El videoclip se integra a la era de Man’s Best Friend, convirtiéndose en el tercer single con video oficial tras Manchild, que dio inicio a este ciclo, y Tears. En esta ocasión, Carpenter no solo protagoniza el proyecto, sino que también lo dirige junto a Margaret Qualley, quien además forma parte del elenco junto a Madelyn Cline. Lo cierto es que este detalle no es menor pues, Qualley es esposa del productor Jack Antonoff, figura clave en el sonido del álbum, lo que refuerza la cohesión entre lo visual y lo musical en esta etapa.

Un 'house tour' poco convencional

Lollapaloza 2026: cinco mujeres que deslumbraron en Chile y Argentina

Leer más

A diferencia de los videoclips anteriores de esta era, House Tour no apuesta por una narrativa compleja ni por múltiples escenarios. En su lugar, concentra toda la acción en una misma locación: una lujosa mansión que las protagonistas recorren y saquean bajo una dinámica que mezcla humor, estética pop y cierto aire de irreverencia, a pesar de eso los fanáticos han notado que sigue una continuidad con Tears, como si de una serie episódica se tratase; una estrategia que Sabrina había utilizado previamente entre Espresso y Please Please Please.

El video presenta a Carpenter junto a Qualley y Cline como parte de una especie de crew que irrumpe en el espacio con total naturalidad, apropiándose de objetos y situaciones. Entre los momentos más llamativos destaca el robo de un premio Grammy, utilizado como guiño irónico dentro del relato visual que ha sido interpretada como una referencia a los galardones que la artista no ganó la entrega pasada.

De igual manera, el videoclip da continuidad de un recurso que ya se ha vuelto casi tradición en esta etapa: la presencia de violencia estilizada, incluyendo la muerte de un personaje masculino, tal como ya había sido confirmado en Tears, tras ser un factor común en varios videoclips como Feather y Espresso.

En términos visuales, el clip apuesta por una estética cuidada, dinámica e incluso híbrida, con una energía que prioriza la actitud y la performance sobre la construcción de una historia lineal. El resultado es una pieza que se siente más como una extensión del imaginario de la artista que como un relato cerrado, reforzando así la idea de un universo en expansión.

Un lanzamiento que se expande más allá del videoclip

En línea con esta construcción de universo, la web oficial de Sabrina Carpenter ya cuenta con merchandising vinculado directamente a House Tour. Entre los productos disponibles destacan el vinilo del single, una alfombra con la frase “Do you want the house tour?”, en referencia directa a la canción y una camiseta con el mensaje “Just robbed a house”, guiño directo al desenlace del videoclip.

Estos elementos no solo funcionan como extensión promocional, sino también como parte del lenguaje visual y narrativo de la era, trasladando los códigos del video a objetos concretos para los fans.

El video oficial de House Tour llega, además, en un momento estratégico, pues este estreno se da en la antesala de las presentaciones de Sabrina Carpenter en Coachella, uno de los escenarios más importantes del circuito musical.

Con este nuevo video, la artista no solo mantiene el impulso de su actual etapa, sino que también eleva la expectativa de cara a sus próximos shows, donde este universo visual podría encontrar una nueva dimensión en vivo.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

Coachella 2026: Justin Bieber, Karol G y los 5 conciertos imperdibles del festival

Leer más

Este género musical se caracteriza por adoptar una estructura rítmica con instrumentos como la guira, tambora y acordeón, mezclando beats sincopados, líneas de bajo potentes y letras con lenguaje urbano.

A continuación te presentamos una selección de temas entre clásicos y modernos que han logrado posicionarse y definir el impacto actual del merenguetón.

Niña Bonita (2009)

Considerado como uno de los temas más representativos de Chino y Nacho lanzado en el 2009, la canción que mezcla ritmos tropicales, presenta una historia de amor idealizado, donde el protagonista expresa una admiración profunda hacia su pareja, a quien la describe como perfecta, en una narrativa llena de romanticismo. 

A nivel lírico, Niña Bonita, construye una imagen del amor como una experiencia intensa y casi irreal, empleando metáforas que elevan la relación a un plano emocional superior. Frases recurrentes refuerzan la idea de un vínculo puro y estable, convirtiendo al tema en un himno para quienes asocian el amor con la felicidad y plenitud.

En lo musical, combina ritmos tropicales con una base de pop, lo que le facilitó su expansión en el mercado. Su estructura y composición con un tono alegre, han contribuido a su permanencia en el tiempo, consolidándose como una de las canciones más recordadas del género en la última década.

Bailando por ahí (2012)

El tema musical aborda una historia donde un hombre se encuentra con un amor del pasado en medio de un ambiente festivo donde el baile y la música contrastan con la nostalgia de lo que ya finalizó.

Denominada como uno de los mayores éxitos de Juan Magán, esta canción juega con la dualidad entre la celebración y la melancolía. La protagonista disfruta de su presente, pero su felicidad no es plena ya que revive recuerdos y emociones generando una tensión emocional que conecta con experiencias comunes del amor.

Musicalmente este tema musical combina bases electrónicas, con ritmos tropicales como el merengue. Su éxito radica en la fusión entre la emoción y la fiesta, que la convirtió en un himno de discoteca y la mantiene vigente dentro del repertorio latino.

Libros que se leen con el volumen al tope: 5 títulos sobre música

Leer más

Capaz (2024)

Con esta canción, el dúo venezolano Alleh y Yorghaki logró posicionarse en el radar musical impulsando el regreso del merenguetón en las plataformas digitales. La letra describe la incertidumbre de una relación que recién comienza marcada por dudas, emociones intensas y la inmediatez de los vínculos actuales.

La repetición de su coro refuerza la espontaneidad, conectando con una generación que vive el amor desde lo inmediato y lo emocional.

Este éxito del conocido dúo venezonalo, mezcla el ritmo acelerado del merengue con bases urbanas contemporáneas, creando un sonido movido y fácilmente viralizable. Su éxito en redes sociales especialmente en TikTok, consolidó su impacto y lo convirtió en uno de los hits más representativos del género en la actualidad.

Mi Dios Quiera (2025)

Posicionando a Eiden LP como una de las nuevas figuras del merenguetón, el tema se enfoca en la construcción de un futuro en pareja, abordando temas de estabilidad, amor y aspiraciones compartidas.

Su narrativa conecta con una visión más romántica dentro del género. Su coro logró viralizarse en redes sociales, reforzando esa idea de cercanía emocional y conexión directa con el público. Mi Dios Quiera, combina los ritmos tropicales con bases urbanas, su gran acogida muestra la vigencia del merenguetón en el panorama musical.

Ponme en tu boca (2025)

Es una colaboración entre los venezolanos Jerry Di, Danny Ocean y Corina Smith, que gira en torno al deseo, conexión emocional y la atracción física, utilizando metáforas tropicales para construir una narrativa veraniega. Su letra busca transmitir cercanía y complicidad.

La producción de esta canción combina los elementos urbanos con una base merenguera destacada, pensada para espacios festivos y temporadas como el verano. El tema refuerza el posicionamiento de la nueva generación de artistas venezolanos en la escena global.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

Música de los 80, un viaje que conecta generaciones

El espacio se presenta como una experiencia sonora que trasciende el tiempo. A través de una cuidada selección musical, el comunicador revive los grandes éxitos que definieron los años 80, acompañados de anécdotas y recuerdos que mantienen viva la memoria colectiva.

Desde el pop hasta el rock, pasando por la balada y el new wave, cada emisión construye un recorrido que apela tanto a la nostalgia como al descubrimiento de nuevas audiencias. Es un espacio pensado para quienes vivieron esa década y para quienes hoy desean redescubrirla.

Clásicos inolvidables y artistas icónicos

En Me quedé en los 80, los oyentes podrán disfrutar de canciones que hicieron historia. Bandas y artistas como Mecano, Soda Stereo, Hombres G e Ilegales se integran con referentes internacionales como Duran Duran, Culture Club, Depeche Mode y Pointer Sisters.

Muere Jorge Martínez, líder de Ilegales y referente del punk-rock español

Leer más

A esta selección se suman voces imprescindibles como Madonna, Michael Jackson, Cyndi Lauper, Prince y Laura Branigan, para finalmente configurar una propuesta musical diversa que refleja la riqueza y el dinamismo de la época.

Nostalgia, entretenimiento y farándula

Adem´ás, el programa incorpora contenidos de farándula local e internacional.  La idea es aportar un enfoque dinámico que combine información y entretenimiento. 

Con esta propuesta, Santiago San Miguel reafirma su vínculo con la audiencia y apuesta por un formato que celebra la nostalgia sin perder vigencia. “Hay épocas que no se olvidan, se escuchan”, resume el espíritu de un programa que regresa para quedarse.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ! 

Shakira planea construir su propio estadio para cerrar su gira en España

Leer más

Un regreso lleno de emoción

Antes de convertirse en una estrella global, Hassan Emilio Kabande, nombre real del artista, fue un estudiante más en la Samuel Clemens High School, una escuela secundaria ubicada en zona metropolitana de San Antonio. 

El pasado viernes, regresó a dicha institución, pero ahora como un referente de la música global, generando una recibimiento cargado de emoción por parte de estudiantes y docentes.

Durante su visita, el cantante y compositor mexicano recorrió los pasillos de su antigua escuela y se reencontró con profesores quienes recalcaron que para ellos el artista seguirá siendo un Buff, apodo de los estudiantes de la escuela. El momento más emotivo fue cuando ingresó al auditorio, donde cientos de jóvenes lo esperaban con gritos y algarabía.

Un mensaje que conectó con los estudiantes

En medio del entusiasmo, el cantante tomó el micrófono y compartió un discurso enfatizando sus inicios y recordando que alguna vez estuvo en el mismo lugar que los estudiantes que lo escuchaban.

Además, convivió con el mariachi escolar durante casi una hora, brindando consejos musicales y motivando a los jóvenes a seguir sus sueños, destacando la importancia de mantener sus raíces culturales.

Un reconocimiento histórico en San Antonio

El homenaje continuó con una ceremonia oficial encabezada por autoridades locales, quienes le entregaron la llave de la ciudad y proclamaron el 3 de abril como el “Día de Peso Pluma”. Según destacaron, el artista ha logrado convertirse en un puente cultural, conectando a las nuevas generaciones con sus raíces mexicanas a través de los corridos tumbados.

La celebración culminó en el Frost Bank Center con un concierto especial que reunió a miles de fans. Uno de los momentos más destacados fue la aparición del cantante mexicano Pepe Aguilar, quien subió al escenario como invitado sorpresa.

Un artista en la cima de su carrera

Este reconocimiento llega en un momento clave para Peso Pluma, quien continúa consolidándose como una de las figuras más influyentes del género regional mexicano.

Con giras exitosas como el tour Dinastía by Peso Pluma & Friends y posicionamientos destacados en listas internacionales, el artista que con su último álbum alcanzó el primer lugar del Top Latin Albums de Billboard, sigue expandiendo su impacto a nivel global, mientras mantiene un fuerte vínculo con sus raíces.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

También de explicar cómo se retroalimenta la música con otras artes, dejar testimonio de la importancia que tiene en la vida de sus devotos o simplemente compartir todo aquello que nos genera escuchar una buena canción como si se tratara de una revelación divina.

Hoy EXPRESIONES le recomienda cinco libros sobre música, cuyos autores han recurrido a diferentes vertientes en su afán de acercarse a ella: la reseña histórica, el ensayo, el reportaje, la crónica e incluso la poesía o la ilustración.  

Brutalismos: Enciclopedia de músicas secretas y vandalismo pop (Vol. 1)  

Nos sacamos el sombrero ante el libro Brutalismos: Enciclopedia de músicas secretas y vandalismo pop (Vol. 1) de Editorial La Felguera, de España, lanzada en febrero de este año, que combina el espíritu del fanzine con la rigurosidad de la crónica periodística.

Editado por David Bizarro y Servando Rocha, en sus más de 360 páginas este volumen 1 recopila artículos de la revista y sitio web Agente Provocador, además de escritos que aparecieron en el diario El País y las revistas Triunfo y Destino, de ambos autores y otros colaboradores que firman con alias como Doctor Peligro, Eureka o Lady X (Valentina Blum).

En este caso, el término pop es considerado en su espectro más amplio, es decir con el significado de música popular, así que explora por igual géneros disímiles como rock and roll, salsa, jazz, balada, heavy metal, hardcore o punk, con historias que resultan interesantes no solo a los melómanos.

A modo de ejemplo podemos mencionar el texto autoría de Eduardo Bravo sobre la banda de jazz y swing Charlie and His Orchestra, creada por el Ministerio de Propaganda nazi dirigido por Joseph Goebbels durante la Segunda Guerra Mundial, quien pese a criticar estos estilos musicales, aprovechó su popularidad para hacer propaganda pro Alemania y contra los aliados.

Brutalismos incluye también un extenso archivo gráfico. Y la portada es obra del artista madrileño Mario Rivière, creador de cómics y quien ha realizado ilustraciones para otros libros y también discos de artistas como Malena & Belcebú, Sugus o La Bien Querida.

Días de Pescado: Spinetta, la psicodelia y el rock pesado

Con 21 años de trabajo a cuestas, Gourmet Musical Ediciones, de Argentina, es una editorial especializada en libros dedicados a la cultura musical, con 120 títulos lanzados hasta el momento

Una de sus obras más recientes es Días de Pescado: Spinetta, la psicodelia y el rock pesado, que lanzó en enero de este 2026 y que explora el periodo del músico argentino Luis Alberto Spinetta con su agrupación Pescado Rabioso, que integró con David Lebón, Black Amaya y Carlos Cutaia.

De todos las bandas que formó, es una de las más breves (de 1971 a 1973), pero una de las más significativas no solo de su carrera sino del rock argentino.

El libro fue escrito por el bonaerense Nicolás Igarzábal, licenciado en periodismo, docente, corrector y productor, quien se basó en testimonios del entorno de Spinetta, músicos y allegados, documentado con fotografías hasta ahora inéditas, entrevistas y diarios de aquellos años.

Siempre bajo la meticulosidad y cuidado de Leandro Donozo, editor y fundador de Gourmet Ediciones y responsable de su mística.

Yana Anta

Ojito con lo que está haciendo Cuerpo de Voces, editorial de Manta fundada por Alexis Cuzme, que después de publicar Hijos bastardos de la modernidad de Freddy Plazarte a inicios de 2025, meses después apostó por otra investigación de enfoque académico sobre la música extrema, el libro Yana Anta: Hibridaciones sonoras entre la cosmovisión andina y el metal pagano en el Ecuador, de Viviana Herrera Ayala.

Ella es licenciada en Comunicación Social y magíster de Investigación en Estudios de la Cultura, mención en Artes y Estudios Visuales. Fundadora del programa de radio online Ikuychukuna Ukupacha.

Vamos pal perreo

Publicado en 2020, Vamos pal perreo: historias, argüendes, poemas y dibujos sobre reguetón recopila ensayos, relatos, ilustraciones, puntos de vista y poesías acerca de este estilo. Incluye el trabajo de más de veinte escritores y nueve dibujantes, provenientes de México, Cuba, Chile, Colombia, Perú y Puerto Rico.

La edición estuvo a cargo de Patricia Salinas y Juan Pablo Ruiz Núñez, y la obra fue lanzada por Editorial Fruta Bomba, de Oaxaca, México.

Se trata de una reivindicación en toda regla, abordando los mitos, orígenes y posibilidades del reguetón como forma de expresión social, cultural e incluso política, analizando todo lo que puede explicar sobre nuestros cuerpos, nuestro lenguaje, la formas de relacionarnos con otros, el amor y el deseo.

Además de recomendar en sus páginas un montón de nombres de artistas y canciones para escuchar y bailar, por supuesto.

Y tratándose de un género acusado de machista y sexista, destaca el hecho de que muchos de estos textos han sido escritos por mujeres, que reivindican su derecho a mover su cuerpo cómo y con quien ellas quieran.

Porque como sostiene Patricia Salinas en su ensayo Más zorras que los cazadores: “Las narrativas del reguetón alejan al sexo del dramatismo solemne y culposo en el que ha estado sumido durante tanto tiempo, y lo acercan a la eufórica elocuencia de la broma (...) para narrar las travesuras de la calentura, de modo que el sexo se va pareciendo más a la alegre potencia del baile que a la oscuridad del sufrimiento o la obligación”.

Curiosidades del mundo del rock

La española Diábolo Ediciones, de los editores Pilar Lumbreras y Lorenzo Pascual, acaba de relanzar esta belleza del dibujante y músico vasco Mauro Entrialgo.

La obra salió a la calle por vez primera en 2003, por la editorial Ponent, de Valencia, a cargo de Paco Camarasa (+). Compila dibujos que desde mediados de los noventa Mauro publicó en revistas y fanzines.

Usa el formato de pasatiempo, con ‘actividades por resolver’, que son el pretexto para mostrar sus puntos de vista, chistes, información y reflexiones sobre los hábitos de la fauna rockera y sus diferentes tribus. No con la visión de un recién llegado o un extranjero, sino como alguien que conoce ese mundillo desde dentro.

En la contraportada, aparecen frases de músicos españoles como Rosendo Mercado, Jorge Explosión (de Doctor Explosión), Silvia Superstar (de Killer Barbies) o esta del mismísimo Miguel Ríos: “Curiosidades del mundo del rock será una de las cinco cosas que me llevaré al geriátrico”.

Mauro Entrialgo, además de su faceta como músico con sus bandas Fat Esteban, Esteban Light o Tyrexitone, también ha escrito para teatro, televisión y cine. Y a fines de 2024 lanzó el ensayo Malismo. La ostentación del mal como propaganda (editorial Capitán Swing).

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

El anuncio fue realizado a través de la cuenta oficial de Anitta, donde confirmó la participación de la artista colombiana en el track número XIII (13) del proyecto. En la publicación, la cantante escribió: “No tienen idea lo feliz que estoy de anunciar esta colaboración de mi álbum EQUILIBRIVM”.

Dicapo abrirá a Ed Sheeran en Quito y será Danny Zuko en Grease: "Estoy en shock"

Leer más

El tema ‘Choka Choka’ ya tiene fecha de estreno

La canción ‘Choka Choka’ será lanzada el 9 de abril, días antes de la salida completa del álbum. En el mismo mensaje, Anitta indicó lo feliz que estaba de lograr esta colaboración.

El tema forma parte de la lista oficial del disco, que incluye 15 canciones. El proyecto está dividido en dos partes, con temas en portugués y en otros idiomas.

‘EQUILIBRIVM’, el nuevo álbum de Anitta

El álbum EQUILIBRIVM es el octavo trabajo de estudio de Anitta. El proyecto contempla canciones en portugués, español e inglés. Entre los sencillos ya publicados se encuentra ‘Pinterest’, lanzado el 6 de marzo.

La colaboración con Shakira se suma a la estrategia de Anitta para posicionar su música en distintos mercados. El lanzamiento del álbum está programado para el 16 de abril.

La relación entre Shakira y Anitta

El anuncio de la colaboración se da en un contexto de cercanía entre ambas artistas. En una entrevista previa, Anitta se refirió a su vínculo con Shakira y señaló: “La quiero mucho. Estaba súper feliz por ella. Creo que se lo merece todo”.

La cantante también explicó cómo comparten tiempo fuera del ámbito musical. “Nos gusta cuidarnos y cuando estamos juntas hacemos tratamientos para la piel, para el alma, para el cuerpo. Hacemos algunos cuidados de bienestar sólo para sentirnos bien”, indicó.

En ese mismo espacio, agregó: “Soy una persona muy espiritual. Me gusta meditar. Me gusta hacer yoga y cosas que me ayuden a mirar hacia dentro. Creo que eso es lo que nos gusta hacer cuando estamos juntas”.

De La Ghetto: “Gracias a la piratería, nuestra música cruzó fronteras”

Leer más

Expectativa por ‘Choka Choka’

La colaboración entre ambas artistas fue confirmada tras la publicación del tracklist oficial del disco. El tema ‘Choka Choka’ aparece como una de las canciones centrales del proyecto. Shakira da un pasó más en el mercado portugués en la que sería su primer tema oficial en ese idioma. 

Cabe recordar que Shakira ofrecerá un concierto histórico y gratuito el 2 de mayo de 2026 en la playa de Copacabana, Río de Janeiro, dentro del evento 'Todo Mundo no Rio'. Este masivo espectáculo forma parte de su exitosa gira 'Las Mujeres Ya No Lloran World Tour' y se espera que supere el millón de asistentes, siguiendo la tradición de artistas como Madonna.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

Se trata de los fines de semana del 10 al 12 y del 17 al 19 de abril, cuando el Empire Polo Club de Indio se convertirá en el escenario donde convergen la música, la moda y las nuevas narrativas estéticas. Allí también van a convivir la nostalgia de los íconos indie con el dominio absoluto del pop global y la electrónica inmersiva. El lineup 2026 cruza géneros y generaciones, y Coachella promete anticipar el futuro de la industria.

Justin Bieber: El renacimiento de un ícono en el desierto

Si hay un nombre que acapara todas las conversaciones, es el de Justin Bieber. Luego de un periodo de considerable silencio mediático y apariciones esporádicas que han dejado a sus fans con ganas de más, el canadiense regresa por la puerta grande como cabeza de cartel. 

Grammys 2026: Justin Bieber interpreta ‘Yukon’ en calzoncillos durante la gala

Leer más

Ahora todos sienten que el pasado show sorpresa en Los Ángeles, el 29 de marzo en The Roxy Theatre, fue un aperitivo de lo que se verá en el desierto: una propuesta que transita entre la intimidad de su nueva etapa artística y el despliegue técnico de un espectáculo de gran formato. 

Karol G y el poderío latino en el escenario principal

Coachella 2026 marca un punto de inflexión histórico con la presencia de la colombiana Karol G. La Bichota se consolida como una de las grandes protagonistas, y su presencia demuestra que el reguetón y el pop latino llegaron para quedarse y que, hoy por hoy, son el eje central de la industria musical global. 

Su actuación es una de las más esperadas. Sus fanáticos esperan cantar junto a ella sus éxitos más pegajosos e incluirla así en una demostración de que la música es cada vez más diversa y multicultural. Se espera que su show sea uno de los más multitudinarios y emocionales.

Sabrina Carpenter y la consagración de la nueva reina del pop

De promesa emergente a headliner indiscutible. Esa es Sabrina Carpenter, quien llega al Empire Polo Club en el punto más alto de su carrera. Luego de una racha de hits bastante interesante que han dominado las listas de reproducción globales, su presencia en la parte alta del cartel parecía ndiscutible. 

Su estatus actual de superestrella. Coachella termina por consagrarla y su participación se convierte en una suerte de rito de iniciación definitivo hacia el olimpo del pop. El público, por su parte, estará dispuesto a aplaudir con fuerza la energía y estética de la estadounidense que terminará explotando en las redes sociales durante todo el mes de abril.

The Strokes: El regreso de la esencia indie rock

También hay espacio para los puristas y amantes del rock alternativo. El regreso de The Strokes es el gran reclamo de esta edición. Los íconos de los años 2000 vuelven al festival para apelar a ese ADN indie que vio nacer a Coachella. 

Música independiente: 6 discos recomendados de Ecuador y México para ponerte al día

Leer más

Pero más allá de la nostalgia, los organizadores y la banda garantizan un importante cruce generacional, y se pondran frente a nombres como The xx, Interpol, David Byrne e Iggy Pop, una grilla que, este año, ponen el peso específico al rock y la vanguardia alternativa en la cultura contemporánea.

Anyma y Æden: La frontera tecnológica de la música electrónica

El cierre de esta selección lleva el nombre de Anyma con su proyecto Æden. Este show audiovisual apunta a ser el más ambicioso del cartel que va más allá de un extraordinario set de música electrónica. 

Con ellos no todo está dicho y su presentación despierta una gran expectativa. De lo que se sabe, ellos proponen una experiencia sensorial inmersiva que utiliza tecnología de última generación.

La idea es redefinir lo que suele entenderse como un espectáculo en vivo, junto a leyendas como Armin van Buuren, DJ Snake y Fatboy Slim.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

El anuncio llegó tras varios meses de reserva. “Recibí la noticia por parte de mi hermano, realmente se habían comunicado con nosotros en el mes de enero, pero no dijimos nada ni a nuestras familias”, contó. Su hermano, quien también es su manager, le pidió mantener el silencio hasta tener la confirmación oficial.

La confirmación final llegó mientras trabajaba en el estudio. “Estaba grabando un demo, estaba en el estudio con Jaime Velázquez y Eddie Chiang me llama a confirmarme que ya estábamos dentro y la verdad lo recibí con mucha alegría… me quedé en shock”, relató. Días después, el impacto continuó. “Al escuchar ‘Lego House’ manejando me quebré, dije: ‘No, no es posible’”.

Preparación para el show en Quito

Dicapo adelantó que su presentación tendrá una duración aproximada de 45 minutos. “La banda sabe el repertorio, tenemos un set de 45 minutos que podemos pulir mucho más”, explicó. También evalúa incluir material inédito. “Voy a ver todavía si pongo una canción nueva para ese set”.

Sobre el enfoque del show, señaló que buscará un formato cercano. “Pienso que en algo que pueda mostrar el acompañamiento de la banda y que pueda demostrar la energía que estoy buscando con 'Este soy yo', un aspecto mucho más íntimo y cercano”.

Entre la paternidad y la terapia: Dicapo canta su proceso en ‘Este soy yo’

Leer más

Primer tour como solista y proyección internacional

El artista confirmó fechas de su primera gira individual en Ecuador. “Las que están Santo Domingo, el 16, el 18 de abril en Quito y el 25 en Cuenca, esperando tener una segunda etapa después del mes de julio ya más por la costa ecuatoriana”.

Además, trabaja en la expansión de su proyecto fuera del país. “Estamos en un plan de internacionalización junto a mi equipo y a mi distribuidora que vamos a aplicarlo, vamos a poder comunicar ciertas colaboraciones pronto y la meta es llegar o hacer conocer el proyecto mucho más afuera. Colombia, México, España”.

Expreso Playlist: El repaso de la música ecuatoriana en 2025

Leer más

Su papel en Grease

En paralelo, Dicapo forma parte del elenco de Grease, donde interpretará a Danny Zuko. “Los ensayos ya empezaron, están increíbles”, dijo. Sobre el rol, añadió: “Me tiene muy contento porque es un sueño protagonizar una obra tan importante y un personaje como el de Danny”.

El artista también hizo referencia a una coincidencia con su propio repertorio. “Es irónico por mi parte, teniendo la canción que se llama ‘Travolta’”.

La participación de Dicapo en el concierto de Ed Sheeran en Quito marca un nuevo paso en su carrera, en un contexto en el que el cantante británico presenta su álbum Play en la región.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

Saratoga, surgida en Madrid en 1992, forma parte de esta tradición, lo que no significa que su música se haya quedado estancada en la nostalgia.

La agrupación está viviendo un momento especialmente dulce, pues este mes verá la luz su nuevo disco, En estado puro, ocho años después de Aeternus (2018), su último trabajo en estudio. Aunque durante este tiempo se han mantenido en constante actividad, pues lanzaron dos álbumes en vivo, además de XXX (2021), con regrabaciones de sus temas más conocidos.

Charlie Parra del Riego: “Continuaré hasta que el cuerpo aguante”

Leer más

Este 24 de abril sale a la calle el disco y al día siguiente Saratoga inicia la gira de promoción en Murcia, en su natal España, que incluye fechas en América Latina, específicamente en Colombia, Ecuador (ver nota adjunta), Argentina, Chile y Perú.

En estado puro, que tendrá diez canciones, fue grabado en Madrid en los estudios New Life, bajo la batuta de José Garrido y Daniel Sabugal. Saldrá en formato vinilo y disco compacto (CD), por el sello español Maldito Records.

“En un CD entra muchísima música, pero un vinilo tiene un minutaje determinado. Ya nos había pasado en otros discos que en la versión de vinilo teníamos que quitar dos temas, lo cual es una pena. Entonces hicimos un disco redondo con diez canciones para que encaje perfecto en el vinilo”, le explicó el vocalista Tete Novoa al medio ecuatoriano Headbangers acerca de la elección del número de tracks.

Ya han publicado dos adelantos: los singles Inteligencia artificial y A toda velocidad.

En cuanto al primero, Tete comentó: “Es una canción con una temática muy actual. En la industria musical está cambiando a pasos agigantados la forma de composición y producción. A veces parece que el ser humano evoluciona, pero muchas veces parece que ese avance significa cinco pasos atrás, porque cada vez nos hacemos más perezosos. Cada vez más hacemos a un lado la creatividad humana, el arte, y dejamos que las máquinas nos faciliten la vida, pero creo que eso es una involución”.

Acerca del segundo sencillo, A toda velocidad, es un tema compuesto por su nuevo integrante, el peruano Charlie Parra del Riego, quien ya había tocado con Saratoga en sus conciertos en tierras americanas, pero ahora se mudó a España para unirse a la agrupación.

Este segundo sencillo “es un hostiazo en la cara, súper heavy, muy cañero, con unas guitarras muy potentes. Este es el primer disco que Charlie Parra del Riego graba con Saratoga como compositor y se ha adaptado perfectamente. Él es camaleónico y ha compuesto temas que suenan a Saratoga de toda la vida”.

A toda velocidad tiene su respectivo videoclip, rodado íntegramente en Ciudad de México, donde estuvieron tocando con Ángeles del Infierno. El audiovisual incluye imágenes de ese show en vivo, backstage y la efervescencia del público.

Para los conciertos de la gira de promoción de En estado puro, la banda ha previsto dividir el show en tres bloques. “Vamos a rescatar grandes joyas olvidadas, porque hay un montón de canciones de la discografía de Saratoga que no se han tocado casi nunca o nunca en directo. Luego, los temas que más estén funcionando del disco. Y tendremos una última parte de grandes éxitos”, detalló Tete.

En Saratoga destaca su visión empresarial, lo que incluye una detallada planificación de las giras y el tipo de promoción por ejecutar. “Tuvimos varias reuniones para elegir estratégicamente los singles. El sello trabaja con empresas digitales, porque ahora tienes que atacar sobre todo ese mercado y tienen unas acciones muy potentes. Haremos la presentación para medios y una preescucha para fans”, concluyó el vocalista.

Tete también forma parte de 'WAH Show'

Tete lleva cuatro años trabajando en el WAH Show, en Madrid, una experiencia multisensorial con la participación de más de 40 artistas, que va por su quinta temporada. El espectáculo cuenta con tecnología de punta, sonido envolvente 360º y pantalla led de 240 m².

“Es un show difícil de explicar. Siempre digo lo mismo: WAH hay que vivirlo porque es una experiencia que fusiona gastronomía, artes escénicas, ocio nocturno”, comenta Tete.

WAH comprende tres actos. En el primero el protagonista es la gastronomía e incluye magos, acróbatas y demás artes escénicas. El segundo acto es musical, con fusión de estilos como flamenco, rock ópera o música clásica. Y cierra en plan discoteca, con DJ, sets en vivo y cocteles.

Conciertos de Saratoga en Ecuador 

Saratoga se presentará en Quito el sábado 30 de mayo, en la Plaza de Toros, junto a Obús (foto) y Kabrones (ambas de España), y las cuencanas Basca y Bajo Sueños, en el concierto llamado La Noche del Rock 2.

Boletos: $30 en general, $40 en preferencia, $50 en contra barrera, $75 en arena vip y $85 sillas rock box (precios no incluye en valor del servicio).

Y el domingo 31, Saratoga tocará en la ciudad de Atuntaqui, provincia de Imbabura, con Obús, Basca y otros nombres por confirmar. 

Kabrones (o cómo hacer enojar a tu exbanda)

En el concierto La Noche del Rock 2 genera expectativa la presentación del grupo español Kabrones, formado por exintegrantes de Mago de Oz: el cantante José Andrea (nacido en La Paz, Bolivia); los guitarristas Frank Gómez y Carlitos Marín; además del bajista Salva Rogelio García.

Ellos grabaron los discos más conocidos de Mago de Oz, al punto de que muchos siguen asociando a la banda con la voz de José Andrea, lo que demuestra que los fans suelen aferrarse a determinados momentos y canciones de sus grupos favoritos.

El repertorio de Kabrones está formado, precisamente, por los grandes hits de su exbanda.

Inicialmente decidieron llamarse Los Mago, pero por líos legales con el baterista Txus di Fellatio, fundador de Mago de Oz, tuvieron que cambiarlo.

Los problemas con Txus datan desde 2018, cuando este decidió registrar la marca Mago de Oz a su nombre, sin consultar con el resto de integrantes, lo cual fue considerado una puñalada por la espalda por sus compañeros, quienes argumentaron que Txus se adueñó de un proyecto que nació de forma colectiva.

José Andrea estuvo en Mago de Oz hasta 2011 y a pesar de que en su momento salió en buenos términos, la relación con Txus se ha deteriorado con los años.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

Programado para el 12 de junio de 2026, el disco marca un giro notable en la identidad visual y conceptual de la artista. Se trata de su primer álbum que rompe con la tradición de títulos breves como SOUR y GUTS, además de ser el primero en adoptar el rosa como color central. El lanzamiento también representa su regreso formal a los LPs desde 2024, cuando presentó GUTS (Spilled), consolidando así una nueva etapa en su evolución musical.

¿Qué se sabe del álbum hasta ahora?

You seem pretty sad for a girl so in love estará compuesto por 13 canciones, cuyos títulos aún no han sido revelados. A pesar de ello, el disco ya se encuentra disponible para preguardar en plataformas de streaming, así como en formatos físicos que incluyen vinilos, CDs y casetes, una estrategia que refuerza su alcance tanto digital como coleccionable.

En cuanto a su estética, la portada muestra a Rodrigo con un vestido rosa y tacones negros, riendo boca abajo en un columpio, una imagen que mantiene su sello agridulce.

A nivel sonoro, la artista ha adelantado que el proyecto se alejará de las raíces más marcadas del pop punk presentes en trabajos anteriores, apostando por una propuesta más melancólica, onírica y cercana a lo cinematográfico.

Fashion Is Art: así será la temática oficial de la Met Gala 2026

Leer más

"Por mucho que me esfuerce en escribir canciones de amor, siempre acaban teñidas de un toque de melancolía", ha señalado la cantante sobre el proceso creativo del álbum, en el que también reconoce la influencia de Lana Del Rey como una referencia clave en esta nueva dirección artística.

Sobre las expectativas y reacciones

El anuncio ha generado una respuesta inmediata en redes sociales, donde el fandom ha interpretado el cambio de estética y el título extendido como señales de una etapa más madura y narrativa en la carrera de Rodrigo. La expectativa también se ha visto alimentada por su reciente presentación en Glastonbury, donde compartió escenario con Robert Smith, reforzando la idea de una exploración sonora más alternativa.

Figuras del entorno pop también han reaccionado al anuncio, mostrando su apoyo al nuevo proyecto. Entre ellas destacan Addison Rae, Conan Gray y Joe Locke, quienes han celebrado públicamente el inicio de esta nueva era.

Con un lanzamiento aún sin sencillo principal, You seem pretty sad for a girl so in love ya se perfila como uno de los discos más comentados del año, impulsado por una narrativa estética clara y una evolución artística que mantiene en expectativa tanto a fans como a la industria.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

Niños en zonas de guerra filman video benéfico de Olivia Rodrigo: 'The Book of Love'

Leer más

Un nuevo álbum con fecha confirmada

El disco, que será el tercero en su carrera, llegará el próximo 12 de junio y contará con 13 canciones que prometen explorar nuevas emociones dentro de su característico estilo.

La actriz y cantautora estadounidense confirmó la noticia en sus redes sociales, donde también compartió la portada del álbum, en la que aparece columpiándose, reforzando la nueva estética visual.

Una nueva narrativa

Según ha adelantado la cantante, este álbum estará marcado por “canciones de amor tristes”, una mezcla de romance, miedo y nostalgia que refleja una evolución en su forma de escribir.

Este enfoque conecta con la esencia emocional que la ha caracterizado, pero ahora desde una perspectiva más madura.

El fin de una etapa púrpura

Tras el éxito de Sour y Guts, dominados por el color púrpura, todo apunta a un cambio radical en su identidad visual. Pistas como murales en Los Ángeles, cambios en su web y apariciones públicas con tonos rosados confirmaron el inicio de esta nueva etapa.

Un equipo que se mantiene

Para este nuevo proyecto musical, la artista vuelve a trabajar con productor discográfico estadounidense Dan Nigro, el productor detrás de sus anteriores éxitos.

Esta colaboración asegura continuidad en su sonido, pero también abre la puerta a una evolución musical que podría sorprender a sus fans.

Uno de los estrenos más esperadas del pop

Con este anuncio, la intérprete de Drivers License inicia oficialmente una nueva etapa que ya está dando de qué hablar. Todo indica que este álbum será un punto clave en la evolución artística de la cantante.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

Las tres canciones de Katseye para entender su concepto

‘Gabriela (Remix)’ ft. Young Miko

El remix de ‘Gabriela’ plantea un cruce entre el pop global de Katseye y la identidad urbana de Young Miko. La participación de la artista introduce un verso en español que no solo amplía el alcance del tema, sino que también modifica su enfoque hacia códigos más cercanos al reguetón y a una narrativa más directa.

‘Gnarly’

Con ‘Gnarly’, Katseye refuerza su perfil dentro del pop digital contemporáneo. La canción se sostiene en un beat electrónico con referencias al hyperpop, donde la actitud de las integrantes se centra en la autoafirmación y en una estética ligada a la cultura pop estadounidense.

Sabrina Carpenter enciende las redes con el adelanto del videoclip de 'House Tour'

Leer más

‘Touch’

‘Touch’ muestra un cambio en la propuesta del grupo. A diferencia de sus temas más enérgicos, esta canción se construye sobre una base pop más introspectiva. La producción, a cargo de Blake Slatkin, Cashmere Cat y Omer Fedi, acompaña una narrativa centrada en emociones vinculadas al amor, la pérdida y la reafirmación personal.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

El comeback llega en un momento clave para el grupo, a pocos días de su participación en Coachella, donde se presentarán los días 10 y 17 de abril. En este contexto, el lanzamiento no solo introduce una nueva fase estética y sonora, sino que también funciona como carta de presentación ante una de las audiencias más influyentes de la industria musical actual.

Este es el calendario de lanzamiento

La campaña de Pinky Up arrancará oficialmente el 2 de abril con el primer teaser del video musical, marcando el inicio de una estrategia promocional escalonada que combina adelantos audiovisuales con sesiones fotográficas conceptuales. Desde el 31 de marzo, el grupo ha desplegado un calendario que incluye múltiples teasers y 'photo looks' hasta el día del estreno.

Manon de Katseye niega estar enferma tras pausa anunciada por HYBE

Leer más

El concepto gira en torno a una estética de 'tea party', abordada desde un enfoque estilizado y contemporáneo. Entre las referencias visuales más llamativas destaca una reinterpretación de la Mona Lisa, representada levantando el dedo meñique mientras sostiene una taza de té, en sintonía con el título del sencillo.

El cronograma promocional incluye el lanzamiento de tres teasers del video musical (2, 6 y 8 de abril), acompañados de distintas publicaciones de fotografías conceptuales (3, 7, 8 y 9 de abril). El estreno oficial del sencillo y su videoclip está programado para el 9 de abril a las 11:00 a.m. (hora de Ecuador), seguido por una última publicación visual ese mismo día.

En paralelo, la campaña ha estado acompañada por una creciente conversación en redes sociales, impulsada tanto por la expectativa del público como por posibles filtraciones y adelantos sugeridos por las propias integrantes de KATSEYE. A través de transmisiones en vivo y entrevistas recientes, el grupo ha dejado entrever detalles del concepto y fragmentos del tema, lo que ha alimentado teorías entre fans sobre la narrativa visual y el sonido de Pinky Up.

Contexto del grupo

Pinky Up marca el segundo lanzamiento del año para KATSEYE, tras el estreno de Internet Girl en enero, y se presenta como un paso más en su consolidación dentro del circuito global. El grupo ha mantenido una presencia activa en escenarios internacionales, incluyendo presentaciones en festivales como Lollapalooza, lo que ha contribuido a expandir su alcance más allá del público tradicional del K-pop.

Hasta el momento, KATSEYE cuenta con dos EPs en su discografía, siendo Beautiful Chaos su lanzamiento más reciente, un proyecto que reforzó su identidad sonora y estética dentro del pop global. En esa línea, Pinky Up se posiciona como una continuación de esa evolución artística, ahora en formato de sencillo.

Lollapaloza 2026: cinco mujeres que deslumbraron en Chile y Argentina

Leer más

El sencillo también llega en medio de la expectativa por la situación de Manon, quien se encuentra en pausa desde febrero por motivos de salud (según HYBE). Aunque no se ha confirmado oficialmente su participación en el video musical ni en las próximas presentaciones en vivo, existen indicios de que habría grabado partes del tema antes de su descanso.

En términos de trayectoria, el lanzamiento se enmarca en un periodo de crecimiento sostenido para el grupo, que recientemente obtuvo nominaciones a los premios Grammy en las categorías de Mejor Nuevo Artista y Mejor Interpretación Pop de Dúo/Grupo.

Así, Pinky Up no solo funciona como un nuevo sencillo, sino como una pieza clave dentro de una etapa decisiva en la evolución artística y mediática de KATSEYE.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

¿Qué implicó pausar sus carreras?

El álbum marca un punto de encuentro entre dos carreras individuales que decidieron detener su ritmo para trabajar como un dúo, en una forma de honrar a la cercanía y familiaridad que han conseguido entre estos años de trabajo. “Hay que parar nuestras carreras y vivirnos el proyecto como si fuéramos un grupo”, explican. Esa decisión implicó pausar giras, reorganizar agendas y asumir una dinámica distinta, en la que la hermandad se convierte en el eje creativo. El resultado es un trabajo que busca transmitir esa conexión de manera directa al público.

Ese vínculo también se traslada a la forma en que conciben su relación con los fans. Durante su paso por Ecuador, los artistas cumplen con compromisos promocionales, pero también impulsan experiencias como encuentros cercanos y dinámicas pensadas desde lo personal.

Nadie fue invisible para Milo J: Así cerró su tour 'La vida era más corta' en Ecuador

Leer más

“Decidimos visitar países que nos han dado apoyo durante años”, señalan, en referencia a una gira que prioriza territorios donde su música ha tenido impacto sostenido.

En ese contexto, Superarte se plantea como algo más que un álbum colaborativo. El concepto central que articula el disco es “mejorar todos los días”, explican, al describir el origen del título. Este trabajo también funciona como una declaración artística, pues combina dos lecturas: por un lado, la música como expresión elevada; por otro, el proceso de superación individual. Esta dualidad refleja el momento que atraviesan Quiles y Tavárez. Lejos de competir, optan por unir sus estilos para construir una narrativa común. “No es sobre reinventarse por tendencia, es mostrarse desde una forma honesta”, señalan sobre un trabajo que busca trascender la lógica de las colaboraciones puntuales.

El concierto de Justin Quiles y Lenny Tavárez en Ecuador

La llegada de Justin Quiles y Lenny Tavárez a Ecuador forma parte de la gira de Superarte, que incluye presentaciones en Guayaquil y Quito. Los conciertos están previstos en el Coliseo Voltaire Paladines Polo y el Coliseo General Rumiñahui 30 de abril y el 2 de mayo de 2026, respectivamente, como parte de un recorrido que materializa en tarima el concepto del álbum.

La entrevista con Justin Quiles y Lenny Tavarez

¿Cómo nace la idea de unir sus carreras en un proyecto conjunto, considerando que no es habitual ver a dos artistas consolidados trabajar de esta manera?

Nosotros venimos compartiendo música y tarima hace básicamente ocho años. Desde que hicimos nuestra primera canción juntos, cada uno ha seguido su carrera, pero los fanáticos hicieron un movimiento que prácticamente nos obligó a juntarnos más. Ahí salió The Academy y empezaron a surgir más canciones donde aparecíamos juntos. Tuvimos la oportunidad de hacer proyectos con los Avengers, como nos llaman los fans, pero nunca habíamos podido hacer una gira con tanta música en la calle porque no somos un grupo. Hace como cuatro años, nuestra relación personal creció mucho más, nuestras familias se unieron, la amistad subió, y ahí le presenté la idea a Justin de culminar esa era de colaboraciones con un álbum que se llamara Superarte. De ahí nace todo.

¿Consideran que este proyecto cierra una etapa o más bien abre la posibilidad de volver a unirse en el futuro?

Yo creo que sí puede abrir una etapa, pero no sé si necesariamente hagamos un segundo álbum. Como dice Lenny, somos artistas independientes, él tiene su carrera, yo tengo la mía. Esto toma tiempo, hay que parar todo y enfocarnos en un solo proyecto como si fuéramos un dúo. Nosotros nos vivimos este proyecto al máximo, y por eso está funcionando. Cuando no hay hermandad, la gente lo siente. Nosotros queríamos que se sintiera esa unión real, que la gente vea que somos grandes amigos, además de compañeros de la música.

Al trabajar como dúo, ¿qué han tenido que dejar de sus carreras individuales o de su vida personal?

Por ejemplo, dejamos de girar. Lenny dejó de hacer dinero por un tiempo, yo también. Tuvimos que ponerle un stop a muchas cosas. Son sacrificios personales también: él tiene su familia, yo tengo la mía. Decidimos viajar a países que nos han demostrado amor durante años, como Ecuador, para devolverles ese cariño. Incluso hicimos un karaoke night, que es algo que sale de nuestro bolsillo, no de una disquera. Queremos regalarle a los fans una experiencia única.

¿Qué perciben de los fans en cada país que visitan con esta gira?

Que les hacíamos falta. Que debimos haber hecho esto hace mucho tiempo. La gente está bien involucrada en el proyecto, no solo en Superarte, sino en todo lo que venimos haciendo desde hace seis o siete años. Eso nos confirma que tomamos la decisión correcta de juntarnos. Y cuando decimos cerrar una era es porque no es la primera vez que nos unimos, pero sí la primera vez que lo llevamos completo a la tarima. Si no íbamos a cantar estas canciones en vivo, yo prefería no hacer el álbum.

¿Por qué para ustedes estar juntos significa superación?

Porque en la unión está la fuerza. Superarte nace de todas las adversidades que hemos tenido durante estos años. Cada proyecto tiene que ser mejor que el anterior, tanto en lo personal como en el trabajo. Tenemos que superarnos todos los días, aunque sea un uno por ciento. De ahí salió el nombre.

Expreso Playlist: La Tri tiene nuevo himno con Jombriel

Leer más

El álbum también incluye varias colaboraciones. ¿Cómo lograron reunir a otros artistas dentro del proyecto?

Todo se dio de manera natural. Nada fue forzado, no llamamos a nadie para pedirle que se montara en una canción. Nos encontramos con los artistas, les enseñamos el álbum y ellos mismos decidieron participar. A cada uno le gustó una canción distinta y así fue creciendo el proyecto.

En temas como Las Neas hay una conexión clara con Medellín. ¿Cuál es el papel de Colombia en el reguetón actual?

No creemos que otros países le quiten mérito a Puerto Rico, Puerto Rico es la cuna del género. Siempre ha tenido grandes estrellas y sigue teniendo artistas importantes. Pero Colombia se ha convertido en una segunda casa del reguetón. Es un país muy importante para nosotros, le tenemos mucho cariño y hemos hecho muchas canciones inspiradas en su cultura. Pero cuando hablamos de perreo, también representamos a Puerto Rico con artistas como Jowell & Randy o Eladio Carrión.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

Netflix confirma Bridgerton 5: Francesca y Michaela protagonizan el romance

Leer más

Un salto inesperado en su carrera

La británica que conquistó al público como Kate Sharma, en El vizconde que me amó en Bridgerton, ahora apuesta por explorar su faceta musical con el lanzamiento de su primer single, previsto para el 10 de abril.

El anuncio lo hizo con un video grabado en un estudio, donde se le ve experimentando con sonidos y dejando ver parte de este nuevo proceso creativo, que se podrá escuchar próximamente en Spotify.

¿La actriz es nueva en la industria musical?

Aunque este será su debut oficial como solista, Ashley no es completamente ajena al mundo de la música.

Anteriormente participó en Cool to Be Kind en la banda sonora de La noche antes de Navidad en el País de las Maravillas, lo que deja entrever que este nuevo proyecto podría tener una base artística más trabajada.

Misterio sobre el ritmo de su canción

Hasta el momento, no se han revelado detalles sobre el género, el estilo o posibles colaboraciones en este primer sencillo. 

Sin embargo, en el adelanto compartido se escucha brevemente la voz de un hombre, lo que ha despertado teorías sobre una posible colaboración sorpresa.

Un momento clave en su carrera

El salto a la música llega en un punto importante para la actriz, quien se ha consolidado como una de las figuras emergentes más destacadas del entretenimiento global.

Además de su crecimiento en televisión, Ashley también forma parte de nuevos proyectos cinematográficos que siguen ampliando su presencia en la industria como su próximo personaje en El Diablo Viste a la Moda 2.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

Expreso Playlist: El repaso de la música ecuatoriana en 2025

Leer más

La Tri (Jombriel, Neira y Jotta)

Jombriel presenta La Tri junto a Javier Neira y Jøtta, un sencillo que toma como eje a la selección ecuatoriana en un contexto de expectativa por el Mundial. La canción parte de una idea directa: el vínculo entre el fútbol y la vida cotidiana. Desde esa base, el tema construye un recorrido que conecta escenas personales con una identidad compartida. El coro introduce un elemento reconocible que remite a la experiencia en estadio y a la relación del público con el equipo. En lo sonoro, la propuesta se apoya en guitarra y percusión con referencias al Pacífico ecuatoriano.

La letra incorpora frases que apuntan a pertenencia y a una relación con el origen. Para Jombriel, el sencillo marca una conexión con Esmeraldas y con los elementos culturales de su entorno. El lanzamiento coincide con un momento de expansión en su carrera, con presencia en listados internacionales y una gira en Estados Unidos prevista para abril.

Toda la marea (La Madre Tirana)

La Madre Tirana presenta Toda la marea, primer adelanto de su disco Grandes Fracasos, previsto para el 20 de mayo de 2026. El tema abre una nueva etapa en el recorrido de la banda y plantea el punto de partida del concepto del álbum.

La canción se construye desde una base instrumental que prioriza grabaciones analógicas y una formación completa. En este proceso, el grupo deja atrás etapas anteriores y propone un enfoque que dialoga con referencias de la música latinoamericana y el jazz.

La letra aborda la idea de atravesar situaciones que superan el control. La imagen de un barco en medio de la corriente articula el desarrollo del tema y sostiene su narrativa. La canción forma parte de una serie de lanzamientos previos al disco, que incluirá otros sencillos antes de su salida. Con este estreno, la banda inicia el camino hacia un nuevo trabajo que se integra a su trayectoria dentro del circuito musical ecuatoriano.

Expreso Playlist: Luz Pinos y su himno sororo

Leer más

Panorama (Jardín de Nerval)

Jardín de Nerval presenta Panorama, un sencillo que marca el inicio de una nueva etapa en su proyecto. La canción fue lanzada el 25 de febrero y funciona como adelanto de un EP en desarrollo que tendrá cinco canciones. El tema se mueve dentro del pop rock y toma referencias del rock de los años ochenta y del indie. Con este lanzamiento, la banda plantea una dirección que busca consolidar su identidad dentro de la escena local.

En su letra, Panorama sigue a una persona que intenta construirse mientras enfrenta conflictos internos y externos. La canción desarrolla esa idea a través de un recorrido que apunta a seguir adelante.

El grupo está formado por Alejandro Alfaro Moreno, Santiago Albán y Billy Albán.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

Aritstas en la terna al Salón de la Fama del Rock & Roll 2026

La artista aparece por primera vez en esta instancia y es la única representante latina entre los 17 candidatos considerados para la edición 2026. En el listado figuran también músicos y agrupaciones como Phil Collins, New Edition, P!NK y Luther Vandross, dentro de un proceso que combina votación del público con la decisión de un comité especializado.

El sistema de votación permite a los usuarios participar una vez al día a través del sitio oficial del Rock & Roll Hall of Fame. Aunque el voto popular no define por sí solo a los seleccionados finales, sí influye en la deliberación del comité, al integrarse como un factor dentro del proceso de selección.

Shakira planea construir su propio estadio para cerrar su gira en España

Leer más

¿Cómo votar `por Shakira?

Para votar, los usuarios deben ingresar a https://vote.rockhall.com/es/vote/select , registrarse y seleccionar a sus artistas favoritos una vez al día.

El avance de Shakira en la tabla ha estado impulsado por la participación de sus seguidores en distintas regiones. De acuerdo con datos del propio proceso, comunidades de fans en más de 15 países han promovido activamente su candidatura, lo que ha incidido en el crecimiento sostenido de su posición en el conteo.

La nominación reconoce una trayectoria de más de tres décadas en la industria musical, con impacto en mercados de América y Europa. El resultado final de los artistas que ingresarán al Salón de la Fama del Rock & Roll 2026 se anunciará en los próximos meses, tras el cierre de la votación y la evaluación del comité.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

Más allá del formato de estreno, la canción ya venía cargada de significado desde su concepción, ya que según la propia Swift, el tema nace de los paralelismos que encuentra entre su vida y la de Elizabeth Taylor, especialmente en lo que respecta a la exposición mediática, las relaciones sentimentales y la construcción de una figura pública que trasciende lo artístico.

¿Quién fue Elizabeth Taylor?

Hablar de Elizabeth Taylor es remitirse a una de las figuras más influyentes del Hollywood clásico. Actriz desde muy joven, su carrera estuvo marcada por papeles icónicos en filmes que definieron toda una era del cine, así como por una vida personal constantemente bajo el escrutinio público. Sus múltiples matrimonios, su presencia mediática y su carácter apasionado la convirtieron en una celebridad que iba mucho más allá de la pantalla.

Ese nivel de exposición y construcción mediática es precisamente lo que conecta con la visión de Taylor Swift. Para el lanzamiento del tema, la cantante incluso habría gestionado permisos con el patrimonio de la actriz, en un gesto que refuerza el carácter respetuoso y consciente del homenaje.

Swiftie se vuelve oficial: fandom en el diccionario

Leer más

La figura de Taylor, entonces, no solo aparece como inspiración estética, sino como un símbolo de lo que implica vivir bajo la mirada constante del público, algo que Swift ha explorado a lo largo de su carrera.

Un videoclip construido desde el archivo

A diferencia de propuestas anteriores como The Fate of Ophelia u Opalite, donde Taylor Swift construía narrativas visuales propias con una dirección clara, el videoclip de Elizabeth Taylor opta por un enfoque completamente distinto. En lugar de una historia original, el video funciona como un homenaje directo a la actriz, compuesto por una selección de escenas de su filmografía que dialogan con la letra y el tono de la canción, creando una narrativa métrica.

Entre los títulos que conforman este collage audiovisual destacan:

• Julia Misbehaves (1948)
• Nunca el amor fue tan bello (1951)
• Rapsodia (1954)
• La vuelta al mundo en 80 días (1956)
• La gata sobre el tejado de zinc (1958)
• De repente, el último verano (1960)
• Cleopatra (1963) 

Donde cada fragmento no solo remite a la trayectoria de la actriz, sino que construye una narrativa emocional que acompaña el desarrollo musical del tema.

Lo cierto es que, este tipo de propuesta también se alinea con la estrategia de distribución elegida, al lanzar el videoclip primero en Spotify Premium y Apple Music, Swift prioriza el impacto en plataformas que inciden directamente en métricas como las de Billboard. Sin embargo, siguiendo precedentes como Opalite, se espera que el video eventualmente llegue a YouTube, ampliando su alcance una vez consolidado su rendimiento inicial en el ecosistema de streaming.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

Su trayectoria inició a los 15 años, cuando cantaba en buses en distintas ciudades del Ecuador. En ese contexto desarrolló contacto directo con el público, lo que se convirtió en parte de su proceso artístico.

Chismes deportivos: La pesista Neisi sueña con ser mamá y Jombriel visita IDV

Leer más

A los 26 años, el artista originario de Ventanas, en la provincia de Los Ríos, se convierte en el primer ecuatoriano del género trap en integrarse a la región andina de la compañía. El avance se consolidó tras una presentación en Guayaquil, donde más de 10.000 personas corearon sus canciones.

Actualmente, New Jerson forma parte de la dinámica de la industria internacional, en un entorno donde participan artistas como J Balvin, Karol G, Feid, Juanes y Sebastián Yatra. Su carrera es acompañada en Ecuador por el estudio jurídico Bruque & Nuque y por Brandon Production.

Este proceso abre un espacio para la presencia de artistas ecuatorianos en la industria musical global, en especial dentro de los géneros urbanos.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!

Muchas bandas y solistas, quizás un poco a contracorriente, aún se atreven a lanzar discos, en lugar de únicamente sencillos.

Puede ser considerada una apuesta arriesgada, ya que a diferencia de la brevedad del single, un disco exige un mayor esfuerzo por parte de los oyentes, que deben darse el tiempo necesario para apreciar con atención la colección de canciones que propone un álbum.

Hoy queremos que nuestros lectores se pongan al día con tres (mejor dicho cuatro) lanzamientos desde Ecuador y dos de México, de diversos géneros musicales: dungeon synth, hiphop, rock alternativo, punk rock y reguetón. Porque nuestra bandera es la diversidad musical.

Ultratumba: 'Atrako live' + 'QuitoFest 2025'

Después de su último álbum de 2011, la agrupación guayaquileña de punk rock Ultratumba lanzó a fines del año pasado Atrako Live, grabado en vivo en las instalaciones del centro cultural Atrako, en Guayaquil, por Manuel Carbajal Dunkley, en su mayoría con temas que no aparecen en sus dos discos.

Y a inicios fue publicado otro disco en concierto, nada menos que de su participación en el QuitoFest 2025, registrado por el productor Sergio Vivar, quien también está trabajando el nuevo álbum en estudio de la banda.

La presencia de Vivar fue clave además porque ayudó a Ultratumba a solucionar un contratiempo que amenazaba con echar a perder su show en la capital. Resulta que una hora antes de partir del hotel rumbo a la sede del QuitoFest, el vocalista y bajista Omar Sotomayor perdió la voz casi en su totalidad.

Juan Ramírez Biedermann: “No escribo solo para Paraguay, sino para el mundo”

Leer más

Pero Sergio Vivar acudió al rescate y recordando sus años como estudiante de Medicina antes de dedicarse a la música, le inyectó corticoides a Omar, quien veinte minutos antes de subir a la tarima recuperó su voz.

Superado el bache, Ultratumba puso a los 35.000 espectadores del festival a gritar, bailar y poguear, en una presentación que se realizó justo mientras caía la tarde y el cielo cambiaba de color, para añadir un toque de magia extra al momento.

Este disco incluye varios clásicos y canciones nuevas, adelantos de lo que será su tercer trabajo de estudio de largo aliento, esperado durante quince años por la escena.

A diferencia de Atrako Live, en el que la batería la tocó Jorge Cabezas, el disco QuitoFest 2025 fue grabado por el nuevo integrante de Ultratumba, Fabricio Carriel, con un largo recorrido en grupos como Telémaco, Callejón Zaruma, Pi9, Lylith, entre otros proyectos.

Urku Llanthu: 'Wachuma'

El nuevo álbum de Urku Llanthu, que toca una fusión de dungeon synth y dark folk, se titula Wachuma, nombre en kichwa que recibe el también conocido como cactus de San Pedro, rico en mescalina.

Constituye una planta mística para la cosmovisión andina, a la que se le atribuye el poder de establecer una conexión entre el mundo material y el espiritual.

La ceremonia de la wachuma es un ritual llevado a cabo por un chamán, cuyo objetivo es que los participantes se reconcilien con sí mismos, con la tierra y con sus ancestros; que florezcan y que su subconsciente se abra de la misma forma que el cactus florece en la noche.

Este es el concepto que inspira el sexto disco (publicado por Takiri Independent Productions) de este proyecto unipersonal del quiteño Pablo Mesías.

Desierto Drive: 'Antes de que salga el sol'

Aprovechando que pronto estarán en Ecuador, queremos recomendar el más reciente álbum del grupo Desierto Drive, de Monterrey, México, formado por exintegrantes de los recordados Panda.

Es el segundo disco en estudio después de Mexican Dream (2019), y lo que más han comentado los fanáticos es el esfuerzo de la banda por encontrar su propio sonido en lugar de vivir de la fama de su anterior grupo.

Incluso en redes se puede ver que gran parte de sus seguidores no son necesariamente nostálgicos de Panda, sino nuevas camadas que han conectado directamente con la propuesta de rock alternativo de Desierto Drive, que se presentará este 8 de mayo en Guayaquil y el 9 en Quito.

En ambos conciertos los acompañará el proyecto/tributo Panda Vive, liderado por Jorge ‘Kross’ Vázquez, el baterista original de Panda. 

Mogo: Pleroma

Aunque vio la luz a fines del año pasado, no queremos dejar pasar la oportunidad para recomendar Pleroma, el más reciente disco de Mogo, nombre artístico del guayaquileño Anthony Mogollón.

Grabado en El Decibel, punto clave de la escena hiphop en Guayaquil, que trabaja en silencio pero con tenacidad, este disco de Mogo contiene ocho temas con beats de lujo y líricas sin filtros no aptas para mojigatos. Todo marca de la casa.

El repertorio incluye dos colaboraciones: con la cantante de neosoul y blues Nohe, en Mi negra, y con el rapero Lapentti, en Quiebre; además de contar con el flow de DJ Cone.

Charly Gynn: 'Sin suerte, nacimos bendecidos'

Para quienes gusten de música y líricas hechas por mujeres ‘power’, el segundo álbum de la mexicana Charly Gynn, lanzado en este 2026, dos años después de su debut, La Matatana.

Con la producción de Tzunami, en esta nueva entrega la cantante y compositora ha trabajado con nombres como Alnz G, Yoss Bones o Sir Speedy.

¿Quieres acceder a todo el contenido de calidad sin límites? ¡SUSCRÍBETE AQUÍ!