Lo que debes saber

• José Luis Landívar ha construido una carrera donde el diseño gráfico, la moda, el modelaje y la creación de contenido conviven con naturalidad.
• A sus 37 años, el guayaquileño apuesta por una vida creativa, multifacética y marcada por la constancia.
• Con su marca Overhit, busca transmitir una filosofía basada en la actitud, el esfuerzo y la decisión de intentarlo hasta lograrlo.

Cada día, José Luis Landívar parece moverse entre una idea nueva, un proyecto distinto o un talento por descubrir. Diseñador gráfico, creador de contenido, modelo y fundador de su propia marca de ropa, no se conforma con una sola etiqueta. 

Más allá de los títulos, lo define una energía espontánea y creativa: la de alguien que se atreve a crear, probar y reinventarse sin miedo a salirse del molde. Junto a EXPRESIONES, el guayaquileño de 37 años revela cómo ha construido un camino donde la imagen, la moda y la comunicación conviven de forma natural.

El creativo detrás

Antes de llegar al mundo publicitario, José Luis ya tenía una relación cercana con el arte. Desde niño se sintió atraído por pintar, dibujar y participar en actividades vinculadas a la actuación. Esa inclinación creativa fue marcando su camino hasta llevarlo al diseño gráfico, una carrera que le permitió unir su gusto por lo visual con el mundo de las marcas, la comunicación y las ideas.

Con el tiempo, esa vocación se transformó también en una profesión. Desde los 19 años empezó a trabajar en agencias de publicidad y, en 2018, decidió emprender por su cuenta. Hoy, como diseñador gráfico y máster en dirección de arte, dirige su propia agencia, desde donde acompaña a distintas marcas en el desarrollo de su imagen y sus estrategias. “Más allá de ganar dinero, también me llena de satisfacción cuando a los clientes les va súper bien. Lo importante para mí es que todos ganemos”, cuenta.

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Frente a cámaras y pasarelas

Su faceta como modelo nació casi al mismo tiempo que su camino en la publicidad. Desde hace más de 10 años, ha sido parte de comerciales y producciones audiovisuales, un terreno que fue explorando entre intentos, pausas y nuevos comienzos. Y aunque al inicio participó en proyectos pequeños o como extra, la pandemia marcó un giro importante.

Una producción en la que empezó como parte del elenco secundario terminó abriéndole nuevas puertas, hasta llevarlo a quedar como protagonista en otros comerciales. Ese impulso lo motivó a prepararse de manera más formal y, en 2023, se graduó como modelo profesional. Desde entonces, ha participado en pasarelas y campañas para marcas nacionales e internacionales.

Pero… desde su experiencia, ¿es fácil ser modelo? Con seguridad responde que no: “Un modelo no es solo una cara bonita, es tener las actitudes y reflejar lo que las marcas quieren. Uno de mis grandes sueños es estar en desfiles en Europa. Sé que muchas veces la estatura puede ser un problema, porque mido 1.72 m y, en el mundo de la alta costura, muchas marcas suelen pedir modelos de 1.80 m en adelante. Pero también sé que han existido excepciones, incluso con modelos más bajos que yo. En esta industria importa mucho la actitud, y creo que cuando una persona la tiene, puede abrirse camino”, afirma.

Diseños con actitud propia

En su universo, la ropa no es solo una prenda, sino una forma de expresar actitud, carácter y esa energía de quien decide apostar por sus ideas hasta verlas crecer. Por eso, hace cerca de una década, nació su proyecto de ropa, que inicialmente se llamó Overfit y luego evolucionó a Overhit, un nombre que conecta con la personalidad de la marca y con su propia forma de ver la vida: intentarlo hasta lograrlo.

Aunque al inicio intentó encargarse de todo, con el tiempo entendió que el crecimiento también se construye en equipo y hoy agradece el apoyo de personas que han sido parte importante de este proceso. ¿Y cómo es su estilo al vestir? Él detalla que su estilo es bastante variable. “Depende mucho de con quién me vaya a reunir, de lo que tenga que hacer ese día e incluso de mi estado de ánimo. En general, mi estilo se mueve entre lo urbano y lo casual”, explica.

Cosplay y perseverancia

Antes de las pasarelas y los comerciales, el cosplay fue una de las primeras formas en las que José Luis exploró la interpretación. A los 19 años participó en un concurso caracterizado como Kakashi, personaje del anime Naruto, y ganó. Desde entonces, también ha interpretado figuras como Doctor Strange, Capitán América, Gambito y Angemon, de Digimon, personajes que le permitieron unir su gusto por el anime, la actuación y la puesta en escena.

Aunque en los últimos años no ha realizado nuevos cosplays con la misma frecuencia, reconoce que esta práctica requiere tiempo, inversión y dedicación. “No se trata solo de usar un traje, sino de entender al personaje, apropiarse de su energía y transmitirla frente al público”, comenta. Para él, el cosplay también terminó siendo una escuela para perder el miedo escénico y conectar con su lado más expresivo.

Entre las historias que más lo han marcado está la de Naruto, un personaje con el que se identifica por su capacidad de levantarse después del rechazo y seguir adelante. José Luis recuerda que en su infancia también vivió momentos difíciles en el colegio, pero esas experiencias terminaron fortaleciendo su carácter y su forma de mirar a los demás. “Ahí aprendí a valorar a las personas por lo que son, más no por lo que tienen”, dice. Esa lección, junto con la perseverancia de sus personajes favoritos, sigue acompañando su manera de avanzar: con optimismo, disciplina y la decisión de no rendirse fácilmente.

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Emprender sin perder el enfoque

Para José Luis, emprender en varias facetas requiere empezar con claridad, probar en el camino y aprender a soltar el control cuando el proyecto empieza a crecer:

Créditos. Fotos y producción: Vanessa Tapia. Vestuario: Overhit (@overhit.ec).

Una obra de creación colectiva

• Sin Vereda es una propuesta escénica interdisciplinaria que combina danza contemporánea, teatro, música en vivo, textos y artes visuales para explorar cómo los recuerdos personales permanecen inscritos en el cuerpo y reaparecen a través de los sentidos.
• Concebida por el coreógrafo Eduardo Mena junto a cinco artistas, la obra se estrenará el 12 de junio en el Teatro de la Compañía Nacional de Danza.

La canción que sonaba en la radio del auto paterno camino a la escuela, el sabor del néctar robado de las flores del jardín vecino, la textura de aquel sticker afelpado que sellaba las cartas secretas intercambiadas con una amiga.

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Los recuerdos íntimos, esos que permanecen dormidos durante años y reaparecen sin previo aviso, forman parte esencial de la memoria personal. Basta un olor, una melodía o una calle para regresar de golpe a un momento lejano, como si el tiempo hubiera decidido doblarse sobre sí mismo.

Esa relación entre el cuerpo, los recuerdos y el paso del tiempo es el punto de partida de Sin Vereda, una propuesta escénica interdisciplinaria que se presentará el 12 de junio, a las 19:00, en el Teatro de la Compañía Nacional de Danza. La obra reúne danza contemporánea, teatro, música en vivo, composición sonora, textos y artes visuales para explorar la forma en que la memoria permanece activa en la experiencia cotidiana y cómo ciertos recuerdos continúan habitando el cuerpo mucho después de haber ocurrido.

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La propuesta fue concebida por el bailarín y coreógrafo Eduardo Mena junto a un grupo de cinco artistas. Desde el inicio, el interés estuvo puesto en alejarse de los grandes relatos históricos o de la memoria colectiva para concentrarse en experiencias personales, aquellas que suelen permanecer resguardadas en espacios íntimos.

“Sin Vereda aborda el tema de la memoria y los recuerdos desde lo más privado. No quisimos abordarla desde un lugar de memoria colectiva o social, sino desde estas memorias mucho más personales”, señala el artista.

Una mirada colectiva

La construcción de la obra tomó varios meses. El equipo está conformado por un músico y cuatro intérpretes provenientes de distintas disciplinas, uno de ellos también actor. Esa diversidad de trayectorias terminó por convertirse en uno de los elementos que definieron la forma final del montaje.

En escena aparecen evocaciones ligadas a la infancia, a los vínculos familiares y a experiencias cotidianas que permanecen almacenadas durante años. Más que reconstruir una historia lineal, Sin Vereda se pregunta dónde se alojan los recuerdos y qué mecanismos hacen posible que reaparezcan cuando menos se espera.

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“Queríamos ver qué pasa con el cuerpo, dónde se evocan estas memorias. Cuáles son esos recuerdos que están escondidos y de pronto florecen. Emergen desde una memoria muy oculta y de repente te das cuenta de que todavía recuerdas una canción, un olor, una comida. En ese momento, el cuerpo es expuesto, reacciona para poder recordar, y hace un movimiento casi involuntario”, explica el director.

Para iniciar la investigación escénica, Mena propuso una serie de detonantes vinculados con la experiencia personal de cada participante. La comida, las canciones escuchadas durante la niñez, los juegos infantiles, los paisajes recorridos y otros fragmentos de la vida cotidiana se convirtieron en puntos de partida para explorar la memoria desde el movimiento.

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“Por ejemplo, en la obra evocamos la memoria desde la comida, la música que escuchaban nuestros padres y abuelos en sus casas. También aparece mucho el juego infantil, los paisajes, los caminos recorridos. Es como una suma de cosas. Yo les propuse a los artistas que, desde estos elementos, pudiéramos investigar cómo se dispone el cuerpo, y ellos también fueron aportando desde esas premisas”, comenta.

A partir de ese trabajo colectivo fueron surgiendo imágenes, acciones y situaciones que, aunque nacieron de experiencias individuales, terminaron encontrando puntos de conexión entre sí. La memoria personal se transformó así en un territorio compartido, que pasó a la escena.

Del pasado al presente

El proceso derivó en una propuesta donde los límites entre disciplinas se vuelven más flexibles. El músico participa también desde el movimiento corporal, mientras que los bailarines generan sonidos y ejecutan acciones musicales en vivo. Asimismo, la palabra ocupa un lugar importante dentro de una obra construida principalmente desde el lenguaje físico.

“Al principio parecía que las escenas pertenecían solamente a quien las recordaba. La escena de la música, del juguete o de alguna experiencia de la infancia parecía individual. Pero en el trabajo de buscar relaciones entre una escena y otra te das cuenta de que todo tiene una posibilidad de tejido. Ahí aparece un discurso. La obra empieza a mostrarse por sí misma y uno comienza a descubrirla. Cuando terminamos de construirla sentimos que había conectado con lo que cada uno esperaba y que se había concretado un lugar en el que todos nos sentíamos apropiados de la obra”, concluye.

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Un estreno que apuesta por el futuro

La función de estreno de Sin Vereda se realizará en el Teatro de la Compañía Nacional de Danza, y las entradas tienen un valor de $12. Aunque el equipo se encuentra concentrado en esta primera puesta en escena, la obra fue concebida con la intención de continuar su recorrido más allá de la fecha de estreno.

Mena asegura que, después de esta primera función, el equipo espera gestionar nuevas presentaciones dentro y fuera de Quito. Entre los lugares que les interesa visitar se encuentran ciudades como Loja y Guayaquil, además de otros espacios escénicos que puedan acoger una propuesta interdisciplinaria de estas características. 

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“Nuestro interés es poder mostrarla en todos los lugares posibles. Es una obra que dialoga con distintas expresiones artísticas y nos interesa que pueda seguir circulando. Pero por ahora toda nuestra atención está puesta en este estreno”, indica.

Lo que debes saber

• He-Man regresa al cine con una nueva lectura del poder masculino.
  
  
• Masters of the Universe busca seguir el camino cultural de Barbie.
  
  
• 
  Nicholas Galitzine lidera el regreso de la franquicia de Mattel.

Cuando Barbie llegó al cine, Mattel demostró que una marca nacida en una juguetería podía convertirse en fenómeno cinematográfico global. La película de Greta Gerwig recaudó 1.447 millones de dólares en todo el mundo, con 636,2 millones en Estados Unidos y Canadá, y 810,9 millones en mercados internacionales. La cifra la convirtió en la película más taquillera de 2023 y en el gran precedente para la ambición cinematográfica de Mattel.

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Con 'He-Man y los Masters del Universo', la compañía intenta mover otra pieza de su memoria pop: el héroe musculoso que durante décadas representó una idea frontal del poder masculino. La diferencia es que, esta vez, el entusiasmo cultural no ha llegado con la misma fuerza. Reportes de taquilla ubican su estreno mundial en 54,3 millones de dólares, mientras Scary Movie lideró el fin de semana con 105,5 millones a escala global.

Esa distancia permite leer la película desde dos lugares. Por un lado, como un intento de Mattel por repetir la fórmula: tomar una franquicia de juguetes, envolverla en nostalgia y actualizarla para una audiencia que ya no mira esos íconos con la misma ingenuidad. Por otro, como una señal de que no todas las marcas de infancia tienen el mismo poder emocional, comercial o generacional.

La propia producción reconoce la comparación. Robbie Brenner, presidenta de Mattel Films y productora de Masters of the Universe, afirma que ambas películas nacen de un mismo impulso, aunque no del mismo tono. “Esta es nuestra segunda película y es una gran franquicia. Es lo completamente opuesto a Barbie, pero creo que atrae a todos los públicos”, señala Brenner en las notas de producción.

La nueva película fue dirigida por Travis Knight, con guion de Chris Butler, Aaron Nee, Adam Nee y Dave Callaham. La historia está basada en la franquicia de Mattel y cuenta con Todd Black, Jason Blumenthal, Robbie Brenner y DeVon Franklin como productores. El equipo técnico incluye a Fabian Wagner en la dirección de fotografía, Guy Hendrix Dyas en el diseño de producción, Paul Rubell en edición, Richard Sale en vestuario y Daniel Pemberton en la música.

Más de 17 años detrás de la historia

El dato de producción no es menor. Jason Blumenthal había intentado sacar adelante el proyecto durante más de 17 años, hasta concretarlo junto a Todd Black y Robbie Brenner. Para él, la clave fue no esconder lo extraño del universo de He-Man. “Hay que tener sentido del humor porque algo de esto puede sentirse un poco fuera de lo común”, dice. “Una película de Masters of the Universe debe entender lo lúdico, entender que algunos de estos personajes tienen nombres locos y encontrar una manera de incorporarlo a la historia”.

He-Man después de Barbie

La comparación con Barbie abre una pregunta inevitable: si la película de Greta Gerwig revisó la feminidad desde el humor, la estética rosa y la crisis existencial de su protagonista, ¿puede He-Man hacer algo parecido con la masculinidad?

La nueva versión parece intentarlo. Su He-Man no quiere ser solo el hombre fuerte que levanta una espada. La producción insiste en presentar a Adam como alguien que duda, que carga una ausencia y que debe aprender a usar el poder sin quedar reducido al músculo. Nicholas Galitzine, protagonista de la cinta, lo explica desde esa vulnerabilidad: “Nunca quisimos perder de vista que este tipo sigue siendo Adam. Tiene dudas y no queríamos que los músculos le quitaran espacio al crecimiento del personaje”.

La lectura de nuevas masculinidades aparece con más claridad cuando el actor enumera las preguntas que guiaron al personaje: “¿Quién es esta persona cuando deja Eternia? ¿Cómo evoluciona en esos 15 años en la Tierra? ¿Qué lo obligó a encerrarse en sí mismo? ¿Por qué cree en hablar las cosas en lugar de usar los puños?”.

Ahí está la tensión más interesante de la película. He-Man sigue teniendo cuerpo de héroe de acción, pero su conflicto ya no pasa solo por derrotar a Skeletor. También pasa por entender que la fuerza puede expresarse desde la empatía, la duda y el autocontrol. Chris Butler, uno de los guionistas, lo resume con una idea central: “El tema central de la película es la humanidad”. Según él, al crecer en la Tierra, Adam aprende a ser humano y lleva eso de regreso a Eternia.

Travis Knight también se aleja de una lectura puramente física del personaje. Para él, Adam siempre tuvo un componente emocional que lo diferenciaba de otros héroes musculosos. “Había un corazón en Adam, en lo mucho que le importaban los demás. Incluso bajo la apariencia de He-Man, seguía siendo el tipo de hombre que querrías presentarle a tu mamá. Era simplemente un buen tipo”, sostiene.

Una producción construida desde la nostalgia

La película no solo toma como punto de partida la serie animada. Según las notas de producción, el guion se alimenta de varias etapas de la franquicia: los minicómics originales que venían con las figuras de acción, la serie de Filmation de 1983 a 1985, la película live action de 1987 con Dolph Lundgren, el revival animado de 2002-2004 y Masters of the Universe: Revelation, de Netflix. Incluso se incluye un guiño al video viral de He-Man cantando ‘What’s Up?’, de 4 Non Blondes.

Knight, quien dirigió Bumblebee y también estuvo vinculado a películas de Laika como Kubo and the Two Strings, Coraline, ParaNorman, The Boxtrolls y Missing Link, describe este regreso como un proyecto personal. “Este proyecto realmente es un sueño hecho realidad para mí porque he conocido a estos personajes prácticamente toda mi vida. Vi los dibujos animados, jugué con los juguetes, leí los cómics. Ha sido extrañamente conmovedor verlo todo recreado en la vida real”, afirma.

Esa relación de infancia también marcó la manera en que el director abordó el tono. “Un juguete querido de la infancia es un recipiente para la imaginación de un niño”, dice Knight. “Tenía todas estas figuras de acción. Tenía el set del Castillo Grayskull, que amaba, y creaba estas pequeñas aventuras en mi mente con mis figuras de He-Man”.

La Espada del Poder y el diseño del universo

La apuesta visual también se construyó desde la memoria del juguete. La Espada del Poder, uno de los objetos más reconocibles de la franquicia, fue tratada como pieza central del relato. “La espada es la historia”, dice Steven Morris, encargado de utilería. “Una vez que él tuvo la espada en la mano, se veía completo”.

Aunque en la mitología solo existe una Espada del Poder, el equipo fabricó cerca de 20 versiones para el rodaje: una para primeros planos, otra ligera, versiones blandas, una más corta y una flexible para escenas de acción. La decisión muestra cómo la película tradujo un objeto de juguetería en una herramienta cinematográfica adaptada al movimiento, la seguridad y la puesta en escena.

La utilería también buscó actualizar las armas sin romper su vínculo con la memoria de los fans. Morris explica que el equipo intentó emular los juguetes y armas animadas originales, pero con una lectura moderna para live action. La espada de Teela debía verse elegante y tener una piedra roja en la empuñadura, mientras Man-At-Arms fue concebido como “un sistema de armas ambulante”, con maza, arma lateral, cuchillo, gancho y cinturón de granadas ocultos dentro de su armadura.

Incluso el arma de Skeletor tuvo un detalle técnico particular. El Havoc Staff contó con una versión magnética que permitía a Jared Leto apoyarlo en el piso y dejarlo en pie gracias a un electroimán conectado a una placa.

Música, espectáculo y exceso ochentero

La música también fue pensada como parte del puente entre pasado y presente. Daniel Pemberton, compositor de la película, trabajó una partitura que mezcla épica fantástica, referencias retro y teatralidad. Knight señala que una de las grandes influencias fue Queen, banda que también participó en la música de Flash Gordon, película de 1980 que inspiró a los diseñadores de juguetes de Mattel.

“El gran punto de referencia musical para mí en esta película fue Queen. Yo era un gran fan de Queen cuando era niño”, afirma Knight. “Hay algo en su música que es operático, teatral, denso y con capas, pero con una sinceridad en el centro. Y eso, en resumen, es de lo que trata nuestra película”.

Pemberton también sumó una influencia disco cercana a ABBA y una orquestación romántica propia de una fantasía épica. Para Knight, esa mezcla de rock operático, disco e instrumentación romántica dio como resultado un sonido “único y distintivamente Masters of the Universe”.

Nicholas Galitzine, el músculo no hace al hombre

La película también incluye una conexión directa con el pasado cinematográfico de la franquicia: Dolph Lundgren, el He-Man de 1987, aparece en un cameo como una figura que guía al Adam de Galitzine. Según las notas de producción, el propio Lundgren ayudó a reformular la escena para que funcionara como un verdadero paso de antorcha. Su frase sintetiza la nueva tesis de la película: “Los músculos no hacen al hombre, chico”.

Esa línea podría ser el corazón del artículo. Si Barbie desmontó la idea de la muñeca perfecta, He-Man intenta desmontar la idea del héroe perfecto. El problema es que la taquilla muestra una brecha amplia entre ambas ambiciones. Barbie convirtió su revisión cultural en un fenómeno global; Masters of the Universe todavía debe demostrar que su reflexión sobre el poder masculino puede conectar más allá de los fans de la franquicia.

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Por eso, la pregunta del título no tiene una respuesta sencilla. He-Man y los Masters del Universo puede ser poderosa en intención, en nostalgia y en discurso sobre nuevas masculinidades. Pero, por ahora, no es tan poderosa como Barbie en alcance cultural ni comercial.

Lo saben perfectamente quienes tienen hijos en edad escolar o colegial. A las ‘madrugaderas’, los gastos y el permanente corre-corre para cumplir con todo, se ha sumado una nueva causa de estrés: los grupos de WhatsApp de padres de familia.

Ideados para mantener comunicación directa entre los representantes de los estudiantes, o también con los docentes, el uso de estos grupos se ha desvirtuado, convirtiéndose en ‘central de chismes’, espacio de polémicas, ring de discusiones sin sentido e incluso en ‘vitrina’ para promocionar la venta de artículos varios.

Muchos padres y madres caen en la trampa y se dejan arrastrar por la vorágine de estar pendientes a cada momento de todo lo que allí se dice.

Por eso, desde su experiencia, educadores y padres de familia les recomiendan a los lectores de SEMANA cómo participar en estos grupos sin alterar la convivencia interna, aprovechando sus ventajas y minimizando sus ‘riesgos’.

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Ir siempre a la fuente: el docente

Narcisa Talledo, máster en Gestión Educativa y editora, recomienda ir siempre a la fuente original: lo que escribió el docente. “Los padres a veces se aceleran, responden de forma impulsiva al último mensaje que ven de otro padre, lo que lleva a malinterpretaciones, porque se pierde el mensaje original”.

Cuando en su momento ella fue directiva de una institución educativa, tuvo que poner reglas al manejo de esos grupos. “Mis maestras sufrían”, por los malentendidos con los que debían lidiar.

No dejarse arrastrar por la confusión de otros padres

Gloria Zapata, madre de una niña y un adolescente, reconoce que la desesperación es contagiosa: basta que alguien en el chat mencione la palabra ‘tarea’ o ‘proyecto’ para que otros entren en pánico. 

Admite que en una ocasión levantó a su hijo (y a su esposo) en la noche, por una tarea que supuestamente debía entregar al día siguiente, solo porque una madre así lo dijo, para después darse cuenta de que la dichosa tarea no existía.

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No descuidar el contacto real

La licenciada y normalista Germania Zúñiga, ya jubilada, nos recuerda que ninguna tecnología remplazará nunca el contacto directo, ya sea con el docente o entre padres. 

“No se trata de entablar ñañerías, sino de establecer vínculos sinceros, sabiendo cuál es el principal objetivo: apoyar a nuestros chicos en su vida escolar”, nos recomienda.

Evitar tratar temas personales

Para el escritor y editor Alexis Cuzme, los grupos de WhatsApp son un mal necesario: su rol es clave para estar informados en cuanto a tareas y novedades. 

“Lo negativo es cuando los padres de familia usan este canal para tratar temas personales y no colectivos”, lo que desvirtúa el sentido de este recurso.

No tomarse nada de forma personal

Si alguna vez alguien escribe un comentario inapropiado o una opinión con la que no está de acuerdo, no ‘salte’ ni reaccione de forma agresiva. 

Una chispa malintencionada puede desatar un incendio dentro del grupo. Evitemos hablar de temas espinosos (como política, métodos de crianza, religión).

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La actividad, denominada Crear y Sentir, forma parte de la agenda previa al lanzamiento de Tender la cama, el nuevo EP de la artista. Más que una presentación musical, la propuesta busca generar un espacio de intercambio en torno a temas como la vulnerabilidad, la identidad, el deseo, el amor propio y las transformaciones que surgen en las relaciones humanas.

Detrás de Mokaita está Mónica Castillo, una artista independiente ecuatoriana que ha desarrollado una propuesta musical en la que convergen influencias del indie, el jazz, el folk y otros sonidos contemporáneos. Su trabajo se caracteriza por explorar la voz como una herramienta expresiva y por construir canciones que nacen de la intuición, la improvisación y la observación de experiencias cotidianas.

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Un encuentro con la audiencia

Para esta conversación, Mokaita estará acompañada por tres figuras de la escena musical ecuatoriana: Margarita Lasso, Emi Valencia y Sama. Juntas compartirán reflexiones sobre sus trayectorias, las distintas maneras de sostener una práctica artística en el tiempo y los aprendizajes que han encontrado en sus respectivos recorridos creativos.

El encuentro también propone una participación activa de los asistentes. La idea es que las experiencias individuales puedan dialogar entre sí y convertirse en una conversación colectiva sobre la creación, la sensibilidad y las formas en que el arte permite construir vínculos y comunidad. La ambientación estará inspirada en el universo de Tender la cama, una obra que gira alrededor de conceptos como el cuidado, la memoria y la intimidad.

Mokaita llega a esta nueva etapa tras consolidar una trayectoria independiente que incluye el álbum Agua Dulce, publicado en 2020, y el reciente EP en vivo Desde El Helipuerto, El Rotor. Su nuevo trabajo discográfico fue seleccionado por el fondo IFAIC 2025 para producción de EP.

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El encuentro Crear y Sentir se realizará el sábado 13 de junio, a las 17:00, en La Nube Casa Cultural, ubicada en San Francisco N39-145 y Av. América. El costo de ingreso es de $ 5. 

Lo que debes saber

• Julio César Herrera reveló que fue víctima de abuso sexual en su niñez
• El actor de Betty, la fea habló en una conferencia en Colombia.
• Jorge Enrique Abello y Lorna Cepeda reaccionaron al testimonio del actor

Julio César Herrera, recordado por interpretar a Freddy en Yo soy Betty, la fea, reveló que fue víctima de abuso sexual durante su niñez y adolescencia. El actor colombiano hizo la confesión en una conferencia sobre prevención de violencia contra niños y adolescentes en Colombia.

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Julio César Herrera, uno de los actores más recordados de Yo soy Betty, la fea, decidió hablar públicamente sobre una experiencia de su infancia. El intérprete de Freddy, el mensajero de la telenovela colombiana, reveló entre lágrimas que fue víctima de abuso sexual cuando era niño.

La declaración ocurrió durante una conferencia dedicada a la prevención de la violencia contra niños, niñas y adolescentes en Colombia. En ese espacio, el actor tomó la palabra y compartió su testimonio frente a los asistentes.

“Yo me llamo Julio César Herrera, claramente también fui abusado en mi niñez, mi adolescencia. Esto es un grito anual y quiero que griten conmigo”, dijo entre lágrimas.

Julio César Herrera hizo un llamado para proteger a los niños

El actor explicó que decidió hablar para visibilizar una problemática que afecta a menores de edad en Colombia y en otros países. Durante su intervención, también mencionó cifras sobre violencia contra niños, niñas y adolescentes.

“Son más de 550 mil casos de violencia en niños, niñas y adolescentes. ¡Noooo! Son más de 302 mil casos de violencia sexual en niños, niñas y adolescentes. ¡Noooooo!”, agregó.

Herrera también se refirió al impacto emocional que puede dejar este tipo de violencia. Su mensaje estuvo enfocado en la protección, el acompañamiento y la necesidad de no juzgar a las víctimas. “Esto lo podemos cortar con mucho amor y sin juzgar”.

Sus compañeros de Yo soy Betty, la fea reaccionaron al testimonio

Las palabras de Julio César Herrera generaron reacciones en redes sociales. Entre los mensajes de apoyo estuvieron los de Jorge Enrique Abello y Lorna Cepeda, quienes compartieron elenco con él en Yo soy Betty, la fea.

“Julito, te quiero mucho”, escribió Jorge Enrique Abello, actor que interpretó a Don Armando en la telenovela. Lorna Cepeda, recordada por su papel de Patricia Fernández, también destacó la decisión de Herrera de hablar sobre el tema.

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Usuarios en redes sociales también reaccionaron al testimonio del actor y reconocieron su decisión de visibilizar una realidad que afecta a niños, niñas y adolescentes.

Además de su carrera en la televisión colombiana, Julio César Herrera trabaja con la Fundación Lucerito, una organización que brinda atención terapéutica a niños, niñas y adolescentes que han sido víctimas de abuso sexual o maltrato.

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No hay respuestas simples. Mientras algunos defienden la necesidad de recuperar el lugar, otros cuestionan las consecuencias de expulsar a quienes no tienen dónde ir. La discusión se vuelve cada vez más tensa y deja al descubierto miedos, prejuicios y fracturas que atraviesan a toda una comunidad.

A pocos kilómetros de allí, una tienda de decoración enfrenta la quiebra y busca un milagro para mantenerse abierta. En otro rincón de la ciudad, una facción clandestina de izquierda infiltrada en el cuerpo policial prepara un atentado para declarar públicamente su adhesión a un proyecto de transformación social. Estas historias, aparentemente inconexas, se cruzan en Estampida Humana, obra de la compañía chilena Bonobo, que llegará a Quito el martes 9 de junio como parte de la Fiesta Escénica de Quito.

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La Fiesta Escénica de Quito pasa de las tablas al cine

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La obra, escrita por Pablo Manzi y dirigida por Andreína Olivari y el propio dramaturgo, propone una reflexión sobre la posibilidad de imaginar un futuro común en una sociedad marcada por la desconfianza, la violencia y la fragmentación. A través de los relatos, que avanzan de forma paralela, el montaje aborda preguntas sobre el sentido de comunidad y los obstáculos que enfrenta la construcción de proyectos colectivos en el ámbito contemporáneo.

¿Hay futuro?

Según Olivari, la pieza surgió después de que la compañía concluyera una trilogía dedicada a examinar las formas de violencia presentes en la democracia chilena. Tras ese ciclo, los integrantes decidieron centrar su atención en una pregunta distinta: cómo pensar el futuro en un contexto donde parece más fácil imaginar el declive que la posibilidad de un horizonte compartido.

“Después de haber hecho ese ciclo, decidimos hacer una creación que nos hiciera una pregunta sobre el futuro”, explica.. La inquietud nació, agrega, a partir de una percepción que considera extendida tanto a nivel local como global. “Existe la idea de que estamos terminando algo, de que estamos yendo un declive total. Vemos eso mucho más posible que pensar en un futuro o en una construcción de futuro razonable”.

A partir de esa reflexión, el montaje se pregunta cómo construir alternativas en medio de un escenario atravesado por la incertidumbre. “La obra aborda ese problema: cómo desde una atmósfera cultural, política, social e incluso económica no se percibe una salida próspera de futuro”, señala.

Latinoamérica, un territorio con cicatrices semejantes

Estrenada en el Festival Internacional Teatro a Mil de Chile  el año pasado, Estampida Humana también representó un proceso de exploración escénica para la compañía. La puesta incorpora de manera destacada recursos audiovisuales y desarrolla una estructura fragmentada. “Fue una experiencia muy interesante porque decidimos trabajar con algo que no habíamos hecho, que era trabajar con lo audiovisual”, recuerda Olivari. La directora añade que la compañía tenía dudas sobre cómo sería recibida esta apuesta estética por parte de los espectadores.

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La respuesta del público disipó esas inquietudes. “Recibimos muchos comentarios de que logramos conjugarlo de forma equilibrada y que lo hizo más enriquecedor en términos formales”, afirma. Para la directora, uno de los aspectos más relevantes de la recepción ha sido la forma en que la obra interpela a los espectadores. “La obra nos interpela sobre qué alternativa o qué futuro posible podemos empezar a construir”, dice.

La presentación en Quito será la primera de la compañía Bonobo en Ecuador. Olivari asegura que existe expectativa por conocer la reacción del público local frente a una propuesta profundamente vinculada a preguntas políticas y sociales.

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“Somos países bien distintos, pero compartimos ciertas cicatrices, y ciertas realidades como latinoamericanos, como sudamericanos. Pero eso nos interesa mucho ver cómo le resuena a este país la problemática que abordamos”, señala. La función se realizará a las 19:00 en el Teatro Nacional Sucre. La entrada tiene un costo de $ 20. 

Lo que debes saber

• Semanas antes del viaje papal, el arzobispo de Madrid y vicepresidente de la Conferencia Episcopal Española ya había dejado entrever ante los medios que un acercamiento entre ambas figuras no era descartable.
  
• El encuentro privado en el Santiago Bernabéu fue manejado con total confidencialidad por las comitivas.
  
• La cita no fue un hecho fortuito; la agencia de representación de Bad Bunny había contactado formalmente a las autoridades de la Iglesia católica española semanas atrás.

Durante el más reciente fin de semana, Madrid se volvió la sede de la visita papal, pero también del escenario para la multitudinaria residencia musical de Bad Bunny. Ante esta coincidencia, seguidores del artista y el público en general planteaban una duda importante: ¿es posible un encuentro oficial entre ambos?

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¿Quiénes fueron las famosas que Bad Bunny invitó a La Casita en su residencia en Madrid?

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Este martes 9 de junio, fuentes como Radio Televisión Española (RTVE) han confirmado que la esperada cita finalmente sucedió en el estadio Santiago Bernabéu, donde el pontífice León XIV recibió en una audiencia privada al cantante puertorriqueño y extendió una bendición especial para él y su familia.

¿Cómo se vivió esta coincidencia en Madrid?

La capital española experimentó un colapso cultural y logístico debido a la presencia simultánea de dos de los líderes de masas más influyentes de la actualidad.

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Papa León XIV: las promesas y compromisos que deja tras su gira por España

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Por un lado, el papa León XIV arribó a la ciudad el sábado 6 de junio para cumplir con una exigente agenda apostólica que incluyó misas multitudinarias y actos con la comunidad diocesana. Al mismo tiempo, el intérprete de Baile Inolvidable se encontraba en medio de una histórica residencia en el Estadio Metropolitano, donde programó diez conciertos consecutivos como parte de su actual gira mundial.

Esta coincidencia de calendarios generó una fuerte expectativa en los medios de comunicación desde días previos. Incluso, durante el vuelo papal hacia Madrid, el propio pontífice bromeó sobre la aparente "competencia" entre ambos eventos, señalando que, ante la opción de elegir, muchos jóvenes preferirían asistir al concierto del artista antes que ver al Papa, aunque resaltó que la respuesta de sus fieles también enviaba un mensaje poderoso sobre la fe actual.

El punto de convergencia final se dio la noche del lunes 8 de junio, tras la conclusión de un multitudinario encuentro religioso liderado por el obispo de Roma en el estadio del Real Madrid.

Información oficial del encuentro

A pesar de la reserva con la cual se manejó la logística, actualmente se conoce que el acercamiento no fue casual ya que semanas antes de la visita apostólica, la agencia de representación de Bad Bunny entabló contacto con la Conferencia Episcopal Española con el fin de coordinar una cita formal. 

Las intenciones ya habían sido sugeridas de manera sutil por el propio arzobispo de Madrid, José Cobo, quien semanas atrás declaró a la prensa que el acercamiento entre ambos no era descartable y que la Iglesia siempre se mantiene dispuesta a la creación de puentes conceptuales.

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Durante la breve audiencia privada (calificada como uno de los secretos mejor guardados del viaje papal), León XIV saludó e interactuó por unos instantes con el exponente de música urbana, quien acudió acompañado de su equipo y de sus familiares, procedentes de un entorno de profundas raíces católicas.

En lo que respecta al registro visual del histórico suceso, fuentes de RTVE detallaron lo siguiente:

Lo que debes saber

• Durante el inicio de su noviazgo en 2023, ambos artistas se encontraban concluyendo legalmente sus matrimonios anteriores; Grande finalizó su divorcio de Dalton Gomez en octubre de ese año, mientras que Slater hizo lo propio semanas antes.
  
• El entorno de la cantante detalló que las canciones de su próximo proyecto discográfico ya se encontraban escritas y grabadas antes de que se tomara la decisión final de separarse.

La cantante estadounidense Ariana Grande y el actor de Broadway Ethan Slater han puesto fin a su relación sentimental luego de casi tres años de noviazgo; la noticia del fin de su vínculo amoroso se da a conocer en un momento de alta exposición para la estrella del pop, quien recientemente dio inicio a su nueva gira mundial.

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Según los primeros reportes de fuentes allegadas a la pareja, la separación se produjo de forma pacífica y bajo un mutuo acuerdo, dejando atrás una de las uniones más comentadas de la industria del entretenimiento en los últimos años.

¿Cómo inició la relación y por qué fue tan polémica?

El vínculo entre ambos artistas comenzó en el año 2022 en el Reino Unido, durante la filmación de la adaptación cinematográfica del musical Wicked, donde Grande interpretó a Glinda y Slater asumió el rol de Boq.

El romance trascendió a la esfera pública en julio de 2023, consolidándose rápidamente como uno de los focos principales de la prensa internacional debido a las circunstancias que rodeaban a ambos en ese momento, ya que ambos atravesaban procesos de divorcio recientes de sus anteriores matrimonios.

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A esta narrativa se sumaron factores como el reciente nacimiento del hijo de Slater, el manifiesto de su ex esposa para el diario The Cut pocas semanas después del inicio de la relación; lo que resultó en un acoso masivo hacia Grande quien fue señalada como la una tercera persona en la alianza.

A pesar de la poca aceptación inicial, la pareja mantuvo un perfil selectivo y de mutuo apoyo. Durante el tiempo que duró la relación, ambos optaron por manejar su vida privada con discreción, alejados de los focos mediáticos a excepción de apariciones puntuales en eventos de la industria.

¿Cuál es el estado de la ruptura?

De acuerdo con los detalles provistos por portales especializados como People y TMZ, la ruptura no se debió a un conflicto repentino, sino a una decisión meditada tras un largo periodo de consideración mutua. El distanciamiento real se habría producido de manera silenciosa hace meses, permitiendo que ambos mantengan una relación de amistad y respeto mutuo en la actualidad.

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Diez años de ‘Dangerous Woman’: así celebra Ariana Grande el aniversario de su álbum más icónico

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Asimismo, fuentes cercanas aclararon de forma oportuna que el quiebre sentimental no funcionó como fuente de inspiración para el material discográfico más reciente de la cantante.

En el ámbito profesional, Ariana Grande se encuentra completamente enfocada en el desarrollo de sus compromisos musicales, la artista dio inicio el pasado 6 de junio a su esperado Eternal Sunshine Tour, proyecto que marca su regreso a los escenarios internacionales de forma simultánea a la preparación de su próximo álbum de estudio, titulado Petal.

“Este procedimiento no estaba contemplado en el plan original, pero el doctor consideró que era lo más conveniente. Gracias a Dios, todo ha evolucionado bien. Estamos esperando una nueva evaluación porque se busca evitar cualquier riesgo. Mi hija está en casa”, cuenta.

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Gabriela Pazmiño se despide de RTS: ¿Quién será su reemplazo?

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La presentadora añade que en esta ocasión se realizó la desactivación de una válvula, un paso necesario antes de la próxima operación, en la que se le colocará una prótesis. “La siguiente cirugía requiere otros cuidados y protocolos. Ojalá sea la última. El año pasado hubo rechazo de la prótesis”, comenta.

Recupera sensibilidad

La batalla de Camila comenzó en noviembre de 2024, cuando sufrió una trombosis venosa cerebral mientras residía en Quito. Meses después, en agosto de 2025, regresó a Guayaquil junto a su madre para continuar con su recuperación.

Antes de volver a la ciudad, fue sometida a un tratamiento regenerativo con células madre. “Aquello significó un antes y un después, especialmente en la parte cognitiva y en su forma de comunicarse. El lado izquierdo de su cuerpo lo mueve muy bien y el derecho ha comenzado a recuperar sensibilidad. Hemos avanzado mucho. Tenemos fe”, afirma.

Volver a Noticias de la mañana

Por otro lado, el nombre de Úrsula Strenge vuelve a sonar para integrarse a Noticias de la mañana. Sin embargo, la comunicadora asegura que, hasta el momento, nadie se ha acercado a plantearle una propuesta formal.

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Giovanna Andrade pensó que era un cólico y terminó en un hospital en Madrid

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“No han conversado conmigo. Les envié un saludo por el reciente aniversario, pero nada más. No me he replanteado esa posibilidad. He organizado mi vida en función de las necesidades de Camila”, dice.

Lo que debes saber

• Este lanzamiento representa el primer gran esfuerzo de la FIFA por redefinir su presencia en el mercado de los videojuegos tras finalizar su histórica alianza de casi 30 años con la desarrolladora EA Sports.
  
• El desarrollo del título estuvo a cargo de estudios especializados como Delphi Interactive y Refactor Games, bajo la dirección del reconocido productor de la industria móvil Andy Kleinman.

Sumándose a la fiebre mundialista, Netflix ha anunciado el lanzamiento de FIFA World Cup: Launch Edition, un nuevo videojuego oficial desarrollado en colaboración con la FIFA.

Para el servicio de streaming, este título representa el "saque inicial" y la nueva dirección en la estrategia de juegos de fútbol de la federación internacional, diseñado especialmente para rendir homenaje a la emoción del torneo sin salir de la plataforma como tal.

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En concreto, los ejecutivos han expresado que el proyecto busca ofrecer una experiencia dinámica y accesible, libre de tiempos muertos, que evolucionará con el tiempo y que estará disponible de forma gratuita para los suscriptores a partir del próximo 11 de junio.

Tu teléfono móvil como joystick: ¿Cómo jugar?

.La principal innovación de esta entrega radica en su ecosistema de juego, el cual elimina la necesidad de contar con una consola tradicional.

Para comenzar a jugar los usuarios deben:

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La jugabilidad está diseñada para ser rápida, intuitiva y sumamente dinámica, ideal para disfrutar de una tarde entre amigos sin importar el nivel de experiencia previa con los videojuegos. El sistema permite que hasta cuatro jugadores participen de forma simultánea en la misma pantalla.

Licencias y contenidos disponibles

A nivel de contenido, el título cuenta con todo el respaldo de las licencias oficiales de la federación para el torneo masculino. Los usuarios tendrán la posibilidad de jugar con cualquiera de las 48 selecciones nacionales clasificadas, recorrer los 16 estadios reales de la cita mundialista y tomar el control de una base de datos que incluye a 1248 futbolistas que participarán en el evento de forma oficial.

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La función de videojuegos para el televisor de Netflix ya se encuentra habilitada en 20 países; incluyendo mercados como España, Estados Unidos, México, Canadá, Brasil, Sudáfrica, el Reino Unido y Alemania, con la promesa de incorporar de forma paulatina más territorios de cara al estreno global del 11 de junio.

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La primera entrega mostró a Enola en busca de su madre desaparecida, mientras descubría conspiraciones y secretos en Londres. Dos años después, la secuela consolidó su papel como detective privada, con una oficina propia y nuevos casos que pusieron a prueba su ingenio.

Ahora, en 2026, la franquicia regresa con una tercera película que promete ser la más ambiciosa hasta el momento. Enola Holmes 3 no solo continúa la historia de la joven detective, sino que la enfrenta a un reto personal y profesional: el secuestro de su hermano Sherlock, interpretado por Henry Cavill.

El secuestro de Sherlock y una boda inesperada

El tráiler oficial revelado por Netflix confirma que Enola se prepara para una boda, aunque los detalles sobre quién será el protagonista de ese enlace aún se mantienen en secreto. Sin embargo, la celebración se ve interrumpida por un caso que pondrá a prueba todas sus habilidades: Sherlock ha sido secuestrado y ella debe rescatarlo sin arruinar la boda en el proceso.

La sinopsis oficial describe a Enola en Malta, lejos de Londres, enfrentando su caso más complejo y peligroso. Aunque la historia se inspira en la saga literaria escrita por Nancy Springer, todo apunta a que esta tercera entrega será una trama original, ya que ninguno de los libros se desarrolla en Malta.

El tercer libro, El caso de los extraños ramos de flores, narra la desaparición del doctor Watson y cómo Enola utiliza su conocimiento de las flores para descifrar pistas. Watson, interpretado por Himesh Patel, apareció al final de la segunda película y se espera que tenga un rol más relevante en esta nueva entrega, lo que conecta directamente con la trama del secuestro y la investigación de Enola.

Reparto y expectativas

El elenco de Enola Holmes 3 reúne a figuras clave de la franquicia. Milly Bobby Brown regresa como la protagonista, mientras Henry Cavill repite como Sherlock Holmes. Helena Bonham-Carter vuelve a interpretar a la madre de los Holmes, y Louis Partridge retoma su papel como Tewkesbury. Sharon Duncan-Brewster también regresa como Mira Tory, aportando nuevos matices a la historia.

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La combinación de misterio, aventura y drama personal promete mantener el interés de los fanáticos. Además, la evolución de Enola como detective privada y como mujer que enfrenta sus propios sueños y responsabilidades añade una dimensión más madura a la saga.

Pero más allá de los compromisos oficiales, la atención también se centra en el lugar donde descansará el Santo Padre durante su estancia: el emblemático Palacio Episcopal de Barcelona, residencia oficial del arzobispo y uno de los edificios con mayor valor histórico de la ciudad.

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Ubicado en pleno corazón del Barrio Gótico, el palacio comenzó a construirse en 1253 por iniciativa del obispo Arnau de Gurb sobre parte de la antigua muralla romana. A lo largo de los siglos ha sido ampliado y remodelado en varias ocasiones, siendo la última gran intervención la realizada en 1928 por el arquitecto Enric Sagnier.

Un bien cultural

De estilo románico, el inmueble cuenta con cuatro plantas distribuidas alrededor de un patio interior y fachadas que se abren hacia la calle del Bisbe y la plaza Nova. Además de albergar la residencia arzobispal, conserva el Archivo Diocesano de Barcelona y está catalogado como Bien Cultural de Interés Local.

La elección de este histórico recinto no es casual. Allí, donde se hospeda León XIV, comenzó hace cerca de 2.000 años la historia de Barcelona. Recorrer el Barrio Gótico es viajar a los orígenes de la antigua Barcino romana, fundada durante la época imperial.

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A diferencia de la Nunciatura Apostólica, donde se alojó durante su estancia en Madrid, el Palacio Episcopal de Barcelona sí puede ser visitado por el público. Quienes recorren sus instalaciones tienen la oportunidad de conocer salas y espacios que conservan la huella de siglos de historia, religión y arquitectura.

Cerca de la iglesia de San Felipe Neri

La residencia se encuentra además a pocos pasos de otro de los rincones más emblemáticos del casco histórico barcelonés: la iglesia de San Felipe Neri. Este templo barroco, construido en el siglo XVIII, fue diseñado por el arquitecto Pere Bertran, con la participación del constructor Salvador Ausich i Font y una destacada decoración escultórica realizada por Pere Costa y Carles Grau.

Así, entre ceremonias religiosas, patrimonio arquitectónico y escenarios cargados de historia, la visita de León XIV también pone en valor algunos de los lugares más representativos y simbólicos de Barcelona.

Lo que debes saber

• Carlos Vives y Aterciopelados darán concierto en Quito el 3 sept 2026 en Coliseo Rumiñahui.
• Show celebrará 30 años de La pipa de la paz con Aterciopelados en Quito en septiembre.
• Carlos Vives llega a Quito con Tour Al Sol 2026 junto a Aterciopelados y grandes éxitos

Quito se alista para recibir a dos de los mayores exponentes de la música colombiana y latinoamericana. El próximo 3 de septiembre de 2026, el Coliseo General Rumiñahui será el escenario del esperado concierto de Carlos Vives y Aterciopelados, artistas que llegarán al país con un espectáculo que promete reunir décadas de éxitos y miles de seguidores.

Le invitamos a que lea: Ronaldinho lanza 'Camisa 10': Su álbum debut con Pitbull, Sean Paul y el ecuatoriano Alex Krack

La agrupación liderada por Andrea Echeverri y Héctor Buitrago ofrecerá una presentación especial para conmemorar los 30 años de su emblemático álbum "La pipa de la paz", considerado uno de los trabajos más influyentes del rock latinoamericano.

La banda aprovechará la gira para interpretar varias de las canciones que marcaron su trayectoria, entre ellas El estuche, Bolero falaz, La pipa de la paz, Te juro que no, Candela y La culpable. El repertorio también incluirá clásicos como Florecita rockera, Cosita seria, Baracunatana y Expreso Amazonía.

Aterciopelados revive colaboración con Enrique Bunbury

Como parte de la celebración por las tres décadas de La pipa de la paz, Aterciopelados volvió a colaborar con Enrique Bunbury en una nueva versión de la canción Te juro que no, reviviendo una de las alianzas más recordadas del rock en español.

La vigencia de la propuesta musical del grupo colombiano ha quedado demostrada recientemente con sus presentaciones internacionales, entre ellas su concierto en el Howard Theatre y su participación en el reconocido formato Tiny Desk Concert, donde interpretaron varios de los temas que sonarán en Quito.

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Carlos Vives llega con su Tour Al Sol 2026

El concierto también contará con la participación de Carlos Vives, quien actualmente recorre varios países con su gira Tour Al Sol 2026.

Considerado una de las figuras más importantes de la música latina, el artista colombiano ha sido reconocido por modernizar el vallenato mediante la fusión de ritmos tradicionales con pop y rock.

A lo largo de su carrera ha cosechado éxitos internacionales como

Precios de las entradas para Carlos Vives y Aterciopelados en Quito

La organización del evento confirmó los valores de las localidades para el concierto en el Coliseo General Rumiñahui:

Esto debes saber

• Ronaldinho debuta oficialmente como productor musical lanzando su primer álbum internacional titulado 'Camisa 10'.
• El proyecto discográfico integra a 44 artistas de 18 países distintos con ritmos variados.
• El exjugador brasileño colabora directamente en tres canciones del álbum junto a artistas de talla mundial.

Ronaldinho Gaúcho oficializó este martes 9 de junio el estreno de 'Camisa 10', su álbum debut como productor bajo su sello internacional Tu Musica. Este ambicioso proyecto cristaliza un anhelo personal que acompañó al campeón del mundo con Brasil durante toda su carrera deportiva.

(Le puede interesar: Inauguración del Mundial 2026: todo lo que debe saber para el jueves 11 de junio)

La placa discográfica destaca por su alcance global al convocar a 44 artistas procedentes de 18 naciones. La selección sonora abarca géneros diversos que transitan desde el dancehall jamaicano y el afrobeats africano, hasta el pop urbano y reggaetón.

Colaboraciones estelares en el disco

El exfutbolista del PSG, FC Barcelona, AC Milan, entre otros, participa activamente en el álbum prestando su voz para los temas 'Perfil', 'Vamos Celebrar' y 'La Verde'. En estas canciones comparte créditos con artistas reconocidos como Luis R. Conriquez, Pitbull y el cantante mexicano Tony Aguirre.

La nómina de invitados internacionales es extensa e incluye nombres destacados como Justin Quiles, Lenny Tavárez, Sean Paul y Ke Personajes y el ecuatoriano Alex Krack. Asimismo, la presencia de artistas de países tan distantes como Corea del Sur, Nigeria y Francia aporta una identidad multicultural.

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Un proyecto con visión internacional

La representación española en este trabajo discográfico cuenta con la participación del referente Juan Magán y el DJ Kiko Rivera. Por otro lado, la pieza inicial del álbum es interpretada por Sean Paul, a quien Ronaldinho admira profundamente desde hace años.

Este lanzamiento marca el inicio de Tu Música como sello discográfico internacional, bajo la dirección de Allan Jesus, Roni Maltz Bin y Roberto de Assis. La propuesta busca conectar culturas a través de una red musical global muy diversa.

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Lo que debes saber

• Muz reveló cómo dejó Leyenda para crear su proyecto solista emocional.
  
• “Tonto perdido” alcanzó miles de reproducciones gracias a TikTok.
  
• El artista ecuatoriano prepara 10 canciones y un posible álbum para septiembre.
  

La música estuvo presente en la vida de Muz desde su infancia. El artista ecuatoriano, Isaac Muñoz (Muz), creció en una familia donde el arte era parte de cada celebración y fue ahí donde descubrió su conexión con el canto. Actualmente, el cantante apuesta por el pop emocional, letras vulnerables y una identidad artística marcada por la estética visual, las relaciones tóxicas y la exploración de emociones intensas.

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Desde su salida de la banda Leyenda, Muz encontró la libertad para experimentar con sonidos, conceptos y letras más personales. Canciones como Tonto perdido, Migajitas y Espinas le permitieron conectar con miles de personas en redes sociales y plataformas digitales, mientras prepara nuevos lanzamientos y un posible álbum para septiembre.

Sus primeros shows fueron en la sala de su casa

La familia de Muz siempre ha sido muy unida. Cuando había una celebración, como un cumpleaños, todos se reunían para festejar. Algunos actuaban y otros mostraban sus pinturas. Junto a su abuelo interpretaba el pasillo Aguacate: él cantaba mientras su abuelo lo acompañaba con una guitarra que Muz todavía conserva.

Le gustaba ver las reacciones de las personas y cómo conectaban con la letra y su voz. A partir de ahí nació su gusto por la música. En la escuela participaba en distintos eventos y fue ahí donde le dijeron que podía explotar ese talento y desarrollarlo más. Sin embargo, recién a los 21 años empezó a tomar clases para entrenar su voz.

El ukelele marcó el inicio de su carrera 

El ukelele es definido por Muz como “el nacimiento de yo como artista” dentro de su proceso artístico. En 2018 lo compró en el centro de Guayaquil, motivado por la dificultad que tenía al practicar con la guitarra de su abuelo, ya que era un instrumento más grande y antiguo.

Al ser un instrumento más pequeño, el ukelele le permitió desarrollar la motricidad y habilidad en los dedos. Además, fue con este instrumento con el que nacieron sus primeras canciones.

La salida de Leyenda y el inicio de su etapa solista 

Antes de iniciar su carrera como solista, Muz formó parte de la banda Leyenda, a quienes considera “parte de su escuelita”. Durante esta etapa aprendió los procesos detrás de ser artista, desde la logística y el registro de canciones hasta el funcionamiento de una distribuidora musical. 

Su decisión de retirarse y empezar su propio proyecto nació de la sensación de que no podía explorar completamente su estilo musical. Al formar parte de un grupo, las decisiones sobre las canciones debían tomarse en conjunto, lo que muchas veces implicaba dejar de lado elementos que realmente representaban su esencia artística. 

Leyenda al ser una banda de pop urbano, se limitaba a experimentar con sonidos y letras. Lo que logra ahora como solista con sus canciones emocionales y cuenta que en el amor también hay partes oscuras, como la dependencia, toxicidad y emociones de una persona neurodivergente.

Además, expresa que busca no limitarse únicamente al pop emocional, sino abrirse a nuevas oportunidades y estilos musicales.

Debajo del árbol: la canción dedicada a su hermana 

En 2023 decidió lanzar su primera canción, luego de pasar un año trabajando con Leyenda sin publicar música. El tema lo define como una mezcla de agradecimiento y melancolía hacia las personas que ya no están.

La historia detrás de la canción está dirigida a su hermana mayor, quien falleció en la navidad de 2015 debido a una enfermedad. Ella fue una figura importante en el camino musical de Muz. Durante su infancia compartieron muchos momentos cantando juntos y formaron un pequeño dueto. Además, Muz recuerda que la voz de su hermana era muy parecida a la de una de las integrantes de Ha*Ash.

“Ya sé por dónde quiero ir y cuál es mi identidad vocal”

Ha pasado por varias productoras y siente que cada uno de sus trabajos ha sido una gran experiencia. Actualmente, trabaja junto a Javier Molina, quien se ha encargado de Migajitas, Plastilina y Espinas. 

El proceso ha estado marcado por la experimentación y la búsqueda de sonidos que se acoplen a cada canción. Aunque la base de su música sigue siendo el pop, suele mezclarlo con distintos géneros para darles diferentes vibras.

TikTok impulsó el éxito de Tonto perdido 

Tonto Perdido es la segunda canción que lanzó hace dos años y la más escuchada. En YouTube cuenta con 37 mil visualizaciones y en Spotify 80 mil reproducciones. Este tema marcó la primera vez que trabajó en una producción musical más elaborada.

Conectó con la gente por la campaña que tuvo en TikTok, donde se mostraba a una persona con dependencia emocional y apego ansioso, comparándolo con un “pollito de color”, el cuál merece extremos cuidados. Los videos en redes sociales obtuvieron millones de vistas y la audiencia conectó con la historia. A pesar de que ya pasaron dos años, sigue siendo la canción con más reproducciones. 

“Migajitas” y “Espinas”: sus canciones más personales

Entre sus canciones favoritas se encuentra Espinas que destaca por su gran producción y sus arreglos instrumentales y vocales. Por otro lado, Migajitas, debido a su vibra pegajosa. Originalmente, el tema iba a formar parte de la banda Leyenda, pero en su momento no fue aprobado.

Fue su primera canción que no escribió con su guitarra o ukelele. Utilizó una base indie buscada en internet, con la que conectó y empezó a escribir. Primero siempre sale el coro, con el punto de que sea pegajoso y a partir de ahí sale el resto. La canción cuenta la historia de una persona que se enamora de alguien que ya tiene pareja y que constantemente recibe solo migajas de amor. Pero en el fondo, lo que realmente desea es que esa persona deje su relación para poder “ir por el pan completo”.

Inspiraciones musicales y futuros lanzamientos 

Entre su top 3 de artistas que considera inspiraciones musicales, está, en el tercer puesto Latin Mafia, seguido de Pol Granch, y en primer lugar Humbe. Asimismo, expresó que le gustaría colaborar con artistas ecuatorianos como Dicapo, Shalom Mendieta y Chloé Silva. 

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En cuanto a planes para este año, el artista ya tiene preparado alrededor de 10 canciones que se irán lanzando durante el año. Además, se está viendo la posibilidad de un álbum para septiembre. 

La estética visual también forma parte de su identidad 

En la canción Espinas, el video está producido por David Cadena, tiene la estética de los años cincuenta, por lo que todo está en blanco y negro. Sucede en una graduación, en la que una pareja se quedó hasta el último acompañados del cantante del evento. El vestido de la bailarina empieza negro y a mitad de la canción se convierte en rojo, representando la ira, furia y todo lo negativo que puede haber en una relación tóxica.

Moda, relaciones y emociones intensas 

En el caso de Perfecciones como tú, se trata de una canción con tono sarcástico que habla sobre una relación en la que una persona termina siendo culpada de todo, mientras la otra queda como alguien perfecto, incapaz de equivocarse. El tema va dirigido a una expareja de Muz, quien al terminar la relación quedó muy afectado. Por esa razón, y también por respeto hacia esa persona, decidió no realizar mucha campaña alrededor de la canción 

A Muz le apasiona la moda y el mundo del styling. Disfruta experimentar con distintas formas de usar las prendas, así como combinar colores y texturas para expresar su personalidad a través de la vestimenta. Entre sus piezas favoritas destacan los pantalones oversized y las chaquetas. Uno de sus cambios más recientes fue raparse la cabeza, aunque asegura que también ha pensado en teñirse el cabello y, quizá en algún momento, hacerse tatuajes. 

Preguntas ping pong

¿Pan o migajas?

Pan

¿Ukelele o guitarra?

Guitarra

¿Canción triste o romántica?

Triste

¿Componer solo o acompañado?

Solo

¿Tonto Perdido o Migajitas?

Migajitas

¿Qué significa Muz en una palabra?

Sueños

Lo que debes saber

• Teatriz nace como una nueva sala de arte que busca acercar las artes escénicas a públicos de todas las edades.
• Bajo la mirada de Jaime Tamariz, el espacio combina obras, formación actoral y una apuesta por crear una comunidad cultural.
• Además de presentar propuestas teatrales, Teatriz también funciona como una escuela para quienes desean expresarse, vencer miedos y descubrir el poder de actua

Hay lugares que cuando se inauguran, no solo abren sus puertas, también despiertan sueños, una diversidad de emociones y las ganas de disfrutar del talento de otros. Teatriz nace como una nueva sala de arte pensada para acercar al público a propuestas frescas, sensibles y creativas, donde niños, jóvenes y adultos puedan descubrir el encanto de las artes escénicas. Bajo la mente creativa de Jaime Tamariz, este nuevo espacio en La Aurora busca convertirse en un punto de encuentro para quienes aman el teatro y las historias que cobran vida sobre el escenario.

El origen de este sueño

Detrás de esta sala de teatro, hay una historia que empieza en familia y se transforma en una apuesta cultural para La Aurora (en Plaza Parque Town Center) y sus alrededores. Tamariz cuenta que el proyecto nació de una motivación compartida entre él y sus hermanas, Andrea y Natalia, impulsados por la idea de su padre: crear juntos un espacio donde cada uno pudiera aportar desde su experiencia. “Este emprendimiento nace de una motivación familiar. Andrea suma su mirada desde la educación como rectora de un colegio, Natalia, desde su expertise como gerente de marketing; y yo, desde el área académica y artística”, relata Tamariz.

En un inicio, esta propuesta fue pensada solo como una escuela de interpretación. Sin embargo, al descubrir el potencial del lugar, la idea creció y tomó una forma más amplia: una sala capaz de recibir obras, propuestas escénicas y colaboraciones artísticas. Así, Teatriz comenzó a construirse como un espacio multidisciplinar, abierto al teatro, a la formación y al encuentro entre creadores y públicos de distintas edades.

Formarse sobre las tablas

La academia es uno de los pilares de Teatriz y también una de las áreas que más entusiasma a Tamariz. Su experiencia como codirector de la carrera de Artes Escénicas de la Universidad Casa Grande, durante nueve años junto a Marina Salvarezza, le permitió acercarse de lleno a la formación actoral desde una mirada académica y estructurada. Por eso, este nuevo espacio no nace solo desde la intuición creativa, sino también desde el conocimiento de lo que implica formar artistas con bases sólidas, sensibilidad y herramientas para desenvolverse dentro y fuera del escenario.

“La escuela y la sala deben caminar juntas. Mientras se forman nuevos actores, también es necesario formar públicos capaces de acercarse al teatro, disfrutarlo y valorarlo”, recalca. Además, explica que no todos quienes toman clases de actuación buscan convertirse en actores profesionales. Muchos llegan para vencer el miedo a hablar en público, mejorar su expresión, socializar, trabajar en equipo o desarrollar una mayor sensibilidad artística.

Buenavida

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La propuesta académica está pensada para distintas edades. Su primer curso fue un vacacional infantil y, a partir de esa experiencia, fortaleció una oferta que incluye grupos de niños (7 a 11 años), adolescentes (de 12 a 17) y adultos desde los 18 en adelante. “Aprender con personas de distintas generaciones permite mirar la vida desde otras perspectivas y recordar que el teatro, nos invita a abrir los ojos, escuchar y entender mejor al ser humano”, comenta.

Obras con encanto

En Teatriz, el tamaño del espacio no limita la experiencia, la vuelve más íntima. Sus producciones son pequeñas, pero pensadas para aprovechar la versatilidad de la sala, que puede transformarse según cada montaje y recibir hasta 75 personas, dependiendo de la distribución. En algunas obras, el público incluso se ubica como parte del escenario, creando una sensación inmersiva y cercana. Esa flexibilidad permite que cada función tenga una atmósfera distinta y que los espectadores vivan el teatro desde otro lugar.

Actualmente, Teatriz está apostando por obras de comedia, como una puerta de entrada para acercar a nuevos espectadores al teatro. Además, también prepara funciones infantiles, porque su objetivo es que el arte pueda disfrutarse a cualquier edad. “Creo que de las cosas mas bonitas que tiene el teatro es la comunidad que creamos alrededor del teatro, estamos emocionados de conocer a nuevos artistas”, concluye.

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La vocación de contar historias

Después de cerca de dos décadas de trayectoria, Tamariz sigue encontrando en el arte una razón para crear, compartir y volver al escenario con la misma necesidad de contar historias. En tiempos donde la inteligencia artificial sorprende por lo que puede hacer, él reconoce que hay algo profundamente humano que ninguna herramienta puede reemplazar: la inspiración.

Para él, esa chispa nace cuando una imagen, una canción o una idea despiertan el deseo de entregar algo a los demás. “Lo importante cuando uno se sube a un escenario es ser generoso”, afirma. Por eso, él ve las tablas como un espacio casi sagrado, donde el artista no busca alimentar el ego, sino comunicarse, conmover y crear una comunión con el público. Esa vocación de compartir es, al final, lo que mantiene vivo su impulso de seguir apostando por el teatro.

Lo que se viene

Créditos. Fotos y producción: Vanessa Tapia (@vanessatapiaa @vantap.photostudio). Locación: Teatriz (@teatriz.ec). 

Hasta el número 46 de la avenida de Pío XII llegó acompañada por sus hijas, las infantas Elena de Borbón y Cristina de Borbón, así como por tres de sus nietos: Victoria Federica de Marichalar, Pablo Urdangarin y Miguel Urdangarin.

Para la ocasión, la madre del rey Felipe VI apostó por un elegante traje blanco, un diseño de Alejandro de Miguel, considerado uno de sus creadores de confianza. 

Vestida de blanco

La elección del color no fue casual. Se trata del denominado 'privilegio del blanco', una tradición protocolaria del Vaticano que permite a determinadas reinas y consortes católicas vestir de ese color ante el Papa como símbolo de pureza, fe y respeto.

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Actualmente, además de la reina Sofía y la reina Letizia Ortiz, disfrutan de este privilegio  Matilde de Bélgica y Paola de Bélgica, la princesa Charlene de Mónaco, así como la gran duquesa María Teresa de Luxemburgo y la heredera Stéphanie de Luxemburgo.

Un encuentro histórico

La emérita recibió a León XIV con una reverencia en una de las puertas laterales de la catedral, la ubicada en la plaza de la Armería, que solo se abre para acontecimientos de especial relevancia.

El encuentro también tuvo un significado histórico para Sofía. León XIV se convierte en el séptimo Papa al que conoce personalmente. Su primer acercamiento con un pontífice se remonta a 1962, cuando durante su viaje de novios mantuvo una audiencia con Juan XXIII. Más de seis décadas después, la reina vuelve a sumar un nuevo capítulo a su estrecha relación con el Vaticano.

Lo que debes saber

• Michael Flores pidió perdón a su sobrina Laïa tras su muerte en Puerto Rico
  
• La niña de 5 años falleció el 7 de junio en una piscina en Salinas
  
• El caso es investigado por autoridades de Guayama junto al fiscal de turno

El influencer puertorriqueño Michael Flores enfrenta un momento familiar tras la muerte de su sobrina Laïa, de 5 años, en una piscina en Salinas, Puerto Rico. El artista urbano compartió mensajes en redes sociales y pidió perdón a la niña por no haber logrado salvarla.

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La muerte de Laïa, sobrina del ‘influencer’ y artista urbano Michael Flores, conmocionó a sus seguidores en redes sociales. La niña, de 5 años, falleció la tarde del domingo 7 de junio, luego de un incidente ocurrido en una piscina en la Hacienda San Miguel, ubicada en el municipio de Salinas, Puerto Rico.

Horas después del hecho, Flores usó sus plataformas digitales para expresar el momento que atraviesa su familia. En una primera publicación escribió: “Me duele el alma. Se los juro”.

Más tarde, durante la madrugada del lunes, el artista compartió un mensaje dirigido a su sobrina. “Laïa, perdóname. Yo traté, con mi corazón, con todas mis fuerzas, [de] salvarte la vida… Espero [que] cuando nos encontremos en la vida eterna, me perdones. Te amo… [tu] tío”, escribió.

¿Qué pasó con la sobrina de Michael Flores?

Según reportes citados por medios como N+ Univision, Laïa fue rescatada de la piscina por un primo y recibió primeros auxilios. Un familiar informó a la Policía que la menor fue trasladada a la sala de emergencias de Saud Med, donde se confirmó su fallecimiento pasadas las 15:15.

Las autoridades indicaron a Telenoticias que, al momento del hecho, la niña estaba bajo el cuidado de una abuela. De acuerdo con esa versión, Laïa habría salido de la piscina para comer algo, pero minutos después sus familiares la perdieron de vista y la encontraron nuevamente en el agua.

La reunión familiar se realizaba en la Hacienda San Miguel, donde también estaban Michael Flores y la cantante La Perversa, cuyo nombre real es Denisse Michelle Tejeda. Ambos celebraban el alcance de su tema ‘Que las cosas fluyan’.

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Michael Flores se habría enterado durante un ‘live’

En redes sociales también circula un video en el que, aparentemente, Michael Flores se entera del incidente mientras realizaba una transmisión en vivo por TikTok. En las imágenes se lo observa montando a caballo y cantando, hasta que una mujer comienza a llamarlo a gritos.

Tras responder “¿Qué pasó?”, el ‘influencer’ habría cortado la transmisión. Después se conoció la muerte de su sobrina.

De acuerdo con Diario El Nuevo Día, agentes de la División de Homicidios del Cuerpo de Investigaciones Criminales de Guayama asumieron la investigación del caso junto al fiscal de turno.

Lo que debes de saber

Álvaro Díaz regresa a Ecuador con su Omakase Tour. El artista puertorriqueño cantará en Quito y Guayaquil en septiembre de 2026, como parte de una gira por 33 ciudades de Latinoamérica y Estados Unidos.

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Fechas y ciudades de Álvaro Díaz en Ecuador

Álvaro Díaz confirmó su regreso a Ecuador con dos conciertos. El intérprete de ‘Reina Pepiada’ y ‘Problemón’ se presentará el 5 de septiembre en Quito, en el Coliseo General Rumiñahui, y el 6 de septiembre en Guayaquil, en el Coliseo Voltaire Paladines Polo.

Las fechas forman parte del Omakase Tour, una gira que recorrerá 33 ciudades de Latinoamérica y Estados Unidos. El anuncio llega después del lanzamiento de su álbum Omakase, proyecto que marcó una nueva etapa en su carrera musical.

El concepto de Omakase

El tour busca trasladar al escenario el universo visual y sonoro del disco. Según la información difundida, la producción en vivo mostrará el concepto del álbum, inspirado en la experiencia gastronómica japonesa, con una propuesta pensada para sus seguidores.

El impacto del álbum también acompaña este regreso. Omakase Tour alcanzó el número 1 en más de 16 países, entre ellos México y Colombia. Además, debutó en el primer lugar de la lista Top Álbumes Debut Global de Spotify durante la semana de su lanzamiento.

La crítica también ha seguido el proyecto. Rolling Stone lo definió así: “‘Omakase’, un álbum magistral que desafía la mente”. Genius, por su parte, señaló: “Ahora Díaz presenta su álbum más ambicioso hasta la fecha con Omakase, donde continúa reinventando el reggaetón mientras expande su paleta sonora con géneros como la cumbia y el amapiano.”

Rolling Stone en Español también publicó: “En última instancia, quizás ahí radica la esencia misma de ‘Omakase ’: un proyecto que, al igual que el concepto japonés del cual toma su nombre, funciona mejor cuando uno simplemente deposita su confianza en la visión del chef; una propuesta experimental y profundamente melancólica que ofrece una de las apuestas más singulares dentro del panorama latino actual.”

Precios y venta de entradas para Quito y Guayaquil

La preventa de entradas en Ecuador será este 10 de junio con De Una. La venta general iniciará el 11 de junio, a las 10:00, en todos los canales de Ticketshow.

Los precios para Quito y Guayaquil son los mismos: Vip $35, Fan $65, Butaca $90, Output box $120 y Front box $150. Además, habrá un reembolso de $20 en compras desde $120, según la información del promotor.

Con estas fechas, Álvaro Díaz suma a Ecuador dentro de una ruta que también pasará por Santiago, Lima, Bogotá, Ciudad de México, Miami, Nueva York, Los Ángeles y otras ciudades.