Lo que debes saber

• El museo tendrá salas permanentes, temporales y espacios educativos.
• Los patios interiores llevarán luz natural al recorrido.
• La Terraza Quito funcionará como mirador hacia la ciudad.

El Nuevo Museo Nacional del Ecuador, diseñado por Campo Baeza + MAODA bajo el concepto Ecos del Sol, tendrá salas de exposición, patios interiores, reservas visibles, biblioteca, auditorio, cine y una terraza mirador en Quito. La propuesta amplía la idea del museo como una caja de luz y sombra frente al Parque La Carolina.

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¿Qué es Campo Baeza? El estudio que construirá el nuevo Museo Nacional en Quito

Alejandro Puga

Cómo será por dentro el Nuevo Museo Nacional: salas, patios y terraza en Quito

El Nuevo Museo Nacional del Ecuador se piensa desde una idea sencilla: entrar desde la ciudad y avanzar, poco a poco, hacia un espacio de silencio, sombra y luz. El proyecto Ecos del Sol propone un museo que no encierra la historia del país, sino que la hace caminar entre patios, galerías, salas y miradores.

La propuesta define al edificio como una “caja de sombra” y una “caja de luz”. En términos simples, esto significa que el museo tendrá muros, patios y aberturas diseñados para filtrar el sol quiteño. La luz no entrará de cualquier forma. Será guiada para acompañar las obras, proteger las colecciones y crear una visita más pausada.

La entrada: agua, árboles y sombra antes de llegar al museo

El recorrido empieza antes de cruzar la puerta. El proyecto plantea una gran Plaza del MUNA conectada con el Parque La Carolina. Esa plaza tendrá árboles, láminas de agua y zonas de sombra. La intención es que el visitante deje atrás el tránsito y entre en otro ritmo.

Desde ese espacio exterior se llega al vestíbulo central. Allí estarán los servicios de acogida: recepción, información, venta de entradas, guardarropa, zonas de descanso, atención para grupos y espacios de apoyo para familias. La planta baja también incluye cafetería, tienda y locales comerciales.

Un vestíbulo que organiza todo

El vestíbulo será el corazón público del edificio. Desde ahí se podrá entender hacia dónde ir: a las exposiciones, a las salas de actividades, al auditorio, a la cafetería o a los servicios.

La organización interior separa los recorridos del público y los recorridos técnicos. La zona este reunirá espacios de actividades como el auditorio y la sala de cine. La zona oeste concentrará áreas internas como recepción de bienes culturales, embalaje, bioseguridad, inventario, logística y talleres. Esta separación es clave en un museo, porque permite que el visitante recorra las salas sin cruzarse con el movimiento de obras, equipos o conservación.

La primera gran sala: una entrada en triple altura

Desde el vestíbulo se sube a la primera planta, donde empieza el recorrido museográfico. El documento describe un espacio en triple altura que dará inicio a la exposición permanente. La altura no es solo un gesto visual: sirve para darle escala al ingreso, abrir la mirada y preparar al visitante para entrar en la colección.

Esta zona se conecta con la Terraza La Tolita y tendrá vistas hacia la ciudad. El museo, por tanto, no propone una visita cerrada. Cada cierto tramo, el visitante podrá volver a mirar Quito y entender que el patrimonio que está viendo adentro también pertenece al territorio que lo rodea.

Las salas permanentes y temporales

El museo tendrá salas de exposición permanente y salas de exposición temporal. Según el programa, las exposiciones permanentes ocuparán 5.233 metros cuadrados, mientras que las temporales sumarán 1.276 metros cuadrados. También habrá una sala de exploradores, pensada para públicos jóvenes o visitas educativas.

La museografía propone un recorrido por la historia del Ecuador. El documento menciona ejes como el origen y el territorio, los intercambios culturales, la Escuela Quiteña, la Colonia, la República, el indigenismo, la modernidad pictórica y las culturas originarias. La idea es que la colección no aparezca como una lista de objetos, sino como un relato sobre país, memoria y transformación

Patios con nombres propios

Uno de los elementos más importantes del proyecto son sus patios. No serán simples vacíos. Funcionarán como entradas de luz, pausas en el recorrido y puntos de orientación.

El anteproyecto menciona patios como Sol de Oro, Pichincha, Inti, Caspicara, Legarda, Antisana y La Tolita. Algunos muros tendrán acabados dorados para reflejar la luz natural. Esa decisión establece un vínculo visual con el sol, con el nombre del proyecto y con piezas representativas de la colección del MUNA.

El edificio está pensado para que el visitante no se pierda. Habrá tres núcleos públicos de circulación vertical y un núcleo restringido para personal, obras y operaciones internas. Además, las escaleras mecánicas estarán ubicadas en los extremos de los espacios expositivos para permitir un recorrido continuo por la colección.

La planta tipo se organiza en tres bandas: una zona de servicios y patios, una franja de circulación y una zona para los espacios principales del museo. Esta estructura permite ordenar salas, reservas y áreas de trabajo sin romper el recorrido público.

Biblioteca, mediateca, musicoteca y aulas

El Nuevo Museo Nacional no será solo un lugar para mirar vitrinas. También tendrá espacios para leer, investigar, estudiar y escuchar. El programa incluye biblioteca, mediateca, musicoteca, sala de consulta, sala de grabación, ludobiblioteca, aulas y talleres.

Este detalle cambia la idea tradicional de museo. El edificio no estará dedicado únicamente a la exhibición, sino también al aprendizaje y a la producción cultural. En esa línea, también se plantea un coworking artístico cultural, salas de reunión y espacios de trabajo.

Reservas visibles: el museo también mostrará lo que normalmente se oculta

n muchos museos, una parte importante de la colección permanece guardada y el público nunca la ve. En este proyecto, esa lógica cambia parcialmente. El documento habla de “reservas visibles”, con cerramientos de opacidad dinámica. Es decir, zonas donde el visitante podría ver parte de los espacios de conservación o almacenamiento bajo condiciones controladas.

El museo también tendrá áreas de reserva para bienes orgánicos, inorgánicos, metales, piezas coloniales, republicanas, modernas y contemporáneas. Además, incluye reserva documental, reserva audiovisual, laboratorios de conservación y restauración, salas de consulta y talleres especializados.

La Terraza Quito: mirar la ciudad desde el museo

En la parte superior estará la Terraza Quito. El documento la define como una terraza mirador abierta a 2.854 metros sobre el nivel del mar. Desde ese punto se podrán observar el Pichincha, el Cotopaxi y el Panecillo.

También se plantea un restaurante mirador. Con ello, la visita no termina necesariamente en la última sala. Puede cerrar con una vista de Quito, una pausa o una experiencia gastronómica vinculada al edificio.

Un museo pensado como paseo

La palabra clave para entender el interior del Nuevo Museo Nacional es recorrido. El visitante entrará por una plaza, pasará al vestíbulo, subirá a las salas, atravesará patios, encontrará exposiciones, verá reservas, llegará a espacios de consulta y podrá terminar en una terraza.

El proyecto no busca que el museo sea un edificio hermético. Al contrario, quiere que el público camine entre historia, ciudad y paisaje. Por eso la luz, la sombra, el hormigón, los patios y las vistas no son decorado. Son parte del relato.

El resultado será un museo con salas, archivo, reservas, laboratorios, biblioteca, auditorio, cine, espacios educativos, cafetería, tienda, restaurante y mirador. Un museo para mostrar obras, pero también para explicar cómo se conserva, se estudia y se cuenta la memoria cultural del Ecuador.

Lo que debes saber

• HBO Max estrena en julio un nuevo spin-off de The Big Bang Theory.
  
  
• Netflix lanza el remake de La casa de la pradera desde el 9 de julio.
  
• Prime Video estrena Ghost in the Shell con nuevos episodios cada semana.

Los estrenos de HBO Max, Netflix y Prime Video renuevan el catálogo de julio con tres producciones que recuperan franquicias reconocidas. Stuart Fails to Save the Universe, el remake de La casa de la pradera y el nuevo anime de Ghost in the Shell buscan atraer tanto a los seguidores de siempre como a nuevas audiencias.

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Estrenos en streaming: Enola Holmes 3, X-Men '97 y las series que llegan el 1 de julio 2026

Stefania Massa

La apuestas de las plataformas en julio 2026

Las plataformas apuestan por la nostalgia, pero también por nuevas propuestas narrativas. Desde el universo de The Big Bang Theory hasta una renovada adaptación de la obra de Laura Ingalls Wilder y el regreso de uno de los animes más influyentes de la ciencia ficción, estas son tres series que destacan este mes.

Stuart Fails to Save the Universe lleva el universo de The Big Bang Theory al streaming

HBO Max amplía la franquicia de The Big Bang Theory con Stuart Fails to Save the Universe, un nuevo spin-off protagonizado por Stuart Bloom, el dueño de la tienda de cómics interpretado por Kevin Sussman. La historia lo sitúa frente a una realidad alternativa en la que debe intentar salvar el universo, una premisa que se distancia del formato de comedia tradicional de la serie original.

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“The Big Bang Theory” establece un nuevo Record Guinness

Redacción Expresiones

La producción incorpora una factura visual propia de la era del streaming, con mayor despliegue técnico y efectos especiales, sin perder las referencias y el humor que convirtieron a The Big Bang Theory y Young Sheldon en fenómenos televisivos. La apuesta busca mantener la conexión con los seguidores de la franquicia mientras presenta una historia completamente nueva.

Netflix revive La casa de la pradera para una nueva generación

Netflix recupera uno de los títulos más recordados de la televisión con un remake de La casa de la pradera, inspirado nuevamente en las novelas de Laura Ingalls Wilder. La serie conserva el relato sobre la vida de la familia Ingalls en el Oeste estadounidense, pero adapta la historia para el público actual y toma como referencia directa varios pasajes de la obra literaria.

La producción, desarrollada por Rebecca Sonnenshine, cuenta con Alice Halsey como Laura Ingalls, Luke Bracey como Charles Ingalls, Crosby Fitzgerald como Caroline y Skywalker Hughes como Mary. Con ocho capítulos, la serie mantiene temas como la vida familiar, la construcción de comunidad y los desafíos de una época marcada por la escasez y la supervivencia.

Ghost in the Shell regresa con una nueva versión animada

Prime Video incorpora una nueva adaptación de Ghost in the Shell, desarrollada por el estudio Science SARU. El anime reimagina la obra creada por Masamune Shirow con una propuesta visual renovada y un enfoque que busca atraer tanto a quienes conocen la franquicia como a nuevos espectadores.

La historia vuelve a seguir a la Sección 9, encabezada por la cyborg Motoko Kusanagi, en un futuro donde el cibercrimen, las conspiraciones digitales y el hackeo mental representan las principales amenazas. Science SARU apuesta por actualizar uno de los referentes de la ciencia ficción sin perder los elementos filosóficos que caracterizan a la obra original.

Lo que debes saber

• Mariska Hargitay conducirá los Emmy 2026 el 14 de septiembre en Los Ángeles.
  
• La actriz será la primera mujer en presentar la gala desde 2011.
  
• La estrella de Law & Order: SVU suma otro hito a su trayectoria televisiva.
  

Mariska Hargitay, una de las actrices más reconocidas de la televisión estadounidense, fue anunciada como presentadora de la 78.ª edición de los Premios Emmy. La intérprete de Olivia Benson en Law & Order: SVU hará historia al convertirse en la primera mujer en conducir en solitario la ceremonia en quince años.

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La gala se celebrará el 14 de septiembre de 2026 en el Peacock Theater de Los Ángeles y será transmitida en vivo por NBC y Peacock. El nombramiento de Hargitay llega en un momento clave de su carrera, en el que sigue al frente de una de las series más longevas de la televisión y amplía su faceta como directora y productora.  

¿Quién es Mariska Hargitay?

Hargitay de 62 años es una actriz, productora y directora estadounidense. Es reconocida por su icónica actuación de la detective Olivia Benson en la serie ‘La Ley y el Orden: Unidad de Víctimas Especiales’ desde 1999, con la que ha ganado un premio Emmy y un Globo de Oro y ha sido nominada ocho veces en la categoría de Mejor Actriz Protagonista en una Serie Dramática. 

Un regreso histórico para las mujeres en la conducción de los Emmy

La noticia fue anunciada a partir de un comunicado de la NBC este martes 7 de julio: “Sacar a la luz historias importantes ha sido la esencia de mi carrera. Es un gran honor para mí presentar la 78.ª edición de los Premios Emmy, en el centenario de mi querida NBC, y celebrar a esta extraordinaria comunidad de narradores”.

Entre los presentadores recientes de los Premios Emmy están Nate Bargatze , Eugene y Dan Levy, Anthony Anderson y Keenan Thompson. Hargitay no solo consiguió el logro de ser la primera mujer en presentar los premios en 15 años, también es la cuarta en lo que va del siglo.

La última mujer en presentar la gala fue Jane Lynch en 2011, antes de ella estuvo Ellen DeGeneres en 2001 y 2005, Heidi Klum quien copresentó la gala con Tom Bergeron, Howie Mandel, Jeff Probst y Ryan Secrest en 2008. 

Mariska se ha ganado su lugar entre los íconos de la televisión. Pocas actrices han dejado una huella tan profunda en la televisión como Mariska. Durante 27 temporadas, ha aportado fuerza, compasión y humanidad a uno de los personajes más queridos de la televisión. Mientras NBC celebra 100 años de historias inolvidables, no podemos pensar en nadie más apropiado para celebrar el increíble legado de la televisión.Jean Neal, vicepresidenta ejecutiva de eventos en vivo y especiales de NBC/Peacock.

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Los Emmys 2026 es un logro más para Mariska Hargitay en este año

En lo que lleva del año, la actriz ya ha logrado varias metas. Su documental ‘My Mom Jayne’ basado en la vida y el legado de su madre, Jayn Mansfield, ya ha ganado premios y está considerado para la categoría de documentales en los Premios Emmy.

Acaba de finalizar su debut en Broadway con la obra ‘Every Brilliant Thing’ en el Hudson Theatre. Antes de su debut, declaró a PEOPLE en un artículo de portada que esperaba con ilusión el "desafío".

“No tenía ni idea de lo que me esperaba”, dijo. “Todo el mundo me decía: ‘¡Guau, tienes que recuperar fuerzas!’. Y yo les decía: ‘Cariño, llevo 27 años en un programa. Puedo con esto...’. Fue agotador de una forma totalmente nueva”.

La ceremonia de los Premios Emmy se transmitirá en vivo el 14 de septiembre a las 8 pm ET/5 pm PT, por NBC y Peacock.

Lo que debes saber

• The Pitt lidera los Emmy 2026 con 25 nominaciones anunciadas por la Academia de Televisión.
  
• Taylor Swift recibió cinco nominaciones por The Eras Tour: The Final Show.
  
• Bad Bunny logró nueve nominaciones Emmy por su show del Super Bowl.

Los nominados a los Premios Emmy 2026 ya fueron anunciados y grandes figuras de la música llegaron a la lista con importantes reconocimientos. Taylor Swift, Sabrina Carpenter, Bad Bunny y Selena Gómez destacan entre los artistas nominados en esta edición, mientras que The Pitt lidera las categorías con 25 nominaciones.

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La Academia de Televisión reveló todos los nominados de la 78.ª edición en una transmisión en vivo desde el Centro de Medios Saban. Aunque inicialmente estaba previsto anunciar las nominaciones en dos fechas diferentes, la organización decidió publicar la lista completa el mismo día para facilitar las campañas de promoción de los candidatos.

The Pitt lidera las nominaciones de los Premios Emmy

Las listas de nominaciones de los Premios Emmy de este año ya están publicadas.

La serie de televisión que cuenta con más nominaciones es ‘The Pitt’ con un total de 25. En segundo lugar aparece ‘Hacks’ que rompe un récord con 24 nominaciones en un solo año para una serie de comedia.

El tercer puesto pertenece a ‘Widow’s Bay’, una de las grandes sorpresas de esta edición al convertirse en la serie nueva con más nominaciones, alcanzando 19 candidaturas.

Taylor Swift recibe cinco nominaciones por The Eras Tour

En esta 78° edición de los premios, se destacan las cinco nominaciones que recibió Taylor Swift por 'Taylor Swift | The Eras Tour | The Final Show'.

Las nominaciones son: 

Sabrina Carpenter llega a los Emmy por ‘The Muppet Show’

También se encuentra Sabrina Carpenter quien fue nominada como productora ejecutiva e intérprete de ‘The Muppet Show’ a Mejor especial de variedades pregrabado. Este mismo especial consiguió cinco nominaciones más:

Bad Bunny hace historia con su show del Super Bowl

Por el lado de otro cantante, Bad Bunny recibe 9 nominaciones por su espectáculo de medio tiempo en el ‘Super Bowl’, convirtiéndose en el show con más nominaciones en la historia de los Emmys. 

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Karina Torres entra a La Casa de los Famosos México 4: Todo lo que se sabe de la nueva temporada

Alejandro Puga

Selena Gómez suma nuevas nominaciones a su carrera

Selena Gómez también aparece entre las figuras destacadas de los Emmy 2026 gracias a su trabajo en la serie de comedia ‘Only Murders in the Building’ en la que participa como actriz y productora ejecutiva. La artista fue nominada a Mejor actriz protagonista en una serie de comedia.

Además, como productora ejecutiva de la ficción, comparte la candidatura a Mejor serie de comedia, una categoría cuyo premio es entregado a los productores. Con estos reconocimientos, Gómez alcanza ocho nominaciones acumuladas a lo largo de su trayectoria artística.

Lo que debes saber

• V/H/S: SCP adaptará al cine el universo SCP con formato de metraje encontrado.
  
• Spooky Pictures e Image Nation Studios producen la película anunciada por Variety
  
• La historia mostrará videos archivados tras una fuga de entidades de la Fundación SCP.
  

El universo colaborativo de SCP Foundation dará el salto a la gran pantalla con 'V/H/S: SCP'. Tras el auge de adaptaciones de creepypastas y el éxito reciente de Backrooms, la nueva producción combinará el formato de metraje encontrado de la saga V/H/S con el extenso lore de las anomalías y entidades de SCP.

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'The Mandela Catalogue' tendrá película: Steven Spielberg producirá la adaptación

Arianna Molina

La cinta será producida por Roy Lee y Steven Schneider y presentará una historia narrada a través de videos recuperados por la organización secreta SCP tras una fuga de contención. El proyecto busca trasladar al cine la atmósfera inquietante que ha convertido a SCP en una de las franquicias de terror más influyentes de internet.

El fenómeno SCP nació como un proyecto colaborativo en internet

Este creepypasta empezó en 2008 como un proyecto colaborativo que fue construyéndose en internet con una licencia de Creative Commons, poco a poco se fue moldeando un universo que se basa en una compañía encargada de capturar y estudiar entidades paranormales y fenómenos sobrenaturales que escapan de la leyes de la física. Siguiendo esta línea de la historia, los usuarios de los foros de SCP fueron aumentando los elementos y espacios de este mundo ficticio, creando un lore lleno de criaturas paranormales y distintos protocolos de contención para estos.

A lo largo de los años esta historia ya ha tenido otras adaptaciones como videojuegos, cortometrajes y sitios web.

Spooky Pictures y Nation Studios impulsan la adaptación

En exclusiva Variety anunció que se prepara una nueva película producida por Roy Lee y Steven Schneider, la producción se llamará ‘V/H/S: SCP’ siguiendo la franquicia de VHS de los productores.

“El género de terror sigue siendo una plataforma de lanzamiento extraordinaria para que los nuevos talentos compartan sus creaciones originales, y el vasto universo SCP ha servido de incubadora fundamental para que esta creatividad prospere”.Steven Schneider, cofundador de Spooky Pictures.

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¿Qué más ver en Disney Plus además del Mundial 2026? La guía para toda la familia

Alejandro Puga

El filme apostará por el formato de metraje encontrado

Adaptará el concepto de la historia original pero se presentará como “documentación de campo recuperada”, siendo evidencia en video recopilada, censurada y archivada por la organización secreta después de una fuga de contención de entidades y elementos sobrenaturales.

El uso de cámaras de seguridad, grabaciones de campo y videos de archivo promete potenciar la atmósfera inquietante que caracteriza tanto a SCP como a V/H/S, ofreciendo una experiencia inmersiva para los espectadores.

Lo que debes de saber

• ustin Bieber estará en el show de medio tiempo del Mundial 2026 junto a Madonna, Shakira y BTS
  
  
• La final del Mundial tendrá por primera vez un espectáculo musical al estilo Super Bowl
• El evento apoyará un fondo global para educación y deporte infantil

Justin Bieber será una de las grandes estrellas del show de medio tiempo de la final del Mundial 2026. El cantante canadiense compartirá escenario con Madonna, Shakira y BTS en un espectáculo histórico organizado por la FIFA y Global Citizen, que se llevará a cabo el 19 de julio en el New York New Jersey Stadium.

El anuncio ha generado gran expectativa entre los fans de la música y el fútbol, ya que será la primera vez que una final de la Copa Mundial de la FIFA contará con un show de medio tiempo al estilo del Super Bowl. Este evento promete convertirse en uno de los momentos más vistos del torneo.

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Artistas y producción del evento

Además de Justin Bieber, Madonna, Shakira y BTS, el espectáculo contará con la participación de artistas como Burna Boy, el director Gustavo Dudamel y el coro PS22 Chorus. La curaduría musical está a cargo de Chris Martin, líder de Coldplay, quien también colabora con Global Citizen en la organización del evento.

La producción incluirá elementos de entretenimiento familiar con la aparición de personajes icónicos como Kermit y Miss Piggy de The Muppets, lo que refuerza la intención de la FIFA de ofrecer un show global que combine música, cultura pop y entretenimiento.

Justin Bieber y su mensaje social

Justin Bieber expresó su entusiasmo por formar parte de este evento con impacto social: “La Copa Mundial de la FIFA une al mundo de una manera que nada más puede hacerlo. Estoy agradecido de ser parte de este show de medio tiempo, y aún más agradecido de saber que ya está ayudando a ampliar el acceso a la educación para niños en todo el mundo.”

Un objetivo solidario global

El show de medio tiempo del Mundial 2026 también tiene un objetivo solidario. Se realizará en apoyo al FIFA Global Citizen Education Fund, una iniciativa que busca recaudar 100 millones de dólares para mejorar el acceso a la educación y al deporte para niños en todo el mundo. Hasta ahora, el fondo ya ha alcanzado los 50 millones de dólares, y la FIFA igualará cada dólar recaudado por la venta de entradas.

La visión de los artistas y organizadores

Por su parte, Burna Boy destacó la importancia cultural del evento: “La Copa Mundial de la FIFA es uno de los pocos momentos que realmente une a todo el mundo. Representar a África en el primer show de medio tiempo de una final de la Copa Mundial es un privilegio y una responsabilidad que no tomo a la ligera.”

El presidente de la FIFA, Gianni Infantino, también subrayó el impacto del proyecto: “Cuando se trata de lo que el mundo necesita, no hay nada más importante que la educación. Estamos orgullosos de que Justin Bieber se una a Madonna, Shakira y BTS para encabezar este espectáculo en apoyo a la expansión del acceso a la educación y a las oportunidades en el fútbol.”

Hugh Evans, CEO de Global Citizen, aseguró que este espectáculo podría marcar un antes y un después: “Esta es la mayor reunión de artistas unidos por una causa desde Live Aid, y podría convertirse en los 11 minutos de actuación musical televisada más vistos de la historia.”

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Roberta Damián en Guardián de mi vida: “Nunca había disfrutado tanto ser actriz”

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Un evento sin precedentes

La final del Mundial 2026 no solo definirá al campeón del mundo, sino que también ofrecerá un espectáculo musical sin precedentes. Con Justin Bieber, Madonna, Shakira y BTS liderando el cartel, el show de medio tiempo promete ser uno de los eventos más comentados y vistos a nivel global.

Lo que debes saber

• Karina Torres fue confirmada el 7 de julio para La Casa de los Famosos México 4.
  
• La Licenciada llega al reality tras años de viralidad, polémicas y recuperación.
  
• El estreno será el 26 de julio por Las Estrellas y ViX en México.

Karina Torres, conocida como La Licenciada, fue confirmada como segunda participante de La Casa de los Famosos México 4. La creadora de contenido, una de las mujeres trans con mayor impacto digital en México, llega al reality tras una vida marcada por la exposición en redes, las polémicas y una historia de recuperación.

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La noche del martes 7 de julio, TelevisaUnivision confirmó a Karina Torres como nueva habitante de La Casa de los Famosos México 4. Su ingreso había sido anticipado por filtraciones en redes sociales, pero la presentación oficial llegó durante una emisión conducida por Galilea Montijo.

Torres apareció como una de las figuras llamadas a mover la conversación del programa. La influencer, también conocida como La Licenciada, adelantó que su paso por la casa mostrará un lado distinto al que sus seguidores conocen en internet.

“Por fin se les cumplió, comadre. Vamos a pasarla superbién y que la gente conozca esa parte de mí que no conoce en las redes sociales”, dijo durante su presentación.

Karina Torres y las comparaciones con Wendy Guevara

El nombre de Karina Torres llega al reality ligado al fenómeno de Wendy Guevara, ganadora de la primera temporada de La Casa de los Famosos México y parte del grupo Las Perdidas. La comparación fue uno de los temas abordados por Galilea Montijo en la presentación.

Torres aseguró que no teme a ese paralelo y que buscará construir su propio recorrido dentro del programa.

“Sé que habrá ese tipo de comparaciones, pero yo voy a darlo todo. Obviamente, yo amo mucho a mi hermana. Tenemos diferente esencia, tenemos el mismo cotorro, el mismo desmadre, pero pues a darlo todo y que conozcan esta parte de Karina Torres”, expresó.

Hasta el momento, los dos primeros nombres revelados para esta temporada son Ernesto Laguardia y Karina Torres. La influencer dijo que espera avanzar en la competencia y permanecer en la casa durante varias semanas.

“No digo que el primer lugar ni el segundo, o sea, Dios dirá. Ojalá que dure mucho y dure toda la temporada, porque quiero relajarme un rato, es de vacaciones”.

El origen de La Licenciada

El apodo La Licenciada nació después de que Karina Torres compartiera imágenes y videos de su graduación como estilista en la Academia de Belleza y Cosmetología de León, Guanajuato. Desde entonces, el nombre se volvió parte de su identidad pública y de su presencia en redes sociales.

Su historia comenzó en El Coecillo, un barrio de León. Desde allí pasó a las transmisiones en vivo, los contenidos virales y la exposición mediática. Su figura creció junto a Las Perdidas, grupo que también impulsó el fenómeno digital de Wendy Guevara.

Ese camino, sin embargo, no estuvo alejado de controversias. Karina ha hablado de su pasado, de sus problemas de adicción, de su vida en la calle y de los procesos que atravesó antes de alcanzar estabilidad personal y profesional.

“Durante 14 años estuve consumiendo drogas. Caí en la psicosis y mi familia decidió internarme para salvarme la vida”, compartió Karina en una entrevista.

Una historia de recuperación y exposición pública

Karina Torres ha contado que su adicción comenzó a los 15 años y que durante ese periodo enfrentó crisis de salud mental. También relató que pasó por un centro de rehabilitación, donde inició algunas de sus primeras transmisiones en vivo. Ese momento marcó el inicio de su relación con la audiencia digital.

Actualmente, la creadora de contenido lleva más de seis años sin consumir drogas y ha enfocado su trabajo en redes sociales, presentaciones, entrevistas y proyectos vinculados a su historia de vida.

“Hoy puedo decir que superé mi adicción y que sigo luchando todos los días para ser la persona que quiero ser”.

Su testimonio también la convirtió en una voz dentro del colectivo LGBTIQ+ y entre mujeres trans que han atravesado discriminación, trabajo sexual, consumo problemático y violencia en espacios públicos. En varias entrevistas, Torres ha usado su experiencia para hablar de recuperación, salud mental y derechos.

Las polémicas que rodean a Karina Torres

Antes de entrar a La Casa de los Famosos México 4, Karina Torres ya había sido tema de conversación por distintos episodios en redes sociales. En 2024 habló sobre su transición y sobre la búsqueda de validación masculina en una etapa inicial de su vida.

En 2025 generó debate tras decir que no quería entrar al reality por la presión que implicaba la exposición del programa. Ese mismo año, unos comentarios sobre Colombia durante un viaje promocional dividieron a parte de su audiencia.

También fue señalada por rumores de romance con el Dr. Miguel Padilla, luego de un beso en un evento público. Ambos aclararon que se trató de un momento espontáneo por química en pantalla.

En 2026, Karina volvió a estar en titulares por complicaciones de salud relacionadas con biopolímeros que se había aplicado años atrás. Además, respondió a comentarios de La Bogue sobre el estilo de comunicación de Las Perdidas y denunció amenazas después de un incidente durante una presentación en el Pride de Tijuana.

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¿Cuándo se estrena La Casa de los Famosos México 4?

La cuarta temporada de La Casa de los Famosos México se estrena el domingo 26 de julio de 2026, a las 20:30, hora del centro de México. La gala se transmitirá por Las Estrellas y la señal 24/7 estará disponible en ViX.

Con su ingreso, Karina Torres suma al programa una historia que combina fama digital, controversias, humor, recuperación y una base de seguidores que ha seguido su evolución durante años. Su participación también abre una nueva etapa para una figura que pasó de los vivos en redes a uno de los formatos de mayor conversación en la televisión mexicana.

A través de una historia publicada en su cuenta de Instagram, pocos minutos después de la derrota frente a Suiza en la definición por penales, la artista barranquillera destacó el compromiso del equipo y el orgullo que despertó entre los aficionados.

"Mi selección ha jugado este Mundial con una entrega que nos enorgullece a todos", escribió la cantante, quien además interpretó "Dai Dai", la canción oficial del campeonato.

Con un tono de humor, Shakira lamentó que la 'tricolor' no lograra avanzar a los cuartos de final y añadió: "Está claro que Dios no se mete en el fútbol, porque si no, habrían pasado a cuartos".

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El mensaje de Shakira para Luis Díaz

La cantante también dedicó unas palabras al delantero Luis Díaz, quien terminó el partido entre lágrimas tras la eliminación de Colombia.

Para la barranquillera, la emoción del atacante reflejó el sentimiento de millones de colombianos que acompañaron a la selección durante el torneo.

"Esas lágrimas de nuestro Lucho Díaz son las lágrimas de cada uno de nosotros, los colombianos, que gritamos, nos emocionamos, cantamos y celebramos cada paso de nuestra selección", expresó.

El agradecimiento de la cantante al plantel colombiano

En la parte final de su publicación, Shakira extendió su reconocimiento al grupo dirigido por el técnico argentino Néstor Lorenzo, al que agradeció por el desempeño exhibido durante la Copa del Mundo y por representar al país con entrega.

"Aunque este resultado no está a la altura de nuestros sueños, quiero agradecerle con todo mi corazón a este equipo de luchadores que nos ha representado tan bien y nos ha hecho sentir tan orgullosos. Los amo", escribió la artista.

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Así fue la eliminación de Colombia en el Mundial 2026

La selección colombiana quedó eliminada del Mundial 2026 este martes 7 de julio, luego de empatar 0-0 con Suiza durante el tiempo reglamentario y la prórroga.

El último boleto a los cuartos de final se definió desde el punto penal, donde el conjunto europeo se impuso 4-3, poniendo fin al sueño de la selección dirigida por Néstor Lorenzo en la Copa del Mundo.

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Mattú Arú: El encuentro de la música amazónica con la electrónica

Alejandro Puga

Aries

El amor te pide más paciencia y menos impulsividad. En lo económico, una decisión inteligente te permitirá evitar gastos innecesarios. En el trabajo, una conversación abrirá una oportunidad interesante. Procura descansar lo suficiente para mantener el equilibrio.

Tauro

La tranquilidad marcará tus relaciones personales. En el amor, una muestra de cariño fortalecerá la confianza. En lo económico, es buen momento para reorganizar tus finanzas. En el trabajo, tu esfuerzo será reconocido por alguien importante.

Géminis

Tu facilidad para comunicarte será una ventaja durante toda la jornada. En el amor, una conversación pendiente traerá claridad. En lo económico, evita asumir compromisos que no has analizado. En el trabajo, una idea creativa recibirá apoyo.

Cáncer

La intuición te ayudará a resolver un asunto que parecía complicado. En el amor, sentirás mayor cercanía con una persona especial. En lo económico, una noticia positiva aliviará una preocupación. En el trabajo, avanzarás con mayor seguridad.

Leo

Tu carisma atraerá nuevas oportunidades. En el amor, alguien valorará tu sinceridad y espontaneidad. En lo económico, evita actuar por impulso ante una compra importante. En el trabajo, tu liderazgo marcará la diferencia.

Virgo

La organización será tu mayor fortaleza. En el amor, expresar lo que sientes evitará malentendidos. En lo económico, un pequeño ajuste traerá estabilidad. En el trabajo, los resultados de tu esfuerzo empezarán a ser evidentes.

Libra

Las relaciones personales atraviesan una etapa de equilibrio. En el amor, un gesto inesperado renovará la ilusión. En lo económico, conviene actuar con prudencia. En el trabajo, una colaboración dará excelentes resultados.

Escorpio

Las emociones estarán más claras y eso facilitará tus decisiones. En el amor, una conversación sincera fortalecerá un vínculo importante. En lo económico, una oportunidad merece ser estudiada con calma. En el trabajo, tu experiencia será muy valorada.

Sagitario

La energía del día favorece los nuevos retos. En el amor, un encuentro inesperado cambiará tu perspectiva. En lo económico, es momento de pensar en proyectos a largo plazo. En el trabajo, una propuesta despertará tu entusiasmo.

Capricornio

La disciplina seguirá siendo tu mejor herramienta. En el amor, una muestra de afecto fortalecerá la relación. En lo económico, comenzarás a notar los frutos de tu constancia. En el trabajo, asumirás un reto que potenciará tu crecimiento.

Acuario

La creatividad será protagonista durante toda la jornada. En el amor, la espontaneidad traerá momentos inolvidables. En lo económico, revisa bien cualquier compromiso antes de aceptarlo. En el trabajo, una iniciativa personal llamará la atención.

Piscis

Tu sensibilidad te permitirá comprender mejor las emociones de quienes te rodean. En el amor, es un buen día para fortalecer la confianza. En lo económico, mantener el orden te dará tranquilidad. En el trabajo, una oportunidad empezará a consolidarse.

Lo que debes saber

• Roberta Damián vuelve a Televisa con Guardián de mi vida
  
• Rex aleja a la actriz de los papeles de “princesa”
  
• Robi Damián también prepara música con Reggaetón cute

A sus 23 años, Roberta Damián Muñoz Díaz podría casi asegurar que tiene esa misma edad de experiencia. Tenía algo más de un año cuando ya estaba actuando en uno de los videos más importantes de la música en español: Rebelde, de RBD. Y así pasó su infancia y adolescencia en medio de foros de grabación, cámaras y sets de televisión.

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No es para menos. Creció en ese entorno por el círculo en el que se desenvuelven sus padres: el productor Pedro Damián y la actriz colombiana Victoria Díaz. Sin embargo, su trayectoria la ha ido forjando con la suerte volátil del sistema de castings, incluso atravesando varios años sin quedarse en alguno.

Desde su primera gran oportunidad en Despertar contigo o su protagónico juvenil en Like, la leyenda, hasta ahora su debut como antagónica en Guardián de mi vida, la actriz ha mantenido una búsqueda de conexión e identidad por medio de este arte, al que hoy define como su pasión. Es por este último título que Roberta se encuentra con EXPRESIONES para comentar sobre este papel que la pone en la piel de una mujer ruda, alejada de los roles de ‘princesa’ a los que habitualmente había prestado voz. La nueva novela de Televisa ya está al aire por Las Estrellas y ViX. En conversación, la actriz no esquiva los matices de su historia personal. Habla de su padre con orgullo, pero también de la necesidad de abrirse paso sola. Hubo un momento, reconoce, en que el nombre Damián pesaba más; hoy ya no.

La seguridad vino con el trabajo, los rechazos y la certeza de que las puertas que se abren por esfuerzo propio se sostienen distinto. Esa convicción la acompaña también en su música, otro territorio donde ha encontrado una forma de decirse sin intermediarios.

Rex, el personaje que la sacó de la burbuja

En Guardián de mi vida, Roberta Damián interpreta a Remedios Gallardo González, Rex, una joven de carácter fuerte que rompe con varios estereotipos. Es una muchacha que se siente más cómoda en ropa sencilla, que ama la mecánica, sueña con estudiar arquitectura y encuentra en su padre a su principal aliado.

Para la actriz, este personaje representó un quiebre frente a los papeles que había hecho antes. Si en otras producciones había estado más vinculada a papeles juveniles y cercanos a la imagen de la ‘chica linda’, Rex aparece como la oportunidad de explorar otro cuerpo, otro lenguaje y otra energía. En la historia, además, su personalidad impulsiva la ubica en una zona antagónica, aunque lejos de la villana tradicional: no maquina, no calcula, simplemente actúa desde el sentimiento.

Roberta asegura que una de las razones por las que conectó con Rex fue precisamente el mensaje que deja: ser fiel a una misma y no vivir pendiente de la mirada ajena. Esa idea atraviesa a un personaje que, aunque desafía a quienes la rodean, también revela un costado tierno y vulnerable. De ella, también aprendió a cambiar el aceite, llantas y el cuidado general del vehículo.

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Robi Damián y su Reggaetón cute

Paralelo a la actuación, Roberta ha construido su proyecto musical bajo el nombre de Robi Damián. Allí se mueve con una propuesta que ella misma describe como reggaetón cute, un sonido que combina sensualidad, juego, metáforas y un enfoque pop urbano con sello propio.

Su música nace desde la prueba y error, desde las jornadas en estudio y desde una exploración muy personal. Lejos de buscar un personaje ajeno, Roberta ha optado por escribir y cantar desde una identidad que mezcla rebeldía, humor e intimidad. Temas como Noods ya dejan ver esa intención: letras que coquetean con el doble sentido sin perder ligereza.

El proyecto avanza de la mano de Universal, sello con el que ha trabajado durante los últimos años en el desarrollo de su propuesta. Mientras prepara nueva música y piensa en el lanzamiento de su álbum para 2027, Roberta deja claro que su EP Reggaetón cute no solo es un título llamativo: es una manera de presentarse ante el público con una voz propia, fresca y en construcción.

La entrevista

Al ser hija de alguien con tanto peso en la televisión latina, ¿en algún momento le pesó el nombre Damián? ¿Sintió que quería ser vista como un lienzo en blanco?

No, la verdad me siento muy afortunada de tener el nombre de mi papá, que de hecho es mi segundo nombre; la gente piensa que es apellido. me siento muy bien y en paz. Cuando era más chica sí era algo que me afectaba, pero cuando empiezas a trabajar las cosas por ti, creas una seguridad y una autoestima que los comentarios ajenos difícilmente pueden romper. el hecho de trabajar por mis cosas y ver cómo solita me estoy abriendo puertas me hace sentir segura.

Usted creció dentro de la industria. ¿Tiene mejores amigos dentro del medio o su vida no gira alrededor de eso?

Mi vida no se rige tanto por el medio. soy una persona muy ermitaña. me gusta estar en mi casa, con mi novio, con mi gatito, con mis amigos del estudio y mis productores. Quiero mucho a Diego Klein, a Paulina Goto, a Víctor Barona. tengo varios amigos, pero son contados. no por nada malo, sino porque los tiempos en este medio son muy complicados.

¿En qué momento cree que Roberta Damián dejará de ser considerada una artista juvenil?

Ojalá que nunca. yo, a los 50, actriz y artista emergente. tengo 23, supongo que sigo siendo una actriz juvenil. estoy bien con ir creciendo y con lo que la gente me quiera poner o adjudicar. eso ya es percepción de cada quien.

¿Qué es lo más loco que le gustaría interpretar? ¿Con qué personaje sueña?

Me gustaría interpretar a una asesina serial o algo como una serie de mafiosa colombiana. quiero un personaje que me rete. También me encantaría hacer cine independiente. tengo muchas ganas de meterme en cortometrajes y largometrajes, explorar esa parte más artística y hacer cosas por amor al arte.

En redes también se la ve muy ligada a la moda y a la fotografía. Incluso ha modelado. ¿Le gustaría incursionar profesionalmente en ese mundo?

No está dentro de mis planes modelar. lo hago por diversión. a veces tengo amigas diseñadoras que me invitan a modelar en sus desfiles, pero profesionalmente no creo incursionar. es un hobby que me encanta y me divierte.

Pero modelar en Fashion Week México tampoco es algo pequeño...

Sí, bueno, eso es gracias a mi amiga que me quiere mucho.

Además de Noods, ¿qué viene en cuanto a música?

Saco canción el próximo mes, si no estoy mal. creo que vuelvo a sacar reguetón cute. por ahí viene el próximo sencillo.

¿Dentro de la novela también canta?

No. eso se lo dejamos a pau, que es una experta haciendo pop para telenovelas. mi sonido y mi música son distintos. pero escuchen lo que hizo pau para la novela, porque son dos canciones increíbles: Guardián de mi vida y Cuídame de mí.

En Ecuador, una de las últimas novelas suyas que se vio en televisión abierta fue Like, la leyenda. ¿Qué recuerdos tiene de esa etapa?

Puras cosas buenas. fue una etapa increíble, como estar en la secundaria. yo dejé de estudiar en escuela a los 15, terminé la prepa en escuela abierta y la secundaria también. entonces fue como sanar esa etapa de alguna manera, volver a la escuela, tener amigos, desencuentros y luego abrazarnos. fue una etapa muy bonita.

Muchos de los rostros que estuvieron con usted en esa producción hoy tienen carreras consolidadas. ¿Cómo ve ese proceso?

Sí, todos tienen carreras muy bonitas y me da mucho gusto, porque son personas muy lindas.

¿Hay algún proyecto o mensaje que quiera recordarle al público?

Quiero darles las gracias e invitarlos a ver Guardián de mi vida por las estrellas o por vix. arriba las telenovelas y la cultura mexicana.

¿Cree que la telenovela podría dejar de encantar al público latino en algún momento?

No sé, porque todo cambia. antes íbamos a blockbuster a rentar películas y ahora no pensamos en hacer eso. espero que no, ojalá que pueda perdurar mucho más tiempo, porque siento que las telenovelas definen una parte muy grande de nuestra cultura. Son ese momento en el que las familias se juntan, comen y ven algo. si en algún momento dejan de existir, ojalá que se abra la brecha para nuevas cosas.

Para finalizar, ¿cuál sería su top cinco de telenovelas?

Teresa, Mi corazón es tuyo, Lola, érase una vez, Rebelde, por supuesto, y Carita de ángel.

Lo que debes saber

• Cinthi Alvarado descubrió su amor por el maquillaje en Zaruma, al ver a su mamá arreglarse cada mañana antes de ir al trabajo.
  
• Hoy lidera su propia academia en Cuenca, donde ha formado a más de 200 alumnas y continúa impulsando su faceta como maquilladora, docente y creadora de contenido.
  
• Su talento cruzó fronteras al representar al Ecuador en el New York Fashion Week, una experiencia que marcó uno de los grandes logros de su carrera.
  

Entre brochas, labiales, tenacidad, resiliencia y mucha creatividad, Cinthi Alvarado ha logrado construir una carrera que va más allá del maquillaje. Desde Cuenca, se ha convertido en una de las artistas más reconocidas de Azuay, no solo por su talento para embellecer el rostro de cada clienta, sino también por su capacidad para formar a nuevas generaciones de maquilladoras.

Tiene 30 años, y ya lidera su propia escuela de maquillaje, por la que han pasado más de 400 alumnas. Además, su trabajo ha cruzado fronteras al representar al Ecuador en el New York Fashion Week, una experiencia como maquilladora que confirma que los sueños también se cumplen con disciplina, constancia y mucha pasión.

El inicio de su pasión

Su amor por el maquillaje nació en Zaruma, su ciudad natal, mientras veía a su mamá arreglarse cada mañana antes de ir a su trabajo de profesora.

Aquella rutina, que para otros podía pasar desapercibida, despertó en ella una curiosidad que fue creciendo con los años. Empezó viendo videos, practicando de manera empírica y usando lo que tenía a su alcance para maquillarse y descubrir, poco a poco, que ese mundo también podía convertirse en su camino.

A los 18 años, se mudó a Cuenca para estudiar Relaciones Públicas y, en medio de esa etapa universitaria, apareció la oportunidad de formarse profesionalmente como maquilladora.

“Se lo comenté a mis papás y, días después, me dijeron que sacaron un préstamo para apoyarme y pagar la carrera. Cuando me lo contaron, lloré y me emocioné muchísimo porque era mi sueño”, recuerda Cinthi.

Luego de cuatro meses de formación, se graduó como maquilladora. Pese al comprensible temor de empezar desde cero, decidió dictar su primer curso de automaquillaje con 15 alumnas en la cocina de su pequeño departamento. Además comenzó a crear contenido en redes sociales y, para darse a conocer en esa nueva ciudad, repartió tarjetas de presentación en la universidad, supermercados y bancos. “No tenía contactos, pero poco a poco me abrí camino”, comenta.

Sin miedo a desconocido

Actualmente cuenta con su propia academia en Cuenca, es una de las creadoras de contenido más destacadas en Azuay. Ahora sin miedo a lo desconocido, Cinthi asume un nuevo desafío: abrirse camino también en Guayaquil, ciudad que considera clave para la belleza, la moda y la creación de contenido.

“Mi meta es estar en ambas ciudades para fortalecer mi faceta como beauty influencer y compartir sus conocimientos a través de clases de automaquillaje y formación profesional”, revela.

Entre sus objetivos también está mostrar una versión más completa de sí misma como maquilladora, docente y mamá. Y con esa fusión, espera seguir motivando a más jóvenes que, al igual que ella, sueñan con lograr que su pasión por el maquillaje se vuelva el motor de su crecimiento profesional.

Lucha que fortalece

Cuando Cinthi empezaba a crecer como maquilladora, enfrentó uno de los momentos más difíciles de su vida: fue diagnosticada con cáncer de tiroides. Aquella etapa, llegó justamente cuando intentaba crecer profesionalmente, así queque tuvo que detener muchos planes y concentrarse en su salud. “Todo lo que ganaba se iba en exámenes, cirugía y tratamiento en Solca”, recuerda.

Durante casi dos años, ese desafío la obligó a pausar, replantearse y mirar su camino desde otro lugar. En ciertos momentos sentía frustrada, especialmente al compararse con otras colegas que avanzaban mientras ella debía priorizar su recuperación.

Pero en ese proceso, su hermano y su novio Álvaro (quien ahora es su esposo) fueron un gran apoyo. Y con el tiempo entendió que cada persona tiene su propio ritmo. “Aprendí a no compararme y ser resiliente ante cada adversidad”, cuenta.

Cinthi decidió compartir parte de esa experiencia en redes sociales. Para ella, esas plataformas no debían ser solo una vitrina de logros, sino también un espacio para hablar con honestidad de los momentos difíciles. “Compartí mi experiencia en redes como un símbolo de fortaleza, de que se pueden conseguir muchas cosas sin dejarse caer por ese tipo de situaciones”, afirma.

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Maternidad la impulsa

Otro antes y después en su vida llegó con la noticia de que iba a ser mamá. Cinthi reconoce que no era algo que esperaba en ese momento, pero la llegada de su hijo (Leito) transformó por completo su manera de ver la vida, sus metas y sus responsabilidades. “Si antes trabajaba por mis sueños, desde entonces encontré una motivación aún más profunda para seguir creciendo”, dice.

Para ella, convertirse en mamá no significó detenerse, sino aprender a avanzar desde una nueva versión de sí misma. En ese proceso, también ha sido clave el apoyo de su esposo, Álvaro, a quien reconoce como una de las personas que más la motiva cuando duda de sus propias capacidades. “Él siempre me dice: ‘Dale, tú puedes, tú tienes mucho talento’”, cuenta.

Por eso, a través de su experiencia, quiere demostrar que ser mamá no tiene por qué convertirse en un límite ni en una renuncia a los sueños personales. Al contrario, puede ser una razón más para perseguir objetivos, construir proyectos y abrirse camino.

“Mi familia es mi mayor impulso. Quiero que él vea que ser mamá no es un obstáculo para lograr tus metas.”, asegura.

Cruzando fronteras

Una de las experiencias más importantes en la carrera de Cinthi vino en 2024, cuando recibió la invitación para formar parte del equipo de maquilladoras que representaría al Ecuador en el New York Fashion Week. La noticia llegó con varios meses de anticipación, así que pudo organizar su agenda y prepararse para vivir una oportunidad que durante años había imaginado. “Fue una meta lograda, algo que siempre idealicé y que en algún momento pensé que podía conseguir”, recuerda.

En septiembre de ese año, viajó a Nueva York y durante cuatro días participó en diferentes producciones para la diseñadora Mila Hoffman, de Carolina del Norte. Entre camerinos, modelos y tiempo a contrarreloj, Cinthi puso en práctica su técnica y confirmó hasta dónde puede llegar una carrera construida con disciplina.

Su paso por la Gran Manzana le permitió dictar un curso de automaquillaje a 14 alumnas en Queens. Eran ecuatorianas y mujeres de otros países de Latinoamérica. “Esa experiencia fue única,.Cumplí una meta personal y, al mismo tiempo, sentí que representaba el sueño de muchas maquilladoras que también anhelan llevar su talento fuera del país”, resalta.

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Lo que debes saber

• Campo Baeza y MAODA ganaron el diseño del Museo Nacional en Quito.
  
  
• El proyecto Ecos del Sol tendrá patios, terrazas, salas y reservas patrimoniales.
  
• 
  El museo estará junto a La Carolina y conectará con Metro, plaza y boulevard.

Campo Baeza, el estudio del arquitecto español Alberto Campo Baeza, diseñará junto a Maoda el nuevo Museo Nacional del Ecuador en Quito. El proyecto Ecos del Sol ganó el concurso internacional y plantea un edificio de luz, sombra, patios y terrazas frente al Parque La Carolina.

Ecuador

¿Cuándo comenzará la construcción del nuevo Museo Nacional del Ecuador?

Marco Rivera

Quito tendrá un nuevo Museo Nacional del Ecuador y el diseño llevará la firma de Campo Baeza + Maoda. La propuesta Ecos del Sol fue seleccionada como ganadora del concurso internacional para el nuevo edificio del museo, en un proceso que reunió proyectos de Ecuador y otros países. Según reportes locales, la iniciativa fue elegida entre 148 propuestas de más de 20 países y avanzará a estudios técnicos antes de la construcción prevista para 2027.

El nombre Campo Baeza no corresponde a una firma local, sino al estudio de arquitectura del español Alberto Campo Baeza, con sede en Madrid. Su obra se reconoce por una búsqueda constante: convertir la luz, la sombra, el silencio y la geometría en parte de la experiencia del edificio. Su trayectoria está documentada en publicaciones de obra completa que recogen cuatro décadas de trabajo, de 1974 a 2014.

En Instagram, el estudio celebró el primer premio con un mensaje en el que destacó que su propuesta Ecos del sol, en colaboración con MAODA, fue premiada en el concurso organizado por el Gobierno Nacional del Ecuador. También señaló que el proyecto busca convertirse en uno de los espacios culturales del país para futuras generaciones.

Campo Baeza: arquitectura de luz, silencio y memoria

Alberto Campo Baeza ha construido una carrera alrededor de una idea que repite en sus textos: la arquitectura no debe depender del gesto, sino de una idea que pueda construirse. En sus ensayos, el arquitecto resume parte de su pensamiento con una fórmula: la gravedad construye el espacio y la luz construye el tiempo.

Esa filosofía aparece en proyectos como la Sede Central de Caja Granada, el Museo de la Memoria de Andalucía, el Espacio Público Entre Catedrales, en Cádiz, y la Casa del Infinito. En esta última, el propio estudio describe una casa concebida como un plano frente al mar, una plataforma de piedra que mira hacia el horizonte del Atlántico.

Su forma de pensar la ciudad parte de espacios que ordenan el recorrido de las personas. No se trata solo de levantar un edificio, sino de crear plazas, accesos, umbrales y zonas de transición. En Quito, esa lectura aparece en la relación entre el museo, el Parque La Carolina, la avenida Eloy Alfaro, la avenida de la República y el Boulevard Peatonal La Pradera.

¿Dónde estará el nuevo Museo Nacional?

El terreno del nuevo Museo Nacional del Ecuador se ubica en el centro norte de Quito, en la esquina suroccidental de la avenida Eloy Alfaro y la avenida de la República. El portal oficial del proyecto señala que el predio tiene más de 13.000 metros cuadrados, acceso directo a la estación La Carolina del Metro de Quito y cercanía con Trolebús y Ecovía.

La propuesta de Campo Baeza y MAODA plantea que el museo no sea una pieza aislada. El proyecto conecta el Parque La Carolina con el Boulevard Peatonal La Pradera mediante una plaza urbana llamada Plaza del MUNA. El documento arquitectónico explica que ese espacio tendrá árboles, agua y sombra para pasar del ruido de la ciudad al interior del museo.

Así será por dentro el Museo Nacional del Ecuador

El proyecto Ecos del Sol imagina el museo como una “caja de luz y sombra”. La fachada aparece como un prisma de hormigón excavado por patios y huecos. Esa envolvente funcionará como filtro solar y permitirá que la luz natural entre de manera controlada al edificio.

En planta baja estará el primer gran espacio de acogida. Allí se ubicarán la recepción, información, taquillas, guardarropa, tienda, cafetería, locales comerciales, coworking artístico cultural y áreas de servicio para visitantes. Esa zona también incluirá espacios para grupos, sala de protocolo, zonas de descanso, lactancia y preparación.

La zona este concentrará actividades públicas como el auditorio, la sala de cine y la sala polivalente. La zona oeste estará destinada a recepción de bienes culturales, bioseguridad, cuarentena, inventario, registro fotográfico, logística, talleres y áreas técnicas. Esta distribución separa el flujo de visitantes del movimiento interno de obras, personal y conservación.

El museo tendrá exposiciones permanentes, exposiciones temporales, sala de exploradores, mediateca, musicoteca, biblioteca, aulas y talleres. El programa también incluye un auditorio para 300 personas y una sala de cine para 100 asistentes, según el desglose del anteproyecto.

Patios, terrazas y una ruta por la luz

Una de las claves del edificio serán sus patios. En el documento aparecen nombres como Patio Sol de Oro, Patio Pichincha, Patio Inti, Patio Caspicara, Patio Legarda, Patio Antisana y Patio La Tolita. Estos espacios no solo llevarán luz al interior, también enmarcarán vistas de Quito y podrán funcionar como lugares para obras al aire libre.

Las plantas altas alojarán salas de exposición, reservas y zonas de trabajo. El proyecto ordena la planta en tres bandas: una franja de servicio y patios, una franja de circulación y una franja para los espacios principales del museo. El recorrido se apoyará en escaleras mecánicas ubicadas en los extremos de las salas para permitir una visita continua.

En la parte superior estará la Terraza Quito, concebida como un mirador a 2.854 metros sobre el nivel del mar. Desde allí, el documento indica que se podrán observar el Pichincha, el Cotopaxi y el Panecillo.

Quito

Así es el diseño ganador con el que se construirá el nuevo Museo Nacional del Ecuador

Mariella Toranzos

Un museo para mostrar lo que no se ve

El nuevo edificio busca resolver una deuda del Museo Nacional: la falta de espacio para conservar y exhibir parte de sus bienes. El portal oficial del proyecto señala que la sede deberá impulsar conocimiento, conservación y difusión de la historia, el arte y el patrimonio cultural ecuatoriano.

La propuesta ganadora plantea reservas, laboratorios de conservación y restauración, áreas documentales, archivo histórico, reserva audiovisual, salas de consulta, almacenes y talleres de museografía. Es decir, el museo no será solo un sitio de exhibición, sino también un centro de investigación, conservación y trabajo técnico.

Para Campo Baeza + MAODA, el Museo Nacional del Ecuador será una pieza urbana y cultural. La arquitectura no busca competir con las colecciones, sino crear un marco para ellas. En sus propias palabras, el proyecto intenta ser una caja para contener la historia y los tesoros artísticos del país.

Lo que debes saber

• Disney+ gana búsquedas por el Mundial 2026 y sus transmisiones para suscriptores.
  
• X-Men ’97 destaca en Disney+ por su segunda temporada, estrenada en julio de 2026.
  
• Bluey, Percy Jackson y Gravity Falls amplían la guía familiar más allá del fútbol.

Disney+ volvió al centro de las búsquedas por las suscripciones y las transmisiones del Mundial 2026. En Ecuador, la plataforma promociona la cobertura del torneo a través de ESPN en el Plan Premium, mientras que la oferta oficial para Sudamérica incluye 30 partidos de la Copa Mundial de la FIFA 2026.

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Pero el fútbol no es el único motivo para entrar a la plataforma. Entre partidos, previas y resúmenes, Disney+ también reúne series animadas, franquicias de Marvel, aventuras de Star Wars y producciones pensadas para distintas edades. Esta es una guía familiar para saber qué ver cuando el balón deja de rodar.

1. X-Men ’97: la segunda temporada pone a Marvel en agenda

El primer título destacado es X-Men ’97, que estrenó su segunda temporada el 1 de julio de 2026 en Disney+. La serie animada continúa la historia de los mutantes y presenta una nueva amenaza ligada a Apocalypse, con el equipo dividido y obligado a reencontrarse.

La producción funciona para quienes crecieron con la serie de los años 90 y también para nuevos espectadores que quieren entrar al universo de los X-Men sin ver todas las películas. Su estreno semanal la convierte en una opción para seguir en familia durante el mes del Mundial.

2. Bluey: episodios cortos para ver con niños

Bluey es una de las opciones más directas para hogares con niños pequeños. La serie sigue a una perrita y a su familia en historias cotidianas sobre juego, convivencia, emociones y aprendizaje.

Su formato de episodios breves permite verla entre partidos o antes de dormir. Además, es una de esas producciones que también conecta con los adultos, porque aborda la crianza y la vida familiar desde situaciones simples.

3. Percy Jackson y los dioses del Olimpo: aventura para adolescentes

Para los adolescentes, Percy Jackson y los dioses del Olimpo aparece como una alternativa de aventura, fantasía y mitología. La historia sigue a Percy, un joven que descubre que es hijo de Poseidón y entra a un mundo marcado por dioses griegos, misiones y conflictos familiares.

Es una serie pensada para quienes buscan una trama continua, con personajes jóvenes y una narrativa que mezcla escuela, identidad y acción. También puede funcionar como puerta de entrada para quienes no han leído los libros.

4. The Mandalorian: Star Wars para ver por capítulos

The Mandalorian sigue siendo uno de los títulos fuertes de Disney+. La serie de Star Wars presenta a Din Djarin, un cazarrecompensas que termina protegiendo a Grogu, uno de los personajes más reconocibles de la plataforma.

Su estructura permite ver un episodio por noche o armar una maratón de fin de semana. Para familias con seguidores de ciencia ficción, es una opción para descansar del fútbol sin salir del universo de las grandes franquicias.

5. Gravity Falls: misterio, humor y nostalgia

Gravity Falls es una recomendación para quienes quieren una serie animada con misterio, humor y una historia cerrada. La trama sigue a los hermanos Dipper y Mabel durante un verano en un pueblo lleno de secretos, criaturas y conspiraciones.

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Aunque tiene solo dos temporadas, su universo mantiene vigencia entre audiencias jóvenes y adultos que la descubrieron años atrás. Es una opción práctica para quienes buscan una serie para maratonear sin comprometerse con demasiados capítulos.

Lo que debes saber

• Vin Diesel confirmó que ya comenzó el rodaje de Fast & Furious 11.
• Fast Forever será el cierre definitivo de la historia de Dominic Toretto.
• La película retomará la batalla contra Dante Reyes y volverá a Los Ángeles.

Vin Diesel confirmó que el rodaje de Fast & Furious 11, también conocida como Fast Forever, ya está en marcha. El actor compartió un video desde el set de grabación en el que agradeció la paciencia de los fanáticos y aseguró que el equipo trabaja para ofrecer un final a la altura de una de las franquicias de acción más exitosas del cine.

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Esta entrega marcará el cierre de la historia principal iniciada en 2001 con Dominic Toretto como protagonista. Tras varios retrasos en la producción, Universal Pictures fijó el estreno para marzo de 2028, aumentando la expectativa por el desenlace definitivo de la saga.

Vin Diesel anuncia el inicio del rodaje

A través de un video publicado en sus redes sociales, Vin Diesel mostró parte del set de filmación y confirmó que ya comenzó la grabación de la película Fast Forever. En el mensaje, el actor agradeció el respaldo de los seguidores durante los últimos años y aseguró que todo el equipo está comprometido con ofrecer un final memorable para la franquicia.

La publicación rápidamente se volvió viral entre los fanáticos, quienes llevaban meses esperando noticias oficiales sobre el estado de la producción después de los cambios en el calendario y el desarrollo del guión.

¿De qué tratará Fast & Furious 11?

Aunque Universal mantiene en secreto gran parte de la trama, la película retomará los acontecimientos de Fast X, cuyo final dejó a Dominic Toretto y su familia enfrentando la amenaza de Dante Reyes, interpretado por Jason Momoa. Todo apunta a que la nueva cinta resolverá ese enfrentamiento y dará cierre a los principales arcos narrativos de la saga.

Además, Vin Diesel ha adelantado en ocasiones anteriores que el objetivo es regresar a la esencia de las primeras películas, con carreras callejeras en Los Ángeles, un mayor enfoque en la familia y un tono más cercano al que convirtió a Fast & Furious en un fenómeno mundial.

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El regreso de personajes históricos

Uno de los aspectos que más expectativa genera es el regreso de varios personajes emblemáticos. Dwayne Johnson volverá como Luke Hobbs tras su reaparición en la escena post créditos de Fast X, mientras que también se espera el regreso de Michelle Rodriguez, Tyrese Gibson, Ludacris, Jordana Brewster y Sung Kang.

Asimismo, Vin Diesel ha reiterado su intención de rendir homenaje a Paul Walker y al personaje de Brian O’Conner, quien sigue siendo una figura clave dentro del universo de la franquicia.

La última carrera de la familia Toretto

Fast Forever pondrá punto final a más de dos décadas de historia para una franquicia que ha recaudado más de 7.000 millones de dólares en taquilla y se convirtió en una de las sagas de acción más exitosas del cine.

Con el rodaje oficialmente en marcha, los seguidores ya esperan nuevas imágenes desde el set y más detalles sobre una película que promete despedirse regresando a las raíces que hicieron famosa a la familia Toretto. 

Lo que debes saber

• Gracie Abrams reveló a Olivia Rodrigo el significado de Daughter from Hell.
  
• La cantante confesó cuál es la letra que más representa su nuevo álbum.
  
• La entrevista completa fue publicada este 7 de julio en Spotify.
  

Gracie Abrams y Olivia Rodrigo protagonizaron una de las conversaciones más esperadas por los fanáticos del pop. En una nueva entrevista para la serie 'Countdown To' de Spotify, publicada este 7 de julio, ambas artistas hablaron sobre el proceso creativo de ‘Daughter from Hell’, el tercer álbum de Abrams, que llegará a las plataformas el próximo 17 de julio.

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Gracie Abrams anuncia ‘Daughter from Hell’: confesiones detrás de sus nuevas canciones

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Durante la charla, Gracie abrió las puertas de su nuevo proyecto musical y confesó que este disco representa una etapa muy distinta de su carrera. La cantante explicó que, aunque al principio sentía que no tenía nada nuevo que contar, terminó creando un álbum que refleja el momento de transición que vive en sus veintitantos años. 

La letra que más emociona a Gracie Abrams

Después de cuatro años de su último concierto juntas, las dos cantantes se reunieron para el podcast de Spotify ‘Countdown To’.

Uno de los momentos más comentados de la entrevista ocurrió cuando Olivia Rodrigo le preguntó cuál era su letra favorita de Daughter from Hell. Sin dudarlo, Abrams eligió un verso de la canción ‘Humming’, el tema número 14 del álbum que sale este 17 de julio.

La artista explicó que esa composición resume el tono general del disco y representa una evolución en su manera de escribir. Según contó, las nuevas canciones son menos autobiográficas y más existenciales, abordando emociones y preguntas que surgieron durante los últimos años. 

Un álbum inspirado en crecer y enfrentar la incertidumbre

Gracie Abrams también reveló que el álbum nació en un momento en el que pensaba que ya había dicho todo lo que quería expresar en su música. Sin embargo, mientras avanzaba el proceso creativo, descubrió nuevas formas de hablar sobre la incertidumbre, el crecimiento personal y los cambios que acompañan la vida adulta.

La cantante aseguró que ‘Daughter from Hell’ representa la década de los veinte, una etapa marcada por las dudas, las decisiones importantes y la búsqueda de identidad, temas que se reflejan en gran parte del proyecto.

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Olivia Rodrigo y Gracie Abrams hablaron de música, fama y amistad

Además del nuevo álbum, ambas artistas conversaron sobre la fama, la amistad y cómo el contexto social actual también ha influido en su forma de escribir canciones. Abrams explicó que algunos acontecimientos recientes la llevaron a reflexionar más profundamente sobre el mundo que la rodea, algo que terminó reflejándose en las letras del disco.

La entrevista también dejó ver la cercanía entre Olivia Rodrigo y Gracie Abrams, quienes mantienen una amistad desde hace varios años. Rodrigo incluso invitó a la cantante a profundizar en aspectos personales de su proceso creativo, ofreciendo a los fanáticos un adelanto de lo que podrán escuchar en Daughter from Hell.

El momento que más ha destacado en redes sociales es cuando Olivia expresa que a sus 15 años descubrió a Gracie a través de Instagram, y se sintió inspirada por lo que hacía. "Verte tocando el piano o la guitarra en tu habitación y escribiendo esas canciones tan bonitas me inspiró mucho porque fue como, no tengo que ir a un estudio y todas esas cosas. Puedo estar en mi habitación y escribir sobre mi vida". 

Lo que debes saber

• Chappell Roan confesó a Rosalía un desamor vivido durante la pandemia en el LUX Tour.
  
• La cantante reveló que esa experiencia inspiró una de sus canciones, aunque no dijo cuál.
  
• La conversación se volvió viral tras el último concierto de Estados Unidos del LUX Tour.
  

Chappell Roan fue la invitada sorpresa del último concierto del LUX Tour de Rosalía en Estados Unidos y protagonizó uno de los momentos más comentados de la noche. Durante el popular confesionario del espectáculo, la cantante reveló una experiencia de desamor vivida en la pandemia que terminó convirtiéndose en inspiración para su música.

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Científico bautiza una proteína como 'Rosy Despechá' y Rosalía reacciona

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La artista estadounidense compartió cómo una relación que comenzó por internet terminó de forma inesperada tras una cita que consideró perfecta. Su historia emocionó tanto a Rosalía como al público presente y rápidamente se viralizó en redes sociales por la sinceridad con la que abordó uno de los episodios más personales de su vida.

Chappell Roan recordó el desamor que vivió durante la pandemia 

Este lunes 6 de julio, durante el último concierto de Estados Unidos del Lux Tour de Rosalía, la invitada sorpresa fue Chappell Roan, quien participó del famoso confesionario que ya es parte del show.

"Vi la confesión de Lola Young y me recordó algo… algo que me pasó a mí”, mencionó la cantante antes de iniciar con su confesión. Frente a miles de asistentes, la cantante estadounidense compartió una historia íntima sobre un desamor que vivió durante la pandemia.

"Hablamos durante tres meses, todo por internet, porque era la época de la pandemia. Nos mandábamos mensajes, yo le mandaba fotos y esas cosas… y me gustaba mucho esa persona. Luego, viajé sola para tener una cita con ella. Nos besamos y me sentí en las nubes. Solo pensaba: «¡Guau!». Pero luego desapareció por completo.” 

“Conocí a otra persona”: la respuesta que cambió todo

La historia siguió en que durante cuatro días no supo nada de su pareja de cita, por lo que decidió escribirle para descubrir si había pasado algo, la respuesta que recibió fue “Conocí a otra persona”. Chappell Roan destaca su indignación detallando que la otra persona había aparecido durante los cuatro días que no hablaron, después de haber tenido una cita, que para ella, fue magnífica.

Lo que más sorprendió a Chappell Roan fue descubrir posteriormente que esa nueva pareja también era artista y, además, amiga suya.

El desamor terminó convirtiéndose en música

Durante la conversación con Rosalía, la cantante explicó que aquella experiencia terminó transformándose en música. Aunque no reveló el nombre de la canción inspirada en ese episodio, aseguró que escribir sobre lo ocurrido le permitió procesar la situación.

La confesión emocionó tanto a Rosalía como al público presente, ya que Roan relató cómo una ilusión romántica terminó en una inesperada decepción. El momento rápidamente se viralizó en redes sociales, donde los fanáticos destacaron la honestidad de la artista y la complicidad entre ambas cantantes.

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El confesionario del LUX Tour vuelve a viralizarse

Después de la confesión de la cantante, Rosalía aprovechó para hacerle preguntas que no estén relacionadas con la promoción musical, más bien buscando conocer una versión más personal de ella. Entre estas preguntas Chappell confesó que de esa decepción amorosa aprendió a conocerse mejor y no idealizar las relaciones.

Las distintas experiencias sentimentales que ha tenido, la han hecho cambiar su manera de ver y entender el amor, y ahora tiene una perspectiva desde el equilibrio emocional y el amor propio.

El confesionario se ha convertido en una de las dinámicas más populares del LUX Tour, donde artistas e invitados especiales, como Karol G, Cara Delenvigne, Bad Gyal, Aitana y más, suben al escenario para compartir historias personales antes de que Rosalía continúe con el espectáculo.

Lo que debes saber

• 'The Mandela Catalogue' tendrá película con Steven Spielberg como productor en Hollywood.
  
• Alex Kister dirigirá la adaptación para mantener la historia original del fenómeno de YouTube.
  
• La película está en desarrollo y aún no tiene fecha de estreno ni reparto confirmado.
  

'The Mandela Catalogue' dará el salto a la pantalla grande con una película producida por Steven Spielberg. La popular serie de terror analógico nacida en YouTube, que acumula más de 100 millones de reproducciones, será adaptada al cine manteniendo a su creador, Alex Kister, al frente de la historia.

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El proyecto marca un nuevo paso para las producciones surgidas en internet que llegan a Hollywood. Aunque la película aún no tiene fecha de estreno ni elenco confirmado, la participación de Spielberg y Amblin Entertainment ha incrementado las expectativas entre los seguidores del universo de horror creado por Kister.

¿Qué es 'The Mandela Catalogue'?

Lanzada en YouTube el 9 de junio de 2021, 'The Mandela Catalogue' se convirtió rápidamente en una de las series más populares del llamado “analog horror”, un subgénero que utiliza grabaciones con estética VHS y mensajes de emergencia para crear una atmósfera inquietante.

La historia se desarrolla en el ficticio condado de Mandela, en Wisconsin, Estados Unidos. Las criaturas conocidas como Alternates utilizan el miedo y la manipulación para atormentar a sus víctimas hasta que cometan suicidio, luego reemplazan sus identidades creando ‘doppelgängers’, manejándolos para cometer actos demoníacos.

El simbolismo religioso es uno de los pilares de la historia

En los videos se usan íconos e imágenes cristianas como elementos centrales para representar cómo los Alternates secuestran el cristianismo, reemplazando a Dios e intercambiándose por las figuras sagradas para engañar a las personas.

La serie ha superado los 100 millones de reproducciones en YouTube y es considerada una de las obras más influyentes del terror analógico junto a The Backrooms y Local 58.

Los seguidores de esta serie de videos han replicado la estética miles de veces en otros videos para redes sociales, creando parodias con sus propias historias. 

Steven Spielberg producirá la película de The Mandela Catalogue

Aunque Steven Spielberg es reconocido por dirigir clásicos como Jurassic Park, E.T. y Jaws, en esta ocasión asumirá el papel de productor del proyecto a través de Amblin Entertainment. Los derechos de adaptación fueron adquiridos tras una competitiva puja entre 11 estudios, reflejando el creciente interés de Hollywood por las franquicias nacidas en plataformas digitales.

El desarrollo de 'The Mandela Catalogue' llega en un momento en que los estudios buscan convertir fenómenos virales de internet en grandes producciones cinematográficas. El éxito de adaptaciones recientes de historias nacidas en YouTube, como ‘Backrooms’, ha demostrado que este tipo de contenido cuenta con una audiencia consolidada y un gran potencial comercial.

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Alex Kister continuará al frente de la historia

Alex Kister seguirá estando encargado de la historia como director de la película, una decisión que ha sido bien recibida por los seguidores de la serie, quienes consideran que mantener al creador original ayudará a conservar la esencia del universo que conquistó a millones de espectadores.

Por ahora, la película se encuentra en una etapa inicial de desarrollo y aún no tiene fecha de estreno ni reparto confirmado. Sin embargo, la participación de Steven Spielberg y Alex Kister ya ha elevado las expectativas entre los fanáticos del terror.

Sin demasiadas pretensiones, pero con mucha pasión, crearon una historia sobre un antihéroe punk que adquiere poderes cuando bebe una pócima alcohólica, quien en su intento de hacer el bien provoca un conflicto a nivel planetario cuando mata al mismísimo presidente chileno.

Después de casi tres años de trabajo, en 2025 tuvo su estreno en el Festival Internacional de Cine de Valdivia.

Y de ahí de forma espontánea, gracias al boca al boca y las redes, Matapanki ha recorrido varias citas importantes como Buenos Aires Rojo Sangre, en Argentina; Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, en Cuba; o el Festival Internacional de Cine de Berlín, Alemania, donde recibió la Mención Especial del Jurado Internacional en la sección Generation 14+, vitrina del cine juvenil.

Además ha logrado mantenerse durante quince semanas en salas de cines de su país, una verdadera hazaña. 

Su director, Diego ‘Mapache’ Fuentes, atendió las preguntas de EXPRESIONES sobre todo la gran acogida que ha tenido su ópera prima y su nueva en cambino, Corazón de polilla.

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Matapanki es un filme con el que el espectador se puede morir de risa, pero también llama al debate sobre temas sociales y políticos.

Sí, desde un inicio, decíamos que nuestra misión con la película era que la gente la pasara bien y que una vez ellos salieran del cine, tal vez en algún momento, se pararan a pensar qué está pasando con el gobierno, con el presidente, y tal vez despertar las conciencias de esa forma. Nunca quisimos llegar a un extremo de que la película fuera solamente chiste y cosas divertidas, pero tampoco queríamos hacer un panfleto político. Sentíamos que era necesario estar al medio.

No es sencillo lograr ese balance.

Sentíamos que era necesario hacer algo que le interesara no solamente a los festivales o a la gente que hace cine. No queríamos una película para nosotros mismos, sino que fuera una película que pudieran ver mis amigos, mis vecinos, mi mamá. Que la pasaran bien, pero que también tuviera esa calidad de una película de festival de cine.

¿Cómo fue esa gestión para que la película empiece a tener ese recorrido a traves de grandes festivales de cine?

Eso para mí fue súper bonito y súper surreal. Nosotros hicimos la película sin pretensiones de llegar a salas de cine y festivales. Para nosotros, lo máximo era estrenar en el Festival de Cine de Valdivia, porque era como nuestro referente local más importante. 

Entonces a la película le empezó a ir bien, nos dimos cuenta de que tenía buenas críticas, que no solamente los estudiantes y la gente que le gusta el cine acá hablaba, sino que también estaba saliendo en medios más tradicionales. Ahí nos dimos cuenta de que teníamos la posibilidad de llegar a otros festivales y empezamos a postular. Pero también nos ocurría que veces los festivales nos pedían la película.

El Festival de Valdivia fue también una gran vitrina.

Valdivia es un festival al que van muchísimos programadores de otros países, entonces yo creo que fue una mezcla como de estar en el lugar correcto, y de que también las personas que estábamos detrás de la película hicimos nuestro trabajo. Es decir, también nos dábamos tiempo de conocer a las personas de la industria, ese trabajo de lobby, que es súper necesario también. Es como tomarte en serio lo que estáis haciendo, como el futuro de tu trabajo cinematográfico.

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En octubre del 2022, como parte de las actividades de recaudación para la película, organizaron un concierto.

Sí, hicimos una fiesta tocata, esa era la gracia. Una tocata que después se transformara en una fiesta ahí para quien quisiera llegar.

Era un cartel con bandas de estilos variados.

Claro, mezclamos un montón de géneros, eso yo creo que fue lo entretenido. Porque no solamente había bandas que tocaban punk o hardcore, sino que teníamos invitados que venían de otros lados, de otros géneros. Me acuerdo que había gente que fue a rapear, había unas bandas que eran indie, había hasta cueca chilena. Entonces fue bien interesante como ese cruce. Y claro, después terminaba con una fiesta y ahí fue como que todos se conocían entre todos. Entonces fue bien bonito ese acompañamiento.

Qué buena manera de empezar el proyecto, con esa vibra de la escena chilena, que es tan grande y diversa.

Sí, yo creo que nosotros desde un inicio, siempre sentimos el apoyo como de la escena. De hecho, las bandas que salen en la película, que son Mano de Obra, Altoids, Los Mirlos incluso y Dolor de Muelas, cuando nosotros nos acercábamos les explicábamos que no teníamos mucho presupuesto, pero que nos encantaría que sean parte. Y siempre existió ese compañerismo. Una vez que nosotros les contábamos de qué se trataba, se motivaron un montón.

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Las redes como catapulta de difusión

¿Qué tanto valoras la importancia de las redes sociales en la difusión de la película?

Mira, a nosotros nos sirvió un montón. En un inicio, el Instagram de la película lo administrábamos tres personas: Joaquín (Fernández), que es el cocreador y cámara de la película; Tom (Tomás Santelices), que es el productor, y yo a veces me metía a revisar cosas. En un inicio era poco profesional. Respondíamos a la gente como si fuera el personaje principal de la película. Peleábamos con la gente.

Eso ayudó a dar a conocer el proyecto. 

Llegó mucha gente universitaria de otras escuelas de cine, y les llamaba la atención. Como que empezó no solamente por redes sociales, sino que empezó por el boca en boca. Entonces cuando nosotros llegamos a estrenar en (el Festival de Cine de) Valdivia, ya teníamos más o menos un público armado.

Y después eso facilitó un montón cuando llegó la distribución en salas de cine, porque ahí nosotros tuvimos la suerte de ganarnos un fondo de distribución, entonces ya se profesionalizó un poco, le pudimos pagar a un community manager, y ahí ya explotó.

Consiguieron alguien que conozca el tema y esté dedicado exclusivamente a eso.

Nosotros entregamos la cuenta con unos dos mil seguidores; hoy en día la cuenta tiene como diez mil. Lo lindo fue que él también entendía el humor de la película. Nunca se transformó en una cuestión corporativa, sino que siempre tratando de conectar con la gente, mantenerla informada de lo que estábamos haciendo.

Hicieron las convocatorias al casting por Instagram.

Hicimos las convocatorias, el casting abierto para la película, cualquier persona que quisiera podía salir, si a nosotros nos servían algún personaje. Había gente que viajaba dos horas solamente por ir a grabar. Desde un inicio se sintió como el cariño o el interés de la gente en participar en la película, no solamente ir a verla, sino también ser parte. Creo que se formó una comunidad muy buena en eso.

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En medio de todo esto tan bonito que está viviendo con Matapanki, usted ya está pensando en su segundo filme, Corazón de polilla. ¿En qué etapa están ahora?

Estoy súper feliz porque reescribí el guion hace un par de semanas. Esa película tiene una técnica que es la pixilación, que es una técnica de animación como stop motion pero con personas. Acá hay un chico llamado Simón Bucher, que hace unos cortos con pixilación increíbles. Lo conocí en la premier de Matapanki, porque lo invitamos y le dije que me encantaría trabajar él. Se dio el tiempo de leer el guion y le gustó mucho. Entonces, estoy feliz porque siento que va avanzando.

¿Nos puede adelantar algo?

Creo que es una película que tiene ciertas temáticas que es necesario tocar, como son la discriminación y el tema con la comunidad LGBT, entonces yo estoy feliz y contento de tener la oportunidad de desarrollarla y espero poder llevarla pronto a cabo

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Siente talvez que la gran acogida que ha tenido Matapanki le genera una presión para su segundo filme.

He tenido varios pensamientos sobre eso. Pensaba: “Ya estrené en Berlín, ¿ahora qué tengo que hacer? ¿Repetirlo? ¿Llegar a otro festival?". En un momento me decía: “Si ahora ya toqué este techo, la siguiente tiene que ser aun mejor, o que a la gente le guste más”. Pero he tratado de mantener los pies en la tierra. 

Cada película es su propio mundo.

Cada película tiene su propio público, su propia audiencia, sus propias necesidades. Yo lo que espero, más que los festivales, más que los premios, espero que a la gente le siga gustando lo que hago. Siempre he sido muy de pensar que nuestro primer espectador es la gente de Chile, la gente de Latinoamérica, la gente que habla el mismo lenguaje.

Siempre he dicho que en mis trabajos hay ciertas temáticas sociales y políticas, como el antifascismo, el antirracismo, decirle no a la discriminación, que a mí me interesa seguir plasmando, tal vez de forma directa o no, pero que estén ahí.

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Un filme hablado en ‘chileno’

Uno de los aspectos más interesantes de Matapanki es que le huye al español plano sin inflexiones regionales, que defienden ciertas productoras con el argumento de captar mayores audiencias.

“Creo que quitarle la manera en que hablamos los chilenos es no solamente autocensurarte, sino también quitarles una herramienta más a tus actores. Dentro de Chile tenemos formas de hablar diferentes según las regiones. Entonces, siento que se trata de una representación social que es necesario tener”, nos explica Diego al respecto.

“Yo no veo una película mexicana, ecuatoriana o boliviana esperando que su lenguaje suene neutro. Quiero escuchar los tonos, saber de qué manera hablan, sus modismos”, añade.

Lo que debes saber

• Mattú Arú une música amazónica y electrónica desde Manta y Macas
  
• Byron Pelaes trabaja con cantos shuar y achuar en su proyecto musical
  
• El EP Ritos de la Selva conecta Amazonía, visuales y sonido en vivo

Los cantos de las culturas shuar y achuar, la electrónica y el arte visual se cruzan en Mattú Arú, proyecto de Byron Pelaes que crea un puente sonoro con la Amazonía. Con base entre Manta y Macas, la propuesta explora la relación entre territorio, memoria y música.

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La música amazónica llegó a Byron Pelaes con el asombro de un niño. Llegó como una puerta hacia un mundo que todavía no conocía. El artista nacido en Cuenca y criado entre los paisajes de Paute tenía 8 años cuando viajó por primera vez a la Amazonía. Macas fue el punto de entrada.

Luego vinieron la selva, las comunidades achuar, los traslados en avioneta y una forma de vida que le mostró otra relación con el territorio, la comida, la naturaleza, el sonido y la identidad.

Esa primera visita marcó su camino. Mientras otros niños esperaban las vacaciones para ir a la playa, él volvía a la Amazonía. Más tarde decidió mudarse a Macas, donde el entorno se convirtió en una escuela. Allí no solo observó un paisaje: empezó a entender una cultura con códigos, símbolos y cantos. Esa memoria es hoy la raíz de Mattú Arú, el proyecto musical que lidera y que actualmente tiene base entre Manta y Macas.

Mattú Arú nace de una pregunta artística y cultural: ¿cómo puede dialogar la música amazónica con los lenguajes contemporáneos sin perder respeto por su origen?

La respuesta está en la arutrónica, concepto que el proyecto usa para definir su cruce entre electrónica de club, música en vivo, visuales, cantos shuar y achuar, ritmos afro, disco funk e indie dance. No se trata de tomar los sonidos de la selva y llevarlos a una pista, sino de construir un puente desde la colaboración, la escucha y la interpretación.

En ese proceso, los nampet, cantos vinculados a la celebración y la vida social, ocupan un lugar clave. Byron distingue esos cantos de los anent, asociados a lo ceremonial y lo sagrado, que no forman parte de su experimentación por respeto a su sentido cultural. Esa decisión marca una postura: la Amazonía no aparece como decorado, sino como territorio con memoria.

Su EP Ritos de la Selva condensa esa búsqueda. Las canciones trabajan frecuencias bajas, sintetizadores, percusión, rap shuar y paisajes sonoros pensados para una experiencia de escucha. En escena, Mattú Arú no funciona como un DJ set, sino como un live act donde cada presentación se arma en tiempo real con hardware, loops, improvisación y visuales.

Para Byron Pelaes, el arte es una forma de volver a mirar lo que Ecuador suele dejar en los márgenes. Su proyecto convierte la pista en un espacio de escucha y propone una lectura de la música amazónica: no como pasado detenido, sino como una fuerza que dialoga con el presente.

La ética de escuchar

Uno de los puntos centrales de Mattú Arú está en la forma en que se relaciona con los cantos amazónicos. Byron Pelaes distingue entre los nampet y los anent, dos universos que no ocupan el mismo lugar en las culturas shuar y achuar.

Los nampet están vinculados a la celebración, a la vida social y a formas de canto que pueden dialogar con una propuesta musical contemporánea. Los anent, en cambio, tienen un carácter ceremonial y espiritual.

Esa diferencia no es menor. Para el artista, trabajar con música amazónica implica reconocer límites. Por eso, Mattú Arú no toma los cantos sagrados como material de experimentación. Su propuesta se concentra en los nampet y en procesos de reinterpretación hechos junto a artistas de las comunidades. La intención no es extraer un sonido, manipularlo y presentarlo como propio, sino madurar una idea en conjunto.

Byron explica que incluso cuando se han realizado registros de ambiente o visitas a comunidades, esos materiales no se usan de forma automática. El acceso a esos espacios requiere cuidado, autorización y respeto. Esa postura separa al proyecto de una mirada extractiva sobre la Amazonía.

Mattú Arú no busca decorar la electrónica con sonidos indígenas. Su objetivo es amplificar lenguajes que ya existen y ponerlos en diálogo con sintetizadores, frecuencias bajas, loops y visuales.

Ahí aparece la importancia cultural del proyecto. En un país donde muchas veces la Amazonía ha sido vista desde fuera, Mattú Arú propone escucharla desde su complejidad: como territorio, memoria, música y sistema de conocimiento. La pista de baile, en este caso, también puede ser un espacio de reconocimiento.

Bogotá, el club y la física del sonido

La ruta de Mattú Arú también pasó por Colombia. Byron Pelaes, de 33 años, viajó a Bogotá para estudiar música y profundizar en herramientas que le permitieran entender mejor el sonido.

Primero se formó como músico de sesión, pero en el proceso descubrió que su interés iba más allá de tocar o grabar canciones. Le atraía comprender cómo se comporta el sonido, cómo se construye una experiencia en vivo y de qué manera la técnica puede alterar la percepción del oyente.

Esa inquietud lo llevó hacia la producción de eventos en vivo y a una búsqueda ligada a la física del sonido. Allí comenzó a aparecer una idea clave para Mattú Arú: la música no solo como composición, sino como espacio. No bastaba con crear una canción. También había que pensar cómo esa canción se movía, cómo golpeaba el cuerpo, cómo rodeaba al público y cómo podía habitar un escenario.

En Bogotá también se encontró con la música de club desde otro lugar. Él venía de escuchar música alternativa, rock, ska y propuestas con crítica social. La electrónica, en cambio, la asociaba más al universo del DJ. Esa percepción cambió al entrar en contacto con proyectos como Mitú, que trabajaban el sonido en vivo, los recursos culturales y la electrónica desde una mirada latinoamericana.

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Ese descubrimiento fue determinante. Byron entendió que era posible tomar una raíz territorial y llevarla hacia un lenguaje contemporáneo sin convertirla en adorno. La pista de baile podía ser también un laboratorio cultural.

De esa mezcla entre formación técnica, música de club y memoria amazónica empezó a tomar forma la arutrónica, el lenguaje con el que Mattú Arú busca unir tradición, cuerpo, tecnología y puesta en escena.

Lo que se sabe

• La edición XII del Festival de Cine de Guayaquil será la más amplia con diez días de programación, del 13 al 22 de agosto de 2026
• Se proyectarán, de forma gratuita, más de 84 películas de 30 países
• La sala de cine MZ14, de la UArtes, será la sede principal

Guayaquil se alista para la edición XII del Festival Internacional de Cine que lleva su nombre y que tendrá cerca de producciones nacionales e internacionales, entre las que destacan las del cine ecuatoriano.

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"La programación 2026 buscará, una vez más, convertir a Guayaquil en un punto de convergencia para el cine, la creación y la conversación en torno al audiovisual contemporáneo", destacó la organización.

"La ampliación a diez días responde a la necesidad de abrir más espacios para el encuentro entre películas, realizadores y públicos, y de seguir consolidando a Guayaquil como un punto de exhibición, reflexión y formación cinematográfica", indicó Marlon Freire, director del Festival.

Producción nacional destaca en el Festival de Cine

La organización del Festival resaltó que "Ecuador encabeza la Selección Oficial con 31 trabajos, incluyendo coproducciones, seguido por España con 7 películas, mientras que Argentina, Colombia y México participan con 5 títulos cada uno".

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¿Qué películas se proyectarán?

La organización del Festival de Cine de Guayaquil indicó que la programación reunirá largometrajes y cortometrajes de ficción, documentales, animación y propuestas experimentales del cine ecuatoriano, iberoamericano y mundial.

Algunas de las producciones anunciadas, son:

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