Saratoga, surgida en Madrid en 1992, forma parte de esta tradición, lo que no significa que su música se haya quedado estancada en la nostalgia.

La agrupación está viviendo un momento especialmente dulce, pues este mes verá la luz su nuevo disco, En estado puro, ocho años después de Aeternus (2018), su último trabajo en estudio. Aunque durante este tiempo se han mantenido en constante actividad, pues lanzaron dos álbumes en vivo, además de XXX (2021), con regrabaciones de sus temas más conocidos.

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Este 24 de abril sale a la calle el disco y al día siguiente Saratoga inicia la gira de promoción en Murcia, en su natal España, que incluye fechas en América Latina, específicamente en Colombia, Ecuador (ver nota adjunta), Argentina, Chile y Perú.

En estado puro, que tendrá diez canciones, fue grabado en Madrid en los estudios New Life, bajo la batuta de José Garrido y Daniel Sabugal. Saldrá en formato vinilo y disco compacto (CD), por el sello español Maldito Records.

“En un CD entra muchísima música, pero un vinilo tiene un minutaje determinado. Ya nos había pasado en otros discos que en la versión de vinilo teníamos que quitar dos temas, lo cual es una pena. Entonces hicimos un disco redondo con diez canciones para que encaje perfecto en el vinilo”, le explicó el vocalista Tete Novoa al medio ecuatoriano Headbangers acerca de la elección del número de tracks.

Ya han publicado dos adelantos: los singles Inteligencia artificial y A toda velocidad.

En cuanto al primero, Tete comentó: “Es una canción con una temática muy actual. En la industria musical está cambiando a pasos agigantados la forma de composición y producción. A veces parece que el ser humano evoluciona, pero muchas veces parece que ese avance significa cinco pasos atrás, porque cada vez nos hacemos más perezosos. Cada vez más hacemos a un lado la creatividad humana, el arte, y dejamos que las máquinas nos faciliten la vida, pero creo que eso es una involución”.

Acerca del segundo sencillo, A toda velocidad, es un tema compuesto por su nuevo integrante, el peruano Charlie Parra del Riego, quien ya había tocado con Saratoga en sus conciertos en tierras americanas, pero ahora se mudó a España para unirse a la agrupación.

Este segundo sencillo “es un hostiazo en la cara, súper heavy, muy cañero, con unas guitarras muy potentes. Este es el primer disco que Charlie Parra del Riego graba con Saratoga como compositor y se ha adaptado perfectamente. Él es camaleónico y ha compuesto temas que suenan a Saratoga de toda la vida”.

A toda velocidad tiene su respectivo videoclip, rodado íntegramente en Ciudad de México, donde estuvieron tocando con Ángeles del Infierno. El audiovisual incluye imágenes de ese show en vivo, backstage y la efervescencia del público.

Para los conciertos de la gira de promoción de En estado puro, la banda ha previsto dividir el show en tres bloques. “Vamos a rescatar grandes joyas olvidadas, porque hay un montón de canciones de la discografía de Saratoga que no se han tocado casi nunca o nunca en directo. Luego, los temas que más estén funcionando del disco. Y tendremos una última parte de grandes éxitos”, detalló Tete.

En Saratoga destaca su visión empresarial, lo que incluye una detallada planificación de las giras y el tipo de promoción por ejecutar. “Tuvimos varias reuniones para elegir estratégicamente los singles. El sello trabaja con empresas digitales, porque ahora tienes que atacar sobre todo ese mercado y tienen unas acciones muy potentes. Haremos la presentación para medios y una preescucha para fans”, concluyó el vocalista.

Tete también forma parte de 'WAH Show'

Tete lleva cuatro años trabajando en el WAH Show, en Madrid, una experiencia multisensorial con la participación de más de 40 artistas, que va por su quinta temporada. El espectáculo cuenta con tecnología de punta, sonido envolvente 360º y pantalla led de 240 m².

“Es un show difícil de explicar. Siempre digo lo mismo: WAH hay que vivirlo porque es una experiencia que fusiona gastronomía, artes escénicas, ocio nocturno”, comenta Tete.

WAH comprende tres actos. En el primero el protagonista es la gastronomía e incluye magos, acróbatas y demás artes escénicas. El segundo acto es musical, con fusión de estilos como flamenco, rock ópera o música clásica. Y cierra en plan discoteca, con DJ, sets en vivo y cocteles.

Conciertos de Saratoga en Ecuador 

Saratoga se presentará en Quito el sábado 30 de mayo, en la Plaza de Toros, junto a Obús (foto) y Kabrones (ambas de España), y las cuencanas Basca y Bajo Sueños, en el concierto llamado La Noche del Rock 2.

Boletos: $30 en general, $40 en preferencia, $50 en contra barrera, $75 en arena vip y $85 sillas rock box (precios no incluye en valor del servicio).

Y el domingo 31, Saratoga tocará en la ciudad de Atuntaqui, provincia de Imbabura, con Obús, Basca y otros nombres por confirmar. 

Kabrones (o cómo hacer enojar a tu exbanda)

En el concierto La Noche del Rock 2 genera expectativa la presentación del grupo español Kabrones, formado por exintegrantes de Mago de Oz: el cantante José Andrea (nacido en La Paz, Bolivia); los guitarristas Frank Gómez y Carlitos Marín; además del bajista Salva Rogelio García.

Ellos grabaron los discos más conocidos de Mago de Oz, al punto de que muchos siguen asociando a la banda con la voz de José Andrea, lo que demuestra que los fans suelen aferrarse a determinados momentos y canciones de sus grupos favoritos.

El repertorio de Kabrones está formado, precisamente, por los grandes hits de su exbanda.

Inicialmente decidieron llamarse Los Mago, pero por líos legales con el baterista Txus di Fellatio, fundador de Mago de Oz, tuvieron que cambiarlo.

Los problemas con Txus datan desde 2018, cuando este decidió registrar la marca Mago de Oz a su nombre, sin consultar con el resto de integrantes, lo cual fue considerado una puñalada por la espalda por sus compañeros, quienes argumentaron que Txus se adueñó de un proyecto que nació de forma colectiva.

José Andrea estuvo en Mago de Oz hasta 2011 y a pesar de que en su momento salió en buenos términos, la relación con Txus se ha deteriorado con los años.

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Programado para el 12 de junio de 2026, el disco marca un giro notable en la identidad visual y conceptual de la artista. Se trata de su primer álbum que rompe con la tradición de títulos breves como SOUR y GUTS, además de ser el primero en adoptar el rosa como color central. El lanzamiento también representa su regreso formal a los LPs desde 2024, cuando presentó GUTS (Spilled), consolidando así una nueva etapa en su evolución musical.

¿Qué se sabe del álbum hasta ahora?

You seem pretty sad for a girl so in love estará compuesto por 13 canciones, cuyos títulos aún no han sido revelados. A pesar de ello, el disco ya se encuentra disponible para preguardar en plataformas de streaming, así como en formatos físicos que incluyen vinilos, CDs y casetes, una estrategia que refuerza su alcance tanto digital como coleccionable.

En cuanto a su estética, la portada muestra a Rodrigo con un vestido rosa y tacones negros, riendo boca abajo en un columpio, una imagen que mantiene su sello agridulce.

A nivel sonoro, la artista ha adelantado que el proyecto se alejará de las raíces más marcadas del pop punk presentes en trabajos anteriores, apostando por una propuesta más melancólica, onírica y cercana a lo cinematográfico.

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"Por mucho que me esfuerce en escribir canciones de amor, siempre acaban teñidas de un toque de melancolía", ha señalado la cantante sobre el proceso creativo del álbum, en el que también reconoce la influencia de Lana Del Rey como una referencia clave en esta nueva dirección artística.

Sobre las expectativas y reacciones

El anuncio ha generado una respuesta inmediata en redes sociales, donde el fandom ha interpretado el cambio de estética y el título extendido como señales de una etapa más madura y narrativa en la carrera de Rodrigo. La expectativa también se ha visto alimentada por su reciente presentación en Glastonbury, donde compartió escenario con Robert Smith, reforzando la idea de una exploración sonora más alternativa.

Figuras del entorno pop también han reaccionado al anuncio, mostrando su apoyo al nuevo proyecto. Entre ellas destacan Addison Rae, Conan Gray y Joe Locke, quienes han celebrado públicamente el inicio de esta nueva era.

Con un lanzamiento aún sin sencillo principal, You seem pretty sad for a girl so in love ya se perfila como uno de los discos más comentados del año, impulsado por una narrativa estética clara y una evolución artística que mantiene en expectativa tanto a fans como a la industria.

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Un nuevo álbum con fecha confirmada

El disco, que será el tercero en su carrera, llegará el próximo 12 de junio y contará con 13 canciones que prometen explorar nuevas emociones dentro de su característico estilo.

La actriz y cantautora estadounidense confirmó la noticia en sus redes sociales, donde también compartió la portada del álbum, en la que aparece columpiándose, reforzando la nueva estética visual.

Una nueva narrativa

Según ha adelantado la cantante, este álbum estará marcado por “canciones de amor tristes”, una mezcla de romance, miedo y nostalgia que refleja una evolución en su forma de escribir.

Este enfoque conecta con la esencia emocional que la ha caracterizado, pero ahora desde una perspectiva más madura.

El fin de una etapa púrpura

Tras el éxito de Sour y Guts, dominados por el color púrpura, todo apunta a un cambio radical en su identidad visual. Pistas como murales en Los Ángeles, cambios en su web y apariciones públicas con tonos rosados confirmaron el inicio de esta nueva etapa.

Un equipo que se mantiene

Para este nuevo proyecto musical, la artista vuelve a trabajar con productor discográfico estadounidense Dan Nigro, el productor detrás de sus anteriores éxitos.

Esta colaboración asegura continuidad en su sonido, pero también abre la puerta a una evolución musical que podría sorprender a sus fans.

Uno de los estrenos más esperadas del pop

Con este anuncio, la intérprete de Drivers License inicia oficialmente una nueva etapa que ya está dando de qué hablar. Todo indica que este álbum será un punto clave en la evolución artística de la cantante.

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Las tres canciones de Katseye para entender su concepto

‘Gabriela (Remix)’ ft. Young Miko

El remix de ‘Gabriela’ plantea un cruce entre el pop global de Katseye y la identidad urbana de Young Miko. La participación de la artista introduce un verso en español que no solo amplía el alcance del tema, sino que también modifica su enfoque hacia códigos más cercanos al reguetón y a una narrativa más directa.

‘Gnarly’

Con ‘Gnarly’, Katseye refuerza su perfil dentro del pop digital contemporáneo. La canción se sostiene en un beat electrónico con referencias al hyperpop, donde la actitud de las integrantes se centra en la autoafirmación y en una estética ligada a la cultura pop estadounidense.

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‘Touch’

‘Touch’ muestra un cambio en la propuesta del grupo. A diferencia de sus temas más enérgicos, esta canción se construye sobre una base pop más introspectiva. La producción, a cargo de Blake Slatkin, Cashmere Cat y Omer Fedi, acompaña una narrativa centrada en emociones vinculadas al amor, la pérdida y la reafirmación personal.

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El comeback llega en un momento clave para el grupo, a pocos días de su participación en Coachella, donde se presentarán los días 10 y 17 de abril. En este contexto, el lanzamiento no solo introduce una nueva fase estética y sonora, sino que también funciona como carta de presentación ante una de las audiencias más influyentes de la industria musical actual.

Este es el calendario de lanzamiento

La campaña de Pinky Up arrancará oficialmente el 2 de abril con el primer teaser del video musical, marcando el inicio de una estrategia promocional escalonada que combina adelantos audiovisuales con sesiones fotográficas conceptuales. Desde el 31 de marzo, el grupo ha desplegado un calendario que incluye múltiples teasers y 'photo looks' hasta el día del estreno.

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El concepto gira en torno a una estética de 'tea party', abordada desde un enfoque estilizado y contemporáneo. Entre las referencias visuales más llamativas destaca una reinterpretación de la Mona Lisa, representada levantando el dedo meñique mientras sostiene una taza de té, en sintonía con el título del sencillo.

El cronograma promocional incluye el lanzamiento de tres teasers del video musical (2, 6 y 8 de abril), acompañados de distintas publicaciones de fotografías conceptuales (3, 7, 8 y 9 de abril). El estreno oficial del sencillo y su videoclip está programado para el 9 de abril a las 11:00 a.m. (hora de Ecuador), seguido por una última publicación visual ese mismo día.

En paralelo, la campaña ha estado acompañada por una creciente conversación en redes sociales, impulsada tanto por la expectativa del público como por posibles filtraciones y adelantos sugeridos por las propias integrantes de KATSEYE. A través de transmisiones en vivo y entrevistas recientes, el grupo ha dejado entrever detalles del concepto y fragmentos del tema, lo que ha alimentado teorías entre fans sobre la narrativa visual y el sonido de Pinky Up.

Contexto del grupo

Pinky Up marca el segundo lanzamiento del año para KATSEYE, tras el estreno de Internet Girl en enero, y se presenta como un paso más en su consolidación dentro del circuito global. El grupo ha mantenido una presencia activa en escenarios internacionales, incluyendo presentaciones en festivales como Lollapalooza, lo que ha contribuido a expandir su alcance más allá del público tradicional del K-pop.

Hasta el momento, KATSEYE cuenta con dos EPs en su discografía, siendo Beautiful Chaos su lanzamiento más reciente, un proyecto que reforzó su identidad sonora y estética dentro del pop global. En esa línea, Pinky Up se posiciona como una continuación de esa evolución artística, ahora en formato de sencillo.

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El sencillo también llega en medio de la expectativa por la situación de Manon, quien se encuentra en pausa desde febrero por motivos de salud (según HYBE). Aunque no se ha confirmado oficialmente su participación en el video musical ni en las próximas presentaciones en vivo, existen indicios de que habría grabado partes del tema antes de su descanso.

En términos de trayectoria, el lanzamiento se enmarca en un periodo de crecimiento sostenido para el grupo, que recientemente obtuvo nominaciones a los premios Grammy en las categorías de Mejor Nuevo Artista y Mejor Interpretación Pop de Dúo/Grupo.

Así, Pinky Up no solo funciona como un nuevo sencillo, sino como una pieza clave dentro de una etapa decisiva en la evolución artística y mediática de KATSEYE.

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¿Qué implicó pausar sus carreras?

El álbum marca un punto de encuentro entre dos carreras individuales que decidieron detener su ritmo para trabajar como un dúo, en una forma de honrar a la cercanía y familiaridad que han conseguido entre estos años de trabajo. “Hay que parar nuestras carreras y vivirnos el proyecto como si fuéramos un grupo”, explican. Esa decisión implicó pausar giras, reorganizar agendas y asumir una dinámica distinta, en la que la hermandad se convierte en el eje creativo. El resultado es un trabajo que busca transmitir esa conexión de manera directa al público.

Ese vínculo también se traslada a la forma en que conciben su relación con los fans. Durante su paso por Ecuador, los artistas cumplen con compromisos promocionales, pero también impulsan experiencias como encuentros cercanos y dinámicas pensadas desde lo personal.

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“Decidimos visitar países que nos han dado apoyo durante años”, señalan, en referencia a una gira que prioriza territorios donde su música ha tenido impacto sostenido.

En ese contexto, Superarte se plantea como algo más que un álbum colaborativo. El concepto central que articula el disco es “mejorar todos los días”, explican, al describir el origen del título. Este trabajo también funciona como una declaración artística, pues combina dos lecturas: por un lado, la música como expresión elevada; por otro, el proceso de superación individual. Esta dualidad refleja el momento que atraviesan Quiles y Tavárez. Lejos de competir, optan por unir sus estilos para construir una narrativa común. “No es sobre reinventarse por tendencia, es mostrarse desde una forma honesta”, señalan sobre un trabajo que busca trascender la lógica de las colaboraciones puntuales.

El concierto de Justin Quiles y Lenny Tavárez en Ecuador

La llegada de Justin Quiles y Lenny Tavárez a Ecuador forma parte de la gira de Superarte, que incluye presentaciones en Guayaquil y Quito. Los conciertos están previstos en el Coliseo Voltaire Paladines Polo y el Coliseo General Rumiñahui 30 de abril y el 2 de mayo de 2026, respectivamente, como parte de un recorrido que materializa en tarima el concepto del álbum.

La entrevista con Justin Quiles y Lenny Tavarez

¿Cómo nace la idea de unir sus carreras en un proyecto conjunto, considerando que no es habitual ver a dos artistas consolidados trabajar de esta manera?

Nosotros venimos compartiendo música y tarima hace básicamente ocho años. Desde que hicimos nuestra primera canción juntos, cada uno ha seguido su carrera, pero los fanáticos hicieron un movimiento que prácticamente nos obligó a juntarnos más. Ahí salió The Academy y empezaron a surgir más canciones donde aparecíamos juntos. Tuvimos la oportunidad de hacer proyectos con los Avengers, como nos llaman los fans, pero nunca habíamos podido hacer una gira con tanta música en la calle porque no somos un grupo. Hace como cuatro años, nuestra relación personal creció mucho más, nuestras familias se unieron, la amistad subió, y ahí le presenté la idea a Justin de culminar esa era de colaboraciones con un álbum que se llamara Superarte. De ahí nace todo.

¿Consideran que este proyecto cierra una etapa o más bien abre la posibilidad de volver a unirse en el futuro?

Yo creo que sí puede abrir una etapa, pero no sé si necesariamente hagamos un segundo álbum. Como dice Lenny, somos artistas independientes, él tiene su carrera, yo tengo la mía. Esto toma tiempo, hay que parar todo y enfocarnos en un solo proyecto como si fuéramos un dúo. Nosotros nos vivimos este proyecto al máximo, y por eso está funcionando. Cuando no hay hermandad, la gente lo siente. Nosotros queríamos que se sintiera esa unión real, que la gente vea que somos grandes amigos, además de compañeros de la música.

Al trabajar como dúo, ¿qué han tenido que dejar de sus carreras individuales o de su vida personal?

Por ejemplo, dejamos de girar. Lenny dejó de hacer dinero por un tiempo, yo también. Tuvimos que ponerle un stop a muchas cosas. Son sacrificios personales también: él tiene su familia, yo tengo la mía. Decidimos viajar a países que nos han demostrado amor durante años, como Ecuador, para devolverles ese cariño. Incluso hicimos un karaoke night, que es algo que sale de nuestro bolsillo, no de una disquera. Queremos regalarle a los fans una experiencia única.

¿Qué perciben de los fans en cada país que visitan con esta gira?

Que les hacíamos falta. Que debimos haber hecho esto hace mucho tiempo. La gente está bien involucrada en el proyecto, no solo en Superarte, sino en todo lo que venimos haciendo desde hace seis o siete años. Eso nos confirma que tomamos la decisión correcta de juntarnos. Y cuando decimos cerrar una era es porque no es la primera vez que nos unimos, pero sí la primera vez que lo llevamos completo a la tarima. Si no íbamos a cantar estas canciones en vivo, yo prefería no hacer el álbum.

¿Por qué para ustedes estar juntos significa superación?

Porque en la unión está la fuerza. Superarte nace de todas las adversidades que hemos tenido durante estos años. Cada proyecto tiene que ser mejor que el anterior, tanto en lo personal como en el trabajo. Tenemos que superarnos todos los días, aunque sea un uno por ciento. De ahí salió el nombre.

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El álbum también incluye varias colaboraciones. ¿Cómo lograron reunir a otros artistas dentro del proyecto?

Todo se dio de manera natural. Nada fue forzado, no llamamos a nadie para pedirle que se montara en una canción. Nos encontramos con los artistas, les enseñamos el álbum y ellos mismos decidieron participar. A cada uno le gustó una canción distinta y así fue creciendo el proyecto.

En temas como Las Neas hay una conexión clara con Medellín. ¿Cuál es el papel de Colombia en el reguetón actual?

No creemos que otros países le quiten mérito a Puerto Rico, Puerto Rico es la cuna del género. Siempre ha tenido grandes estrellas y sigue teniendo artistas importantes. Pero Colombia se ha convertido en una segunda casa del reguetón. Es un país muy importante para nosotros, le tenemos mucho cariño y hemos hecho muchas canciones inspiradas en su cultura. Pero cuando hablamos de perreo, también representamos a Puerto Rico con artistas como Jowell & Randy o Eladio Carrión.

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Un salto inesperado en su carrera

La británica que conquistó al público como Kate Sharma, en El vizconde que me amó en Bridgerton, ahora apuesta por explorar su faceta musical con el lanzamiento de su primer single, previsto para el 10 de abril.

El anuncio lo hizo con un video grabado en un estudio, donde se le ve experimentando con sonidos y dejando ver parte de este nuevo proceso creativo, que se podrá escuchar próximamente en Spotify.

¿La actriz es nueva en la industria musical?

Aunque este será su debut oficial como solista, Ashley no es completamente ajena al mundo de la música.

Anteriormente participó en Cool to Be Kind en la banda sonora de La noche antes de Navidad en el País de las Maravillas, lo que deja entrever que este nuevo proyecto podría tener una base artística más trabajada.

Misterio sobre el ritmo de su canción

Hasta el momento, no se han revelado detalles sobre el género, el estilo o posibles colaboraciones en este primer sencillo. 

Sin embargo, en el adelanto compartido se escucha brevemente la voz de un hombre, lo que ha despertado teorías sobre una posible colaboración sorpresa.

Un momento clave en su carrera

El salto a la música llega en un punto importante para la actriz, quien se ha consolidado como una de las figuras emergentes más destacadas del entretenimiento global.

Además de su crecimiento en televisión, Ashley también forma parte de nuevos proyectos cinematográficos que siguen ampliando su presencia en la industria como su próximo personaje en El Diablo Viste a la Moda 2.

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La Tri (Jombriel, Neira y Jotta)

Jombriel presenta La Tri junto a Javier Neira y Jøtta, un sencillo que toma como eje a la selección ecuatoriana en un contexto de expectativa por el Mundial. La canción parte de una idea directa: el vínculo entre el fútbol y la vida cotidiana. Desde esa base, el tema construye un recorrido que conecta escenas personales con una identidad compartida. El coro introduce un elemento reconocible que remite a la experiencia en estadio y a la relación del público con el equipo. En lo sonoro, la propuesta se apoya en guitarra y percusión con referencias al Pacífico ecuatoriano.

La letra incorpora frases que apuntan a pertenencia y a una relación con el origen. Para Jombriel, el sencillo marca una conexión con Esmeraldas y con los elementos culturales de su entorno. El lanzamiento coincide con un momento de expansión en su carrera, con presencia en listados internacionales y una gira en Estados Unidos prevista para abril.

Toda la marea (La Madre Tirana)

La Madre Tirana presenta Toda la marea, primer adelanto de su disco Grandes Fracasos, previsto para el 20 de mayo de 2026. El tema abre una nueva etapa en el recorrido de la banda y plantea el punto de partida del concepto del álbum.

La canción se construye desde una base instrumental que prioriza grabaciones analógicas y una formación completa. En este proceso, el grupo deja atrás etapas anteriores y propone un enfoque que dialoga con referencias de la música latinoamericana y el jazz.

La letra aborda la idea de atravesar situaciones que superan el control. La imagen de un barco en medio de la corriente articula el desarrollo del tema y sostiene su narrativa. La canción forma parte de una serie de lanzamientos previos al disco, que incluirá otros sencillos antes de su salida. Con este estreno, la banda inicia el camino hacia un nuevo trabajo que se integra a su trayectoria dentro del circuito musical ecuatoriano.

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Panorama (Jardín de Nerval)

Jardín de Nerval presenta Panorama, un sencillo que marca el inicio de una nueva etapa en su proyecto. La canción fue lanzada el 25 de febrero y funciona como adelanto de un EP en desarrollo que tendrá cinco canciones. El tema se mueve dentro del pop rock y toma referencias del rock de los años ochenta y del indie. Con este lanzamiento, la banda plantea una dirección que busca consolidar su identidad dentro de la escena local.

En su letra, Panorama sigue a una persona que intenta construirse mientras enfrenta conflictos internos y externos. La canción desarrolla esa idea a través de un recorrido que apunta a seguir adelante.

El grupo está formado por Alejandro Alfaro Moreno, Santiago Albán y Billy Albán.

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Aritstas en la terna al Salón de la Fama del Rock & Roll 2026

La artista aparece por primera vez en esta instancia y es la única representante latina entre los 17 candidatos considerados para la edición 2026. En el listado figuran también músicos y agrupaciones como Phil Collins, New Edition, P!NK y Luther Vandross, dentro de un proceso que combina votación del público con la decisión de un comité especializado.

El sistema de votación permite a los usuarios participar una vez al día a través del sitio oficial del Rock & Roll Hall of Fame. Aunque el voto popular no define por sí solo a los seleccionados finales, sí influye en la deliberación del comité, al integrarse como un factor dentro del proceso de selección.

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¿Cómo votar `por Shakira?

Para votar, los usuarios deben ingresar a https://vote.rockhall.com/es/vote/select , registrarse y seleccionar a sus artistas favoritos una vez al día.

El avance de Shakira en la tabla ha estado impulsado por la participación de sus seguidores en distintas regiones. De acuerdo con datos del propio proceso, comunidades de fans en más de 15 países han promovido activamente su candidatura, lo que ha incidido en el crecimiento sostenido de su posición en el conteo.

La nominación reconoce una trayectoria de más de tres décadas en la industria musical, con impacto en mercados de América y Europa. El resultado final de los artistas que ingresarán al Salón de la Fama del Rock & Roll 2026 se anunciará en los próximos meses, tras el cierre de la votación y la evaluación del comité.

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Más allá del formato de estreno, la canción ya venía cargada de significado desde su concepción, ya que según la propia Swift, el tema nace de los paralelismos que encuentra entre su vida y la de Elizabeth Taylor, especialmente en lo que respecta a la exposición mediática, las relaciones sentimentales y la construcción de una figura pública que trasciende lo artístico.

¿Quién fue Elizabeth Taylor?

Hablar de Elizabeth Taylor es remitirse a una de las figuras más influyentes del Hollywood clásico. Actriz desde muy joven, su carrera estuvo marcada por papeles icónicos en filmes que definieron toda una era del cine, así como por una vida personal constantemente bajo el escrutinio público. Sus múltiples matrimonios, su presencia mediática y su carácter apasionado la convirtieron en una celebridad que iba mucho más allá de la pantalla.

Ese nivel de exposición y construcción mediática es precisamente lo que conecta con la visión de Taylor Swift. Para el lanzamiento del tema, la cantante incluso habría gestionado permisos con el patrimonio de la actriz, en un gesto que refuerza el carácter respetuoso y consciente del homenaje.

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La figura de Taylor, entonces, no solo aparece como inspiración estética, sino como un símbolo de lo que implica vivir bajo la mirada constante del público, algo que Swift ha explorado a lo largo de su carrera.

Un videoclip construido desde el archivo

A diferencia de propuestas anteriores como The Fate of Ophelia u Opalite, donde Taylor Swift construía narrativas visuales propias con una dirección clara, el videoclip de Elizabeth Taylor opta por un enfoque completamente distinto. En lugar de una historia original, el video funciona como un homenaje directo a la actriz, compuesto por una selección de escenas de su filmografía que dialogan con la letra y el tono de la canción, creando una narrativa métrica.

Entre los títulos que conforman este collage audiovisual destacan:

• Julia Misbehaves (1948)
• Nunca el amor fue tan bello (1951)
• Rapsodia (1954)
• La vuelta al mundo en 80 días (1956)
• La gata sobre el tejado de zinc (1958)
• De repente, el último verano (1960)
• Cleopatra (1963) 

Donde cada fragmento no solo remite a la trayectoria de la actriz, sino que construye una narrativa emocional que acompaña el desarrollo musical del tema.

Lo cierto es que, este tipo de propuesta también se alinea con la estrategia de distribución elegida, al lanzar el videoclip primero en Spotify Premium y Apple Music, Swift prioriza el impacto en plataformas que inciden directamente en métricas como las de Billboard. Sin embargo, siguiendo precedentes como Opalite, se espera que el video eventualmente llegue a YouTube, ampliando su alcance una vez consolidado su rendimiento inicial en el ecosistema de streaming.

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Su trayectoria inició a los 15 años, cuando cantaba en buses en distintas ciudades del Ecuador. En ese contexto desarrolló contacto directo con el público, lo que se convirtió en parte de su proceso artístico.

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A los 26 años, el artista originario de Ventanas, en la provincia de Los Ríos, se convierte en el primer ecuatoriano del género trap en integrarse a la región andina de la compañía. El avance se consolidó tras una presentación en Guayaquil, donde más de 10.000 personas corearon sus canciones.

Actualmente, New Jerson forma parte de la dinámica de la industria internacional, en un entorno donde participan artistas como J Balvin, Karol G, Feid, Juanes y Sebastián Yatra. Su carrera es acompañada en Ecuador por el estudio jurídico Bruque & Nuque y por Brandon Production.

Este proceso abre un espacio para la presencia de artistas ecuatorianos en la industria musical global, en especial dentro de los géneros urbanos.

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Muchas bandas y solistas, quizás un poco a contracorriente, aún se atreven a lanzar discos, en lugar de únicamente sencillos.

Puede ser considerada una apuesta arriesgada, ya que a diferencia de la brevedad del single, un disco exige un mayor esfuerzo por parte de los oyentes, que deben darse el tiempo necesario para apreciar con atención la colección de canciones que propone un álbum.

Hoy queremos que nuestros lectores se pongan al día con tres (mejor dicho cuatro) lanzamientos desde Ecuador y dos de México, de diversos géneros musicales: dungeon synth, hiphop, rock alternativo, punk rock y reguetón. Porque nuestra bandera es la diversidad musical.

Ultratumba: 'Atrako live' + 'QuitoFest 2025'

Después de su último álbum de 2011, la agrupación guayaquileña de punk rock Ultratumba lanzó a fines del año pasado Atrako Live, grabado en vivo en las instalaciones del centro cultural Atrako, en Guayaquil, por Manuel Carbajal Dunkley, en su mayoría con temas que no aparecen en sus dos discos.

Y a inicios fue publicado otro disco en concierto, nada menos que de su participación en el QuitoFest 2025, registrado por el productor Sergio Vivar, quien también está trabajando el nuevo álbum en estudio de la banda.

La presencia de Vivar fue clave además porque ayudó a Ultratumba a solucionar un contratiempo que amenazaba con echar a perder su show en la capital. Resulta que una hora antes de partir del hotel rumbo a la sede del QuitoFest, el vocalista y bajista Omar Sotomayor perdió la voz casi en su totalidad.

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Pero Sergio Vivar acudió al rescate y recordando sus años como estudiante de Medicina antes de dedicarse a la música, le inyectó corticoides a Omar, quien veinte minutos antes de subir a la tarima recuperó su voz.

Superado el bache, Ultratumba puso a los 35.000 espectadores del festival a gritar, bailar y poguear, en una presentación que se realizó justo mientras caía la tarde y el cielo cambiaba de color, para añadir un toque de magia extra al momento.

Este disco incluye varios clásicos y canciones nuevas, adelantos de lo que será su tercer trabajo de estudio de largo aliento, esperado durante quince años por la escena.

A diferencia de Atrako Live, en el que la batería la tocó Jorge Cabezas, el disco QuitoFest 2025 fue grabado por el nuevo integrante de Ultratumba, Fabricio Carriel, con un largo recorrido en grupos como Telémaco, Callejón Zaruma, Pi9, Lylith, entre otros proyectos.

Urku Llanthu: 'Wachuma'

El nuevo álbum de Urku Llanthu, que toca una fusión de dungeon synth y dark folk, se titula Wachuma, nombre en kichwa que recibe el también conocido como cactus de San Pedro, rico en mescalina.

Constituye una planta mística para la cosmovisión andina, a la que se le atribuye el poder de establecer una conexión entre el mundo material y el espiritual.

La ceremonia de la wachuma es un ritual llevado a cabo por un chamán, cuyo objetivo es que los participantes se reconcilien con sí mismos, con la tierra y con sus ancestros; que florezcan y que su subconsciente se abra de la misma forma que el cactus florece en la noche.

Este es el concepto que inspira el sexto disco (publicado por Takiri Independent Productions) de este proyecto unipersonal del quiteño Pablo Mesías.

Desierto Drive: 'Antes de que salga el sol'

Aprovechando que pronto estarán en Ecuador, queremos recomendar el más reciente álbum del grupo Desierto Drive, de Monterrey, México, formado por exintegrantes de los recordados Panda.

Es el segundo disco en estudio después de Mexican Dream (2019), y lo que más han comentado los fanáticos es el esfuerzo de la banda por encontrar su propio sonido en lugar de vivir de la fama de su anterior grupo.

Incluso en redes se puede ver que gran parte de sus seguidores no son necesariamente nostálgicos de Panda, sino nuevas camadas que han conectado directamente con la propuesta de rock alternativo de Desierto Drive, que se presentará este 8 de mayo en Guayaquil y el 9 en Quito.

En ambos conciertos los acompañará el proyecto/tributo Panda Vive, liderado por Jorge ‘Kross’ Vázquez, el baterista original de Panda. 

Mogo: Pleroma

Aunque vio la luz a fines del año pasado, no queremos dejar pasar la oportunidad para recomendar Pleroma, el más reciente disco de Mogo, nombre artístico del guayaquileño Anthony Mogollón.

Grabado en El Decibel, punto clave de la escena hiphop en Guayaquil, que trabaja en silencio pero con tenacidad, este disco de Mogo contiene ocho temas con beats de lujo y líricas sin filtros no aptas para mojigatos. Todo marca de la casa.

El repertorio incluye dos colaboraciones: con la cantante de neosoul y blues Nohe, en Mi negra, y con el rapero Lapentti, en Quiebre; además de contar con el flow de DJ Cone.

Charly Gynn: 'Sin suerte, nacimos bendecidos'

Para quienes gusten de música y líricas hechas por mujeres ‘power’, el segundo álbum de la mexicana Charly Gynn, lanzado en este 2026, dos años después de su debut, La Matatana.

Con la producción de Tzunami, en esta nueva entrega la cantante y compositora ha trabajado con nombres como Alnz G, Yoss Bones o Sir Speedy.

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El evento plantea por primera vez un formato que reúne a una sola banda con diez vocalistas de la escena alternativa e independiente del país. Bajo el lema “La música nos une, el corazón nos mueve”, la propuesta convoca a artistas que interpretarán canciones que han marcado la historia musical local. La iniciativa se presenta como un espacio de encuentro donde, según la organización, “la música nos une, el corazón nos mueve”.

Los artistas confirmados para el Juntos Fest

La banda estará integrada por Luis Enríquez (Lucho Pelucho) en guitarra, Franco Aguirre en bajo, Andrés Benavides en batería y Mauricio Maldonado en teclados. En las voces participarán Álvaro Bermeo, Paola Navarrete, Juan Pablo Rosales, Roger Icaza, con temas de Mamá Vudú y Frailejones, Santiago Silva, Gustavo Dueñas, Riccardo de la Cuesta, Felipe Le, San Pedro Bonfim y Miel, quien interpretará temas de Sal y Mileto y de su propio repertorio.

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Las entradas tienen un costo de 15 dólares y el concierto cuenta con el apoyo de la Fundación Teatro Nacional Sucre, Fundación Música Jóven y Rock On Records. La organización señala que el evento busca convocar al público a una jornada en la que “la música se convierte en puente, abrazo y esperanza”, en un contexto marcado por la solidaridad hacia la artista.

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Un videoclip con referencias latinas

El nuevo video destaca por su fuerte inspiración en íconos culturales latinoamericanos. A lo largo de las escenas, se pueden ver elementos que evocan al clásico personaje creado por Roberto Gómez Bolaños, con vestuarios y gestos que remiten directamente a su estilo humorístico.

Pero no se queda ahí. La estética también incorpora la esencia de la lucha libre mexicana, con máscaras, rings y una puesta en escena vibrante que rinde homenaje a esta tradición popular.

Una colaboración que cruza fronteras

La canción reúne a Kanye West con Peso Pluma, en una fusión que combina el rap estadounidense con los corridos tumbados, uno de los géneros más influyentes del momento.

Esta combinación no solo se refleja en el sonido, sino también en lo visual, consolidando una propuesta que busca conectar con nuevas audiencias y expandir los límites de ambos estilos.

Un regreso marcado por la polémica

El lanzamiento de Last Breath forma parte de Bully, el nuevo álbum del artista, que llega tras uno de los momentos más controversiales de su carrera. Sus declaraciones antisemitas y racistas generaron un fuerte rechazo global, obligándolo a ofrecer disculpas públicas, donde incluso reconoció haber perdido el contacto con la realidad.

Éxito en números y reacción del público

A pesar de la polémica, su regreso ha tenido un impacto inmediato, el disco superó los 30 millones de reproducciones en Spotify en sus primeras 24 horas.

Además, todos los temas del álbum lograron posicionarse entre los más escuchados a nivel global, demostrando que, más allá de las críticas, Kanye West sigue siendo una figura que domina la conversación cultural.

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¿Cuándo y a qué hora ver la Luna Rosa en Ecuador?

La Luna Rosa, nombre que recibe la luna llena de abril, se producirá el viernes 2 abril de 2026. En Ecuador, podrá observarse desde el atardecer, alcanzando su punto máximo durante la noche. Aunque el momento exacto del plenilunio ocurre en horas específicas a nivel astronómico, para efectos de observación el mejor horario será entre las 18:30 y 22:00, cuando la Luna asciende con mayor brillo sobre el horizonte.

Ese día, el satélite natural se ubicará en la constelación de Virgo, acompañado visualmente por Spica, su estrella más brillante. A pesar de su nombre, la Luna no adquiere un tono rosado: la denominación proviene de la flor Phlox subulata, que florece en esta época del año en el hemisferio norte.

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La clave: la Luna define la Semana Santa

El dato central que explica todo es este: la Semana Santa depende del ciclo lunar. No es una fecha fija en el calendario porque se rige por una fórmula establecida hace siglos.

En el Concilio de Nicea (325 d. C.), la Iglesia determinó que el Domingo de Pascua debía celebrarse el primer domingo después de la primera luna llena posterior al equinoccio de marzo. Es decir, la luna llena marca el punto de partida.

Por eso, cada año la Semana Santa cambia de fecha, pero siempre se ubica entre el 22 de marzo y el 25 de abril. En la práctica, esto implica que el Viernes Santo y el Sábado Santo suelen coincidir o rodear la luna llena, generando esa imagen recurrente del cielo iluminado durante las celebraciones religiosas.

Un calendario que une tradiciones religiosas

Este sistema no surgió de forma aislada. La relación entre la Pascua cristiana y la luna tiene antecedentes en el judaísmo. La Pascua judía (Pésaj) también se determina a partir de una luna llena en primavera, y los primeros líderes cristianos buscaron alinear ambas celebraciones, considerando la narrativa de la resurrección.

Así, el calendario cristiano heredó una lógica que conecta directamente con los ciclos naturales. La Luna, en este contexto, deja de ser solo un fenómeno astronómico para convertirse en un marcador simbólico del tiempo sagrado.

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Por qué la Luna Rosa 2026 es clave

En 2026, la Luna Rosa cae en una fecha que coincide con el periodo central de la Semana Santa, reforzando esa relación histórica entre cielo y liturgia. No se trata solo de un evento visual, sino de un punto de referencia que define el calendario completo de celebraciones religiosas del año.

La fecha del Domingo de Resurrección, considerada el eje de la Semana Santa, depende directamente de este cálculo. A partir de ella se organizan otras festividades del calendario cristiano.

La Luna Rosa no es un evento raro, pero su significado va más allá de lo astronómico. Es un recordatorio de cómo las civilizaciones han utilizado el cielo para ordenar su vida espiritual, social y cultural.

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Milo J trajo su folklore a Guayaquil: así fue su concierto

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La noche del 28 de marzo estuvo agitada afuera del Coliseo Voltaire Paladines Polo. Las últimas horas antes del toque de queda no fueron impedimento para que miles de jóvenes se concentraran y llevaran toda su energía para uno de los conciertos más palpitantes de lo que iba del año. Entre camisetas, gorras y grupos de chicos reunidos, muchos con la albiceleste puesta, el concierto de Milo J se configuró como algo más que una presentación musical. El club de fans del artista en Ecuador (@miloj_ec) organizó a parte del público en los exteriores, mientras la expectativa creció entre quienes llegaron desde temprano. No fue solo asistir a un show, fue reconocerse dentro de un mismo lenguaje.

Dentro del recinto, con cerca del 70% de su capacidad ocupada, la humedad de la noche guayaquileña marcó el ritmo de la espera. Pósters convertidos en abanicos, botellas de agua en mano y una audiencia mayoritariamente universitaria sostuvieron la antesala de un concierto que inició a las 19:35, en un horario ajustado por la disposición gubernamental del horario de libre circulación (23:00). La salida del intérprete rompió esa pausa: el grito fue inmediato, “Milo, Milo, Milo”, como una afirmación colectiva antes de que sonara la primera canción.

El arranque fue directo. Bajo de la piel abrió el repertorio, acompañado por siete músicos, entre ellos una tecladista y una flautista, que no solo ejecutaban, sino que se movían en escena con una energía cercana al freestyle, cada integrante disfrutó a su manera su lugar en el escenario. Hubo momentos de conexión colectivo, cuando el artista preguntó “¿Saben saltar, Guayaquil?”, y el coliseo respondió de pie, haciendo que el suelo se moviera en sintonía. También hubo pausas, El bolero llevó el concierto hacia un registro más íntimo, mientras los solos de percusión, presentados como “un pedacito de argentinidad”, y de teclado o de violín, marcaron transiciones dentro del show.

Pero el punto de mayor conexión no llegó con la euforia, sino con el mensaje. Hacia el tramo final, El invisible sonó como una síntesis del show. La canción, que retrata la vida de quienes quedan fuera del sistema, resonó en un público que no solo la cantó, sino que la asumió. La idea de ser “el que nunca ha sido” dejó de ser una frase para convertirse en una identificación compartida, en un concierto donde la voz del artista se cruzó con la experiencia de quienes lo escuchaban.

Ese cruce también se manifestó en los gestos del público. En varios momentos se escuchó el grito de “Milo presidente”, acompañado por la modificación de la imagen del presidente de cartón (que fue usada en la última campaña política) y en la que se modificó el rostro de Daniel Noboa por la de Milo J. Él no respondió a esa consigna. Se mantuvo en su lugar, agradeciendo con sobriedad, sin reforzar el símbolo. En escena, no ocupó ese rol. Su lugar fue otro: el de quien narró desde un origen similar al de quienes estaban frente a él.

El concierto cerró pasadas las 21:30, tras un recorrido de 34 canciones. Para entonces, la euforia de temas como Niño, Llora, llora y Gil ya había marcado los picos de la noche. En Guayaquil, el show de Milo J cerró su gira por Ecuador, con tres fechas, y dejó claro que nadie es invisible mientras se tenga algo que decir.

Milo J hizo una parada para conocer a Guayasamín

El paso de Milo J por Ecuador se consolidó con tres conciertos en el marco de su gira La vida era más corta Tour Mundial. El artista argentino convocó a más de 25.000 personas en sus presentaciones en Quito y Guayaquil, con dos fechas agotadas en el Coliseo General Rumiñahui y una en el Coliseo Voltaire Paladines Polo. 

Aunque Milo J no tuvo acercamientos con la prensa, sí aprovechó su paso por el país para recorrer espacios culturales en Quito. A través de sus redes sociales, compartió su visita a La Capilla del Hombre, donde conoció la obra de Oswaldo Guayasamín, marcada por su enfoque en la desigualdad, la pobreza y la memoria latinoamericana. Este recorrido dialoga con el universo de su propuesta artística, que conecta lo contemporáneo con las raíces sociales y culturales de la región.

Lo bueno y lo malo del show

Lo bueno

• El concierto de Milo J en Guayaquil no se sostuvo únicamente en lo musical. Desde su salida a escena, el artista incorporó elementos visuales que marcaron el desarrollo del show y le dieron una narrativa propia. Uno de los momentos iniciales fue la aparición con un muñeco que representaba su propia figura. El gesto de lanzarlo al suelo y apuñalarlo, seguido de la imagen de una daga en su espalda, definió el tono del arranque y dio paso al inicio del repertorio. Las pantallas y el juego de luces demostró la teatralidad y profundidad de su concepto.
• Milo J usó la camiseta de la selección ecuatoriana, un gesto que el público tomó con mucho entusiasmo.

Lo malo

• En la localidad fan (tribuna), parte del público reportó dificultades para ver el espectáculo debido al ángulo de las ubicaciones. Las pantallas laterales obstruían parcialmente la visión del escenario, lo que generó incomodidad en los primeros minutos del concierto e incluso reclamos hacia el personal de seguridad.
• A esto se sumó la variación en los precios de bebidas y snacks dentro del recinto. Mientras en los bares establecidos existía un valor referencial ($2 agua, $2.50 canguil), algunos vendedores que circulaban entre el público ofrecían los productos con recargos de hasta un dólar adicional, lo que generó inconformidad entre los asistentes.

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Una noche inolvidable

La ceremonia, celebrada la noche del 26 de marzo en el Dolby Theatre de Hollywood y conducida por el rapero estadounidense Ludacris, tuvo de protagonista indiscutible a Taylor Swift. 

La intérprete de Love Story, quien era la más nominada con nueve candidaturas, se llevó siete premios, incluyendo el de Artista del Año por tercer año consecutivo.

Las otras categorías en las que resultó victoriosa fueron: álbum pop del año, estilo de gira favorito, canción del año, mejor video musical, baile favorito de TikTok y mejor letra.

Este logro no solo reafirma su dominio actual en la industria musical, sino que amplía su récord histórico dentro de los iHeartRadio Music Awards, donde ya acumula 41 galardones.

Discurso con mensaje a los artistas

Durante su intervención, la cantautora estadounidense dejó uno de los momentos más comentados de la noche al dirigirse a los artistas emergentes con un mensaje directo sobre la presión de las redes sociales y la importancia de cuidar el proceso creativo.

La cantante insistió en la necesidad de darse tiempo para fallar, aprender y perfeccionar el arte lejos del ruido digital, en un discurso que rápidamente se viralizó en el ecosistema digital.

Debut en alfombra roja y momentos virales

Más allá de los premios, Taylor también acaparó titulares por su aparición junto a su prometido, Travis Kelce. Fue la primera vez que ambos asistieron juntos a una gala de premios, desatando reacciones en redes sociales.

La artista incluso le dedicó palabras durante su discurso, vinculando su felicidad personal con la libertad creativa que refleja su música reciente.

Otros ganadores y momentos destacados

La gala también dejó espacio para otros grandes nombres. Miley Cyrus fue reconocida con el Innovator Award, mientras que Alex Warren se llevó Canción del Año por “Ordinary”. En la categoría latina, Bad Bunny volvió a posicionarse como uno de los artistas más influyentes del momento, reafirmando su impacto global.

Un show lleno de música y novedades

La edición número 13 de los premios celebró a los artistas más escuchados de 2025, basándose en reproducciones, difusión radial e interacción del público. El show incluyó presentaciones de artistas como Kehlani, RAYE y Lainey Wilson, además de una actuación especial que reunió por primera vez a TLC, Salt-N-Pepa y En Vogue.

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Esta semana tenemos al narrador paraguayo Juan Ramírez Biedermann (Asunción, 1976), quien en su faceta como músico pertenece actualmente a las agrupaciones Eyesight y Coral Negro.

Él además tiene un amplio historial tras haber sido parte de Sabaoth, nombre inevitable al momento de estudiar la historia de la música extrema no solo de su país, sino de la región.

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Desde estas páginas queremos acercar a nuestros lectores a artistas de países que muchas veces no son lo suficientemente explorados, pero que ofrecen una gran riqueza y diversidad.

Lo contactamos aprovechando el lanzamiento de su novela Mango en Argentina, a cargo de Ediciones Diotima, después de que en noviembre pasado el texto fue reconocido con una Mención de Honor en el Premio Nacional de Literatura 2025. 

Se trata de la tercera edición, luego de que Mango fuera publicada en Paraguay por Editorial Rosalba y en Perú por Altazor, editorial que ya le había publicado sus dos primeras novelas, Fondo de nadie y Plegaria de Penumbras. 

Juan nos da su punto de vista acerca de la relación entre la música y la literatura como forma de manifestarse, además de contarnos de sus proyectos pasados, presentes y futuros.

Siempre a los artistas de países pequeños en tamaño, como Ecuador y Paraguay, les resulta difícil proyectarse fuera de sus territorios.

Paraguay es un país pequeño, de menos de siete millones de habitantes, y eso hace que represente un mercado pequeño para la industria editorial. Estamos rodeados de Brasil, que es un continente, y de Argentina, que tiene más de 40 millones de habitantes. Esos dos países nos tienen como sándwich. Eso hace que la difusión de la literatura paraguaya no sea la mejor, lamentablemente.

Sin embargo, Uruguay también es pequeño...

Uruguay es más pequeño que el Paraguay, pero tiene otro tipo de gestión y de tradición y ha sabido ganarse un espacio, sobre todo en la industria cultural. El Paraguay no, el Paraguay fue un país siempre muy cerrado, muy complejo en cuanto a apertura y acceso a mercados grandes del arte.

Pero en Paraguay eso debe estar cambiando con el tiempo...

Sí. Por ejemplo, en el tema del cine, tenemos películas que compiten en el Festival de Cine de Berlín, que son presentadas en Cannes. No tantas, porque la industria no tiene recursos para producir muchas películas. Tenemos Narciso (del director paraguayo Marcelo Martinessi), que acaba de ganar (el premio Fipresci) en la Berlinale 2026.

En su caso, ¿cómo ha logrado publicar fuera de Paraguay?

Yo en la literatura seguí el ejemplo de Sabaoth, de buscar que mi trabajo no termine en Paraguay. Porque uno escribe para el mundo. Entonces, uno hace el esfuerzo, se va moviendo. La editorial Altazor, de Perú, publicó (en 2010) mi primera novela, El fondo de nadie, y me dijeron: “¿Te animabas a presentar el libro?”. Hice el esfuerzo, pasé 20 días recorriendo 5.000 km presentando el libro 18 o 19 veces en distintas ciudades de Perú.

La autogestión es muy válida.

Si vienes de un país pequeño y con poca visibilidad, tienes que hacer no un doble o triple esfuerzo, sino hasta un quíntuple esfuerzo.

Después se cosecha el resultado de ese esfuerzo.

De a poquito va rindiendo frutos, se abren puertas. Fue lo que ocurrió con la editorial argentina: estuvieron abiertos a leer Mango y les encantó. Es un trabajo de persistencia, de mucho sacrificio, pero si uno está convencido de lo que hace y tiene vocación, no queda otra.

El año pasado, Mango fue reconocida en su país.

Recibió mención especial en el Premio Nacional de Literatura del Paraguay, que sería el más importante de mi país. Ahora aparece en la escena argentina gracias a Diotima. Estoy a punto de cerrar una cuarta edición en otro país, ojalá se dé este año. Y sería genial publicar en Ecuador.

Asunción, en el mapa del underground mundial  

Gracias a toda la información que existe ahora, el metal latinoamericano extremo ha sido reivindicado a nivel mundial en los últimos años.

Sí. Nosotros a fines de los 80, en los 90, teníamos un circuito de correspondencia, una red de ‘tape trading’ (intercambio de ‘casets’ por correo postal). Eso nos permitía acceder a fanzines, a gente que coleccionaba música underground, principalmente de Europa, y allá siempre estuvieron muy interesados en Sudamérica.

Un respeto ganado a pulso.

A comienzos de los 90 intercambiábamos cartas, por ejemplo, con la gente de Emperor (de Noruega), que en aquel entonces se llamaba Thou Shalt Suffer; y muchas bandas del black metal cuando aún no surgían o estaban en camino a surgir. Gente de Mayhem, (Kristian) Vikernes de Burzum y más.

En entrevista con Marko Laiho, de Beherith, una de las primeras bandas extremas de Finlandia, él le confesó a EXPRESIONES su devoción por el metal brasileño.

Nuestra pieza fundamental para intercambios con ‘tape traders’ de Europa era Sarcófago. Todo el mundo te lo pedía y a cambio recibíamos material nuevito. Recuerdo que llegó la primera edición del disco de Merciless, The Awakening, del sello (noruego) Deathlike Silence, de Euronymous (+); o Worship Him, el primero de Samael, de Osmose (sello francés).

Más importante que el dinero, era tener contactos, para acceder a esa música.

Yo conservo hasta ahora el primer disco de Burzum (autotitulado, de 1992), la edición limitada de la Deathlike Silence. Ese disco cada vez está más caro. Ahora creo que se vende en 3.500 euros o una cosa así.

¿Cómo era grabar con las limitaciones de la época?

En el Paraguay los primeros demos profesionales los lanzamos nosotros, Sabaoth, además de la banda de grindcore Disincarnated. Dimos un poquito el puntapié inicial a ese proceso de profesionalización de la música extrema. Había muy pocos lugares para tocar, muy pocos recursos. Pero éramos chicos de 17, 18 años, con toda la energía del mundo

Igual con la difusión.

Estamos hablando de una época pre-internet. Había que ir todos los días al correo cargado de sobres, cajas, estampillas.

Eso motivó a otras bandas.

Asumo que Sabaoth fue clave en la escena paraguaya para ayudar a potenciarla. El primer disco de metal en el país fue de Corrosión, de thrash metal, y poquito después Sabaoth sacó su disco. En un par de años hicimos dos demos que tuvieron mucha difusión. Eso ayudó a que nuestro primer disco lo lance un sello argentino (Stormsouls), que nos dio más visibilidad. La escena argentina es mucho más grande que la paraguaya.

Sabaoth ya se había ganado un nombre gracias al intercambio de cintas.

Al propio sello le impresionó nuestra dedicación a la distribución del material.

Ese disco debut lo presentaron en Buenos Aires.

Prácticamente el primer show que dimos después de lanzar el disco fue en Buenos Aires con Sarcófago, dos noches, en 1996. Mucha gente vio la impronta que dejaba Sabaoth con su esfuerzo. Y nosotros hicimos eso viendo lo que hacían bandas internacionales. Veíamos cómo trabajaban y decíamos: “Tenemos que hacer lo nuestro con lo que hay y con lo que no hay también”.

El cariño hacia Sabaoth se mantiene.

Incluso ahora, todas las semanas, por no decir todos los días, hay gente que nos escribe en redes.

Nuevo proyecto y sugerencias

Luego de Mango, ¿ha trabajado en un nuevo texto?

Sí, una novela. Por primera vez estoy empezando a tocar temas relacionados con el black metal. Muchos amigos me decían que tenía que contar la historia del black metal, de todo el contacto que nosotros teníamos en aquel entonces, en tiempo real, cuando allá en el norte (de Europa), sobre todo en Noruega, ocurrían todos los sucesos (iglesias quemadas, músicos involucrados en asesinatos).

Hay un material interesantísimo ahí.

Sí, esta novela por primera vez aborda eso y me está generando muchísimo entusiasmo. Voy súper bien. Soy un poco lento para escribir, creería que este libro va a estar terminado en tres, cuatro años.

¿Qué editoriales y escritores de la escena paraguaya nos podría recomendar?

Recomendaría leer a Rolando Duarte Mussi, Cave Ogdon, Montserrat Álvarez, Christian Kent, Damián Cabrera, Javier Viveros, José Pérez Reyes, Mónica Bustos, entre otros. En cuanto a editoriales, acudan, por ejemplo, a Rosalba, Arandura, Ediciones de la Ura, Aike Biene...

¿Y qué bandas de la escena paraguaya extrema nos podría sugerir?

Todos ustedes están obligados a escuchar Coral Negro, un desatino y atropello de grindcore, doom, stoner rock, drone, entre otros. Asimismo, Kuazar, Verthebral, Sadistic Art, Wisdom, NOD 206 están haciendo cosas muy importantes.

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El evento llega a su quinta edición con más categorías y una lista de nominados más amplia. Entre los reconocimientos constan Artistas Más Escuchados en Radio y Plataformas, Canción del Año, Autor del Año, Artista Revelación, Trayectoria en Géneros Populares y Alternativo.

En las nominaciones destacan Jombriel, Jøtta, Alex Krack y Dayanara, con cinco menciones cada uno. También aparecen Alex Ponce y Mar Redón, con cuatro. A la lista se suman nombres como Mel Mourelle, Sama, Machaka, Gonzalo Ávila, Grupo Beren, Estamos Perdidos y Flix Pussy Cola.

Los artistas alternativos también tienen su espacio

En la categoría Alternativo figuran Luz Pinos, Camila Pérez, San Pedro Bonfim, Mauro Samaniego, Guanaco, La Madre Tirana, Jatun Mama, Sexores y Jazz the Roots. En Trayectoria en Géneros Populares están Margarita Lugue, Juanita Burbano, Segundo Rosero, Máximo Escaleras, Don Medardo y sus Players, Sahiro y Gerardo Morán.

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¿Cómo se escogen a los ganadores de los premios REM?

SAYCE señaló que los ganadores se definen mediante herramientas de medición que analizan el impacto en radio y plataformas digitales. A esto se suma el voto del público, que podrá participar entre el 23 de marzo y el 12 de abril a través de Instagram, con el hashtag #PremiosREM2026.

La gala se transmitirá en las plataformas digitales y redes sociales oficiales de SAYCE.

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Este álbum refleja una etapa en la que la artista asume un rol más activo en la escritura de su música y conecta con una idea que arrastra desde los años 80. El resultado es un trabajo que articula su presente con su historia musical.

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Se ha acabado el show

El álbum reúne diez canciones que parten de experiencias personales y se construyen desde una narrativa directa. Temas como La maleta, A veces y Rosa del desierto marcan el tono del proyecto.

La producción combina elementos contemporáneos con recursos asociados a su trayectoria. Además, la colaboración con Esteman en Problemas de conversación introduce un diálogo generacional dentro del repertorio.

Puntos cardinales

Este disco marca el inicio de la etapa solista de Ana Torroja, en un contexto en el que Mecano se encontraba en pausa.

El álbum presenta una base de pop latino con producción de Tony Mansfield y una estructura que incluye sencillos como A contratiempo, Como sueñan las sirenas y Partir. En este trabajo, la artista participa en la escritura de varios temas, lo que introduce un cambio en su rol creativo respecto a su etapa en grupo.

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Me cuesta tanto olvidarte

Este proyecto funciona como una reversión de los éxitos de Mecano. Bajo la producción de Aleks Syntek, el disco reúne versiones que trasladan canciones como Hijo de la luna, Un año más y Barco a Venus a otros géneros, entre ellos huapango, samba y rumba.

La propuesta se construye como un ejercicio de relectura sobre su propio catálogo, en el que la artista modifica estructuras y arreglos sin desprenderse del material original.

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