ignasi Vidal, protagonizada por Roberto Manrique y Giovanna Andrade, nos trasladará a un romance turbulento de otra época.

‘Best Seller’

La Orquesta Filarmónica de Guayaquil presta sus fuerzas para un tributo especial a la banda británica Queen.

Sencillos como We Will Rock You, Don’t Stop Me Now y el clásico Bohemian Rhapsody podrían escucharse entre violines, chelos y trompetas, creando una fusión de lo clásico, con lo flamante del rock.

Así, el Teatro Centro de Arte en Guayaquil se prepara para un 2026 lleno de expresiones diversas. Entre propuestas locales e internacionales, el escenario volverá a ser un punto de encuentro donde el arte habla con el público.

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Confesó que siempre ha sentido una conexión especial con el excéntrico pirata. Desde niño ya mostraba su lado creativo y su pasión por los disfraces: “Me encantaba convertirme en mis héroes favoritos: He-Man, las Tortugas Ninja, El Chavo del Ocho e, incluso, en un Pitufo”, recuerda entre risas.

Aunque es odontólogo de profesión, siempre soñó con ser actor. El arte, asegura, le corre por las venas. Su madre, María de Lourdes Játiva, fue alumna de Janet Vivar, bailó flamenco y lo llevaba a espectáculos desde pequeño. Además, sus abuelos Juan Játiva y María Angélica Ruiz destacaban por sus voces y su talento en peñas familiares.

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En televisión ha participado en producciones como Sharon, Sí se puede y Casi cuarentonas. En teatro, ha brillado con obras como Clotilde y Matilde, y hoy cierra temporada en el Sánchez Aguilar con Tarzán, el musical.

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Pero la agenda no se detiene: el 7 de noviembre estará en el Policentro, participando en el tradicional encendido del árbol de Navidad y ofreciendo un show musical lleno de sorpresas.

Entre el arte y la industria farmacéutica

En 2025 ha alternado su pasión, la actuación, con otra actividad. ¿A qué se debe este cambio?

Además de actor, soy visitador médico. Después de doce años regresé a la industria farmacéutica. Once años de mi vida me dediqué a este oficio y recién a los 33 años empecé a estudiar actuación. Este 2025 ha traído cambios, sobre todo por la ausencia de proyectos en televisión.

¿Eso significa que dejará las artes escénicas?

¡Para nada! Son mi pasión y por lo que doy la vida, la llevo en mis venas. No pienso dejarlas en ningún momento. Simplemente ahora combino las tablas con el maletín, como digo yo. Me siento pleno. Por suerte no interfiere con mi trabajo; a las siete de la noche ya puedo dedicarme a los ensayos y a los proyectos. Es súper agotador, pero estoy equilibrando y me siento cómodo en mis dos actividades.

Es odontólogo de profesión, pero nunca ejerció. ¿Por qué?

Nunca la ejercí. Mi papá, Fabricio Domínguez, fue visitador médico y siempre lo vi en este oficio. Además, es uno de los pocos trabajos que sigue siendo bien remunerado. Para mí es fácil conversar con un médico; tengo facilidad de palabra y soy extrovertido.

Es decir, que este ha sido un año intenso.

¡Totalmente! La vida de artista y ejecutivo me va a matar (risas), pero cuando haces lo que te apasiona te sientes como pez en el agua. Este 2025 ha sido un torbellino de cambios, desafíos y mucho movimiento. Pude haberme quedado sentado esperando que los proyectos lleguen, pero decidí seguir adelante. La madurez que me dieron las artes escénicas hoy la aplico con fuerza en mi otra faceta profesional.

¿Sus clientes, los médicos, lo van a ver al teatro?

Sí, me reconocen. Algunos me han visto en Mamma Mía, en Tarzán, el musical y en otras producciones. Conversar con ellos sobre esos proyectos es una excelente forma de romper el hielo y, la verdad, ha sido una experiencia muy divertida.

Cuando lo invitan a una fiesta en esta fecha, ¿recurre a uno de sus personajes para disfrazarse?

No celebro Halloween. En el mes de octubre me caracterizo de bruja por la obra Clotilde y Matilde, ya con eso es suficiente (risas). Más bien me invitan a animar eventos, fiestas o marcas para hacer promoción con las brujas. Ya me da pereza disfrazarme para farrear. Esta semana cerré temporada de la obra Clotilde y Matilde, la boda, con Ney Calderón. Es el noveno año que llevamos el montaje a escena. En 2026 celebraremos una década. Cada año son diferentes historias y el público lo pide, es un clásico. A veces nos hemos presentado en febrero por San Valentín. También con las brujas sale un poco de esa maldad que llevamos dentro de nosotros. Al principio caracterizarme me tomaba 45 minutos; ahora lo hago en 20. No me gusta ‘quemarlas’, las dejo descansar.

Quiere llevar a las brujas a la TV

Si tuviera que elegir un disfraz, ¿cuál sería?

(Piensa) De Avatar, un personaje azul. Es muy alienígena, sería un reto porque exige mucha teatralidad y corporalidad. Soy camaleónico, me gusta verme diferente con los personajes que interpreto.

Para esta fecha, la TV reestrena cintas de terror. ¿Cuál es su clásico favorito?

El exorcista (con Linda Blair) es un clásico. Es la única que me sigue generando pánico, así me la vea mil veces. Amo las cintas de terror y suspenso. La última que vi fue Destino final 6. Me gusta el terror de fantasmas y posesiones. Hay gente que lo critica, pero yo solo lo disfruto. Para Halloween es simpático ver a los niños disfrazados y pidiendo caramelos. En algunas urbanizaciones lo hacen.

Es muy camaleónico. ¿Ha considerado llevar algunos de esos personajes a la TV?

Con Ney Calderón queremos hacer un piloto al estilo Los locos Addams o La familia Monster (con Clotilde y Matilde), luego de tantas obras y temporadas que hemos trabajado. Tal vez lo hagamos el próximo año. Por eso también regresé a la industria farmacéutica: para tener otro ingreso y financiar mis proyectos. Todo tiene un fin y nos lo han pedido. También hemos considerado llevarla a digital. Ya es hora de que las brujas estén en otro formato.

Prefiere las obras musicales

En el teatro se ha inclinado por los montajes musicales…

No lo busqué. Soy de los pocos que maneja tres disciplinas: canto, baile y actuación. He estado en varios musicales y me he hecho de un nombre. Ser versátil me abre puertas. Todavía no he trabajado con José Miguel Salem, de Danzas Jazz. Se han dado acercamientos, pero no se han concretado esos proyectos. Quizá más adelante.

¿Se ve casado o con hijos?

Seguramente seguiré soltero. No me interesa casarme ni tener hijos, hay que tener vocación para ellos. Quiero disfrutar de lo que amo, además de viajar. No creo tener el tiempo de calidad para dedicárselo. Trabajo para comprar una casa en la playa.

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Royal Company lidera la propuesta bajo la dirección de Gabriela Andrade, en Tarzán: El musical, que llega a las tablas del Teatro Sánchez Aguilar y se presentará el 25 y 26 de octubre, con dos funciones: 11:00 y 17:00.

En entrevista con EXPRESIONES, Gabriela detalla el proceso de reinventar una obra ya conocida. 

La entrevista

¿Por qué eligió Tarzán?

Venimos trabajando propuestas con princesas y cuentos clásicos, pero quisimos arriesgarnos con algo distinto. Queríamos ofrecer al público infantil y también a los adultos un recuerdo de esas historias clásicas, pero con un enfoqie que nos conecte con nuestras raíces.

¿Cómo surgió la idea de reinventar Tarzán?

Esto nació de una conversación con Christian Valencia, quien ha sido responsable de la música y los guiones de otras producciones como Rapunzel y Snow. Pensamos en cómo unir nuestras raíces ancestrales con una historia conocida, y ahí apareció Tarzán. Sentimos que no nos hemos equivocado, porque va a ser una producción fantástica.

¿Qué representan los nuevos personajes de la obra?

En escena, los personajes incluyen a una capibara, interpretada por Claudia Camposano y la guacamaya, encarnada por Dayana Sengés. Cada uno de estos personajes recrea un color, una raíz, una historia dentro de la obra. Es un universo lleno de simbolismos que conecta lo ancestral con lo contemporáneo.

¿Cuál ha sido la experiencia de trabajar con niños?

Tenemos a Leonardo Salcedo, quien interpreta a Korak, el hijo de Tarzán, y a dos niñas, Ana Paula Moscoso y Victoria Guschmer, quienes dan vida a Chita y Kira. Trabajar con niños siempre es una experiencia distinta. Aprenden rápido, son espontáneos y no tienen miedo de equivocarse. Eso nos enseña a los adultos a disfrutar el proceso y a no buscar la perfección inmediata. 

Durante los ensayos, los niños han protagonizado lindos momentos. Todos quieren hacer acrobacias, subirse a los aros, colagarse de las telas... a veces hay que constrolarlos porque se convierten en verdaderos monitos. 

También conversamos con Hugo Alejandro, el actor que da vida al protagonista de la obra.

¿Qué desafío le ha presentado interpretar a Tarzán?

El resto ha sido principalmente físico. He tenido que aprender acrobacias aéreas, y tengo las cicatrices que lo demuestran. Pero las asumo como parte del personaje. Tarzán estaría lleno de heridas, y eso me ayuda a entenderlo mejor. Además, la manera de hablar y moverse también cambia. 

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Es un personaje que combina lo humano y lo animal. Incluso mi tono de voz ahora sale más del pecho, es más grave, más salvaje. A esto se suma un proceso de preparación exigente, especialmente por las acrobacias y el dinamismo del montaje. 

Hay momentos en los que canto, bailo y me suspendo en el aire al mismo tiempo. El teatro musical requiere una entrega total. Mucha gente no imagina lo físico que puede llegar a ser.

¿Qué ha aprendido durante este proceso?

La obra me ha acercado al valor de la familia. En escena tengo una esposa y un hijo, y eso me hace reflexionar sobre el rol de protector y la importancia de cuidar a los tuyos. Hay escenas muy emotivas que me han hecho conectar con emociones muy reales.

Jane: Madre, líder y guardiana de la selva

La obra se reinventa y, con ella, también los personajes. Jane adopta un nuevo enfoque y esta vez se empodera. "Este personaje es un desafío enorme", comenta Cristina Alcívar, quien da vida a la protagonista femenina.

"No es la Jane que llega a conocer al amor de su vida, sino una mujer que ya ha formado una familia y administra la selva. Es la reina del lugar". 

Las prácticas con telas y aros para simular las lianas de la jungla han sido un reto para la actriz. Así lo explica.

"Nunca antes había hecho acrobacia aérea. Ha sido agotador, pero al mismo tiempo  muy divertido. Todo debe verse orgánico y natural, como si realmente estuviéramos en la selva".

Además del reto actoral, este papel le ha permitido conectar con su faceta personal como madre. 

"Es la primera vez que interpreto a un personaje mamá, y eso me ha hecho reflexionar mucho. Es un proceso introspectivo que me ayuda a entender mi propia maternidad y mi lugar en el arte".

Cristina describe la obra como "un espectáculo que nadie ha visto antes en Guayaquil". 

El mensaje principal es disfrutar de la vida desde lo natural, valorar lo simple, lo esencial, explica. "Eso es lo que me deja Jane: vivir en armonía con lo que nos rodea".

Una playlist para compartir

Como en todas las producciones de Royal Company, la música original juega un papel central. Compuesta por Christian Valencia, el álbum de Tarzán: el musical ya se encuentra disponible en Spotify. 

"La canción El nuevo rey ha tenido una gran acogida. Incluso padres me cuentan que la cantan con sus hijos. Es muy pegajosa y tiene un mensaje de unión y fortaleza", señala Andrade, quien considera que la obra tiene el potencial de viralizarse también a través de su música.

Su playlist incluye 10 temas:

• Este canto
• Suelta ya
• Esta selva es mía
• Cortar, talar
• La gran ciudad
• Querernos bien
• Hijos del suelo
• El mejor lugar del mundo
• Este canto 2 
• Yo no te he olvidado

Sinopsis

En lo profundo de la selva, Tarzán ha construido su vida junto a Jane y su pequeño hijo, Korak. Rodeados de amigos animales y grandes árboles verdes, parece que nada puede perturbar su paz… hasta la llegada de la empresaria Lancie. 

Su presencia amenaza con desarmar la armonía de la selva: su malvado plan es talar la vegetación y apoderarse de todo. Korak, el joven e inesperado líder, deberá encarar a esta amenaza con la ayuda de sus amigos, mientras Tarzán y Jane dejan todo de lado para rescatar a Kala, la madre gorila del protagonista. ¿Lograrán salvar la selva o caerán ante los planes de Lancie?

Créditos

Fotos: Juan Pablo Castillo (IG: @juanpablocastillo.studio).

Maquillaje y peinado: LEXA by Chantal Fontaine (IG: @lexatec).

Producción: Alejandra Cereceda.

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Con cuatro años en funcionamiento, la academia ha formado grandes talentos y las competencias internacionales se presentan cada año como la oportunidad perfecta para mostrar el arte que se forja en sus espacios. Así lo han demostrado en ciudades como Miami, Orlando y Medellín.

Pero, en palabras de Ana, “es momento de saltar el charco”: su próximo destino será París, donde cinco de sus estudiantes competirán en el Youth America Grand Prix que se llevará a cabo el 30 de octubre.

El sueño por París

Las representantes se dividen en dos categorías: junior (de 12 a 14 años) y senior (de 15 años en adelante). En la primera destacan Leonela Piovesan, Vittoria Martínez y ⁠Mila Weisson, mientras que en la segunda se encuentran Ana Sofía Ron y María Verónica Boloña.

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De las cinco, tres fueron formadas desde cero dentro de la academia. “Me enorgullece decir que empezaron como principiantes y ahora bailan con puntas. En poco tiempo alcanzaron un nivel avanzado, gracias a su constancia y amor por el arte”, añade Ana en entrevista con EXPRESIONES.

Algunas ya tienen experiencia internacional en escenarios de Miami, Nueva York, Orlando y Medellín, donde han obtenido premios y becas. Sin embargo, París representa un paso más alto: “Decidí que era el momento de dar ese salto porque ya demostraron su talento en otras competencias. Esta será una oportunidad única para que las vean directores de las mejores escuelas del mundo”.

Las alumnas no estarán solas, viajarán junto a sus familias para presentarse en uno de los escenarios más prestigiosos del mundo: el Teatro André Malraux, considerado el espacio de ballet más importante a nivel global. 

“Para mí es un orgullo y un logro. Que niñas ecuatorianas puedan presentarse en un escenario donde el ballet se vive día a día, es increíble. Ellas son adolescentes que practican un deporte de alto rendimiento, y llegar hasta aquí es fruto de su esfuerzo y disciplina”.

La enseñanza desde la experiencia

Ana Karina conoce las dificultades del ballet desde adentro: “A mí me costaba la flexibilidad, la delicadeza, pero eso me ayudó a enseñar. Puedo transmitir con empatía lo que sé porque también tuve que luchar contra mis propias limitaciones”.

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Su enfoque como maestra va más allá de la técnica: “En Ecuador todavía se considera al ballet como una actividad extracurricular, pero es mucho más que eso. Es una disciplina que exige perfección, entrega total y respeto. Enseño a mis alumnas que la puntualidad, la presentación personal y la constancia son tan importantes como un buen giro o un salto limpio”.

A través del arte, Forçak también busca inculcar valores de humildad, compañerismo y resiliencia. “En el ballet no hay espacio para el ego. Siempre hay algo nuevo por aprender y trabajar. Quiero que mis alumnas crezcan no solo como artistas, sino como personas”.

La historia detrás de Forçak

En palabras de Ana: “El nombre Forçak surge de una combinación significativa: ‘Força’ significa fuerza en portugués, una palabra que refleja mi esencia como bailarina. Yo siempre me destaqué por la potencia en los saltos y giros. La ‘K’ del final representa mis iniciales, AK, de Ana Karina. Además, quería un nombre que sonara bien en cualquier idioma, porque siempre soñé con una formación internacional”.

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Desde entonces, asegura, "la academia se ha convertido en un espacio que promueve la excelencia artística, la disciplina y el amor por el ballet como un camino de vida."

Ritual antes del escenario

En su competencia internacional, muchos asistentes podrían ser testigos de un ritual que el grupo ha consagrado como suyo: un momento que mezcla técnica y conexión emocional. Algunas rezan, otras prefieren no mirar a las competidoras para concentrarse, pero lo más importante para Ana es que salgan a escena con confianza.

 “Siempre les digo que no piensen en ganar, sino en demostrar quiénes son. Que muestren su esencia, su historia, lo que llevan dentro. Cada presentación debe dejar una huella en el público”.

Ana Karina conoce las dificultades del ballet desde dentro. “A mí me costaba la flexibilidad, la delicadeza, pero eso me ayudó a enseñar. Puedo transmitir con empatía lo que sé porque también tuve que luchar contra mis propias limitaciones”.

Con una meta clara, las cinco representantes se preparan para viajar a Francia y poner sobre la mesa sus habilidades. Y seguramente regresarán fortalecidad en talento y compromiso. 

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Tras culminar la secundaria, su progenitor no le permitió dedicarse de lleno a la actuación. Sin embargo, él no se rindió. A los 17 años debutó profesionalmente y formó el grupo Restauración. El gran salto a la TV llegó en 2008, cuando apareció en la pantalla de Ecuavisa Internacional en Café Reencuentro, compartiendo créditos con Pancho Cabanilla y Gino Freire.

Ese fue solo el comienzo. Después llegaron producciones como Aída, Tres familias, Calle Amores, Antuca me enamora y Los de a lado.

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Con esa gran experiencia, está volcado principalmente al teatro. Actualmente es parte de montajes como La novela de Toledo en Café Teatro Toledo, La novia cadáver en Cómicos, Escuela de Actuación (un espacio propio que dirige desde hace 12 años). Además, se prepara para estrenar Cleotilde y Matilde, Noche de bodas junto a Jesús Díaz y Fabo Doja, desde el 8 de octubre en el Teatro Sánchez Aguilar.

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¿A esta altura de su vida se vería ejerciendo otro oficio?

Ni antes me veía haciendo otra actividad, menos ahora. Fui auditor, estudié esa carrera. Mi historia tiene un giro doloroso: el día de mi graduación en el colegio, mi madre, Laura, falleció de un infarto. Fue totalmente inesperado, ella no estaba enferma. Mientras mis compañeros celebraban, yo estaba en su velorio. En ese momento ya estaban por iniciar las inscripciones en la universidad. Mi familia estaba muy golpeada por la pérdida y mi padre no quería que yo estudiara actuación. Pero todo en la vida tiene un propósito: conocí personas valiosas que me han servido hasta hoy.

Es uno de los engreídos del director Jorge Toledo. ¿Cómo surgió esa amistad?

Jorge y yo no habíamos tenido la oportunidad de cruzarnos laboralmente hasta 2022, cuando él me llamó. Antes quiso que trabajáramos juntos, pero eran tiempos difíciles por la pandemia. Yo hacía teatro en mi propio espacio y no me convenía moverme, porque había poco público y muchas restricciones. Jorge siempre dice que tuvo que esperar dos años para que le hiciera caso (risas). En 2022, finalmente trabajamos juntos. Ambos estamos siempre creando. No sé lo que es un fin de semana libre.

Ahora protagoniza sus obras...

Jorge y yo hemos hecho un buen equipo y cultivado una amistad. Prefiero trabajar con gente entregada, que no pone excusas. Somos socios creativos: se nos ocurre una idea, la pulimos y la sacamos adelante. No hemos firmado contrato para toda la vida, Dios dirá. Estamos creando una comedia para la TV o en lo digital.

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(Risas) Antes de que saliera Jorge, me sacaron a mí. Según sus palabras, esa decisión del canal fue la gota que derramó el vaso. Crearon un personaje llamado Robinson; a los libretistas les dieron la idea y lo hicieron especialmente para mí, considerando mi personalidad, forma de actuar e incluso mi físico.

¿Entonces, cuál fue el pretexto para sacarlo?

Simplemente no me querían ahí. El pretexto fue que yo interpreto personajes políticos (Nobita, Tranquiles, Tropic...) en videos cómicos de redes sociales. Sin embargo, el protagonista de esa historia, David Reinoso, está haciendo campaña política con sus personajes a favor del presidente de la República. Algunos cuestionan aquello. Hay un doble discurso, y su versión pierde peso.

¿Y qué cree?

Me ha parecido todo muy raro, no sé qué hay detrás, aunque siempre he preferido manejarme con calma. A Jorge le dio mucho coraje, mi personaje no era un relleno. Después de la salida de Jorge, ingresaron otros actores.

"No me molesta trabajar con novatos"

En la obra La novela de Toledo le da vida al director de casting que deja a un lado la experiencia y prioriza el número de seguidores en redes que tiene el aspirante.

(Suelta una carcajada) Ahora es así, una tendencia. Pero los seguidores en redes sociales no garantizan que los verán en televisión. Son dos mundos totalmente diferentes, no es lo mismo. La persona que está pendiente de las redes no correrá a verte en la pantalla de un televisor. Cualquiera se hace conocido en redes, por un escándalo o por lo que sea, pero aquello no tiene nada que ver con el talento ni con la formación académica. Piensan que el influencer arrastrará a sus seguidores, y no siempre es así.

La juventud no es lo que se cuestiona actualmente, sino la falta de formación actoral.

Soy profesor en mi espacio; no me molesta trabajar con novatos, pero en este caso son chicos preparados. Tal vez no son conocidos, pero han recibido formación actoral. Algunos son mis alumnos, otros, de Jorge.

Dice que su mente siempre está creando algo nuevo.

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Tengo un par de sueños. Uno de ellos es hacer cine de comedia, algo que no se ha explotado en Ecuador. Todas las ramificaciones de la comedia… somos muy atrasados en ese campo. Quiero hacer no una película, sino varias, potencializando el género. En cine nos hemos quedado en un formato experimental; hay demasiado cine de denuncia social, independiente, pero no comercial. Quiero algo que nos abra las puertas, comedia de exportación. En Ecuador hay mucho talento.

¿Y el otro?

Crear un complejo para artistas, con diferentes espacios de arte que incluyan danza, teatro, exposiciones… para cambiar el pensamiento del ecuatoriano. Que no vaya a una obra por compromiso, porque un amigo o familiar se lo pide. El arte debe estar insertado en los guayaquileños, así como el fútbol o el cine. Nadie los obliga a ir, van porque les nace. Ahí no dicen: ‘estoy chiro’. Soy barcelonista, me encanta el fútbol, pero tengo otra mentalidad. Que el arte se inserte en la cultura de la gente.

El amor lo encontró en el teatro

Ney estuvo casado, pero se divorció. De esa unión nació su única hija, Camila, de 10 años. Actualmente mantiene una relación con la actriz Markosha Cervantes, de 28.

“Nos comprendemos porque ambos compartimos la misma pasión. Nos conocimos en mi escuela: ella fue mi alumna y luego comenzamos a trabajar juntos. Al principio no me prestaba atención, pero con el tiempo surgió el gusto mutuo. Durante la pandemia, se vino a vivir conmigo”, cuenta el actor.

Aunque no tienen hijos en común, no lo descartan. “Lo hemos conversado y lo hemos pospuesto. Estamos saliendo del bache que nos dejó la pandemia a los actores, pero la situación ha ido mejorando. Ella aún es joven”, añade.

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