Aunque comenzó en lo musical cuando era una quinceañera, ¿cómo y cuándo descubrió que ese era el camino que quería seguir?

Desde niña me encantaba la música. Mi madre (Marta) canta muy bonito y me apoyaba, a pesar de que a mi padre (Franco) no le agradaba. Él truncó la carrera de ella; tal vez por eso las madres impulsan a sus hijos en lo que quisieron ser y no pudieron. Conmigo no pudo hacer lo mismo, porque mi progenitora se puso firme y lo impidió. Me promocionaba en las fiestas del barrio donde vivía, al sur de Machala.

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¿Ya acepta que sea artista o todavía no?

Recuerdo que cuando se enteraba de que iba a cantar en esas reuniones se enojaba mucho. Prácticamente le ponía candado a la puerta para impedir nuestra salida. A esta altura ya no puede hacerlo; soy una mujer. Aún no lo acepta. Nunca comenta en mis redes sociales, simplemente evita opinar. No sé sus razones, tal vez porque soy la única hija de ambos. Tengo un hermano materno y ocho paternos, con estos últimos casi no mantengo relación.

¿Nunca quiso saber sus razones?

Tal vez él trató de evitar que sufriera, porque el mundo musical es complicado, sobre todo para las mujeres. Hay muchas propuestas indebidas y me ha ocurrido. Por ello me retiré un tiempo. Además, la música implica inversión, como todo negocio. Ni mi madre ni yo teníamos los recursos necesarios para ello. Decidí estudiar una carrera universitaria; quería seguir Producción Musical, pero era muy caro. Me incliné por Derecho. Soy abogada graduada en la Universidad de Guayaquil. Preferí estudiar antes que aceptar propuestas que no iban con mis valores. Yo nunca me opondría a que un hijo cumpla sus sueños.

¿Seguía con las ganas de ser cantante y por ello volvió?

En 2022, mi mánager, Fabriccio Saldaña, me dijo que cantaba bonito. Al principio pensé mal y no le hacía caso, pero luego cambié de opinión cuando me explicó sus propuestas musicales, que me parecieron interesantes. Me dijo que pensara en grande, en lo internacional. Logramos entendernos tanto que se convirtió en mi pareja sentimental.

La pionera

¿Se considera pionera en Ecuador de la música regional popular?

Por supuesto. Cuando empecé con ese género, todavía no sonaban artistas colombianos ni mexicanos en el país. Tuve que tocar puertas en las radios. Mi trabajo ha sido constante y exigente. Con el tiempo he visto los frutos. La música no es para cualquiera; muchos se cansan en el camino. Nada es de soplar y hacer botella, hay que lucharla.

Acaba de lanzar el álbum Uniendo raíces, con una variedad de géneros.

En este disco lancé nueve canciones; por lo general se presenta una sola. De ahí se desprende Socia, un tema al que no le tenía mucha fe. Sin embargo, me sorprendió porque está muy pegado; tomó fuerza por sí solo. Este álbum es una recopilación de lo que he hecho y de quién soy. Provengo de Zaruma; es recordar mi niñez, mi música y los géneros que he interpretado.

¿Se va de gira por el país y el extranjero?

Mi primer tour nacional iniciará en agosto. Estaré en Guayaquil, Quito, Cuenca y Manta. En octubre viajaré a Estados Unidos. Además, grabaré un remix de Socia con una cantante colombiana, cuyo nombre prefiero no revelar.

En lo personal, ya lleva un tiempo con su pareja, ¿ha considerado ser madre?

No sé por qué he postergado la maternidad. Lo deseo, pero también me da miedo. Es una gran responsabilidad. No pienso solo en mí, aunque algunos lo consideren egoísmo. Vine a cumplir mis sueños y objetivos. Cuando tienes un hijo debes asumirlo plenamente, no dejarlo al cuidado de otros. No descarto el tema, quizá el próximo año. Vivo en unión libre; nunca me he visualizado casada, ni vestida de blanco. Amo a mi pareja. Si se da, se dará. Estoy tranquila; me apoya, no es celoso y respeta mi espacio y privacidad.

A veces no es conveniente trabajar con las parejas; así se evitan conflictos.

Cierto, pero no hemos tenido problemas hasta ahora, porque todo quedó claro desde el inicio. Soy abogada y, desde el primer día que comenzamos a trabajar, firmamos un contrato bien estipulado. Todo tiene que ser legal.

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La comparan con la fallecida cantante Sharon…

Todo surge desde el lanzamiento del álbum. Además saqué una versión actualizada de Avecilla y Así se goza, con un toque del género regional popular. Como me involucro en el vestuario, quise usar prendas típicas. Entonces, la gente en redes sociales empezó a llamarme la nueva Sharon; también decían que me parecía. Dios sabe que no fue mi intención. No juego con eso.

"Sharon no cantaba"

¿Le molesta que la comparen?

Jamás. Antes también me lo decían. Ella fue un referente musical y salió adelante cuando no existía la tecnología de ahora. Comentan que tengo ciertos rasgos que les recuerdan a Sharon. Aclaro que nunca me he operado el rostro para parecerme; en el cuerpo sí me he hecho retoques, como una liposucción.

Sin embargo, no porque ya no esté en este mundo se puede decir que Sharon era buena cantante.

La verdad es que no cantaba, pero era la reina del marketing. Eso es importante en el mundo musical. Sabía cómo mantenerse vigente, ser mediática y generar conversación en la farándula.

A usted no le molestan las comparaciones, pero a la hija, Samantha Grey, no le hace ninguna gracia.

Al principio no dijo nada, pero como la prensa insistió, manifestó que nunca verá lo que hice. También lancé una versión actualizada de El Pimpollo, que es un cover. No era de ella; muchos de los temas que interpretaba eran versiones de Gilda, una de las máximas exponentes de la cumbia tropical en Argentina. No sé por qué algunos ecuatorianos generaron rechazo. No me ofusco ni me complico. No me subestimen: soy perseverante, el único límite es el cielo. Cuando ella vivía también recibía críticas. Cuando alguien muere, como suele ocurrir, todos resaltan lo positivo. Existe un doble discurso.

¿A usted no le afecta que Samantha no la escuche ni la vea?

Para nada, pero es lamentable ese tipo de farándula. Ecuador no está en el radar musical. A la prensa rosa le interesa más el escándalo que apoyar al talento local. Por ejemplo con nuestra representante Brenda en Viña del Mar no pasó nada. Aunque también faltó promoción. Algunos dicen que Samantha canta porque hizo gira en Europa; yo también he hecho giras. Cada quien tiene su talento. Ella baila; yo no soy bailarina. Si nos ponen a cantar a las dos, le doy tres a una, porque estudié canto desde niña. Uno de mis planes es ir al Festival Internacional de la Canción en Viña del Mar. Ya tengo listo el tema.

No falta quien opina que ella despuntó tras la muerte de su madre.

Creo que a Samantha no le gusta ni le interesa el arte, porque no se dedica al baile —que fue lo que estudió— ni canta. Nada es obligado; cuando algo gusta, no pesa.

Lo que debes saber

• Oliver Tree inició su carrera musical bajo el alias Tree antes de adoptar su personaje actual, con el que consolidó su identidad visual y narrativa.
  
• Su álbum debut, Ugly Is Beautiful (2020), lo posicionó globalmente gracias a temas como Hurt y marcó el inicio de su estilo entre lo emocional y lo satírico.
  
• Life Goes On se convirtió en uno de sus mayores éxitos virales, acumulando miles de millones de reproducciones en plataformas y siendo ampliamente utilizado en TikTok.

El regreso de Oliver Tree ya tiene fecha y concepto claro. Love You Madly Hate You Badly, su cuarto álbum de estudio, llegará el 24 de abril de 2026 como uno de los proyectos más ambiciosos de su carrera; con un total de 17 canciones, el disco ha sido anticipado por varios sencillos promocionales lanzados entre 2025 y este año, marcando un proceso de expectativa inusual que incluso incluyó retrasos y aparentes cancelaciones.

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Sin embargo, lo que realmente distingue a este lanzamiento no es solo su música, sino la forma en la que fue concebido, teniendo en cuenta que el álbum fue grabado a lo largo de 82 países en los siete continentes, incluyendo locaciones poco convencionales para la producción musical como la Antártida. Este proceso, que se extendió durante casi dos años, transforma el disco en algo más que un conjunto de canciones: una travesía global que redefine los límites tradicionales de creación en la industria.

Lejos de un lanzamiento convencional, Love You Madly Hate You Badly se presenta como la culminación de un proyecto que ha estado en construcción durante años, atravesando cambios creativos, ajustes estratégicos y una narrativa mediática que el propio artista ha sabido explotar. El resultado es un álbum que no solo genera expectativa por su sonido, sino por todo lo que implica su proceso.

Oliver Tree: entre lo viral y lo performático

Para entender la dimensión del proyecto, primero hay que entender a Oliver Tree, pues este se presenta más allá de un músico tradicional, su carrera se ha construido como una mezcla entre artista pop, director audiovisual y figura de internet, donde lo visual y lo performático tienen tanto peso como la música misma.

Su irrupción en la escena global estuvo marcada por una estética fácilmente reconocible: el corte tipo "bowl", outfits noventeros exagerados y una personalidad que juega constantemente con lo absurdo. Esta identidad, lejos de ser superficial, forma parte de una estrategia que lo posicionó rápidamente en la cultura digital, especialmente a través de plataformas como TikTok.

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En lo musical, ha logrado consolidar un sonido difícil de encasillar, combinando alt-pop, rock alternativo y electrónica, con letras que contrastan su imagen excéntrica al abordar temas como la soledad, el fracaso o la frustración. Canciones como Life Goes On, Miss You o Hurt lo han convertido en un artista viral con alcance global, capaz de moverse entre lo mainstream y lo experimental.

Además, Tree ha construido su carrera bajo una lógica de constante provocación mediática: falsos anuncios de retiro, cambios de identidad visual y campañas caóticas que mantienen su nombre en conversación. Incluso aspectos de su vida personal como su previa relación con Melanie Martinez, han alimentado su presencia en la cultura pop, aunque siempre como un elemento secundario frente a su propuesta artística.

Un álbum en movimiento: 82 países, un solo concepto

Si algo define el ideal de Love You Madly Hate You Badly es su escala, el álbum fue grabado en 82 países a lo largo de los siete continentes, convirtiendo el proceso creativo en un viaje literal alrededor del mundo. Desde locaciones extremas como la Antártida hasta países como Afganistán (donde se realizó la portada del disco), el proyecto se construye a partir de una lógica itinerante poco común en la industria musical.

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Este recorrido no responde únicamente a una decisión estética, sino a una búsqueda sonora. Oliver Tree ha planteado el disco como una "fusión de texturas globales", integrando sonidos, ambientes y referencias culturales recogidas durante el viaje. En ese sentido, cada canción funciona como un fragmento de esta experiencia, ampliando su identidad musical más allá de los géneros que ya había explorado.

El nivel de implicación del artista también es total: el álbum fue escrito, producido e interpretado completamente por él, reforzando la idea de un proyecto profundamente personal. Entre los datos más llamativos, destaca que algunas grabaciones se realizaron en locaciones específicas como la Muralla China, mientras que otras incorporan sonidos ambientales capturados en distintos puntos del mundo.

Este enfoque convierte al disco en una extensión de su lenguaje artístico, donde el viaje no solo es un contexto, sino parte esencial de la obra. Incluso su próxima gira refuerza esta narrativa, con una primera etapa en Latinoamérica que conecta directamente con esta idea de recorrido global y con la intención del artista de seguir expandiendo su experiencia en todos los continentes.

Conflictos y libertad creativa

El camino hacia este álbum no ha estado exento de tensiones, pues durante su desarrollo, Oliver Tree mantuvo una relación compleja con Atlantic Records, sello con el que ya había trabajado en proyectos anteriores y con el que, en varias ocasiones, expresó desacuerdos públicos aunque estos muchas veces llegaban en clave irónica o performática.

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El lanzamiento de Love You Madly Hate You Badly estuvo originalmente previsto para 2025, pero fue retrasado en medio de cambios creativos, reestructuración del material y una estrategia de expectativa que incluyó la eliminación de adelantos y anuncios contradictorios. Este proceso, aunque caótico en apariencia, responde también a la escala del proyecto y a la búsqueda de un resultado más sólido.

Finalmente, el disco marca un punto de inflexión: su salida de Atlantic y el inicio de una nueva etapa bajo su propio sello, Alien Boy Records. Este movimiento le otorga un mayor control sobre su música, su narrativa y sus tiempos, consolidando un modelo más independiente que dialoga directamente con la ambición del proyecto.

Así, Love You Madly Hate You Badly no solo representa un nuevo lanzamiento, sino también una declaración de intenciones: un álbum que nace del movimiento, del conflicto y de una búsqueda constante por romper con lo establecido.

Lo que debes saber

• Tras renunciar como viceprefecto del Guayas, la inteligencia artificial sugiere reforzar su estilo.
• Su imagen combina formalidad y cercanía, clave para posicionarse ante nuevas candidaturas.
• Un look sobrio y estratégico confirma que, en política, la imagen también es poder.

En esta sección ya es costumbre poner bajo la lupa el estilo de los políticos, no para juzgarlos por vanidad, sino para leer lo que su imagen comunica antes incluso de que hablen. Esta vez le toca el turno a Carlos Serrano, quien se desempeñaba como viceprefecto del Guayas, y ha pasado a estar en el centro de la conversación.

El motivo es claro: esta semana, Marcela Aguiñaga anunció que renunciará a la Prefectura del Guayas a partir del 14 de mayo de 2026 y, con esa salida anticipada, Serrano debía asumir la conducción de la provincia pero renunció el día de ayer, 10 de abril, debido a “nuevos desafíos políticos”.

En ese escenario entra la imagen. Porque cuando un político asciende, incluso antes de cambiar de despacho debe potenciar su mensaje visual. En las fotos de los looks que revisamos desde sus redes sociales, Serrano ya muestra un estilo interesante: sabe cuándo ponerse formal, cuándo verse ejecutivo y cuándo bajar a territorio sin disfrazarse. La IA sugiere afinar algunos códigos para que esa transición de viceprefecto a la candidatura de otro posible cargo se vea 100/10.

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La inteligencia artificial apuesta por una versión más pulida de Serrano: mejor sastrería y una identidad visual más clara para acompañar su salto político.

Las combinaciones son claves. Las camisas en tono beige que acostumbra a lucir, la IA sugiere cambiar. Por su tono de piel, ese color le conviene  lucirlo en prendas como pantalones. Y en la parte superior, colores que aporten contraste con su tez, como azul, celeste verde, terracota, etc.

Cuando esté en recorridos puede seguir luciendo chaquetas, ya que aportan dinamismo, sobre todo, si combina con botines y jean. Sin embargo, puede combinar también con camisa y y pantalón de gabardina pues permiten pasar sin problema a reuniones en ciudad.

Para sesiones solemnes, la IA propone un traje de tres piezas, sumando el chaleco como elemento clave para elevar el look en eventos protocolarios. Esta prenda, que Serrano no suele utilizar, refuerza autoridad.

Lo que debes saber

• El Día del Helado se celebra el 12 de abril en todo el mundo
  
  
• En Ecuador, los helados de Salcedo nacieron en un convento en los años 50
• La receta combina frutas, leche y capas congeladas que forman su identidad

El Día Mundial del Helado se celebra este 12 de abril y conecta una tradición global con la historia gastronómica de Ecuador. Este postre tiene raíces antiguas y en el país se vincula con prácticas artesanales y recetas familiares. Desde los Andes hasta las ciudades, el helado forma parte de la cultura y del consumo diario.

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El 12 de abril fue establecido como el Día Internacional del Helado por la Asociación Internacional de Productos Lácteos, con el objetivo de destacar el valor de este postre en distintas culturas. Su origen se remonta a prácticas antiguas donde el hielo y la nieve se mezclaban con frutas y leche, una técnica que se desarrolló en Asia y luego llegó a Europa.

Con el paso del tiempo, el helado se transformó en un producto de consumo global. La apertura del Café Procope en París, por parte de Francesco Procopio de Coltelli, marcó un punto clave en su comercialización. Desde entonces, su producción se expandió y se adaptó a distintos contextos sociales.

La tradición del helado en Ecuador

En Ecuador, el helado tiene una expresión propia vinculada a la tradición andina. Uno de los casos más representativos es el de los helados de Salcedo, considerados un símbolo gastronómico del país.

Según registros históricos, esta preparación surgió en la década de los 50 dentro de un convento en San Miguel de Salcedo, en la provincia de Cotopaxi. La receta fue creada por la religiosa Rosa María Durán, quien comenzó a elaborar jugos de frutas congelados para apoyar económicamente a la comunidad educativa.

El proceso consistía en congelar capas de diferentes frutas como taxo, piña o naranja, formando una paleta multicolor. Con el tiempo, esta práctica se expandió entre familias locales, lo que permitió su comercialización y posicionamiento como un producto representativo del cantón.

Actualmente, los helados de Salcedo forman parte de la identidad local y del turismo interno. Su producción combina técnicas artesanales con procesos industriales, lo que ha permitido su distribución en distintas ciudades del país.

Del hielo natural a la producción moderna

Antes de la industrialización, el hielo se obtenía de zonas montañosas y se conservaba con sal. Este método permitió el desarrollo de bebidas y preparaciones frías en varias regiones del mundo.

En Ecuador, esta lógica se replicó en comunidades andinas donde el clima facilitaba la conservación del hielo. Con la llegada de la refrigeración, el proceso cambió, pero se mantuvo el uso de frutas locales y recetas transmitidas de generación en generación.

Cómo preparar helado estilo Salcedo en casa

La preparación del helado ecuatoriano mantiene una base sencilla:

Este método permite replicar la lógica original del helado por capas, característica de Salcedo.

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Un postre que conecta historia y consumo

El helado en Ecuador no solo responde a una demanda de consumo, sino que también representa una práctica cultural. Su presencia en ferias, calles y mercados lo convierte en un producto cotidiano.

Cada 12 de abril, esta tradición se integra a una celebración global que reconoce su evolución, desde el uso del hielo natural hasta la producción industrial.

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Aries

Hoy despiertas interés en nuevas personas, lo que puede abrir puertas en lo social o sentimental. En lo económico, un problema encuentra solución inesperada. En el trabajo, una gestión previa empieza a dar resultados. Reduce el consumo de azúcar y cuida tu alimentación.

Tauro

Las decisiones que tomes en el amor serán acertadas si actúas con calma. Si mantienes el orden, tu economía se sostiene sin sobresaltos. En el trabajo, el ambiente puede estar tenso, así que evita confrontaciones. Tu energía física se mantiene alta.

Géminis

El equilibrio emocional en pareja se fortalece y te da tranquilidad. Si organizas un plan social, evita excesos. El trabajo absorbe tu atención más de lo habitual. Un cambio de ambiente o descanso te hará bien.

Cáncer

Enfócate en lo positivo de tu relación y no en los detalles que molestan. Controla los gastos en ocio. En el trabajo, logras superar obstáculos con determinación. Podrías necesitar revisar tu vista.

Leo

La rutina puede afectar tu vida sentimental si no haces algo distinto. Es un buen momento para disfrutar de tu dinero con tu pareja. El ritmo laboral aumenta y exige preparación. Considera mejorar tus hábitos de salud.

Virgo

Expresar lo que sientes fortalecerá tus vínculos. En lo económico, el ahorro será clave para manejar deudas. En el trabajo, tu disposición a ayudar será valorada. Evita pensamientos negativos sobre tu estado físico.

Libra

Los temas del corazón pueden ser inestables si no los manejas con cuidado. Ahorra parte de tus ingresos para evitar problemas futuros. En el trabajo, se abren nuevas oportunidades. Evita esfuerzos físicos después de comer.

Escorpio

El amor se presenta de forma tranquila y agradable. Es momento de organizar tus finanzas y pensar en el futuro. En lo laboral, buscar orientación te ayudará a tomar mejores decisiones. Descansa más.

Sagitario

Las relaciones sentimentales pueden no fluir como esperas. En lo económico, recibes una noticia positiva. Un cambio laboral puede ser beneficioso. Es momento de revisar hábitos y evitar excesos.

Capricornio

No inviertas tiempo en personas que no aportan a tu vida. Maneja tu dinero con cautela. En el trabajo, evita confiar demasiado sin verificar. Caminar te ayudará a mejorar tu circulación.

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Acuario

Si estás en una relación complicada, lo mejor será tomar distancia. Cumple con tus compromisos económicos. En el trabajo, piensa en cómo mejorar tu posicionamiento. Te sientes fuerte y con buena energía.

Piscis

Compartir nuevas metas con tu pareja fortalece el vínculo. En lo económico, sé generoso pero sin descuidarte. En el trabajo, otros pueden tomar tu ejemplo. Evita actividades que impliquen riesgo.

Lo que debes saber

• Pixar desarrolla múltiples proyectos en paralelo, pero no todos llegan a producción: varios son cancelados en etapas avanzadas tras evaluaciones internas del llamado "braintrust".
  
• El término "braintrust" se refiere al grupo creativo interno del estudio que revisa y da feedback a las películas en desarrollo.
• Kristen Lester, directora de Be Fri, fue una de las primeras mujeres en dirigir un cortometraje en Pixar.

La maquinaria creativa de Pixar no solo está marcada por sus éxitos, sino también por los proyectos que nunca llegaron a ver la luz. Uno de los casos más recientes es Be Fri, una ambiciosa película que fue descartada tras varios años de desarrollo y que, según un reporte de The Hollywood Reporter, estuvo a punto de convertirse en una de las apuestas más particulares del estudio.

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La cancelación, ocurrida a finales de 2023 bajo la dirección creativa de Pete Docter, no solo marcó un golpe interno para su equipo, sino que también evidenció un cambio de rumbo dentro de Pixar. En un contexto donde el estudio busca recuperar estabilidad comercial, proyectos más personales o "de nicho" parecen tener cada vez menos espacio.

Sin embargo, el caso de Be Fri cobra una nueva relevancia hoy, especialmente al compararse con el éxito de propuestas como KPop Demon Hunters, que han demostrado el potencial de historias con premisas similares.

¿De qué iba 'Be Fri' y por qué fue cancelada?

Dirigida por Kristen Lester, Be Fri (abreviatura de "best friends" o "be free") partía de una base profundamente personal, pues estaba inspirada en experiencias de la propia directora, la historia seguía a Birdie y Jules, dos adolescentes cuya amistad se fractura en medio de un giro fantástico: descubrir que su serie favorita, con claras referencias al estilo Sailor Moon es real, empujándolas a una misión intergaláctica para salvar a la humanidad.

Sobre el papel, la propuesta combinaba elementos clave del entretenimiento contemporáneo: el "coming-of-age", la ciencia ficción y una fascinación sobre las heroínas jóvenes. Sin embargo, según fuentes citadas por The Hollywood Reporter, fue precisamente su enfoque lo que generó dudas dentro del estudio. Ejecutivos consideraron que la historia podía resultar "demasiado biográfica" o limitada en su alcance, cuestionando si lograría conectar con audiencias amplias.

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El llamado factor "girl power" también jugó un rol en su destino; de acuerdo con el reporte, hubo preocupaciones sobre si el público masculino se sentiría identificado con una historia centrada en dos protagonistas femeninas, lo que alimentó la percepción de que el proyecto podía ser encasillado en un nicho específico.

A esto se sumaron problemas internos de desarrollo, ya que la película pasó por al menos cuatro versiones importantes y, aunque estuvo cerca de entrar en producción completa, una revisión del "braintrust" de Pixar derivó en una solicitud de cambios drásticos que debían ejecutarse en apenas seis semanas; en vista de que el equipo no logró responder a tiempo la cancelació fue inevitable.

Pero... ¿pudo haber sido el 'KPop Demon Hunters' de Pixar?

En realidad la comparación con KPop Demon Hunters no es casual, ya que ambas propuestas comparten una base similar: protagonistas jóvenes, estética inspirada en la cultura pop y una mezcla entre lo cotidiano y lo fantástico. Donde Be Fri apostaba por una narrativa más íntima y emocional centrada en la ruptura de una amistad y KPop Demon Hunters logra equilibrar ese componente con un enfoque más explícito hacia el espectáculo, la música y la acción global.

Ahí es donde se vuelve clave la diferencia en la percepción de la crítica interna, ya que mientras Pixar temía que Be Fri fuera "demasiado específica", el éxito de KPop Demon Hunters demuestra que lo particular puede escalar si se construye desde códigos universales de entretenimiento: ritmo, estética potente y una identidad clara que conecte con audiencias diversas.

También hay un factor de timing. El mercado actual está mucho más abierto a historias protagonizadas por mujeres jóvenes, especialmente cuando se combinan con elementos de cultura pop global como el K-pop, la fantasía o el sci-fi. En ese contexto, una película como Be Fri podría haber encontrado un espacio más favorable que el que tuvo durante su desarrollo.

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Aun así, la gran incógnita permanece: ¿habría funcionado igual? Pixar, bajo la visión de Pete Docter, parece haber optado por priorizar proyectos con un atractivo más inmediato y comprobable, especialmente tras el impulso de secuelas como Intensamente 2. En ese escenario, Be Fri quedó atrapada entre dos mundos: demasiado personal para la estrategia del estudio, pero quizás demasiado adelantada para el momento en que fue concebida.

Lo cierto es que su cancelación no solo habla de una película que no fue, sino de una industria que aún debate qué historias merecen ser contadas… y cuáles se consideran "seguras" para llegar a la pantalla.

Lo que debes saber

• Nachita Ruales cuestiona uso de IA con imagen de su hijo en TV
  
  
• Familia de Efraín Ruales afirma que nunca autorizó el contenido
• Polémica involucra al programa Buenos muchachos y su producción

La polémica por el uso de la imagen de Efraín Ruales en el programa Buenos muchachos generó nuevas reacciones. Narcisa Ruales, conocida como Nachita, difundió un video en redes sociales en el que cuestionó el uso de inteligencia artificial sin autorización de la familia.

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Nachita Ruales relata cómo vio el video

Ruales explicó que encontró el contenido mientras revisaba su celular y señaló que el material la impactó. También recordó que existió un acercamiento previo por parte de Francisco Pinoargotti para utilizar la imagen de su hijo.

“Acabo de ver un vídeo de un programa… este vídeo me impactó porque el señor Francisco Pinoargoti, es verdad, él habló con mi Pablito para decir que quería con la imagen de mi hijo Efraín hacer algo en su programa”, expresó.

La familia negó el uso desde el inicio

Según su testimonio, la respuesta fue negativa desde el primer momento. Ruales aseguró que no aceptó la propuesta ni mantuvo diálogo posterior.

“Y yo le dije que no estaba de acuerdo, que yo no quería. Inclusive yo no quería ni quise hablar nunca con él”, afirmó.

También mencionó un encuentro reciente en la playa, donde evitó conversar con el presentador. “Yo prácticamente me retiré. Y yo no he vuelto a hablar con el señor”, indicó.

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“No es no”:  el mensaje directo de Nachita y de los amigos de Efraín

En su pronunciamiento, insistió en que la decisión de la familia no fue respetada y pidió detener este tipo de contenidos.

“Por favor, ¿qué pasa? Si ya dijimos que no era, no… no sean tan despiadados”, manifestó.

Además, se refirió al impacto emocional que le generó la difusión del material. “Me duele todavía ver cosas de mi hijo, y más así de esa forma”, señaló.

En el mismo mensaje, hizo un llamado a los responsables del programa. “Si no tienen ética, aunque sea tengan piedad y no jueguen con esos sentimientos… Por favor, le dijimos que no, no es no”, expresó.

Entre los artistas que también levantaron la voz y apoyaron a Narcisa están Érika Vélez, El Chino Moreira y Henry Bustamante. La actriz escribió: "Nadie debe lucrar con el dolor de una familia y lamento mucho que hayan vuelto a pasar por eso, los amo con todo mi corazón". El actor cómico puso: "Nachita estamos totalmente de acuerdo con ud. ¡NO ES NO! Le mando un fuerte abrazo".  

La madre de Efraín, Narcisa de Ruales, y su hermano Pablo se manifestaron en contra. Él señaló que volvió a pecar de ingenuo: “Pensé que podía volver a confiar en la gente y que, al momento de decir no, se iba a respetar. Expresé los sentimientos de la familia, lo difícil que es todavía manejar el tema cuando involucran a mi hermano y su imagen. Les pedí tiempo y paciencia para hablar con mi mamá, para explicarle la intención; pensé que era una buena intención. Como familia tenemos miedo cuando se toca este tema. Nunca dimos la autorización y lo estábamos conversando. A mi mamá no le gustaba la idea. Ojalá nunca les pase algo así con un familiar fallecido”.

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La progenitora del presentador se sintió afectada al ver el video en el que aparece su hijo. Indicó que ya habían manifestado su negativa: “Hablamos con Pablo y dije que no quería. Dijimos que no, y es no. Me duele ver a mi hijo. Tengan piedad”.

Gente del medio opina...

Sobre el tema, Alejandro Varas, consultor en Protección de Datos Personales y especialista en redes, explicó que la familia está en su derecho de proteger la imagen de Efraín ante usos no autorizados o malintencionados. Señaló que, según lo expresado por el hermano, el programa solicitó autorización, pero, mientras el tema aún estaba en conversación, se utilizó la imagen. Añadió que desconoce si esta está registrada o protegida legalmente para impedir su uso comercial, y que pocas figuras del entretenimiento conocen cómo aplicar la propiedad intelectual en sus creaciones.

El comunicador Christian Albán, de Calientitos TV, opinó: “No es un tributo, es una profanación digital que deja claro que, para algunos, el respeto a los muertos es secundario frente al espectáculo. Mi apoyo para la familia. El dolor de una madre debe respetarse”.

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Por su parte, el presentador Henry Bustamante, quien compartió con Efraín en En contacto, indicó que siempre solicita autorización a la familia antes de realizar contenidos en su memoria: “Cada vez que he hecho un reportaje dedicado a Efraín, acudo a Pablo y a Nachita para pedirles aprobación y explicarles el motivo del homenaje. En todas las ocasiones he recibido su permiso. Lo hago por respeto, tanto por Efraín, con quien compartí 10 años, como por su familia. Entiendo su malestar; no los haría pasar por algo así”.

Existen temas especialmente sensibles, como los que involucran a menores de edad, enfermedades o el fallecimiento de una persona. La pérdida no se supera; se aprende a convivir con la ausencia, más aún cuando se trata de un hijo.

A propósito de este caso, también se debería cuestionar que su expareja, Alejandra Jaramillo, quien reside en Estados Unidos, lo mencione con frecuencia en entrevistas y espacios, incluido el reciente reality en el que participó, ¿Apostarías por mí?, lo que, para algunos, implica reabrir

Lo que debes saber

• Mark Zuckerberg es visto en playa de Galápagos tras llegar en avión a Quito.
  
• El yate Launchpad estaría en la zona mientras el empresario recorre islas.
  
• La visita del CEO de Meta genera atención por presencia en esta área natural.

Mark Zuckerberg fue visto este 10 de abril en una playa de las Islas Galápagos. El empresario llegó días antes en avión junto a parte de su equipo, mientras su megayate Launchpad se mantiene en la zona. La visita ocurre en uno de los destinos naturales más protegidos de Ecuador.

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Zuckerberg llega a Galápagos mientras su yate permanece en la zona

El fundador de Meta fue visto este 10 de abril en una de las playas del archipiélago de las Islas Galápagos. Su presencia fue confirmada por testigos en la zona y se volvió viral en redes sociales como Tik Tok.

Zuckerberg no llegó en su embarcación. Según información disponible, el empresario arribó en avión hace dos días junto a parte de su equipo. En paralelo, su megayate Launchpad permanece en aguas cercanas.

La visita se da en un contexto de alto control ambiental. Galápagos es un territorio con regulaciones estrictas para el turismo y la movilidad de embarcaciones.

El megayate Launchpad estaría en Galápagos

El Launchpad, vinculado a Zuckerberg, es una de las embarcaciones privadas más grandes del mundo. Cuenta con 118 metros de eslora y fue construido por el astillero Feadship.

El yate ha realizado recorridos por distintas regiones en los últimos meses. Entre sus escalas recientes se encuentra Gibraltar, desde donde partió hacia rutas en el Atlántico con destino a zonas cálidas.

La embarcación suele operar junto a un barco de apoyo, utilizado como base logística para almacenamiento y operaciones.

Debate por el impacto ambiental de los megayates

La presencia de este tipo de embarcaciones en zonas protegidas suele generar debate. Organizaciones ambientales a nivel mundial han cuestionado el impacto de los megayates por su consumo de combustible y emisiones.  Hasta agosto de 2025, el yate había emitido más de 5.300 toneladas de CO2, en un periodo de nueve meses.

En el caso de Galápagos, el control sobre actividades turísticas y marítimas es parte de la política de conservación del ecosistema.

Zuckerberg no ha emitido declaraciones públicas sobre su visita. Sin embargo, su presencia en el archipiélago se suma a la lista de figuras internacionales que han llegado a este destino.

Galápagos, destino de interés global

Las Islas Galápagos son uno de los principales destinos turísticos de Ecuador. Su biodiversidad y condiciones naturales han convertido al archipiélago en un punto de interés global.

La llegada de visitantes internacionales, incluidos empresarios y figuras públicas, suele generar atención en redes sociales y medios.

Por ahora, no se han confirmado detalles sobre la duración de la estadía de Zuckerberg ni las actividades previstas durante su permanencia en el país.

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Turismo de lujo en Galápagos: entre la exclusividad y la conservación

La presencia de visitantes de alto perfil en las Islas Galápagos vuelve a poner en discusión el modelo de turismo en el archipiélago. El ingreso de megayates y experiencias privadas de alto costo convive con un sistema de conservación que limita el impacto humano en el ecosistema.

Galápagos opera bajo regulaciones estrictas. El número de visitantes, las rutas y las actividades están controladas. Sin embargo, el turismo de lujo plantea preguntas sobre el uso de recursos y la huella ambiental asociada a este tipo de desplazamientos.

El debate no es nuevo. Mientras el turismo de alto nivel genera ingresos para la economía local, también exige mayor vigilancia para garantizar que las prácticas se alineen con los objetivos de conservación.

En este contexto, la presencia de figuras internacionales funciona como un recordatorio de la tensión constante entre acceso, exclusividad y sostenibilidad en uno de los territorios naturales más protegidos del mundo.

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Lo que pasó en la última temporada

La segunda temporada concluyó con una obra escrita por Lexi que dramatizaba las tensiones y amistades fracturadas del grupo. La famosa frase de Maddy —“¿Esta obra trata sobre nosotras?”— se convirtió en un meme viral y hasta en mercancía oficial de HBO.

El final dejó múltiples conflictos abiertos: Nate (interpretado por Jacob Elorfi) rompió con Cassie (interpretada por Sydney Sweeney) entregó a la policía a su padre, Cal, por grabar encuentros con menores. Cassie, desesperada, irrumpió en el escenario y se enfrentó a Maddy, aunque luego ambas parecieron reconciliarse. Rue (interpretada por Zendaya), por su parte, tuvo un momento de catarsis que le permitió reflexionar sobre sus errores y acercarse nuevamente a Jules.

Mientras tanto, el narcotraficante Fezco fue herido en un operativo SWAT, y su joven cómplice Ashtray murió en el enfrentamiento. La relación de Fezco con Lexi quedó en suspenso, y su destino será uno de los puntos más esperados de la nueva temporada.

Qué esperar en la tercera temporada

La nueva entrega transcurre cinco años después de los eventos anteriores, llevando a los personajes fuera del instituto y al mundo real. Nate y Cassie están comprometidos, Lexi prospera en Hollywood, mientras Jules estudió arte pero ahora trabaja como “sugar baby”.

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Rue, en cambio, enfrenta una gran deuda con Laurie por las drogas que perdió, y busca formas ingeniosas de pagarla.

Nuevos personajes y otros que no regresan

El elenco también suma nuevas figuras. Rosalía interpreta a una estríper, mientras Sharon Stone aparece como la jefa de Lexi en la industria televisiva. Natasha Lyonne, Danielle Deadwyler, Marshawn Lynch y Trisha Paytas también se unen, junto con el director Eli Roth. Adewale Akinnuoye-Agbaje y Toby Wallace tendrán papeles clave vinculados al mundo del crimen y las drogas.

Sin embargo, no todos regresan. Barbie Ferreira, quien interpretaba a Kat, confirmó su salida tras desacuerdos creativos. Tampoco estarán Austin Abrams ni Storm Reid. La ausencia más dolorosa será la de Angus Cloud, quien falleció el 2023 y cuyo personaje Fezco era uno de los más queridos.

Controversias y homenajes

La tercera temporada también llega marcada por la sombra de la polémica. Sam Levinson, creador de la serie, fue duramente criticado por The Idol, su proyecto paralelo con The Weeknd, que recibió reseñas negativas y generó tensiones con Zendaya. Aunque la actriz sigue como protagonista de Euphoria, no retomó su rol como productora ejecutiva.

La muerte de Angus Cloud será uno de los temas más delicados. Levinson declaró que esta temporada busca honrar su memoria y la de los jóvenes afectados por la crisis del fentanilo en Estados Unidos. “Quería contar una historia donde la esperanza y la luz aún pudieran sentirse en la oscuridad”, escribió en un comunicado.

Lo que debes saber

• Profesor iraní toca tras ataque en Teherán y difunde video en redes
  
  
• El músico Hamidreza Afrideh graba en escuela destruida tras drones en Irán
  
  
• El video muestra por qué tocó entre escombros: dejar música en lugar del ruido

Hamidreza Afrideh, profesor y músico iraní, se viraliza tras tocar en las ruinas de su escuela en Teherán. El video surge luego de un ataque con drones que destruyó la Huniak Music Academy. Su testimonio se difunde en redes. La escena conecta música, conflicto y memoria.

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El video que muestra la escuela destruida en Teherán

Hamidreza Afrideh se sienta entre escombros. Sostiene un kamancheh (instrumento de cuerda originario de Persia y base de la música tradicional iraní) y mira lo que queda de su escuela en Teherán. El lugar donde enseñaba música fue destruido tras un ataque con drones.

Antes de tocar, deja una frase que resume el momento que golpeó la Huniak Music Academy: “Quería que el último sonido que quede aquí fuera música, no bombas ni misiles”. Luego empieza a ejecutar una pieza con su instrumento.

El video fue publicado en sus redes sociales. No es solo una interpretación. También es un registro de lo ocurrido. En el mismo post, Afrideh explica lo que vivió en los días posteriores al ataque.

“Me he estado repitiendo durante los últimos días: Debería ser el último sonido de la música, no bombas y misiles...”, escribe.

El mensaje del músico tras abandonar su escuela

El músico cuenta que tuvo que abandonar el lugar: “Me alejé con miedo. Porque sabía que tal vez esos sonidos lo romperían todo. Si oyes esos ruidos al final de este vídeo, también tendré que irme”.

La escuela era un espacio de trabajo y formación. Así lo describe: “No eran unas pocas habitaciones, ventanas y sillas aquí... Este lugar era toda mi alma y de la vida de Shida... Recuerdos de 250 estudiantes, esfuerzo y amor de 22 maestros y colegas...”.

La música como registro y memoria

En su mensaje, Afrideh también habla del registro que deja el video: “El sonido, tal vez este sea el último sonido de esta escuela. Y tal vez incluso mi último sonido de reproducción. Tal vez no esté aquí mañana. Pero la voz permanece para el recuerdo...”, describió de manera poética en su perfil de Instagram. 

Su texto mira hacia adelante: “Para el día que otra vez la música sea el sonido de la paz... El sonido de la vida...”.

El músico incluye una dedicatoria: “Esto es lo menos que puedo hacer de mi simpatía con todas las familias en duelo”.

También fija una postura directa: “A la mierda la guerra... A la mierda la violencia”.

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El contexto del músico y su trabajo reciente

En otra parte del mensaje, se refiere al impacto del ataque y la infraestructura que le pertenecía sus ciudadanos. "No hay nada que se destruya o se desvanezca fácilmente", afirma. 

Antes de este episodio, Afrideh mantenía su actividad musical. El 18 de enero presentó un álbum independiente. Según explicó, el proyecto “se sitúa en el espacio de la música iraní y la música electrónica”. En ese trabajo participó como compositor e intérprete.

Hoy, su contenido en redes muestra otra escena. La escuela aparece destruida. Él vuelve a tocar. Y el sonido queda como registro.

Lo que debes saber

• Festival en Quito activa sistema cashless y recomienda llegar temprano
  
  
• Evento inicia a las 14:00 con 12 horas de música y parqueaderos limitados
• Swing Original Monks, La Máquina Camaleón y San Pedro Bonfin encabezan lineup local

El Carpazo regresa a Quito este 11 de abril de 2026 con 12 horas de música en vivo. El festival se realizará en el Club La Campiña, junto al Parque Bicentenario. Estas son las recomendaciones clave para asistir, qué llevar, qué está prohibido y cómo funcionará el sistema de pagos.

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Qué llevar al Carpazo 2026 en Quito

El regreso de El Carpazo plantea una jornada larga. La organización recomienda prepararse para cambios de clima y movilidad dentro del recinto.

Se sugiere asistir con ropa para el frío y zapatos cómodos. También llevar manta para picnic, gorra o sombrero y bloqueador solar. El evento permite cámaras no profesionales, por lo que se puede registrar contenido sin equipos especializados.

El festival también propone una experiencia participativa. Se sugiere asistir con disfraces, caras pintadas de aves del Ecuador y elementos como hula. Además, se recomienda llevar efectivo o tarjeta para consumos dentro del recinto.

En caso de fumar, la organización pide responsabilidad con los residuos. Las colillas deben ser depositadas en la basura.

Qué está prohibido en el festival

La organización definió una lista de objetos que no podrán ingresar al evento.

No se permitirá el acceso con cámaras profesionales (equipos con lente desprendible), paraguas, carpas, botellas de vidrio, licor, sustancias, alimentos, cuchillos, cadenas, latas de aerosol, mascotas ni bicicletas.

Estas restricciones buscan mantener el control del espacio y garantizar el desarrollo del evento.

Cómo funcionará el sistema cashless

El Carpazo implementará un sistema de pagos sin efectivo dentro del recinto. Los asistentes recibirán una manilla que funcionará como medio de compra.

Para consumir alimentos o bebidas, será necesario recargar saldo en esta manilla. La recarga se podrá hacer con efectivo o tarjeta de débito o crédito.

La organización recomienda realizar la recarga con anticipación para evitar filas durante el evento.

Horarios, acceso y recomendaciones de llegada

El festival iniciará a las 14:00 y se extenderá por 12 horas de música en vivo. La recomendación es llegar temprano para aprovechar toda la programación.

Habrá parqueaderos limitados con un costo de 3 dólares. Se sugiere compartir vehículo y planificar la llegada con anticipación.

El evento se realizará en el Club La Campiña, junto al Parque Bicentenario de Quito .

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El Carpazo regresa a Quito: Conoce a los artistas de la edición 2026

Alejandro Puga

El regreso de El Carpazo tras nueve años

El Carpazo vuelve después de nueve años de pausa. Entre 2011 y 2016 se consolidó como un espacio para la música independiente en Ecuador.

La edición 2026 reúne a artistas nacionales e internacionales como Swing Original Monks, La Máquina Camaleón, Tanque y Crudo Means Raw. El cartel combina trayectorias y proyectos emergentes.

El festival mantiene su enfoque en la música local y suma una alianza con la Fundación Cóndor Andino para apoyar la conservación de aves en el Chocó Andino. Parte de las entradas será destinada a estos proyectos

Lo que debes saber

• Los robots utilizados en el proyecto están basados en modelos de la compañía Unitree Robotics, conocidos por su movilidad autónoma.
• Las máscaras hiperrealistas fueron desarrolladas por Hyperflesh, una marca especializada en prótesis de silicona utilizadas en cine.
  
• El proyecto forma parte de una exposición impulsada por NODE Foundation, una organización que explora la intersección entre arte, tecnología y cultura digital.

En los últimos días, transeúntes en San Francisco se encontraron con una escena difícil de ignorar: perros robot caminando por la calle con rostros humanos hiperrealistas. La imagen, tan inquietante como fascinante, no tardó en viralizarse y abrir una pregunta inmediata: ¿qué es exactamente lo que está pasando?

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Lejos de tratarse de un experimento tecnológico aislado o una simple provocación urbana, la respuesta está en el mundo del arte contemporáneo. Estas figuras forman parte de Regular Animals, el nuevo proyecto del artista digital Beeple, quien ha llevado su característico estilo: crítico, surreal y profundamente ligado a la cultura digital, a una intervención física en el espacio público como antesala a su próxima exposición en California.

Beeple: el artista detrás de lo perturbador

Detrás de Regular Animals está Beeple, nombre artístico de Mike Winkelmann, uno de los creadores más influyentes del arte digital contemporáneo. Su trabajo se caracteriza por la producción constante de imágenes, muchas veces publicadas diariamente, que combinan estética futurista, crítica política y cultura pop, con un enfoque que suele incomodar tanto como atraer.

Beeple alcanzó reconocimiento global al posicionarse como una figura clave dentro del auge del arte digital y los NFT, pero más allá del mercado, su obra ha mantenido una línea clara: cuestionar el poder, la tecnología y la identidad en la era de internet. Figuras como Elon Musk o Mark Zuckerberg no son ajenas a su universo creativo, donde suelen aparecer reinterpretadas en escenarios distópicos o satíricos.

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En ese sentido, transformar a estas personalidades en criaturas híbridas: mitad humanas, mitad máquinas; no es un giro inesperado, sino una extensión lógica de su lenguaje visual. Su obra no busca realismo, sino exageración crítica: llevar al límite la relación entre lo humano, lo artificial y lo mediático.

'Regular Animals': arte, tecnología e incomodidad calculada

El proyecto Regular Animals consiste en una serie de perros robot intervenidos con máscaras hiperrealistas que replican los rostros de figuras reconocibles. Entre ellos aparecen Elon Musk, Jeff Bezos, Mark Zuckerberg, así como artistas históricos como Andy Warhol, Pablo Picasso e incluso el propio artista. El resultado es deliberadamente inquietante: cuerpos mecánicos que se mueven con naturalidad, pero con rostros humanos que parecen fuera de lugar.

La propuesta no es gratuita, ya que a través de esta combinación, Beeple plantea una reflexión sobre la deshumanización en la era tecnológica, donde figuras públicas se convierten en "marcas" replicables y donde lo artificial comienza a imitar y reemplazar lo humano. Como ha señalado el propio artista en el contexto de la exposición, su intención gira en torno a explorar cómo percibimos la identidad en un entorno cada vez más mediado por la tecnología.

Zuckerberg y Musk son dueños de algoritmos que controlan lo que vemos y deciden cómo vemos el mundo.Beeple

Pero más allá del concepto, el proyecto también destaca por su ejecución técnica. Las piezas están construidas sobre robots cuadrúpedos basados en modelos como el Unitree Go2, diseñados para moverse de forma autónoma y estable en entornos reales. A esto se suman máscaras desarrolladas con tecnología hiperrealista como las de la marca Hyperflesh, que reproducen con precisión rasgos faciales humanos. El resultado es una integración entre robótica avanzada y escultura contemporánea que difumina los límites entre instalación artística y demostración tecnológica.

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Así, Regular Animals no solo funciona como una obra visual, sino como una experiencia: una intervención que traslada el arte fuera de la galería y lo inserta en la vida cotidiana, obligando al espectador a confrontar una versión distorsionada de las figuras que dominan la cultura actual.

Lo que debes saber

• Eva de Dominici compite por ser villana en Superman: Man of Tomorrow.
  
• Las pruebas finales se realizarán en Atlanta con otras tres actrices.
  
• DC Studios definirá pronto el rol clave en la nueva fase del universo DC.
  

Eva de Dominici, actriz argentina radicada en Los Ángeles, es finalista para interpretar a la villana Máxima en la secuela de Superman que desarrolla DC Studios bajo la dirección de James Gunn. La decisión final se encuentra en proceso tras las pruebas realizadas en Atlanta.

Según The Hollywood Reporter, Dominici compite por uno de los roles femeninos clave de la película junto a Adria Arjona, Sydney Chandler y Grace Van Patten, en un casting que definirá a un personaje central en la nueva etapa del universo DC.

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Eva de Dominici, cada vez más cerca de DC

La actriz argentina se encuentra en la última fase del proceso de selección para formar parte de “Superman: Man of Tomorrow”, una de las producciones más esperadas del estudio. Su presencia en este grupo final confirma el crecimiento de su carrera en Hollywood.

Dominici no solo compite con figuras consolidadas, sino que su nombre ya circula con fuerza dentro de DC Studios, lo que la posiciona como una de las grandes sorpresas del casting.

El papel clave que podría interpretar

El personaje de Máxima es una de las villanas más complejas del universo DC. Se trata de una reina alienígena con gran poder, conocida por su ambigüedad moral y su conexión con Superman en los cómics.

Creada por Roger Stern y George Pérez en 1989, Máxima ha sido tanto enemiga como aliada del superhéroe, lo que la convierte en un rol estratégico dentro de la historia.

Un casting que se define en Atlanta

Las audiciones finales se realizaron en Atlanta, donde James Gunn lidera la preproducción del proyecto. Aunque el estudio no ha confirmado oficialmente la elección, fuentes cercanas aseguran que la decisión está próxima.

El propio Gunn desmintió rumores sobre otras candidatas y respaldó la información publicada por The Hollywood Reporter, manteniendo en reserva el nombre definitivo.

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La película contará con el regreso de David Corenswet como Superman y Nicholas Hoult como Lex Luthor. Además, la historia incluirá a Brainiac como una de las principales amenazas.

El estreno está previsto para el 9 de julio de 2027, tras el éxito de la primera entrega que superó los 600 millones de dólares en taquilla mundial.

El salto internacional de Eva de Dominici

La posible incorporación a DC marcaría un punto de inflexión en la carrera de la actriz argentina, quien ha consolidado su trayectoria en el mercado internacional.

Su crecimiento en Hollywood, sumado a reconocimientos como el de Actriz Revelación en el Festival de Cine de Catalina, refuerzan su proyección dentro de la industria global.

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Lo que debes saber

• El 61% de los fans de la Generación Z dicen disfrutar de series animadas independientes tanto como o más que del contenido de estudios "profesionales".
  
• El 50% de los espectadores ve contenido animado en idiomas agenos al propio.

La animación independiente ya no es un fenómeno de nicho ni un experimento digital de corta duración, tras la reciente publicación de un informe de YouTube, titulado Animation’s New Wave, se confirma lo que desde hace algunos años era evidente para las audiencias online: los creadores independientes están redefiniendo las reglas del entretenimiento global, construyendo universos narrativos propios y consolidando comunidades que rivalizan con las de grandes estudios.

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El estudio, basado en encuestas globales y análisis de tendencias, revela que este auge no es casualidad, pues el 61% de los jóvenes entre 14 y 24 años asegura disfrutar tanto o más de series animadas creadas para YouTube que de producciones de grandes estudios, un dato que refleja un cambio profundo en las preferencias de consumo. A esto se suma una evidencia cada vez más visible fuera del informe: proyectos nacidos de forma independiente han logrado trascender la viralidad inicial para convertirse en fenómenos culturales de largo alcance.

Ejemplos como Hazbin Hotel y Helluva Boss, creados por Vivienne Medrano (Vivziepop), ilustran este salto. Lo que comenzó como contenido digital terminó integrándose a circuitos industriales más amplios, incluyendo plataformas de streaming.

Del mismo modo, producciones independientes han empezado a competir en espacios tradicionalmente reservados para grandes estudios, incluso alcanzando reconocimiento en premios internacionales. En este nuevo escenario, la animación indie no solo destaca por su capacidad de viralización inmediata, sino por su consolidación como una vía legítima de producción, distribución e innovación narrativa.

Un nuevo modelo: lo que dicen las métricas de YouTube

El informe de YouTube no solo reconoce el auge de la animación independiente, sino que lo descompone en datos concretos que explican su crecimiento. Uno de los hallazgos más relevantes es la diversidad de formatos que dominan este ecosistema, los cuales funcionan como una especie de "pipeline" creativo que va desde lo experimental hasta lo plenamente producido.

En primer lugar, están los llamados animation memes, piezas breves y altamente replicables que funcionan como plantillas creativas para otros usuarios. Este formato no solo es popular, sino constante: el 66% de los fans jóvenes consume este tipo de contenido al menos una vez por semana.

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A esto se suman los animatics, versiones más crudas o esquemáticas de una historia que, lejos de ser simples bocetos, son consumidas como producto final. El 57% de la audiencia joven los ve semanalmente, lo que evidencia un cambio en la percepción de calidad y acabado dentro del contenido animado.

Finalmente, los episodios completos representan la etapa más desarrollada del proceso, con niveles de producción comparables a los de la industria tradicional. El 63% de los jóvenes consume este tipo de series con frecuencia, consolidando a YouTube como una plataforma viable para el estreno y crecimiento de propiedades intelectuales originales.

Este ecosistema ha permitido que proyectos escalen rápidamente. Un caso emblemático es The Amazing Digital Circus, que cuenta con el piloto más visto en la historia de la plataforma y, con apenas cuatro episodios logró posicionarse en listas de tendencias en ocho de doce países a finales de 2024. De forma similar, producciones como Alien Stage han alcanzado más de 330 millones de visualizaciones en un solo año, con más del 90% de su audiencia fuera de su país de origen, evidenciando el alcance global de este tipo de contenidos.

Pero... ¿por qué está funcionando?

El éxito de la animación independiente no se explica únicamente por su formato, sino por un cambio estructural en el comportamiento de las audiencias. Según el informe, las nuevas generaciones han crecido en un entorno digital donde consumir contenido ya no es suficiente: también quieren participar activamente en su creación y expansión.

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Este fenómeno se traduce en dinámicas donde los fans producen memes, animaciones, teorías y reinterpretaciones que amplifican el alcance de las obras originales. Lejos de ser un efecto secundario, esta participación es ahora parte del diseño mismo de los contenidos.

A esto se suma la eliminación de barreras tradicionales como el idioma. Actualmente, el 50% de los espectadores consume animación en lenguas distintas a la propia, gracias a herramientas de doblaje y subtítulos automáticos que facilitan la circulación global de estas historias.

El modelo de producción también ha evolucionado, con estudios liderados por creadores, como Glitch Productions, los cuales están desarrollando nuevas formas de financiamiento y distribución que combinan monetización directa, crowdfunding y venta de productos. En paralelo, el auge de los creadores virtuales y los avatares digitales ha ampliado aún más las posibilidades narrativas y de conexión emocional con las audiencias.

'Epic: The Musical', cuando la comunidad es el motor de un caso de estudio

Dentro del informe, Epic: The Musical, creado por Jorge Rivera-Herrans, aparece como un caso ejemplar de este nuevo ecosistema. Inspirado en La Odisea, el proyecto no solo destaca por su propuesta narrativa, sino por su modelo de crecimiento basado en la colaboración activa con su comunidad.

Inicialmente centrado en la publicación de canciones, el proyecto evolucionó gracias a la participación de fans que comenzaron a crear animatics y reinterpretaciones visuales. Este intercambio impulsó su expansión: hasta la fecha, los contenidos relacionados con Epic acumulan más de 1.3 mil millones de visualizaciones en YouTube.

Solo en la primera mitad de 2025, se registraron más de 4.000 videos relacionados con el proyecto, lo que evidencia un nivel de participación masiva por parte de la audiencia.

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El impacto de Epic también se extiende al ámbito musical; sus canciones han trascendido la narrativa original para convertirse en piezas consumidas de forma independiente, utilizadas en ediciones, reinterpretaciones y contenidos derivados, en una dinámica similar a fenómenos como Hamilton. Es así como el proyecto no solo construye una historia, sino un universo expandido alimentado por su propia comunidad.

Puertas de entrada: series clave para entender el fenómeno

Para quienes buscan adentrarse en este nuevo panorama, el informe de YouTube destaca varias producciones que funcionan como carta de presentación del movimiento.

EE.UU. - Helluva Boss (2019)

Creada por Vivienne Medrano; la serie sigue a Blitzø y su equipo, quienes dirigen una empresa de asesinatos a sueldo en el infierno, utilizando un libro mágico para viajar al mundo humano y cumplir encargos.

Su narrativa combina comedia negra, violencia estilizada y desarrollo de personajes, construyendo un universo expandido que conecta con otras obras de la creadora. Su éxito radica en su capacidad para sostener una historia episódica mientras construye un fandom altamente activo que produce contenido derivado de forma constante.

Brasil - Sociedade da Virtude (2017)

Sociedade da Virtude propone una lógica distinta: una sátira directa al género de superhéroes. Creada por Ian SBF y Thobias Daneluz, la serie se sitúa en la ciudad ficticia de Megalópolisville y sigue a distintos grupos de héroes cuyas habilidades y dilemas funcionan como parodias de figuras clásicas del cómic.

Cada episodio está estructurado en segmentos cortos que combinan humor ácido, crítica social y referencias culturales, lo que le ha permitido mantenerse vigente desde su lanzamiento en 2017 e incluso expandirse a plataformas como Adult Swim.

Argentina - Wasted (2024)

En el caso de Argentina, Wasted representa una vertiente más experimental y generacional. Creada por Martín Kovacs (mejor conocido como El Demente), la serie se desarrolla en un universo donde las pastillas son personajes antropomórficos que interactúan con humanos.

Sus protagonistas, Jake y Clona, viven en un entorno caótico mientras intentan sobrevivir económicamente, lo que los lleva a situaciones absurdas y humorísticas. La serie destaca por su tono irreverente, referencias a la cultura pop y la participación de figuras de la música urbana, como Duki, integrando así distintos ámbitos del entretenimiento digital en un solo producto.

Australia - Knights of Guinevere (2025)

Finalmente, Knights of Guinevere, producida por Glitch Productions, muestra el lado más ambicioso de esta nueva ola. Se trata de una serie de ciencia ficción y thriller psicológico ambientada en un planeta convertido en parque de diversiones, donde una princesa androide se convierte en el eje de una historia que mezcla crítica social y drama futurista.

La trama sigue a dos trabajadoras que descubren una versión dañada de este androide y se ven envueltas en una red de conflictos mucho mayor de lo que imaginaban. Su desarrollo marca un punto clave: el salto de la animación indie hacia producciones con estándares técnicos y narrativos cercanos a la industria tradicional, pero manteniendo control creativo independiente.

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En conjunto, el auge de la animación independiente en YouTube no solo evidencia un cambio en los formatos o en las plataformas, sino en la lógica misma del entretenimiento. Los creadores ya no dependen exclusivamente de estudios tradicionales para desarrollar y distribuir sus historias, mientras que las audiencias dejan de ser espectadoras pasivas para convertirse en parte activa del proceso creativo.

En este nuevo escenario, donde la comunidad, la experimentación y la accesibilidad tecnológica convergen, la animación indie se posiciona no como una alternativa, sino como uno de los caminos más influyentes para el futuro de la industria.

Durante abril, estos museos se consolidan como puntos de encuentro ciudadano, promoviendo el diálogo cultural y el acceso inclusivo a propuestas que integran saberes ancestrales con expresiones contemporáneas. La programación busca fortalecer la identidad manabita a través de experiencias participativas y educativas.

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Museo Manta: arte, cine y creatividad comunitaria

El Museo Centro Cultural Manta despliega una agenda diversa que incluye cine foros, exposiciones, conferencias y talleres. Entre las actividades más destacadas consta el cine foro Hilos de Plata (13 de abril), seguido de Tan Cerca de las Nubes (22 de abril), una propuesta que rescata la memoria del fútbol femenino.

En el ámbito expositivo, se presentarán Puerto Adentro y Púlsar, esta última del artista José Unda, mientras que la Jornada de Creación Comunitaria (24 de abril) promoverá la participación colectiva como herramienta de transformación social. Ese mismo día se desarrollará la conferencia sobre el valor cultural del chocolate como símbolo de identidad ancestral.

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Rafaela Valarezo se presenta con su proyecto Ravia en El Carpazo 2026

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La programación incluye además el performance Geometrías Precolombinas – Iconografía y Territorio (29 de abril), que explora la relación entre formas simbólicas y territorio.

En paralelo, se ejecutarán talleres formativos como ajedrez, creación de cuentos, pintura, tejido en mimbre y actividades ambientales, enfocados en niños, jóvenes y adultos.

Museo Bahía de Caráquez: memoria colectiva y diálogo ciudadano

El Museo Bahía de Caráquez centra su agenda en el fortalecimiento del tejido social y la memoria local. Entre sus principales actividades consta la sesión formativa Caja del Tiempo (3 de abril), orientada a rescatar historias comunitarias.

Asimismo, se desarrollarán conversatorios como Diálogos sobre la Ciudad (17 de abril) y Raíces de Bahía: Historia y Patrimonio para Educar (30 de abril), que invitan a reflexionar sobre la evolución urbana y la importancia del patrimonio.

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Las mediaciones educativas también forman parte clave de la agenda, con propuestas como Murmullos de Arcilla (10 de abril) e Iconografía Ritual de Manabí (19 de abril), que conectan a los participantes con saberes ancestrales a través del arte.

El Museo Portoviejo y Archivo Histórico presenta una programación enfocada en la memoria histórica y la expresión cultural. Durante todo el mes se mantendrá la exhibición Nuestro Archivo, un día como hoy, un recorrido documental por la historia local.

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Entre las actividades destacan el programa Cita con la memoria, la exposición Estratos en estado de memoria (16 de abril) y la feria artesanal (16 y 17 de abril), que reunirá a creadores locales.

También se desarrollarán eventos como el concierto Melodías del alma, la mediación lectora Kiosko de los cuentos (23 de abril) y el conversatorio-recital en homenaje a Constantino Mendoza Moreira (29 de abril). A esto se suma el encuentro literario Nuestra Tinta, que fomentará el diálogo entre escritores y lectores.

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En el área formativa, se realizará la masterclass de modelado en cerámica Lo que las manos recuerdan (13 y 14 de abril), enfocada en la reinterpretación del patrimonio arqueológico.

Todas las actividades serán de acceso libre, reafirmando el compromiso de los museos de Manabí con la democratización cultural, la formación artística y la preservación de la memoria histórica de la provincia.

Rafaela además está trabajando en otro proyecto: un disco en colaboración con Amantina, del artista colombiano Daniel Sorzano. Así que este 2026 pinta bien para un espíritu inquieto y creativo como el suyo, que de manera natural se siente atraído a otras formas de arte como el dibujo, el collage, la danza y la escritura.

Conversamos con ella para que nos ponga al día con los detalles de estos dos nuevos lanzamientos.

Leí que los tres temas del EP Torera datan de un proyecto de disco de hace cinco o seis años, que originalmente tenía nueve canciones.

Empecé a componer canciones en la pandemia. Hice un disco, pero claro, después sentí que me sobrepasó, que no tenía toda la experiencia en producción. Como que tenía muy poca confianza en mi voz y en las letras de las otras canciones que quedaron fuera.

¿Cómo fue el proceso que vivieron las canciones en estos años?

Durante ese tiempo igual grabé el disco. Después empecé a trabajar más en Ableton, que es el programa de audio digital que utilizo ahora, porque ese primer disco tenía composiciones como de piano y voz. Pero ya después de eso me puse a producir, que era algo que quería hacer desde hace mucho tiempo.

Asumo que fue una etapa de revisión, autocrítica y afianzamiento de la identidad de Ravia.

Ahora que miro para atrás digo ‘¡wow!’. Realmente puedo ver mis aprendizajes en cuanto a producción musical, en composición, la evolución de mi gusto musical, de cómo escribo.

El EP es el adelanto de un álbum que verá la luz también en 2026.

El disco que estoy haciendo no era mi plan inicial de este año. Pero apliqué al premio de Sayce (Sociedad de Autores y Compositores del Ecuador) con canciones nuevas y me lo gané. La mitad del disco que va a salir tiene composiciones nuevitas de los últimos seis meses.

Entretenimiento

Pinxame: “Nuestra magia es fusionar universos que se chocan”

Marco Martinez

A la par mantiene el dúo Pinxame, junto a Jabiera Guerra. ¿Qué diferencias tiene con respecto a Ravia?

Cada proyecto es un universo diferente. Siento que también, cronológicamente han sucedido como cada uno en su momento, como una necesidad creativa de cada momento.

¿Qué siente que le da Ravia que quizás no puede expresar con Pinxame?

Con Ravia siento que ya pasó la presión que viví en Pinxmae de demostrarme a mí misma que puedo producir. También empecé a explorar con más lenguajes. En Pinxame yo estaba justo en un momento como de querer explorar mucho la producción y componer mucho. Con la Jabi se generó una conexión tan linda que permitió soltar esa vulnerabilidad y sentir confianza de compartir con alguien más el crear música.

Aparte de que al ser Ravia su proyecto, tiene más libertad de decisión.

Siento mucha independencia, sí; pero dentro de todo también he pedido ayuda. Este disco me ha permitido que mucha gente permee la música con ideas, sugerencias sobre detallitos. Reconocí que no lo tengo que hacer solita tampoco.

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También en la danza, el dibujo y el collage

La danza es otro universo que también ha atraído la atención de Rafaela. “Siento que no tengo como mucha experiencia, pero siempre ha habido una curiosidad por ese lado. En la universidad tomé un par de clases de danza y de hecho hice como un ‘minor’ (programa académico opcional) y también tomé varias clases de teatro”.

Marcela Correa, que fue su profesora de danza, la invitó a participar en un grupo llamado Talvez. “Y musicalicé la obra Medeas de Gabriela Ponce, que era una producción súper multidisciplinaria. Así que me tocó trabajar de cerca con la guionista, las bailarinas, las actrices. Por eso siento que he tenido como un acercamiento bonito desde ese lado”.

De la misma manera, la atraen la ilustración y sobre todo el collage, “que tiene esta cosa como visual de los recortes, medio caótica, que siento que me estimula mucho, porque soy una persona como desordenada. Y también collages con palabras, que me empezaron a desbloquear muchísimo también la escritura”.

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Su disco en colaboración con Amantina

En febrero se publicó la canción Honey, el primer adelanto del álbum que Rafaela está grabando a la par con Amantina, el proyecto del colombiano Daniel Sorzano.

“Ese fue uno de los primeros temas que hicimos juntos. Tenemos otro que se llama Muñecas Voodoo y que voy a tocar en El Carpazo”, explica Rafaela.

Sobre la afinidad con Sorzano, comenta: “Es lindo el discurso que hemos encontrado juntos. Siento que hay algo especial en habernos hecho amigos tan rápido y poder compartir tanta intimidad y tantas historias y traumas. Y más aún desde la música, lo cual es poderoso”. Y agrega: “Estoy muy emocionada con ese disco. En El Carpazo me lo voy a llevar a Amantina y tocaremos algunos temas del disco”.

Ella siente que trabajar con Sorzano ha enriquecido su visión como compositora, pues la ha llevado a jugar con sonidos más pop, algo que no ha intentado con Pinxame, por ejemplo.

“Con la Jabi (en Pinxame) siento que cada una respeta mucho las ideas de la otra y como que no interferimos mucho. En cambio, Amantina sí me ha dicho muchas veces que intente esta cosa o de formas diferente, y si no le gusta una canción me lo dice. Por eso ha sido muy bueno trabajar con él”.

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El Carpazo 2026

El Carpazo 2026 se llevará a cabo en el Club La Campiña, este sábado 11 de abril.

El cartel incluye a Crudo Means Raw de Colombia, además de Mel Mourelle, San Pedro Bonfim, Melissa Santamaría, Tanque, Jatun Mama, La Maquina Camaleón, Swing Original Monks, Funkee Bom, Flix Pussy Cola y, por supuesto, Rafaela Valarezo con Ravia.

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Oviedo, de raíces mexicano-ecuatorianas, ha desarrollado su trabajo desde 2008, cuando inició un proyecto musical junto a su hermano Sebastián Oviedo. Lo que comenzó como una búsqueda de memoria familiar se fue ampliando hacia la exploración de géneros como el tango, el vals, el bolero y el pasillo, con un énfasis en los sonidos urbanos de América Latina del siglo XX.

Un nuevo proyecto musical

Tras su anterior producción Iraíz y su Mistura, la artista presenta ahora Tinta Bohemia, un disco que surge de un proceso de cuestionamiento sobre las formas de cantar e interpretar la música tradicional. El álbum recorre ritmos como el bolero —con influencias rockoleras—, el albazo, el vals y el yaraví, y plantea temas vinculados al amor, la identidad y la salud mental.

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Con este lanzamiento, Oviedo continúa una línea de trabajo centrada en el repertorio popular, pero con una apuesta por la creación propia. Tinta Bohemia se inscribe así en una escena que revisita lo tradicional desde nuevas perspectivas, manteniendo un diálogo entre memoria e interpretación contemporánea.

La presentación en vivo está concebida como un recorrido por estos paisajes sonoros, en el que las canciones funcionan como hilo conductor. Más allá del repertorio, el concierto busca generar un espacio de conexión con el público a partir de elementos reconocibles del imaginario musical latinoamericano. El costo de ingreso es de $ 12. Las entradas están a la venta en la página web de la Fundación Teatro Nacional Sucre. 

• Juana Guarderas celebra 45 años de carrera entre actuación y gestión teatral en Quito.
• La pandemia transformó su trabajo y marcó nuevas dinámicas en el teatro local.
• Presentará tres obras unipersonales que combinan memoria, humor y crítica social.

A los 17 años, Juana Guarderas se subió por primera vez a un escenario sin imaginar que, décadas después, esa decisión marcaría el rumbo de su vida. Hoy, a punto de cumplir 62 años, esa trayectoria se traduce en 45 años sobre las tablas.

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En los últimos meses, la actriz había estado alejada del Patio de Comedias, espacio que dirige desde los años noventa. Entre giras y festivales internacionales, casi no había tenido ocasión de reencontrarse con el público quiteño. 

Fue entonces cuando, desde la administración del teatro, surgió una propuesta: no solo volver a escena, sino hacerlo en el marco de una celebración que ella misma no había considerado. “Se me había pasado por completo que cumplía 45 años actuando. Y claro, cuando me lo recordaron, me pareció que había que hacer algo grande, porque sí es un aniversario importante”, comenta.

La programación arranca el sábado 11 de abril con la puesta en escena de La Venadita. El 17, 18 y 19 de abril presentará el monólogo Las Mariscalas, mientras que el cierre será el 24, 25 y 26 de abril con No quiero morir virgen, uno de sus trabajos más reconocidos dentro del registro cómico.

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Recordar el pasado

Más que una mirada introspectiva, Guarderas entiende este momento como un acto de gratitud. “Para mí, más que festejarme, el sentido de esta celebración es agradecerle al público, a toda la gente que me ha acompañado estos 45 años”, afirma. Y añade: “sin el público el teatro no sería posible”.

Más que una mirada introspectiva, Guarderas entiende este momento como un acto de gratitud. “Para mí, más que festejarme, el sentido de esta celebración es sobre todo agradecerle al público, a toda la gente que me ha acompañado estos 45 años”, afirma. Y añade: “Sin el público el teatro no sería posible”.

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Al revisar su historia, hay un año que emerge con claridad: 1990. En noviembre de ese año estrenó, junto a Martha Ormaza y Elena Torres, La Marujita se ha muerto con leucemia, una obra que no solo se convertiría en un referente del teatro ecuatoriano, sino que también marcaría una decisión personal.

Hasta ese momento, su vínculo con la actuación había convivido con otros caminos. “Yo tenía una licenciatura en Relaciones Internacionales, pero no terminaba de hacer el click con mi carrera”, recuerda. Meses antes del estreno, no aprobó el ingreso a la Academia Diplomática y, tras terminar las pruebas, decidió que era momento de elegir. “Ese mismo día le llamé a mi mamá y le dije: quiero tomar la posta del Patio de Comedias y dedicarme de lleno a la actuación”.

Hasta entonces, sus padres dirigían el emblemático teatro en el barrio de La Mariscal. A partir de ese punto, Guarderas no solo asumió la gestión del espacio, sino que se involucró de lleno en el proceso creativo de La Marujita, consolidando una etapa decisiva tanto en su carrera como en la historia del teatro local.

La acogida de la obra confirmó esa intuición. “Hasta el estreno no estaba segura de nada, no sabía si había tomado la decisión correcta. Pero ahí entendí, dije: este es mi camino. Ya no quiero hacer otra cosa de mi vida”, cuenta.

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Con el paso del tiempo, La Marujita se ha muerto con leucemia superó las 3.000 funciones y se mantuvo en escena por más de tres décadas.

Un camino con múltiples desafíos

Desde ese auspicioso inicio, Guarderas se dedicó de lleno al teatro y a la gestión cultural. En el camino, reconoce, ha enfrentado múltiples retos, habituales en el trabajo artístico en el país. Aunque no ha sido sencillo, nunca pensó en abandonar. Al menos hasta 2020, cuando la irrupción de la pandemia por covid-19 la obligó a cerrar las puertas del teatro.

“Entré en una crisis profunda… decía: ‘¿voy a botar la toalla?, ¿qué voy a hacer?’”. La incertidumbre no era solo profesional, sino también vital. “Tuve que aceptar que posiblemente mi trabajo como actriz no iba a poder continuar por un buen tiempo”.

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La respuesta llegó por casualidad. Desde su casa -que comparte con el teatro- y con el apoyo de un productor audiovisual que se encontraba alojado allí, empezó a escribir y grabar pequeñas cápsulas. Así nació Abrilia, una maruja en cuarentena. Poco después dio un paso más: el teatro en vivo por streaming.

El regreso a las salas, sin embargo, no fue un simple retorno. Los cambios eran evidentes. “Antes de la pandemia hacíamos diez funciones semanales, ahora hacemos cuatro, a veces cinco, aunque han pasado seis años”, explica.

 Las temporadas también se redujeron: “Antes una obra podía quedarse nueve o doce semanas en cartelera, ahora son doce funciones”. A pesar de ello, asegura que continuará sobre el escenario mientras le sea posible. “Amo el teatro, es mi vida”, dice.

Tres obras diversas

La programación por aniversario arranca con La Venadita, un poema a la memoria, obra escrita y dirigida por Susana Pautasso. Con humor y ternura, la puesta gira en torno a una madre que, desde su sensibilidad, reflexiona sobre la relación con la naturaleza y los saberes ancestrales. Las funciones serán el sábado 11 de abril, a las 19:00, y el domingo 12 de abril, a las 18:00.

El segundo bloque incluye Las Mariscalas, un monólogo que recorre la historia del barrio La Mariscal desde la década de 1920 hasta la actualidad. La obra propone un tránsito por distintas épocas que marcaron la transformación de este sector de Quito, a través de la voz de un fantasma.

 El relato plantea una reflexión sobre la identidad urbana y el papel del barrio en la construcción de la ciudad. Las funciones están previstas para el 17, 18 y 19 de abril en el Patio de Comedias.

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El cierre estará a cargo de No quiero morir virgen, un monólogo interactivo que retoma a uno de los personajes más reconocidos del universo de Las Marujas. A través del humor, la obra aborda temas vinculados a las relaciones, los prejuicios y las tensiones culturales. Las funciones se realizarán el 24, 25 y 26 de abril en El Teatro del Scala Shopping.

Lo que debes saber

• Oliver Tree inició su carrera musical bajo el alias Tree antes de adoptar su personaje actual, con el que consolidó su identidad visual y narrativa.
  
• Su álbum debut, Ugly Is Beautiful (2020), lo posicionó globalmente gracias a temas como Hurt y marcó el inicio de su estilo entre lo emocional y lo satírico.
  
• Life Goes On se convirtió en uno de sus mayores éxitos virales, acumulando miles de millones de reproducciones en plataformas y siendo ampliamente utilizado en TikTok.

El regreso de Oliver Tree ya tiene fecha y concepto claro. Love You Madly Hate You Badly, su cuarto álbum de estudio, llegará el 24 de abril de 2026 como uno de los proyectos más ambiciosos de su carrera; con un total de 17 canciones, el disco ha sido anticipado por varios sencillos promocionales lanzados entre 2025 y este año, marcando un proceso de expectativa inusual que incluso incluyó retrasos y aparentes cancelaciones.

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Sin embargo, lo que realmente distingue a este lanzamiento no es solo su música, sino la forma en la que fue concebido, teniendo en cuenta que el álbum fue grabado a lo largo de 82 países en los siete continentes, incluyendo locaciones poco convencionales para la producción musical como la Antártida. Este proceso, que se extendió durante casi dos años, transforma el disco en algo más que un conjunto de canciones: una travesía global que redefine los límites tradicionales de creación en la industria.

Lejos de un lanzamiento convencional, Love You Madly Hate You Badly se presenta como la culminación de un proyecto que ha estado en construcción durante años, atravesando cambios creativos, ajustes estratégicos y una narrativa mediática que el propio artista ha sabido explotar. El resultado es un álbum que no solo genera expectativa por su sonido, sino por todo lo que implica su proceso.

Oliver Tree: entre lo viral y lo performático

Para entender la dimensión del proyecto, primero hay que entender a Oliver Tree, pues este se presenta más allá de un músico tradicional, su carrera se ha construido como una mezcla entre artista pop, director audiovisual y figura de internet, donde lo visual y lo performático tienen tanto peso como la música misma.

Su irrupción en la escena global estuvo marcada por una estética fácilmente reconocible: el corte tipo "bowl", outfits noventeros exagerados y una personalidad que juega constantemente con lo absurdo. Esta identidad, lejos de ser superficial, forma parte de una estrategia que lo posicionó rápidamente en la cultura digital, especialmente a través de plataformas como TikTok.

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En lo musical, ha logrado consolidar un sonido difícil de encasillar, combinando alt-pop, rock alternativo y electrónica, con letras que contrastan su imagen excéntrica al abordar temas como la soledad, el fracaso o la frustración. Canciones como Life Goes On, Miss You o Hurt lo han convertido en un artista viral con alcance global, capaz de moverse entre lo mainstream y lo experimental.

Además, Tree ha construido su carrera bajo una lógica de constante provocación mediática: falsos anuncios de retiro, cambios de identidad visual y campañas caóticas que mantienen su nombre en conversación. Incluso aspectos de su vida personal como su previa relación con Melanie Martinez, han alimentado su presencia en la cultura pop, aunque siempre como un elemento secundario frente a su propuesta artística.

Un álbum en movimiento: 82 países, un solo concepto

Si algo define el ideal de Love You Madly Hate You Badly es su escala, el álbum fue grabado en 82 países a lo largo de los siete continentes, convirtiendo el proceso creativo en un viaje literal alrededor del mundo. Desde locaciones extremas como la Antártida hasta países como Afganistán (donde se realizó la portada del disco), el proyecto se construye a partir de una lógica itinerante poco común en la industria musical.

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Este recorrido no responde únicamente a una decisión estética, sino a una búsqueda sonora. Oliver Tree ha planteado el disco como una "fusión de texturas globales", integrando sonidos, ambientes y referencias culturales recogidas durante el viaje. En ese sentido, cada canción funciona como un fragmento de esta experiencia, ampliando su identidad musical más allá de los géneros que ya había explorado.

El nivel de implicación del artista también es total: el álbum fue escrito, producido e interpretado completamente por él, reforzando la idea de un proyecto profundamente personal. Entre los datos más llamativos, destaca que algunas grabaciones se realizaron en locaciones específicas como la Muralla China, mientras que otras incorporan sonidos ambientales capturados en distintos puntos del mundo.

Este enfoque convierte al disco en una extensión de su lenguaje artístico, donde el viaje no solo es un contexto, sino parte esencial de la obra. Incluso su próxima gira refuerza esta narrativa, con una primera etapa en Latinoamérica que conecta directamente con esta idea de recorrido global y con la intención del artista de seguir expandiendo su experiencia en todos los continentes.

Conflictos y libertad creativa

El camino hacia este álbum no ha estado exento de tensiones, pues durante su desarrollo, Oliver Tree mantuvo una relación compleja con Atlantic Records, sello con el que ya había trabajado en proyectos anteriores y con el que, en varias ocasiones, expresó desacuerdos públicos aunque estos muchas veces llegaban en clave irónica o performática.

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El lanzamiento de Love You Madly Hate You Badly estuvo originalmente previsto para 2025, pero fue retrasado en medio de cambios creativos, reestructuración del material y una estrategia de expectativa que incluyó la eliminación de adelantos y anuncios contradictorios. Este proceso, aunque caótico en apariencia, responde también a la escala del proyecto y a la búsqueda de un resultado más sólido.

Finalmente, el disco marca un punto de inflexión: su salida de Atlantic y el inicio de una nueva etapa bajo su propio sello, Alien Boy Records. Este movimiento le otorga un mayor control sobre su música, su narrativa y sus tiempos, consolidando un modelo más independiente que dialoga directamente con la ambición del proyecto.

Así, Love You Madly Hate You Badly no solo representa un nuevo lanzamiento, sino también una declaración de intenciones: un álbum que nace del movimiento, del conflicto y de una búsqueda constante por romper con lo establecido.

Lo que debes saber

• El Día del Helado se celebra el 12 de abril en todo el mundo
  
  
• En Ecuador, los helados de Salcedo nacieron en un convento en los años 50
• La receta combina frutas, leche y capas congeladas que forman su identidad

El Día Mundial del Helado se celebra este 12 de abril y conecta una tradición global con la historia gastronómica de Ecuador. Este postre tiene raíces antiguas y en el país se vincula con prácticas artesanales y recetas familiares. Desde los Andes hasta las ciudades, el helado forma parte de la cultura y del consumo diario.

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El 12 de abril fue establecido como el Día Internacional del Helado por la Asociación Internacional de Productos Lácteos, con el objetivo de destacar el valor de este postre en distintas culturas. Su origen se remonta a prácticas antiguas donde el hielo y la nieve se mezclaban con frutas y leche, una técnica que se desarrolló en Asia y luego llegó a Europa.

Con el paso del tiempo, el helado se transformó en un producto de consumo global. La apertura del Café Procope en París, por parte de Francesco Procopio de Coltelli, marcó un punto clave en su comercialización. Desde entonces, su producción se expandió y se adaptó a distintos contextos sociales.

La tradición del helado en Ecuador

En Ecuador, el helado tiene una expresión propia vinculada a la tradición andina. Uno de los casos más representativos es el de los helados de Salcedo, considerados un símbolo gastronómico del país.

Según registros históricos, esta preparación surgió en la década de los 50 dentro de un convento en San Miguel de Salcedo, en la provincia de Cotopaxi. La receta fue creada por la religiosa Rosa María Durán, quien comenzó a elaborar jugos de frutas congelados para apoyar económicamente a la comunidad educativa.

El proceso consistía en congelar capas de diferentes frutas como taxo, piña o naranja, formando una paleta multicolor. Con el tiempo, esta práctica se expandió entre familias locales, lo que permitió su comercialización y posicionamiento como un producto representativo del cantón.

Actualmente, los helados de Salcedo forman parte de la identidad local y del turismo interno. Su producción combina técnicas artesanales con procesos industriales, lo que ha permitido su distribución en distintas ciudades del país.

Del hielo natural a la producción moderna

Antes de la industrialización, el hielo se obtenía de zonas montañosas y se conservaba con sal. Este método permitió el desarrollo de bebidas y preparaciones frías en varias regiones del mundo.

En Ecuador, esta lógica se replicó en comunidades andinas donde el clima facilitaba la conservación del hielo. Con la llegada de la refrigeración, el proceso cambió, pero se mantuvo el uso de frutas locales y recetas transmitidas de generación en generación.

Cómo preparar helado estilo Salcedo en casa

La preparación del helado ecuatoriano mantiene una base sencilla:

Este método permite replicar la lógica original del helado por capas, característica de Salcedo.

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Un postre que conecta historia y consumo

El helado en Ecuador no solo responde a una demanda de consumo, sino que también representa una práctica cultural. Su presencia en ferias, calles y mercados lo convierte en un producto cotidiano.

Cada 12 de abril, esta tradición se integra a una celebración global que reconoce su evolución, desde el uso del hielo natural hasta la producción industrial.

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Aries

Hoy despiertas interés en nuevas personas, lo que puede abrir puertas en lo social o sentimental. En lo económico, un problema encuentra solución inesperada. En el trabajo, una gestión previa empieza a dar resultados. Reduce el consumo de azúcar y cuida tu alimentación.

Tauro

Las decisiones que tomes en el amor serán acertadas si actúas con calma. Si mantienes el orden, tu economía se sostiene sin sobresaltos. En el trabajo, el ambiente puede estar tenso, así que evita confrontaciones. Tu energía física se mantiene alta.

Géminis

El equilibrio emocional en pareja se fortalece y te da tranquilidad. Si organizas un plan social, evita excesos. El trabajo absorbe tu atención más de lo habitual. Un cambio de ambiente o descanso te hará bien.

Cáncer

Enfócate en lo positivo de tu relación y no en los detalles que molestan. Controla los gastos en ocio. En el trabajo, logras superar obstáculos con determinación. Podrías necesitar revisar tu vista.

Leo

La rutina puede afectar tu vida sentimental si no haces algo distinto. Es un buen momento para disfrutar de tu dinero con tu pareja. El ritmo laboral aumenta y exige preparación. Considera mejorar tus hábitos de salud.

Virgo

Expresar lo que sientes fortalecerá tus vínculos. En lo económico, el ahorro será clave para manejar deudas. En el trabajo, tu disposición a ayudar será valorada. Evita pensamientos negativos sobre tu estado físico.

Libra

Los temas del corazón pueden ser inestables si no los manejas con cuidado. Ahorra parte de tus ingresos para evitar problemas futuros. En el trabajo, se abren nuevas oportunidades. Evita esfuerzos físicos después de comer.

Escorpio

El amor se presenta de forma tranquila y agradable. Es momento de organizar tus finanzas y pensar en el futuro. En lo laboral, buscar orientación te ayudará a tomar mejores decisiones. Descansa más.

Sagitario

Las relaciones sentimentales pueden no fluir como esperas. En lo económico, recibes una noticia positiva. Un cambio laboral puede ser beneficioso. Es momento de revisar hábitos y evitar excesos.

Capricornio

No inviertas tiempo en personas que no aportan a tu vida. Maneja tu dinero con cautela. En el trabajo, evita confiar demasiado sin verificar. Caminar te ayudará a mejorar tu circulación.

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Acuario

Si estás en una relación complicada, lo mejor será tomar distancia. Cumple con tus compromisos económicos. En el trabajo, piensa en cómo mejorar tu posicionamiento. Te sientes fuerte y con buena energía.

Piscis

Compartir nuevas metas con tu pareja fortalece el vínculo. En lo económico, sé generoso pero sin descuidarte. En el trabajo, otros pueden tomar tu ejemplo. Evita actividades que impliquen riesgo.

Lo que debes saber

• Pixar desarrolla múltiples proyectos en paralelo, pero no todos llegan a producción: varios son cancelados en etapas avanzadas tras evaluaciones internas del llamado "braintrust".
  
• El término "braintrust" se refiere al grupo creativo interno del estudio que revisa y da feedback a las películas en desarrollo.
• Kristen Lester, directora de Be Fri, fue una de las primeras mujeres en dirigir un cortometraje en Pixar.

La maquinaria creativa de Pixar no solo está marcada por sus éxitos, sino también por los proyectos que nunca llegaron a ver la luz. Uno de los casos más recientes es Be Fri, una ambiciosa película que fue descartada tras varios años de desarrollo y que, según un reporte de The Hollywood Reporter, estuvo a punto de convertirse en una de las apuestas más particulares del estudio.

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La cancelación, ocurrida a finales de 2023 bajo la dirección creativa de Pete Docter, no solo marcó un golpe interno para su equipo, sino que también evidenció un cambio de rumbo dentro de Pixar. En un contexto donde el estudio busca recuperar estabilidad comercial, proyectos más personales o "de nicho" parecen tener cada vez menos espacio.

Sin embargo, el caso de Be Fri cobra una nueva relevancia hoy, especialmente al compararse con el éxito de propuestas como KPop Demon Hunters, que han demostrado el potencial de historias con premisas similares.

¿De qué iba 'Be Fri' y por qué fue cancelada?

Dirigida por Kristen Lester, Be Fri (abreviatura de "best friends" o "be free") partía de una base profundamente personal, pues estaba inspirada en experiencias de la propia directora, la historia seguía a Birdie y Jules, dos adolescentes cuya amistad se fractura en medio de un giro fantástico: descubrir que su serie favorita, con claras referencias al estilo Sailor Moon es real, empujándolas a una misión intergaláctica para salvar a la humanidad.

Sobre el papel, la propuesta combinaba elementos clave del entretenimiento contemporáneo: el "coming-of-age", la ciencia ficción y una fascinación sobre las heroínas jóvenes. Sin embargo, según fuentes citadas por The Hollywood Reporter, fue precisamente su enfoque lo que generó dudas dentro del estudio. Ejecutivos consideraron que la historia podía resultar "demasiado biográfica" o limitada en su alcance, cuestionando si lograría conectar con audiencias amplias.

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El llamado factor "girl power" también jugó un rol en su destino; de acuerdo con el reporte, hubo preocupaciones sobre si el público masculino se sentiría identificado con una historia centrada en dos protagonistas femeninas, lo que alimentó la percepción de que el proyecto podía ser encasillado en un nicho específico.

A esto se sumaron problemas internos de desarrollo, ya que la película pasó por al menos cuatro versiones importantes y, aunque estuvo cerca de entrar en producción completa, una revisión del "braintrust" de Pixar derivó en una solicitud de cambios drásticos que debían ejecutarse en apenas seis semanas; en vista de que el equipo no logró responder a tiempo la cancelació fue inevitable.

Pero... ¿pudo haber sido el 'KPop Demon Hunters' de Pixar?

En realidad la comparación con KPop Demon Hunters no es casual, ya que ambas propuestas comparten una base similar: protagonistas jóvenes, estética inspirada en la cultura pop y una mezcla entre lo cotidiano y lo fantástico. Donde Be Fri apostaba por una narrativa más íntima y emocional centrada en la ruptura de una amistad y KPop Demon Hunters logra equilibrar ese componente con un enfoque más explícito hacia el espectáculo, la música y la acción global.

Ahí es donde se vuelve clave la diferencia en la percepción de la crítica interna, ya que mientras Pixar temía que Be Fri fuera "demasiado específica", el éxito de KPop Demon Hunters demuestra que lo particular puede escalar si se construye desde códigos universales de entretenimiento: ritmo, estética potente y una identidad clara que conecte con audiencias diversas.

También hay un factor de timing. El mercado actual está mucho más abierto a historias protagonizadas por mujeres jóvenes, especialmente cuando se combinan con elementos de cultura pop global como el K-pop, la fantasía o el sci-fi. En ese contexto, una película como Be Fri podría haber encontrado un espacio más favorable que el que tuvo durante su desarrollo.

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Aun así, la gran incógnita permanece: ¿habría funcionado igual? Pixar, bajo la visión de Pete Docter, parece haber optado por priorizar proyectos con un atractivo más inmediato y comprobable, especialmente tras el impulso de secuelas como Intensamente 2. En ese escenario, Be Fri quedó atrapada entre dos mundos: demasiado personal para la estrategia del estudio, pero quizás demasiado adelantada para el momento en que fue concebida.

Lo cierto es que su cancelación no solo habla de una película que no fue, sino de una industria que aún debate qué historias merecen ser contadas… y cuáles se consideran "seguras" para llegar a la pantalla.

Lo que debes saber

• FTC Live al Parque revela precios y zonas para el festival en Quito el 29 de agosto
  
  
• Entradas tendrán preventa del 14 al 17 de abril con Banco Guayaquil y Peigo
• Venta general inicia el 18 de abril con acceso a FTC Box y Platinum Experience

FTC Live al Parque se realizará el 29 de agosto de 2026 en el Parque Bicentenario de Quito. El festival reúne a Maroon 5, Ozuna y Myke Towers. Esta guía detalla precios, preventa, zonas y cómo comprar entradas para asistir.

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Precios y zonas del FTC Live al Parque

El festival contará con tres tipos de acceso distribuidos frente al escenario. La organización definió precios diferenciados entre preventa y venta general.

Durante la preventa, que se realizará del 14 al 17 de abril con tarjetas Banco Guayaquil y Peigo, los valores son:

En la venta general, desde el 18 de abril, los precios cambian:

Los valores no incluyen IVA ni cargos por servicio.

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Cómo comprar entradas para el FTC Live al Parque

Las entradas estarán disponibles en la plataforma oficial feelthetickets.com y en puntos de venta físicos en Quito. El proceso se divide en dos etapas:

La preventa aplica únicamente para pagos con tarjetas del Banco Guayaquil y Peigo.

Cómo elegir la mejor zona dentro del festival

El mapa del evento muestra tres áreas principales frente al escenario:

La elección dependerá del presupuesto y de la cercanía que se busque con los artistas.

Cuándo y dónde será el FTC Live al Parque

El festival se realizará el 29 de agosto de 2026 en el Parque Bicentenario de Quito. La primera edición busca integrar artistas internacionales y ecuatorianos en un mismo escenario.

Lo que debes saber

• Mark Zuckerberg es visto en playa de Galápagos tras llegar en avión a Quito.
  
• El yate Launchpad estaría en la zona mientras el empresario recorre islas.
  
• La visita del CEO de Meta genera atención por presencia en esta área natural.

Mark Zuckerberg fue visto este 10 de abril en una playa de las Islas Galápagos. El empresario llegó días antes en avión junto a parte de su equipo, mientras su megayate Launchpad se mantiene en la zona. La visita ocurre en uno de los destinos naturales más protegidos de Ecuador.

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Zuckerberg llega a Galápagos mientras su yate permanece en la zona

El fundador de Meta fue visto este 10 de abril en una de las playas del archipiélago de las Islas Galápagos. Su presencia fue confirmada por testigos en la zona y se volvió viral en redes sociales como Tik Tok.

Zuckerberg no llegó en su embarcación. Según información disponible, el empresario arribó en avión hace dos días junto a parte de su equipo. En paralelo, su megayate Launchpad permanece en aguas cercanas.

La visita se da en un contexto de alto control ambiental. Galápagos es un territorio con regulaciones estrictas para el turismo y la movilidad de embarcaciones.

El megayate Launchpad estaría en Galápagos

El Launchpad, vinculado a Zuckerberg, es una de las embarcaciones privadas más grandes del mundo. Cuenta con 118 metros de eslora y fue construido por el astillero Feadship.

El yate ha realizado recorridos por distintas regiones en los últimos meses. Entre sus escalas recientes se encuentra Gibraltar, desde donde partió hacia rutas en el Atlántico con destino a zonas cálidas.

La embarcación suele operar junto a un barco de apoyo, utilizado como base logística para almacenamiento y operaciones.

Debate por el impacto ambiental de los megayates

La presencia de este tipo de embarcaciones en zonas protegidas suele generar debate. Organizaciones ambientales a nivel mundial han cuestionado el impacto de los megayates por su consumo de combustible y emisiones.  Hasta agosto de 2025, el yate había emitido más de 5.300 toneladas de CO2, en un periodo de nueve meses.

En el caso de Galápagos, el control sobre actividades turísticas y marítimas es parte de la política de conservación del ecosistema.

Zuckerberg no ha emitido declaraciones públicas sobre su visita. Sin embargo, su presencia en el archipiélago se suma a la lista de figuras internacionales que han llegado a este destino.

Galápagos, destino de interés global

Las Islas Galápagos son uno de los principales destinos turísticos de Ecuador. Su biodiversidad y condiciones naturales han convertido al archipiélago en un punto de interés global.

La llegada de visitantes internacionales, incluidos empresarios y figuras públicas, suele generar atención en redes sociales y medios.

Por ahora, no se han confirmado detalles sobre la duración de la estadía de Zuckerberg ni las actividades previstas durante su permanencia en el país.

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Alejandro Puga

Turismo de lujo en Galápagos: entre la exclusividad y la conservación

La presencia de visitantes de alto perfil en las Islas Galápagos vuelve a poner en discusión el modelo de turismo en el archipiélago. El ingreso de megayates y experiencias privadas de alto costo convive con un sistema de conservación que limita el impacto humano en el ecosistema.

Galápagos opera bajo regulaciones estrictas. El número de visitantes, las rutas y las actividades están controladas. Sin embargo, el turismo de lujo plantea preguntas sobre el uso de recursos y la huella ambiental asociada a este tipo de desplazamientos.

El debate no es nuevo. Mientras el turismo de alto nivel genera ingresos para la economía local, también exige mayor vigilancia para garantizar que las prácticas se alineen con los objetivos de conservación.

En este contexto, la presencia de figuras internacionales funciona como un recordatorio de la tensión constante entre acceso, exclusividad y sostenibilidad en uno de los territorios naturales más protegidos del mundo.

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Alejandro Puga

Aries

Hoy despiertas interés en nuevas personas, lo que puede abrir puertas en lo social o sentimental. En lo económico, un problema encuentra solución inesperada. En el trabajo, una gestión previa empieza a dar resultados. Reduce el consumo de azúcar y cuida tu alimentación.

Tauro

Las decisiones que tomes en el amor serán acertadas si actúas con calma. Si mantienes el orden, tu economía se sostiene sin sobresaltos. En el trabajo, el ambiente puede estar tenso, así que evita confrontaciones. Tu energía física se mantiene alta.

Géminis

El equilibrio emocional en pareja se fortalece y te da tranquilidad. Si organizas un plan social, evita excesos. El trabajo absorbe tu atención más de lo habitual. Un cambio de ambiente o descanso te hará bien.

Cáncer

Enfócate en lo positivo de tu relación y no en los detalles que molestan. Controla los gastos en ocio. En el trabajo, logras superar obstáculos con determinación. Podrías necesitar revisar tu vista.

Leo

La rutina puede afectar tu vida sentimental si no haces algo distinto. Es un buen momento para disfrutar de tu dinero con tu pareja. El ritmo laboral aumenta y exige preparación. Considera mejorar tus hábitos de salud.

Virgo

Expresar lo que sientes fortalecerá tus vínculos. En lo económico, el ahorro será clave para manejar deudas. En el trabajo, tu disposición a ayudar será valorada. Evita pensamientos negativos sobre tu estado físico.

Libra

Los temas del corazón pueden ser inestables si no los manejas con cuidado. Ahorra parte de tus ingresos para evitar problemas futuros. En el trabajo, se abren nuevas oportunidades. Evita esfuerzos físicos después de comer.

Escorpio

El amor se presenta de forma tranquila y agradable. Es momento de organizar tus finanzas y pensar en el futuro. En lo laboral, buscar orientación te ayudará a tomar mejores decisiones. Descansa más.

Sagitario

Las relaciones sentimentales pueden no fluir como esperas. En lo económico, recibes una noticia positiva. Un cambio laboral puede ser beneficioso. Es momento de revisar hábitos y evitar excesos.

Capricornio

No inviertas tiempo en personas que no aportan a tu vida. Maneja tu dinero con cautela. En el trabajo, evita confiar demasiado sin verificar. Caminar te ayudará a mejorar tu circulación.

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Alejandro Puga

Acuario

Si estás en una relación complicada, lo mejor será tomar distancia. Cumple con tus compromisos económicos. En el trabajo, piensa en cómo mejorar tu posicionamiento. Te sientes fuerte y con buena energía.

Piscis

Compartir nuevas metas con tu pareja fortalece el vínculo. En lo económico, sé generoso pero sin descuidarte. En el trabajo, otros pueden tomar tu ejemplo. Evita actividades que impliquen riesgo.

Lo que debes saber

• Los robots utilizados en el proyecto están basados en modelos de la compañía Unitree Robotics, conocidos por su movilidad autónoma.
• Las máscaras hiperrealistas fueron desarrolladas por Hyperflesh, una marca especializada en prótesis de silicona utilizadas en cine.
  
• El proyecto forma parte de una exposición impulsada por NODE Foundation, una organización que explora la intersección entre arte, tecnología y cultura digital.

En los últimos días, transeúntes en San Francisco se encontraron con una escena difícil de ignorar: perros robot caminando por la calle con rostros humanos hiperrealistas. La imagen, tan inquietante como fascinante, no tardó en viralizarse y abrir una pregunta inmediata: ¿qué es exactamente lo que está pasando?

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Lejos de tratarse de un experimento tecnológico aislado o una simple provocación urbana, la respuesta está en el mundo del arte contemporáneo. Estas figuras forman parte de Regular Animals, el nuevo proyecto del artista digital Beeple, quien ha llevado su característico estilo: crítico, surreal y profundamente ligado a la cultura digital, a una intervención física en el espacio público como antesala a su próxima exposición en California.

Beeple: el artista detrás de lo perturbador

Detrás de Regular Animals está Beeple, nombre artístico de Mike Winkelmann, uno de los creadores más influyentes del arte digital contemporáneo. Su trabajo se caracteriza por la producción constante de imágenes, muchas veces publicadas diariamente, que combinan estética futurista, crítica política y cultura pop, con un enfoque que suele incomodar tanto como atraer.

Beeple alcanzó reconocimiento global al posicionarse como una figura clave dentro del auge del arte digital y los NFT, pero más allá del mercado, su obra ha mantenido una línea clara: cuestionar el poder, la tecnología y la identidad en la era de internet. Figuras como Elon Musk o Mark Zuckerberg no son ajenas a su universo creativo, donde suelen aparecer reinterpretadas en escenarios distópicos o satíricos.

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En ese sentido, transformar a estas personalidades en criaturas híbridas: mitad humanas, mitad máquinas; no es un giro inesperado, sino una extensión lógica de su lenguaje visual. Su obra no busca realismo, sino exageración crítica: llevar al límite la relación entre lo humano, lo artificial y lo mediático.

'Regular Animals': arte, tecnología e incomodidad calculada

El proyecto Regular Animals consiste en una serie de perros robot intervenidos con máscaras hiperrealistas que replican los rostros de figuras reconocibles. Entre ellos aparecen Elon Musk, Jeff Bezos, Mark Zuckerberg, así como artistas históricos como Andy Warhol, Pablo Picasso e incluso el propio artista. El resultado es deliberadamente inquietante: cuerpos mecánicos que se mueven con naturalidad, pero con rostros humanos que parecen fuera de lugar.

La propuesta no es gratuita, ya que a través de esta combinación, Beeple plantea una reflexión sobre la deshumanización en la era tecnológica, donde figuras públicas se convierten en "marcas" replicables y donde lo artificial comienza a imitar y reemplazar lo humano. Como ha señalado el propio artista en el contexto de la exposición, su intención gira en torno a explorar cómo percibimos la identidad en un entorno cada vez más mediado por la tecnología.

Zuckerberg y Musk son dueños de algoritmos que controlan lo que vemos y deciden cómo vemos el mundo.Beeple

Pero más allá del concepto, el proyecto también destaca por su ejecución técnica. Las piezas están construidas sobre robots cuadrúpedos basados en modelos como el Unitree Go2, diseñados para moverse de forma autónoma y estable en entornos reales. A esto se suman máscaras desarrolladas con tecnología hiperrealista como las de la marca Hyperflesh, que reproducen con precisión rasgos faciales humanos. El resultado es una integración entre robótica avanzada y escultura contemporánea que difumina los límites entre instalación artística y demostración tecnológica.

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Así, Regular Animals no solo funciona como una obra visual, sino como una experiencia: una intervención que traslada el arte fuera de la galería y lo inserta en la vida cotidiana, obligando al espectador a confrontar una versión distorsionada de las figuras que dominan la cultura actual.

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El comeback llega en un momento clave para el grupo, a pocos días de su participación en Coachella, donde se presentarán los días 10 y 17 de abril. En este contexto, el lanzamiento no solo introduce una nueva fase estética y sonora, sino que también funciona como carta de presentación ante una de las audiencias más influyentes de la industria musical actual.

Este es el calendario de lanzamiento

La campaña de Pinky Up arrancará oficialmente el 2 de abril con el primer teaser del video musical, marcando el inicio de una estrategia promocional escalonada que combina adelantos audiovisuales con sesiones fotográficas conceptuales. Desde el 31 de marzo, el grupo ha desplegado un calendario que incluye múltiples teasers y 'photo looks' hasta el día del estreno.

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El concepto gira en torno a una estética de 'tea party', abordada desde un enfoque estilizado y contemporáneo. Entre las referencias visuales más llamativas destaca una reinterpretación de la Mona Lisa, representada levantando el dedo meñique mientras sostiene una taza de té, en sintonía con el título del sencillo.

El cronograma promocional incluye el lanzamiento de tres teasers del video musical (2, 6 y 8 de abril), acompañados de distintas publicaciones de fotografías conceptuales (3, 7, 8 y 9 de abril). El estreno oficial del sencillo y su videoclip está programado para el 9 de abril a las 11:00 a.m. (hora de Ecuador), seguido por una última publicación visual ese mismo día.

En paralelo, la campaña ha estado acompañada por una creciente conversación en redes sociales, impulsada tanto por la expectativa del público como por posibles filtraciones y adelantos sugeridos por las propias integrantes de KATSEYE. A través de transmisiones en vivo y entrevistas recientes, el grupo ha dejado entrever detalles del concepto y fragmentos del tema, lo que ha alimentado teorías entre fans sobre la narrativa visual y el sonido de Pinky Up.

Contexto del grupo

Pinky Up marca el segundo lanzamiento del año para KATSEYE, tras el estreno de Internet Girl en enero, y se presenta como un paso más en su consolidación dentro del circuito global. El grupo ha mantenido una presencia activa en escenarios internacionales, incluyendo presentaciones en festivales como Lollapalooza, lo que ha contribuido a expandir su alcance más allá del público tradicional del K-pop.

Hasta el momento, KATSEYE cuenta con dos EPs en su discografía, siendo Beautiful Chaos su lanzamiento más reciente, un proyecto que reforzó su identidad sonora y estética dentro del pop global. En esa línea, Pinky Up se posiciona como una continuación de esa evolución artística, ahora en formato de sencillo.

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El sencillo también llega en medio de la expectativa por la situación de Manon, quien se encuentra en pausa desde febrero por motivos de salud (según HYBE). Aunque no se ha confirmado oficialmente su participación en el video musical ni en las próximas presentaciones en vivo, existen indicios de que habría grabado partes del tema antes de su descanso.

En términos de trayectoria, el lanzamiento se enmarca en un periodo de crecimiento sostenido para el grupo, que recientemente obtuvo nominaciones a los premios Grammy en las categorías de Mejor Nuevo Artista y Mejor Interpretación Pop de Dúo/Grupo.

Así, Pinky Up no solo funciona como un nuevo sencillo, sino como una pieza clave dentro de una etapa decisiva en la evolución artística y mediática de KATSEYE.

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