Lo que debes saber

• El casting global buscará encontrar actores para los roles de Naruto, Sakura y Sasuke.
• El proyecto intentará replicar el éxito de la cinta live action de One Piece, otro manga popular. 
• Procesos de selección posteriores buscarán actores para el resto de roles.

La película live-action de "Naruto" inició un casting internacional para encontrar a los actores que interpretarán a Naruto Uzumaki, Sasuke Uchiha y Sakura Haruno. El proyecto, respaldado por Lionsgate, marca el inicio de la búsqueda del elenco principal de una de las adaptaciones más esperadas del manga.

Lionsgate confirmó que el casting estará abierto a participantes de todo el mundo para seleccionar a los integrantes del equipo 7. Posteriormente se realizará la elección de los actores que interpretarán a los personajes secundarios.

La película será escrita y dirigida por Destin Daniel Cretton, conocido por dirigir Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings y la próxima entrega de Spider-Man: Brand New Day.

Al anunciar el inicio del proceso de selección, el director expresó:

"Las historias de Kishimoto-sensei han inspirado a generaciones de fanáticos alrededor del mundo, y es un honor llevar a su mundo y a sus personajes a la pantalla grande por por primera vez"Destin Daniel Cretton, director del proyecto

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Por su parte, el creador del manga, Masashi Kishimoto, manifestó su entusiasmo por la producción y por la elección del director.

"Estoy experimentando milagros. Mi obra, Naruto, se convertirá en una cinta de Hollywood (...). Todavía no puedo creerlo. Si tantos milagros ya han sucedido, entonces esperemos que vengan más"Masashi Kishimoto, autor del manga de Naruto

Lionsgate anunció el desarrollo de la adaptación en febrero de 2024. La historia está basada en el manga creado por Masashi Kishimoto, una obra que ha superado los 250 millones de copias impresas en más de 60 países y territorios. La trama sigue a Naruto Uzumaki, un joven ninja que busca convertirse en el líder y protector de su aldea

Lo que debes saber

• La actriz atraviesa una de las etapas más creativas de su carrera, dedicada a escribir, dirigir y producir obras de teatro.
• Defiende la formación profesional en la actuación, cuestiona que influencers sin preparación asuman papeles protagónicos.
• En el plano personal, habla de su decisión de vivir sola, de su apoyo incondicional a sus hijos.

Ruth Coello es actriz, productora y directora con aproximadamente 37 años de trayectoria. Tras seis años en TC, volvió a la pantalla en El Cholito Forever, donde interpretó a Lucrecia. 

Actualmente alterna su tiempo entre el proyecto Domingos de Arte, de la Prefectura de Guayas, que produce y coordina, y entre semana lleva arte a colegios y cantones. A ello se suma una nueva faceta en su carrera: la de escritora de obras.

Después de la televisión se volcó de nuevo al teatro, su gran amor.

Un día me desperté preguntándome qué iba hacer después de haber estado en TC. Yo actuaba y dirigía, así que me obligué a escribir. Empecé creando obras de teatro de gran formato, además de trabajar con distintos grupos. Así nació Tentaciones y recientemente presenté Tres desgracias. 

El próximo mes, en el MAAC, estará en cartelera Reinas, junto a Miriam Murillo, Hilda Saraguayo y Carmen Angulo. También llegará Las mentirosas a Toledo Café Teatro. En septiembre se estrenará Hasta que un macho nos separe 2. La primera parte la escribió Maluly Oliva; la segunda la escribiré y dirigiré yo.

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En su rol de escritora

Ha sido actriz, directora y productora. ¿Cómo ha vivido esta nueva experiencia como escritora?

Ha sido complicado porque es algo nuevo para mí. Admiro a quienes pueden escribir una obra en una semana. En mi caso me toma más tiempo, incluso hasta un mes. Aunque al final lo logro, muchas veces hago cambios durante el proceso. La verdad es que actuar me resulta más cómodo, que incluso dirigir porque solo me concentro en mi parte y hay otras personas que se encargan del resto.

Usted tiene fama de ser una mujer de carácter fuerte. ¿También lo es cuando dirige?

Con los años uno se vuelve más exigente. Felizmente trabajo con gente profesional y de trayectoria. Algunos dicen que me tienen miedo. Según Hilda, cuando me agarro la cara o la cabeza es porque ya me cabreé (risas). No soy una perita en dulce como directora, ni tampoco en otros aspectos de mi vida. No hago esfuerzos por caerle bien a todo el mundo.

¿Cómo ve que las producciones incorporen a influencers en sus elencos?

Admiro a muchos jóvenes que crean contenido para redes sociales; me refiero específicamente a los influencers. Además, entiendo que es una estrategia para atraer nuevas audiencias y que, desde el punto de vista comercial, tiene sentido.

¿Qué es lo que no comparte de esa tendencia?

Creo que el error está en darles personajes protagónicos o con un peso importante dentro de la historia cuando no tienen formación actoral. Interpretar un personaje requiere herramientas que se adquieren con preparación y experiencia. De lo contrario, sostener ese trabajo frente a las cámaras se vuelve mucho más difícil.

¿Considera que el talento puede desarrollarse con la práctica?

Algunos de estos chicos solo aprovechan la oportunidad, si se preparan y aprenden pueden crecer profesionalmente. Eso siempre será positivo. Pero la formación nunca deja de ser importante.

Después de tantos años de carrera, ¿qué cree que valoran los productores cuando la convocan?

Con el paso del tiempo uno entiende que ya no lo contratan por la apariencia. Nos llaman por el talento, la experiencia y la trayectoria. Necesitamos más producciones de ficción. Lamentablemente son muy pocas y hacen mucha falta. No todo puede ser reality. Las series o telenovelas cuentan nuestras historias, reflejan nuestra identidad y generan oportunidades para actores, directores, guionistas y técnicos.

Compartirá un proyecto digital con otras reconocidas actrices. ¿De qué se trata?

Estoy preparando un show nocturno digital, una especie de late show, junto a Carmen, Hilda y Miriam. Dramatizaremos historias. Queremos estrenarlo en octubre. 

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"No sé si quiero estar con alguien"

Vive sola, ¿fue su decisión?

Vivo con dos gatos y una perra, y cuando eliges ese estilo de vida, terminas construyendo un mundo a tu medida. Me encanta levantarme a la hora que quiero, comer cuando se me antoja, ver lo que quiero en la televisión y no tener que darle explicaciones a nadie. Si alguien llega a mi vida, tiene que ser para sumar; si no, mejor que siga de largo.

¿Le cierra las puertas al amor?

(Risas). Siempre he preferido mantener las relaciones en privado. Cuando expones tu vida, enseguida aparecen las críticas y los comentarios. No soy amiga de los escándalos. No sé si quiero estar con alguien, tampoco estoy buscando. Y si llega el indicado, ojalá sea alguien que entienda que cada uno necesita su espacio.

Cada vez hay más parejas que prefieren vivir cada quien en su casa.

Estoy completamente de acuerdo. La convivencia puede ser muy complicada. Amo con toda mi alma a mis hijos, pero no podría vivir con ellos. Adrián (Avilés) es mi vecino: cada uno tiene su departamento y hacemos nuestra vida con independencia. Mi otro hijo, Yannick, vive en Argentina y se dedica a la actuación.

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Muchas mujeres maduras prefieren salir con hombres más jóvenes, los famosos ‘colágenos’.

Existe la idea de que una mujer madura solo puede estar con un hombre joven al que deba mantener, y eso no es cierto. A mí no me interesa esa clase de relación.

¿Usted ha tenido algún ‘colágeno’?

(Suelta una carcajada). Alguno ha aparecido por ahí. Pero a los únicos que mantengo son a mi perra, Zoé, y con eso tengo suficiente y también a mis gatos, Nayely y Lucas. Los tres son adoptados, porque nunca he comprado animales, y además están esterilizados. Ellos sí que me regalan un amor incondicional.

"Con mi hijo nunca he tenido un problema"

¿La orientación sexual de su hijo, Adrián, alguna vez la complicó?

Adrián tiene una vida muy tranquila. No se acelera ni vive preocupado, mientras que yo soy hiperactiva y ansiosa. Invierte su tiempo en crear su propio contenido y admiro esa capacidad que tiene para no desesperarse. Es otra generación. 

En realidad, nunca hubo un momento en el que ‘saliera del clóset’. Existía cierta percepción, pero todo se dio de manera natural. Con mi hijo nunca he tenido un problema; los problemas los he tenido con el mundo.

¿Cómo reaccionaba cuando escuchaba comentarios malintencionados?

He sacado las uñas. Pero Adrián siempre termina calmándome. Me dice que, si alguien no lo acepta, ese es problema de esa persona, no de él. Nadie tiene derecho a juzgar la vida de los demás, y esa también ha sido una lección para mí.

¿Él sufrió discriminación?

Durante su etapa escolar sufrió mucho por el bullying y, lamentablemente, yo no lo sabía. Si me hubiera enterado en ese momento, habría incendiado el colegio. Me dolió descubrir después todo lo que había vivido.

¿Qué les diría a los padres que atraviesan una situación similar con sus hijos?

Les aconsejaría que, si perciben que sus hijos tienen una orientación sexual diferente, manejen el proceso con naturalidad y sin forzar nada. Lo más importante es que sus hijos sepan que en casa siempre encontrarán apoyo, respeto y amor. Debemos preocuparnos por formar buenos seres humanos. Esa es nuestra verdadera responsabilidad: entregar al mundo hijos honestos, solidarios, con valores y poner siempre el amor por encima de los prejuicios.  

Una premiada obra

• El actor colombiano Julián Fontalvo llega por primera vez a Latinoamérica con El imitador, un espectáculo unipersonal que combina teatro, música y más de 70 imitaciones para contar una historia inspirada en el poder de los recuerdos.
• La obra, premiada internacionalmente y presentada durante ocho temporadas en Madrid, tendrá funciones en Quito del 23 al 26 de julio en el Teatro Scala Shopping.

El casete entra en la reproductora con un chasquido. Un instante después, la cocina se llena de la voz rasgada de Tina Turner mientras el aroma del almuerzo invade la casa. Es 1984. En la habitación contigua, un niño cierra los ojos y deja que What's Love Got to Do with It marque el ritmo de la tarde. No sabe que esa canción, como tantas otras que escuchará durante su infancia, terminará convirtiéndose en un refugio al que volverá una y otra vez.

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Décadas después, bastarán los primeros acordes para transportarlo exactamente a ese momento: el olor de la comida recién hecha, las conversaciones familiares, la luz que entraba por la ventana y los sueños que apenas comenzaban a tomar forma. La música tiene esa capacidad de conservar el tiempo. Guarda voces, lugares y emociones con una precisión que pocas cosas consiguen. Una melodía puede devolver la risa de una vecina estrafalaria, el consejo de una madre o la ilusión de un adolescente convencido de que algún día recorrerá el mundo con sus canciones.

Ese viaje entre la memoria y la música es el punto de partida de El imitador, el espectáculo unipersonal del actor y cantante colombiano Julián Fontalvo, que llegará por primera vez a Latinoamérica con una gira que incluye cuatro funciones en Quito.

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En ella, y a través de más de 70 voces y una docena de personajes, el montaje reconstruye un recorrido que comienza en la infancia del protagonista y avanza hasta los escenarios internacionales, demostrando que las canciones no solo acompañan la vida: también son capaces de contarla.

Una historia inesperada

La semilla de El imitador apareció durante un viaje de trabajo a Estados Unidos. Mientras se encontraba en Las Vegas, el actor asistió al espectáculo de una cantante canadiense especializada en imitación de voces. Aquella función despertó una idea que llevaba años dormida. "Verla fue una revelación, porque me di cuenta que yo también podía hacer esa técnica. Empecé a pensar en los personajes que imitaba cuando era niño, artistas que me gustaban y ahí empezó la idea de crear el espectáculo", recuerda.

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Comenzó reconstruyendo episodios de su infancia en Colombia, sus primeros acercamientos a la música y el camino que lo llevó hasta los escenarios internacionales. Sin embargo, conforme avanzaba el proceso creativo, la realidad empezó a mezclarse con la ficción. Cambió situaciones, añadió personajes, incorporó humor y transformó algunos recuerdos para dar mayor fuerza dramática al relato.

Esa decisión terminó definiendo la identidad de la obra. Fontalvo descartó la idea de construir una sucesión de imitaciones y apostó por una propuesta teatral donde cada canción impulsa la narración. "Tenía claro que no quería un display de imitaciones, sino una obra de teatro. Vemos la vida de un personaje que cuenta cómo fue su viaje desde que era pequeño y por qué quería ser artista. Esa historia tenía que estar acompañada de canciones y las letras debían convertirse en la voz del personaje, en lo que estaba sintiendo en ese momento".

Un camino lleno de desafíos

Sin embargo, convertir esa idea en una obra de teatro no fue un proceso sencillo. Más allá del desafío de imitar decenas de voces, el verdadero reto fue construir una historia en la que cada canción tuviera un sentido dramático. 

"Cuando estaba escribiendo la historia tenía muchas dudas sobre cómo meter esas canciones y que encajen perfectamente dentro del relato. No quería forzar temas que no iban a aportar nada solo porque me gustaban", explica el artista. El resultado fue una estructura en la que cada interpretación acompaña un momento específico de la vida del protagonista y contribuye al desarrollo de la narración.

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La puesta en escena también representó un desafío. A diferencia de los espectáculos tradicionales de imitaciones, El imitador prescinde de maquillaje, pelucas, grandes escenografías y cambios de vestuario. Todo descansa en la voz, el cuerpo y la capacidad interpretativa del actor para construir cada personaje.

"Tuve terror de cómo iba a ser la acogida cuando recién lancé la obra, porque no tiene una gran escenografía. Los personajes existen a través de la voz y el trabajo corporal. Algunos espectadores incluso me han dicho que les gustaba la escena en la que aparecía mi madre con una bata morada, las pintas estrafalarias de mi vecina dominicana Janis Gladys en Nueva York o cómo se movían las rastas de Bob Marley. Pero ninguno de esos elementos existe realmente en escena: cada espectador los imagina a su manera", relata.

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Aquellos temores, sin embargo, pronto quedaron atrás. Desde su estreno, El imitador encontró una respuesta que le permitió mantenerse durante ocho temporadas consecutivas en Madrid y abrirse paso en escenarios internacionales. 

En 2024 obtuvo el reconocimiento a Mejor Espectáculo Internacional en el United Solo Festival de Nueva York y recibió el premio Mervyn Stutters – Pick of the Fringe en el Festival Fringe de Edimburgo, distinciones que impulsaron una nueva etapa para la producción y marcaron el inicio de su primera gira por Latinoamérica.

De Europa a América Latina

Actualmente, El imitador recorre Latinoamérica por primera vez, un hito que Fontalvo describe como un sueño largamente esperado. La gira marca también un regreso simbólico a sus raíces musicales, al recuperar artistas que había dejado fuera de las versiones europeas para privilegiar un repertorio más cercano al público de ese continente.

"En el momento de construir el show tenía en mente a muchos artistas de rock latinoamericano que finalmente no pude incluir porque no eran muy conocidos en España. Sin embargo, ahora sí estarán presentes Soda Stereo, Fito Páez, Los Fabulosos Cadillacs y otras bandas con las que crecí", adelanta el actor.

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Quito será una de las primeras paradas de ese recorrido. El imitador se presentará el 23, 24 y 25 de julio, a las 19:00, y el 26 de julio, a las 18:00, en el Teatro Scala Shopping. Las entradas tienen un costo de 25, 30, 35, 40 y 45 dólares, según la localidad.

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La muestra propone un recorrido en el que las obras dialogan entre sí a partir de una idea compartida: la relación entre la memoria y los espacios que habitamos o hemos transitado. Lejos de presentar trabajos aislados, la exposición invita a descubrir cómo cada artista aborda ese vínculo desde experiencias personales y distintas miradas sobre el territorio, la identidad y el recuerdo.

Una exploración personal

Para Cheko Palacios B., cuya obra parte de una memoria emocional y fragmentada, su propuesta "refleja aquella memoria fragmentada e ilusoria de experiencias pasadas, reflexionando sobre aquello que realmente vivimos con lo que solo recordamos". A partir de esas sensaciones, construye nuevas imágenes y escenarios que trasladan al espectador hacia narrativas donde los recuerdos dejan de ser certezas para convertirse en interpretaciones.

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Por su parte, Marco Samaniego encuentra inspiración en los espacios que marcaron su infancia. Nacido en Sígsig y criado en Guayaquil, el artista convierte en pintura los recuerdos de la tienda familiar, los objetos que la habitaban y las escenas cotidianas que permanecen vivas en su memoria. "Mi trabajo pictórico surge de recuerdos personales, archivos fotográficos familiares y relatos que permanecen en la memoria como escenas singulares", señala.

El recorrido concluye con la propuesta de Tayron Luna G., quien traslada la reflexión hacia el espacio urbano. Su obra entiende la ciudad como un escenario de convivencia, pero también como un lugar donde el olvido deja huellas visibles. A través de recorridos y registros de anomalías del paisaje urbano, el artista busca resignificar esos rincones inadvertidos que revelan la historia social y antropológica de quienes los habitan.

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Spatial Memory se puede visitar en la galería, ubicada en Villavicencio 609, entre Gómez Rendón y Maldonado, en el Puerto Principal, hasta el 25 de julio. El ingreso es libre. 

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La muestra propone un recorrido por la ciudad desde una mirada artística que convierte las vivencias urbanas en un ejercicio de memoria colectiva. A través de la pintura y otros recursos visuales, Mosquera redescubre Cuenca desde aquellos espacios que, aunque cotidianos, también reflejan tensiones sociales, transformaciones culturales e historias compartidas.

Una labor sostenida

La propuesta está estrechamente vinculada con la trayectoria del artista, quien ha desarrollado una obra donde el arte dialoga con la antropología visual y la investigación social. "Mi vínculo con los ejercicios pictóricos, tanto en taller como en el espacio público, llevan implícitos discursos sociales y políticos", explica.

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Su trabajo también se alimenta de experiencias personales y colectivas que trascienden el ámbito local. "Me sirvo de la apropiación de ideas que circulan en lo cotidiano y de procesos íntimos que invocan la memoria y la historia, y se torna colectivo y político", afirma.

Nacido en Cuenca en 1991, Jonnathan Mosquera cuenta con una destacada trayectoria en las artes visuales. Es licenciado por la Universidad de Cuenca y ha recibido reconocimientos en el Salón de Artes Plásticas de Cañar, el Salón Magdalena Dávalos de Riobamba y el Salón de Julio de Guayaquil. Además, ha participado en exposiciones nacionales e internacionales, entre ellas la Bienal Internacional Nómade y el foro de arte urbano Pictopía, realizado en Medellín.

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"Se quema el barrio" podrá visitarse en el Museo Municipal de Arte Moderno, ubicado en las calles Sucre 15-27 y Coronel Tálbot. La entrada es gratuita. 

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Más que un listado de fotógrafos, el directorio se consolida como un registro del momento que atraviesa la fotografía nacional. La publicación recoge las diferentes especialidades, metodologías y enfoques que hoy forman parte del ejercicio profesional, al tiempo que funciona como una herramienta para conectar a los creadores con empresas, organizaciones y proyectos culturales.

Esta sexta edición refleja también la evolución del medio fotográfico. Entre sus páginas se incluyen categorías como archivo histórico, arquitectura y ciudad, arte digital, bodas, ciencias, deportes, documental y fotoperiodismo, eventos artísticos, moda, naturaleza, obra personal, paisajes, publicidad y comercial, y retratos, ampliando el espectro de disciplinas que forman parte del oficio.

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Los Ceibos se convierte en escenario de tango en Guayaquil con actividades para la comunidad

Flor Layedra Torres

Una próxima gira nacional

Como una de sus principales novedades, el directorio incorpora por primera vez las categorías de Ciencias y Organizaciones, además de una sección dedicada a Investigación y Estudios Visuales, desarrollada con revisión académica.

El lanzamiento más reciente se realizó en Guayaquil, en las instalaciones del Instituto Tecnológico LEXA, como parte de una gira nacional que ya pasó por Quito y que continuará durante los próximos meses en otras ciudades del país.

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La Asociación de Fotógrafos Ecuatorianos (AFE), fundada en 2014, es hoy la comunidad de fotógrafos profesionales más grande y reconocida del Ecuador.

Lo que debes saber

• El show se realizará el jueves 16 de julio de 2026 en el Teatro Sucre de la capital. Los artistas Elenah y 2LC serán los teloneros
• Guanaco en su presentación tendrá como invitados a Mugre Sur, Donde de Gente, R de Nexo, Vinicio Muñoz, Matico y el conjunto de cuerdas de InConcerto.
• La puesta en escena tiene un importante elemento teatral, que cuenta con la participación de Sofía Barriga.

Más que un concierto, Guanaco concibe su presentación de este jueves 16 de julio, en Quito, como un ritual pagano de sanación, una forma de adentrarse en lo más oscuro de la naturaleza humana para emanciparnos, reconocer nuestros errores y levantarnos.

Y como todo ritual, tiene sus símbolos. El primero, el cráneo, es decir la muerte, que representa la igualdad entre todos los seres humanos, “porque todos vamos allá, todos venimos y nos vamos solos, y abajo del color de piel que tengas hay un esqueleto y punto”.

El segundo, el corazón, símbolo de la sangre, la familia, la pasión. Y el tercero, la sábila, que es la sanación.

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Cuando Guanaco lanzó hace 10 años su disco Blasfemia, estaba seguro de que sería su último lanzamiento. Por eso quería hacer una obra triste y para lograrlo recurrió a la música ‘cortavenas’ por excelencia, sampleando canciones rocoleras, o reinterpretando y creando boleros desde cero. Algo que con el tiempo se convirtió en parte de su identidad.

Por eso, una década después decidió organizar un show de aniversario de este álbum que se ha vuelto especialmente significativo no solo para él, sino para muchas otras personas que han conectado con el poder de sus melodías y letras. 

Conversó con EXPRESIONES sobre el show que prepara, la relevancia de este disco histórico en su carrera y la siempre interesante escena ambateña indepediente.

En Blasfemia, la música de cantina, como se la llama, tiene un espacio importante. Se vuelve una especie de puente para que ese género conecte con otro tipo de públicos.

Creo que hay dos tipos de música: la que tú eliges y la música que escuchaste en tu vida inconscientemente. Tenía un tío que cuando se duchaba ponía Alci Acosta y cantaba a toda madre. O yo me despertaba para ir a la escuela a las 05:00 y en la radio de la cocina mi abuelita ponía pasillos, boleros. Uno cree que esa música no le pertenece, hasta que talvez estás en un bus viajando en un día lluvioso y suena un pasillo que te electrocuta. Y entonces esa canción también se vuelve tuya.

Hace diez años, en su canción El original de Blasfemia usted ya decía “Me apoyo en las nuevas generaciones”, que es algo que ha mantenido. Hace poco publicó dos temas, con Shalom Mendieta (No tengo miedo) y R de Nexo (El tiempo).

Siempre me ha gustado tener esa relación intergeneracional porque pienso que la música es como un ADN que se va multiplicando. Un ecosistema en el que hay diferentes figuras. Y soy muy respetuoso porque creo que toda persona que se dedique a la música o que viva de este oficio es alguien que se arriesga, que se juega, que lucha por su arte, por mantenerse leal a su pensamiento, a su talento.

También ha grabado con artistas mayores a usted.

Sí, como Roberto Calero, Gustavo Velásquez o el cantante de Los Chigualeros (Armando Palomino), de los que he aprendido mucho. Pero también me encanta grabar con gente joven. Me gusta hacer música no solo por los ‘views’, ni para tener más ‘likes’ o reconocimiento. Todas esas colaboraciones parten de la admiración mutua y del respeto mutuo del trabajo del uno al otro.

Roberto Calero colaboró con usted en el tema Soledad de Blasfemia. Ahora que ya no está (falleció en 2021), ese tema adquiere una carga emocional especial.

Sí. Creo que los años le dan capas de perspectiva a la música. Sólo el hecho de que podamos, después de 10 años, volver a tocar el mismo disco en el mismo orden y que la gente esté comprando las entradas, habla muchísimo de la calidad de álbum que hicimos.

En una época en la que la música es desechable.

Sí. Si haces una canción, pega, pero en dos semanas ya no es nada. Tal vez tendrá una segunda vuelta de nostalgia por ahí, pero no con esa escala de profundidad que tiene el álbum. En un pódcast hace dos semanas con un pastor evangélico, él me dijo que en un momento que perdió la fe escuchó uno de mis temas yendo en el carro, y se le fueron las lágrimas. Después habló de esa canción frente los feligreses en el servicio dominical.

Usted debe tener varias de esas anécdotas.

Muchas. El otro día estaba viendo una carrera y un joven que estaba compitiendo con audífonos me vio, se sacó los audífonos y me los puso. Me dijo: “Loco, escucho tu música, esto me salvó la vida”. Me puse a llorar en plena competencia. Yo hice esa música intentando sanarme a mí, pero es bonito que otras personas la abracen también.

Un disco tan significativo merece un concierto como el que prepara.

Es bonito como volverle a dar la vuelta, volver a recordarlo. Y ni siquiera desde la nostalgia, sino desde el reto de ponerlo en vivo en una magnitud más potente y que la gente pueda vivir esa experiencia. Así que los que ya la vivieron, que la disfruten. Y los que no, que la gocen más. Yo no intento hacer hiphop solo para hiphoperos o música para mis seguidores. Lo chévere de este proyecto musical es que nos enfocamos en hacer música e intentar tocar el corazón puede ser de un metalero, de una abuelita o de un niño de cinco años. Ese es el objetivo.

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La escena ambateña

La escena musical ambateña se parece a la guayaquileña en el sentido de que en ella conviven bandas de distintos géneros: punk hardcore, heavy, metal extremo, hiphop.

Yo creo que esa diversidad puede ser el resultado incluso de la precariedad. Como no hay la suficiente cantidad de personas para que exista una escena de rap, una escena de metal, una escena de hardcore, una escena de reggae, entonces varias bandas con las mismas necesidades técnicas o de público se unen para solucionar eso dándose las manos.

Nos encantaría conocer su experiencia como músico en la escena de Ambato, sabiendo que tiene tanto recorrido.

De mi generación pudimos tocar con Mamá Vudú con Cafetera Sub, con varias bandas que en teoría no tenían nada que ver con lo que hacíamos con Mortero o con Sudakaya. Pero después, cuando se terminaban los conciertos, nos tomábamos una cerveza y éramos la misma gente, con las mismas necesidades, con la misma joda. Y de ahí surgen amistades entre personas que hacen lo mismo y que más que nada no le ven como competencia, sino que le ven como un símbolo de unión.

Ambato tiene una de las mejores escenas del país desde mi punto de vista.

Cada quien era tan diferente y tenía su espacio dentro de este pequeño ecosistema. Si vos te vas al Vive Latino, al Estéreo Picnic, al Lollapalooza, todos esos festivales ahora incluyen estrellas pop tipo Katy Perry, Bad Bunny, pero también bandas de metal, de hardcore.

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Una ‘all-star’ band

En el Teatro Sucre, en la batería estará Raúl Molina (Jazz The Roots), que tiene también su proyecto solista y “aparte de ser un músico increíble, le da un saborcito especial a esta banda”.

En la guitarra eléctrica y el requinto, Isaac Zeas. “Hay partes rockerísimas de mi show, rayando en lo Rage Against The Machine, y también otras rocolerísimas, a lo Cecilio Alva o Noé Morales. Y a cada una, él le da el sonido exacto”.

En el bajo, Camilo Pérez, “niño genio, becado por el Berklee College de Boston. Compone para musicales de Bollywood”. Y en los teclados, Xavier Muller, productor de Blasfemia y cantante de Tanque.

Guanaco admite que es el que menos bagaje académico tiene de todos ellos, “pero aunque sea alguna ‘mala maña’ en la música les he podido enseñar”.

"El show ya estaba chévere hace 10 años. Ahorita está como un 2.0 recargado, con unas visuales más chéveres. El show está amarradísimo desde todos los sectores, desde los símbolos, el concepto, la línea narrativa, la música, las visuales y el performance. Es un show que vale la pena que la gente vaya a presenciarlo".

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Nacido en el cantón Durán, el DJ y productor inició su carrera en 1998 y desde entonces ha construido una trayectoria ligada al movimiento urbano. Considerado uno de los pioneros del género en su entorno, ha desarrollado un estilo centrado en el sonido old school, combinando mezclas clásicas con espectáculos en vivo que apelan a la memoria musical de quienes vivieron el auge del reguetón

Su propuesta ha tomado fuerza con "La Máquina del Tiempo", una gira que ya ha recorrido ciudades como Guayaquil, Quito, Manta, Santo Domingo, Portoviejo y Jipijapa. En cada presentación, el artista ofrece un recorrido por los temas que marcaron una época, apostando por una experiencia que mezcla entretenimiento, nostalgia y la energía característica de las fiestas urbanas.

De Durán para el mundo

Durante el 2026, DJ Edu "El Capo" ha llevado su gira a Chile y Panamá, mientras alista el resto de su gira latinoamericana. A esto se suman recientes lanzamientos de sus mezclas, entre ellos "MX Old School Panamá" y "Bombom".

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Actualmente, el artista se desempeña como DJ oficial del cantante ecuatoriano Waldokinc El Troyano, pero a lo largo de su carrera también ha compartido escenario con figuras del género como Don Chezina, Makano, Aldo Ranks, Maicol Super Star, Toby King y Renato.

Su próximo encuentro con el público será el sábado 18 de julio en el Sports Garden, en Guayaquil. 

Lo que se sabe

• Conciertos de música sinfónica y de ritmos tropicales se realizarán
• Edición 13 de la feria Raíces será del 23 al 26 de julio de 2026
  
• La Prefectura de Guayas realizará un desfile artístico

Las opciones de entretenimiento son variadas durante este mes de fiestas patronales en Guayaquil. Hay alternativas gratuitas y pagadas, para toda la familia, entre las que resaltan conciertos, ferias y desfiles.

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Entre los eventos destacados están la feria Raíces, que en esta edición incorpora el voto del público para elegir a la hueca ganadora; los conciertos de la Orquesta Filarmónica; el Rumba Fest Juliano; el Anime Weekend; y un desfile de carros alegóricos.

Eventos por las fiestas de Guayaquil en este 2026

Aquí le ofrecemos las principales actividades, gratuitas y pagadas, para este mes festivo:

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Lo que se sabe

• En la Casa de la Cultura, núcleo de Guayas, se realizan eventos gratuitos
• Hay exposiciones de artistas peruanos, entre la oferta cultural
• Los eventos se extienden hasta el 31 de julio, según la programación

La Casa de la Cultura, núcleo de Guayas, realiza diversos eventos gratuitos en este mes como parte de su oferta cultural y en homenaje a las fiestas patronales de Guayaquil.

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En varios de sus espacios, de la sede ubicada en 9 de Octubre entre Pedro Moncayo y Quito, en el centro de la ciudad, las expresiones culturales invitan a la ciudadanía a acercarse a la cultura local y nacional.

La Casa de la Cultura, núcleo de Guayas, se ubica junto a la estación de Aerovía

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Eventos en la Casa de la Cultura por fiestas julianas

La entidad publicó, en su página web, la agenda de eventos para este mes:

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Biblioteca de las Artes

Quienes buscan una experiencia diferente pueden visitar el Museo Interactivo Océano Vivo, ubicado en la Biblioteca de las Artes. La propuesta combina arte, tecnología y naturaleza, y ofrece ingreso gratuito.

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Teatro Sánchez Aguilar

Para los amantes de la danza, el Teatro Sánchez Aguilar recibirá a la reconocida bailaora española María Pagés, una de las principales exponentes del flamenco contemporáneo. La artista participará este jueves en un conversatorio y el viernes presentará el espectáculo Amor de Dios.

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Estudio Paulsen

La programación también incluye teatro con Esperando a Godot, el clásico de Samuel Beckett, que se presentará este viernes y sábado en el Estudio Paulsen. La obra, considerada una de las más importantes del teatro contemporáneo, mantiene su vigencia por su profunda reflexión sobre la condición humana.

Lo que debes saber

• Lionsgate reestrenará las cinco películas de Los Juegos del Hambre en septiembre.
  
• El video “Meet Haymitch” presentó a Joseph Zada como el joven vencedor del Distrito 12.
  
• Amanecer en la cosecha llegará a los cines el 20 de noviembre con Haymitch como protagonista.

Panem volverá a conquistar la gran pantalla este septiembre con el reestreno de las cinco películas de Los Juegos del Hambre. La iniciativa de Lionsgate permitirá a los fanáticos revivir la historia de Katniss Everdeen antes del estreno de Los Juegos del Hambre: Amanecer en la cosecha, previsto para el 20 de noviembre.

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El estudio también lanzó el video promocional 'Meet Haymitch', que presenta por primera vez a Joseph Zada como el joven Haymitch Abernathy. El adelanto marca el inicio de la campaña de la nueva precuela, ambientada décadas antes de la saga original.

El regreso de la saga a la gran pantalla

El evento cinematográfico incluirá 'Los Juegos del Hambre', 'En llamas', 'Sinsajo: Parte 1', 'Sinsajo: Parte 2' y 'Balada de pájaros cantores y serpientes'. Aunque todavía no se han revelado fechas exactas ni cadenas de cines participantes, será la primera vez que el público pueda disfrutar de la franquicia completa en salas antes de la llegada de un nuevo capítulo.

La iniciativa se suma a la creciente tendencia de reestrenar sagas emblemáticas para preparar el terreno a futuras entregas y permitirá a una nueva generación descubrir la revolución liderada por Katniss Everdeen.

La historia de Haymitch toma el protagonismo

Los Juegos del Hambre: Amanecer en la cosecha adapta la novela de Suzanne Collins y se sitúa 24 años antes de la historia original. La película seguirá a Haymitch Abernathy de 16 años durante el Segundo Vasallaje de los Veinticinco, una edición especial de los Juegos que duplicó el número de tributos y dio lugar a una de las competencias más letales de Panem.

Joseph Zada encabeza el reparto junto a Whitney Peak, Mckenna Grace, Jesse Plemons, Elle Fanning, Kieran Culkin, Maya Hawke, Kelvin Harrison Jr. y Ralph Fiennes. Francis Lawrence regresa a la dirección, mientras que Billy Ray adapta el guión de esta esperada precuela.

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‘Meet Haymitch’ adelanta el tono de la nueva película

El video promocional lanzado por Lionsgate ofrece las primeras imágenes de Zada en el papel de Haymitch y anticipa una historia marcada por la supervivencia y el origen del mentor del Distrito 12 que años después guiaría a Katniss y Peeta.

Con el regreso de las cinco películas a los cines y una nueva aventura a punto de estrenarse, 2026 promete convertirse en uno de los años más importantes para los seguidores de Los Juegos del Hambre.

Lo que debes saber

• American Horror Story estrenará su temporada 13 el 24 de septiembre en FX y Hulu.
  
• Ariana Grande encabezará un reparto con figuras históricas de la serie de terror.
  
• FX promocionará la nueva temporada en la Comic-Con de San Diego con experiencias temáticas.
  

American Horror Story regresará a FX y Hulu el próximo 24 de septiembre con su decimotercera temporada. Aunque la trama permanece en secreto, la producción ya confirmó un elenco estelar encabezado por Ariana Grande y el regreso de actores emblemáticos que marcaron la historia de la antología de terror.

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La nueva entrega también llegará a Disney+ fuera de Estados Unidos y estará acompañada por una amplia campaña promocional durante la Comic-Con de San Diego. El anuncio del reparto ha disparado las expectativas de los seguidores, quienes esperan que la serie renueve el éxito que la ha convertido en la producción más longeva y premiada de FX.

Una antología que redefinió el terror televisivo

American Horror Story comenzó en 2011 y su estreno fue en FX. Serie creada por Ryan Murphy y Brad Falchuk, en cada temporada se reinventa con un nuevo elenco, historias aterradoras y escenarios. En algunas temporadas se inspiran con casos de crímenes reales, pero para la serie le añaden elementos sobrenaturales.

Es la serie de FX con mayor duración y éxito, ha ganado un total de 132 premios y cuenta con más de 400 nominaciones. Entre sus premios ganados, 17 son Emmy.

La famosa serie antológica regresará este 24 de septiembre en FX y Hulu con su temporada número 13. También estará disponible internacionalmente en Disney+.

Ariana Grande lidera el reparto lleno de celebridades

La trama de esta nueva temporada aún se desconoce, pero ya han revelado gran parte de su reparto, cuentan con grandes artistas y miembros originales de temporadas anteriores de la serie. Protagonizada por Ariana Grande, Sarah Paulson, Jessica Lange, Angela Bassett, Kathy Bates, Emma Roberts, Billie Lourd, Gabourey Sidibe, Leslie Grossman y Evan Peters.

En esta temporada la serie traerá de vuelta a John Carroll Lynch, Mena Suvari y Matt Fraser, retomando personajes interpretados en las temporadas anteriores. También habrán nuevos personajes, quienes debutarán en el universo de American Horror Story, Paul Anthony Kelly, Berto Colón y Joey Pollari.

Ante este anuncio del reparto de la temporada 13, los seguidores ya están generando expectativas sobre esta nueva etapa de la serie. Aunque no están seguros del papel que tomarán todos estos artistas, esperan con ansias que los creadores superen sus temporadas anteriores, tomando en cuenta que esta temporada está relacionada con el número más temido.

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Nadia Larco Bravo

La Comic-Con de San Diego será el escenario de la promoción

Durante la Comic-Con de San Diego aprovecharán para la promoción de la serie. Según lo anunciado por FX, durante el evento los asistentes podrán encontrar cuatro camiones de helados con temática y sabores inspirados en las distintas temporadas.

También tendrán la oportunidad de tomarse fotos con Rubber Man (Murder House), Twisty the Clown (Freak Show) y una de las brujas de Coven. Este evento finalizará con el anuncio de una ubicación secreta donde los fans podrán probar el decimotercer sabor. También el póster oficial de la temporada se revelará en la fachada del Hotel Hilton San Diego Bayfront.

Lo que debes saber

• Adrienne Bailon regresa como Chanel en The Cheetah Girls: Next Gen de Disney.
  
• La nueva película reunirá al elenco original con jóvenes protagonistas en Sudáfrica.
• La actriz ecuatoriana de raíces manabitas vuelve a una saga clave de Disney Channel.

Adrienne Bailon-Houghton vuelve a Disney Channel y Disney+ con el personaje que marcó a toda una generación. La actriz, cantante y presentadora de ascendencia ecuatoriana retomará su papel como Chanel Simmons en The Cheetah Girls: Next Gen, la nueva película musical de Disney que ya genera expectativa entre los fans.

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Adrienne Bailon y su vínculo con Ecuador

La noticia tiene un fuerte vínculo con Ecuador. Aunque Adrienne Bailon nació en Nueva York, su padre, Freddie Bailón, es originario de Manta, Manabí. Esta conexión con el país ha sido parte de su identidad desde sus inicios en la industria del entretenimiento, destacando siempre su orgullo por sus raíces ecuatorianas.

The Cheetah Girls: Next Gen inicia rodaje en Sudáfrica

La nueva película de Disney comenzará su rodaje en Sudáfrica y reunirá a parte del elenco original con una nueva generación de protagonistas. Raven-Symoné regresará como Galleria, mientras que Adrienne Bailon volverá como Chanel. Ambas también tendrán roles clave detrás de cámaras: Raven-Symoné será productora ejecutiva y Bailon-Houghton participará como coproductora.

La historia de The Cheetah Girls: Next Gen seguirá a Galleria y Chanel en un viaje a África junto a Faith, la hija de Galleria, y tres amigas adolescentes. Durante su estancia en una reserva de fauna salvaje, las jóvenes vivirán una experiencia transformadora que pondrá a prueba su amistad, fortalecerá su identidad y las llevará a convertirse en la nueva generación de las Cheetah Girls.

El nuevo elenco de Cheetah Girls

El elenco juvenil estará liderado por Leah Sava’ Jeffries, conocida por Percy Jackson y los dioses del Olimpo, quien interpretará a Faith. Carmen Sanchez dará vida a Dior, la hermana de Chanel; Kaileen Chang será Ruby; Sophie Lennon interpretará a Brooklyn; y Kamogelo Ramashala, actor sudafricano seleccionado en un casting internacional de Disney, será Kendi.

La producción también contará con el regreso de figuras clave de la franquicia. Lynn Whitfield y Lori Alter retomarán sus papeles como Dorothea y Juanita, mientras que Sabrina Bryan tendrá una participación especial como Dorinda. Sophia Bush se suma al elenco en un papel secundario como Jennifré. La película será dirigida y coproducida por Bille Woodruff, con coreografías de Kyle Hanagami.

El legado de The Cheetah Girls en Disney

Ayo Davis, presidenta de Disney Branded Television, destacó el impacto de la franquicia: “The Cheetah Girls siempre ha sido una historia sobre la amistad, la música y el poder de que los jóvenes puedan expresar su propia voz”. Además, aseguró que este mensaje sigue siendo relevante para las nuevas generaciones.

Para Adrienne Bailon, este regreso a The Cheetah Girls representa también un reencuentro con su historia personal. Antes de su éxito en Disney Channel, formó parte del grupo 3LW a inicios de los años 2000. Posteriormente, la saga de The Cheetah Girls la consolidó como una figura clave del entretenimiento juvenil, con películas, música y giras internacionales.

Adrienne Bailon y su orgullo por sus raíces manabitas

Su vínculo con Ecuador se fortaleció en 2007, cuando visitó Manta y fue recibida por sus seguidores. En esa ocasión expresó: “Amigos de Ecuador los amo mucho y espero volver a verlos”. También reafirmó su identidad latina al decir: “Soy ecuatoriana, mantense y me siento muy orgullosa de apellidarme Bailón”.

Actualmente, Adrienne Bailon-Houghton vive una nueva etapa en su vida. Está casada con el cantante y productor Israel Houghton, es madre, empresaria, presentadora ganadora del Emmy y ha desarrollado una carrera en la música cristiana en español. Su regreso a The Cheetah Girls no solo revive a Chanel para los fans de Disney, sino que también posiciona nuevamente a una artista latina con raíces ecuatorianas en una de las franquicias más icónicas de Disney Channel.

Lo que debes saber

• A pesar de ser un futbolista famoso, Erling Haaland gusta de regresar a Bryne, Noruega, donde creció.
• Un restaurante en particular, el Wen Hua House, es de sus favoritos.
• El delantero consume una gran cantidad de calorías diarias para mantener su físico.

Erling Haaland trabaja arduamente para mantener su físico: según el medio inglés The Sun, el delantero noruego del Manchester City consume más de 6.000 calorías al día. 

No obstante, de vez en cuando también le gusta recordar los sabores de su infancia, particularmente los de Wen Hua House, un restaurante chino en la pequeña ciuda de Bryne, Noruega, en el que Haaland comía cuando era niño y que todavía visita.

"Erling creció en este restaurante, nos ha visitado con su familia desde que era un niño", contó Hui Zhu Wang, dueña del restaurante, a The Sun. "Nos visita cuando regresa a Bryne y pide sus platos favoritos, el pollo en salsa agridulce y el pato".

El platillo favorito de Haaland

"Siempre es muy amable y humilde. Es increíble pensar que es un futbolista tan famoso", señaló, añadiendo que el delantero les ha regalado dos camisetas firmadas. Una de ellas está colgada en el restaurante.

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Erling Haaland no solo marca goles en el Mundial: también colecciona bolsos de lujo

Alejandro Puga

La cuenta de Facebook del restaurante tiene poca actividad, pero hay varios posteos con fotos del delantero noruego en el restaurante. También han subido fotos celebrando el buen desempeño de Haaland y de la selección noruega en el mundial. 

Además de la comida china, el jugador del Manchester City come en su mayoría alimentos naturales, evitando las bebidas azucaradas y los productos con aditivos. 

Ahora la selección noruega buscará derrotar a Inglaterra en los cuartos de final de la copa del mundo con Haaland como dueño del equipo tras la histórica victoria por 2-1 contra Brasil en la ronda previa.

Un artista neoyorquino puso a la venta por 25 dólares piezas de basura recogidas en los alrededores del Madison Square Garden, lugar donde la cantante y el jugador de la NFL celebraron su matrimonio el pasado 3 de julio. La iniciativa despertó el interés de los seguidores de la artista, quienes agotaron las existencias en cuestión de horas.

Entretenimiento

Taylor Swift y Travis Kelce inician su luna de miel: el recorrido por cuatro continentes

Arianna Molina

¿Qué objetos se vendieron?

Los 50 artículos disponibles se agotaron este miércoles, menos de 24 horas después de salir a la venta. Entre los objetos ofrecidos había colillas de cigarrillos, un test de ovulación, tapas de botellas de agua, dulces Ring Pop, cinta de precaución de la Policía, pajillas, cubiertos desechables e incluso un AirPod extraviado.

Justin Gignac, creador del proyecto y propietario de la página New York City Garbage, explicó que los residuos fueron recolectados fuera del perímetro acordonado que rodeaba el recinto donde se realizó la celebración.

"Está atrayendo a muchos 'Swifties' que solo quieren una pieza tangencial de la boda", afirmó Gignac.

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Un negocio que convirtió los desechos en piezas de colección

Cada objeto fue sellado dentro de un pequeño cubo de plástico para evitar olores o filtraciones y comercializado como una "escultura". Gracias a la venta de las 50 piezas, Gignac obtuvo 1.250 dólares, según declaró a la AFP, y adelantó que evalúa lanzar nuevas unidades.

El artista señaló que su intención era inmortalizar uno de los acontecimientos culturales más comentados del momento.

"Intento conmemorar momentos culturales en la ciudad de Nueva York, y este parecía ser uno importante, así que se trataba de capturar una pequeña cápsula del tiempo de ese momento", explicó.

Gignac es conocido por comercializar residuos recolectados en distintos puntos de Nueva York como objetos de colección. En esta ocasión, el enorme interés que despertó la boda de Taylor Swift y Travis Kelce impulsó una demanda inmediata entre los seguidores de la cantante.

La expectativa por el enlace llevó incluso a numerosos fanáticos a viajar hasta Nueva York con la esperanza de presenciar algún momento de la celebración, un evento al que asistieron decenas de celebridades y que diversos comentaristas llegaron a comparar con una auténtica "boda real".

Entretenimiento

Murió Bonnie Tyler: el adiós a la voz inolvidable de 'Total Eclipse of the Heart'

Nadia Larco Bravo

El inicio de una trayectoria inolvidable

Bonnie Tyler, nacida como Gaynor Hopkins en Gales, comenzó su carrera en los años 70 con temas que mezclaban el rock y el country. Su primer gran éxito fue Lost in France (1976), que la dio a conocer fuera del Reino Unido y abrió el camino hacia una trayectoria de casi cinco décadas.

Su característica voz rasposa, producto de una cirugía en las cuerdas vocales, se convirtió en su sello distintivo y en una de las marcas más reconocibles de la música contemporánea.

A lo largo de su carrera, vendió millones de discos y obtuvo múltiples reconocimientos, consolidándose como una de las intérpretes más influyentes del pop y el rock internacional. Estas son las canciones más destacadas:

“It’s a Heartache”: el clásico atemporal

Antes de sus grandes éxitos de los 80, Bonnie Tyler ya había dejado huella con It’s a Heartache (1977). La canción, mezcla de country y rock, alcanzó el Top 10 en numerosos países y se convirtió en un clásico sobre el desamor. Su estribillo pegadizo y la voz rasgada de Tyler hicieron que el tema se mantuviera vigente durante décadas.

“Total Eclipse of the Heart”: su obra maestra

En 1983, Bonnie Tyler alcanzó la cima con Total Eclipse of the Heart, escrita y producida por Jim Steinman. La canción se convirtió en un fenómeno mundial, encabezando listas en Reino Unido, Estados Unidos y varios países más.

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¿Qué le pasó a Bonnie Tyler? La historia de la enfermedad que marcó sus últimos meses

Nadia Larco Bravo

Su teatralidad y dramatismo la convirtieron en una de las power ballads más emblemáticas de la historia, comparada incluso con clásicos como Bohemian Rhapsody de Queen. Décadas después, el tema sigue vigente, con más de mil millones de reproducciones en plataformas digitales y un lugar asegurado en la memoria colectiva de la música.

“Holding Out for a Hero”: energía y fuerza

Un año después, en 1984, Bonnie Tyler volvió a conquistar al público con Holding Out for a Hero, incluida en la banda sonora de la película Footloose. Su energía vibrante y el poderoso registro vocal de la artista transformaron la canción en un himno que aún hoy se escucha en películas, series y eventos deportivos. Este tema demostró la versatilidad de Tyler y su capacidad para conectar con diferentes generaciones.

Una voz irrepetible y un legado eterno

El sello distintivo de Bonnie Tyler fue su voz áspera, resultado de una cirugía en las cuerdas vocales en 1976, que terminó convirtiéndose en su marca personal. A lo largo de su carrera vendió millones de discos, obtuvo múltiples discos de oro y platino y dejó un catálogo musical que sigue inspirando a nuevas generaciones.

Con su fallecimiento, la música pierde a una artista irrepetible, pero canciones como Total Eclipse of the Heart, Holding Out for a Hero e It’s a Heartache permanecerán como parte de la historia del pop y el rock internacional, asegurando que su legado sea eterno.

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Murió Bonnie Tyler: el adiós a la voz inolvidable de 'Total Eclipse of the Heart'

Nadia Larco Bravo

La intervención, aunque necesaria, desencadenó complicaciones graves que marcaron el inicio de un largo proceso médico. En mayo, representantes de la artista confirmaron que había sido inducida a un coma para favorecer su recuperación, permaneciendo en cuidados intensivos.

Semanas después, logró despertar, pero su estado continuó siendo delicado debido a una infección postoperatoria que debilitó aún más su salud.

Entre la esperanza y la incertidumbre

El equipo médico mostró cierto optimismo en junio, al señalar que Bonnie ya no estaba en coma y que su evolución era lenta pero positiva. Sin embargo, la cantante nunca logró recuperarse por completo.

Algunos medios portugueses reportaron que habría sufrido un paro cardíaco durante el proceso de retirada del coma inducido, aunque esa información nunca fue confirmada oficialmente por su familia.

La incertidumbre sobre su estado de salud llevó a la cancelación de su gira de verano, que incluía presentaciones en varias ciudades europeas. Su equipo mantenía la esperanza de retomar algunas fechas antes de finalizar el año, pero la situación médica lo hizo imposible.

Su última presentación y el legado artístico

Paradójicamente, semanas antes de su hospitalización, Bonnie Tyler se mostraba optimista sobre su estado físico y su deseo de seguir actuando. En una entrevista con Hello! aseguró: “Todavía sigo rockeando sobre ese escenario con mi maravillosa banda y, si tienes salud, lo tienes todo”.

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Nadia Larco Bravo

Su último concierto tuvo lugar el 19 de marzo en el Shepherd’s Bush Empire de Londres, donde compartió con sus seguidores una noche que describió como “fantástica”. Dos días después debía presentarse en Cardiff, pero ese espectáculo fue pospuesto para diciembre y nunca llegó a realizarse.

Con una trayectoria de casi cinco décadas, Bonnie Tyler deja un legado imborrable en la música. Su voz áspera, producto de una cirugía en las cuerdas vocales en 1976, se convirtió en su sello distintivo y la llevó a conquistar el mundo con baladas poderosas como Total Eclipse of the Heart y Holding Out for a Hero.

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La cantante Bonnie Tyler sale del coma pero sigue en cuidados intensivos

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La noticia de su fallecimiento ha generado conmoción en la industria musical y entre sus seguidores, quienes recuerdan su voz rasposa y poderosa como una de las más distintivas del pop internacional. Su familia y equipo pidieron privacidad para afrontar la pérdida, anunciando que próximamente se dará más información.

El éxito de “Total Eclipse of the Heart”

El gran salto de Bonnie Tyler llegó en 1983 con “Total Eclipse of the Heart”, una balada épica escrita por Jim Steinman que alcanzó el número uno en Reino Unido y Estados Unidos, desbancando incluso a “Billie Jean” de Michael Jackson.

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La canción se convirtió en un fenómeno global, reproducida más de mil millones de veces en plataformas digitales y considerada una de las power ballads más emblemáticas de la historia. Su teatralidad y dramatismo la colocan junto a clásicos como “Alone” de Heart o “I Want to Know What Love Is” de Foreigner.

Este éxito consolidó a Tyler como una estrella internacional y le abrió las puertas a giras mundiales, premios y reconocimientos que la acompañaron durante toda su carrera.

Inicios humildes y legado eterno

Nacida en 1951 en Skewen, Gales, Bonnie Tyler creció en una familia numerosa y humilde. Desde pequeña mostró interés por la música, inspirada por su madre y por los musicales que veía en su comunidad.

Comenzó como corista adolescente y en la década de 1970 lanzó sus primeros discos, aunque fue su colaboración con Steinman la que la catapultó al estrellato. Su estilo vocal, marcado por una cirugía en las cuerdas vocales que le dejó un timbre áspero, se convirtió en su sello personal.

Lo que debes saber

• El animal print regresa como una tendencia fuerte, versátil y capaz de transformar cualquier look con carácter y estilo.
• Leopardo, cebra, serpiente y otros estampados inspirados en la naturaleza animal se llevan en vestidos, accesorios y combinaciones más atrevidas.
• La asesora de imagen Carola Quintero explica cómo usar este print con equilibrio, cuidando las proporciones, la silueta y la dosis justa de actitud.
  

La tendencia animal print está lista para convertirse nuevamente en protagonista. Leopardo, cebra, serpiente, vaca y otros estampados inspirados en la naturaleza regresan como aliados para elevar su vestuario, romper la monotonía y demostrar que lo salvaje también puede ser elegante, chic y muy bien estilizado.

¿La clave? La consultora de imagen Carola Quintero explica que está en usarlo con estrategia y no dejarse llevar por el exceso.

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Ropa y accesorios tejidos: cómo llevar la tendencia artesanal con estilo

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Úsalo sin exagerar

Este diseño aporta seducción y permite crear looks bastante arriesgados pero, como explica Quintero, todo depende de la medida en la que se utilice. Puede aparecer como punto focal en una falda, un vestido o una chaqueta; sumarse de forma más sutil en zapatos, carteras, pañuelos o cinturones; o entrar en combinaciones más atrevidas para quienes disfrutan jugar con la moda.

Bien estilizado, el animal print tiene el poder de transformar un outfit para distintos códigos de vestimenta o estilos. La clave está en aprender cómo lograrlo.

Los no de la tendencia

Aunque este estampado tiene mucha fuerza visual y puede elevar tu look, lo cierto es que necesita equilibrio para no caer en el exceso. La idea no es apagar su personalidad, sino aprender a usarlo con intención, respetando las proporciones, la silueta y el estilo de cada persona.

Elegancia que ruge

Este vestido es una apuesta ideal para una persona con un estilo seductor muy marcado, no solo por la fuerza del color rojo, sino también por el impacto visual del estampado. Sin necesidad de mostrar de más, el diseño transmite sobriedad, sofisticación y sensualidad, demostrando que el animal print también puede verse elegante cuando se lleva con seguridad y equilibrio. 

Además, según las combinaciones que se realicen con zapatos, cartera, chaqueta o accesorios, también puede adaptarse a estilos creativos, elegantes o dramáticos, porque este estampado no vino a pedir permiso, ¡vino a robar miradas a cualquier hora que lo luzca!

Cebra chic

Este vestido es una opción versátil para un evento de día, una reunión casual o una salida en la que se busca comodidad sin perder estilo. Para Quintero, el estampado animal print y el alto contraste entre blanco y negro le dan elegancia, dramatismo y un toque de sensualidad. 

Para elevarlo aún más, se pueden sumar accesorios de colores fuertes (como rojo o turquesa) y si se busca un resultado más elegante, los accesorios dorados funcionan muy bien, especialmente en piezas como cinturones, pulseras o pendientes. Y para un toque divertido y fashionista, anímese a hacer match con su mascota usando una bandana en el mismo estampado o en tonos similares.

El toque salvaje

Un outfit básico también puede entrar en la tendencia sin complicarse demasiado. En está opción, la combinación de camiseta básica negra y jeans se eleva con un accesorio protagonista: el pañuelo con estampado animal print. 

Aquí aplica a la perfección el “menos es más” y es una propuesta ideal para alguien con estilo natural que desee arriesgarse poco a poco, sin perder la comodidad. Finalmente, para aportar un acabado más elegante, Quintero recomienda elegir un pañuelo de preferencia en seda, ya que este material le da más sofisticación al look.

Así se luce en Hollywood

El animal print ha conquistado a varias estrellas del mundo del espectáculo. Elle Fanning, por ejemplo, lo llevó durante su aparición en los Golden Globes 2025. Brilló con un vestido dorado y diseño animal print a juego. Los detalles estaban en los accesorios como joyería dorada, cinturón del mismo tono y cartera que combinaba a la perfección con la parte superior de su look.

Este año, Hailey Bieber lo convirtió en una opción de alfombra roja con un vestido de leopardo en una fiesta posterior a los Óscar.

Anne Hathaway y Jamie Lee Curtis también han apostado por calzado con este estilo, con tacones con diseño zebra y zapatos deportivos estilo leopardo.

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Accesorios artesanales: cómo llevarlos de la playa a la ciudad

Vanessa Tapia

Fotos y producción: Vanessa Tapia (@vanessatapiaa @vantap.photostudio). Modelo: Andrea Heras (@andreaheras17). Maquillaje y peinado: Miuriel Yaurincela (@miuribeauty). Vestuario: Leonor Alarcón.