Lo que debes saber

• Atraviesa una nueva etapa como solista con el lanzamiento de Alégrame la vida, un tema de pop tropical.
• Actualmente también forma parte de La Barca, donde trabaja como cantante, compositor y director artístico, además de apoyar a nuevos talentos.
• Comenta sobre su parentesco con Patricia González, prima hermana de su padre, y destaca los consejos que ella le ha dado a lo largo de su trayectoria.

El cantante y compositor Gianpiero (36) acaba de presentarse junto a Mar Rendón en Plaza Guayarte. El artista también lanzó Alégrame la vida, una canción de pop tropical.

Sus primeros pasos en la música los dio con el grupo La 4ta, que tocaba en bares y fiestas. Es sobrino en segundo grado de Patricia González y actualmente forma parte del equipo de La Barca, antes Borkis Entertainment, de Jorge Luis Bohórquez.

¿Desde cuándo conoce a Mar Rendón y cómo surgió esa amistad?

Nos conocemos desde que su carrera era apenas un sueño, un plan. He visto todo ese proceso y me alegra mucho verla crecer. En ese concierto me hizo sentir parte de su alegría y eso lo valoro muchísimo.

Ahora está enfocado en su carrera como solista. ¿Qué está preparando?

Recién presenté Alégrame la vida, un pop tropical, y estoy muy feliz con la aceptación que ha tenido. Antes lancé Solamente mía, un tributo a Fonseca, y esa canción me permitió conocerlo. 

Fui a uno de sus shows y, después de escucharla, me dijo que ese tema era mío. Es el éxito más grande de mi catálogo hasta ahora. Lo escribí y produje yo. Fonseca fue una de mis grandes influencias, al igual que Bacilos y Carlos Vives.

Música con propósito en La Barca

Además de su faceta como cantante y compositor, ¿qué papel desempeña en La Barca?

En La Barca hacemos música con propósito. Soy compositor y cantante, a veces interpreto alguno de mis temas o de Jorge Luis en los shows. Son canciones que buscan dejar un mensaje, generar una reflexión. Hace poco canté Tú me vas sanando en un concierto de Los Padrecitos. Es una canción escrita por Jorge Luis Bohórquez y popularizada por Jorge Luis del Hierro. 

También, en algunas ocasiones, estoy detrás del escenario como director artístico.

¿También está involucrado en la formación de nuevos talentos?

En La Barca se ha formado una agrupación joven llamada La Barca Music Group. Son chicos que todavía están en el nido. A finales de este año o a inicios de 2027 lanzarán su primera canción. Los estoy apoyando en la composición y en la dirección artística. Es bonito acompañarlos en ese proceso y ver cómo van encontrando su propio camino.

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Jorge Luis Bohórquez ha sido una especie de padrino musical en su carrera. ¿Qué ha significado su apoyo?

Yo empecé cantando con La 4ta en bares, bodas y fiestas en casas. Después di el paso como solista. Me preparé con Jorge Luis hasta que lancé mi primer sencillo, Serena, con Borkis Entertainment. Ese tema cambió mi vida y mi carrera. 

En ese entonces tenía 28 años. Para mí hay un antes y un después de Serena. Le tengo muchísimo cariño a Jorge Luis por todo lo que ha significado en mi camino musical.

Después de varios años de trayectoria, ¿cómo siente que ha evolucionado como artista?

Sigo siendo el mismo en esencia, pero musicalmente continúo evolucionando. Tengo la mente y el corazón abiertos porque en esta carrera nunca se deja de aprender. Cada canción, cada escenario y cada experiencia te dejan algo.

La Barca suele cerrar el año con sus tradicionales conciertos navideños. ¿Ya están preparando los de 2026?

Ya estamos preparando los shows Alégrate. Uno será el 21 y el otro el 22 de diciembre, en el Teatro Centro de Arte. Todavía estamos definiendo a los cantantes que participarán. Maykel es uno de los invitados habituales; es parte de la casa. Seguramente tendremos algunas sorpresas más.

"Mi tía es muy cruda para dar consejos"

Pocos conocen que usted es sobrino en segundo grado de Patricia González. ¿Cómo es su relación con ella?

Ella es prima hermana de mi papá, Alfredo Zunino González. No nos vemos tan seguido, mi familia es muy grande. Los únicos artistas somos ella y yo. Mi abuela, Coralia González, también cantaba, aunque nunca lo hizo profesionalmente. Con mi tía siempre ha existido una gran afinidad por la música. Hace poco tuvimos la oportunidad de estar juntos como invitados en Cocinando con Mariela Viteri, y fue bonito compartir ese momento.

¿Qué pasó después de que el público los vio juntos? ¿Hubo sorpresa por conocer ese parentesco?

Mucha gente nos vio y los comentarios han sido muy positivos. Nuestra relación familiar no es algo que se haya difundido ni que hayamos hecho público. Ella ha construido una carrera muy respetable y, de alguna manera, también se trata de respetar ese camino.

¿Cree que mantener ese vínculo en un segundo plano también les ha permitido evitar comparaciones?

Yo quiero construir mi propia carrera y no agarrarme de algo que ya está construido. Creo que es lo mejor. Ahora somos más unidos que antes, porque hablamos el mismo idioma y entendemos los sacrificios que implica este oficio.

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¿Qué tanto han influido sus consejos en su carrera musical?

Ella es muy cruda para dar consejos, pero tiene toda la razón. Me ha dicho: ‘Si nadie te va a escuchar, no cantes; si el sonido no es bueno, no cantes; si hacen bulla, no cantes’. A veces, por ser complacientes o porque estamos empezando, aceptamos situaciones que no deberíamos permitir. 

Eso termina influyendo en el resultado. Siempre tengo presentes sus consejos. Por ejemplo, a ella no le gusta que suenen los teléfonos celulares durante un show. Lo considera una falta de educación y de respeto hacia el artista y hacia quienes están disfrutando del espectáculo.

¿Cómo ha sido compartir el escenario con una artista a la que admira tanto?

Me ha invitado un par de veces a sus shows y he tenido ese honor. También cantamos juntos durante la pandemia: ella desde su casa y yo desde la mía. Es imposible no admirarla, tanto abajo como arriba del escenario. 

Para mí es como una maestría. Tiene un gran manejo escénico, es natural, buena conversadora y entiende muy bien la industria. La primera vez que cantamos juntos, lógicamente sentí nervios. Quería estar a la altura y responder a ese momento. Sería increíble grabar un tema con ella.

“Mi carrera sigue en crecimiento"

¿Qué proyectos tiene pendientes para lo que resta de 2026?

Quiero lanzar una canción más o, tal vez, un par de temas. Quizás me dé tiempo para presentar uno navideño. Son canciones escritas por Jorge Luis y por mí.

¿Cómo se visualiza de aquí a cinco años?

Es una pregunta difícil porque la última vez que traté de responderla nos tocó vivir una pandemia. Deseo seguir cantando en Ecuador, porque creo que mi carrera todavía está en una etapa de descubrimiento y aprendizaje. Los nuevos temas han permitido que me escuchen en países vecinos. 

Con la ventaja de las redes sociales, se puede llegar tanto al público local como al exterior con mucha fuerza. Me encanta cantar en mi país y quisiera hacerlo más, porque es donde mejor me siento. Acabo de terminar una gira que incluyó ocho shows.

Muchos artistas tienen entre sus metas proyectarse internacionalmente. ¿Es algo que también le gustaría?

Lo he considerado, pero más que nada por seguridad. En Ecuador es donde más feliz me siento.

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“Mi último día en el set como Emily…”, escribió Collins en Instagram, acompañando sus palabras con fotografías tomadas durante el cierre del rodaje de la serie. La actriz aseguró que le resulta difícil encontrar las palabras para describir lo que significó este recorrido y reconoció que Emily formó parte de su vida durante años.

Collins agradeció especialmente al creador de la producción, Darren Star, por haber confiado en ella para interpretar a la protagonista, así como al equipo de producción, guionistas, directores y elenco.

“Esto me ha cambiado para siempre”, escribió la actriz hacia el final de su mensaje, antes de despedirse definitivamente de su personaje con una frase que resume el momento: “Au revoir, Emily Cooper…”.

¿Cuándo se estrena la temporada final de ‘Emily in Paris’?

La despedida de Collins ocurre pocas semanas antes de que los seguidores puedan conocer el desenlace de la historia. La sexta temporada de Emily in Paris se estrenará en Netflix el 24 de diciembre de 2026 y será la última entrega de la serie. Netflix confirmó que esta temporada pondrá punto final a la aventura de Emily Cooper.

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La producción comenzó su recorrido final en Grecia, continuará por Mónaco y también regresará a París. De acuerdo con Netflix, la protagonista volverá a enfrentarse a decisiones relacionadas con su vida personal y profesional después de los acontecimientos de la quinta temporada.

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Al cierre de la quinta temporada, Emily terminó su relación con Marcello Muratori, interpretado por Eugenio Franceschini, y regresó a París. Mientras tanto, Gabriel, personaje interpretado por Lucas Bravo, recibe la noticia y le envía una postal invitándola a reunirse con él en Grecia.

La sexta temporada retomará precisamente esa historia y llevará a Emily a nuevos escenarios europeos, aunque París continuará siendo un elemento central de la producción.

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Entre los actores que regresan están Ashley Park, Lucas Bravo, Philippine Leroy-Beaulieu, Lucien Laviscount, Samuel Arnold, William Abadie y Paul Forman, junto con Collins como protagonista.

Así, el mensaje de Lily Collins marca oficialmente el final del rodaje de una serie que comenzó a filmarse hace siete años y que llegó a Netflix en 2020. Ahora, el público tendrá que esperar hasta Nochebuena, el 24 de diciembre, para acompañar a Emily Cooper en su última aventura.

Lo que se sabe 

• Fecha de estreno: llegará a los cines de Ecuador el 1 de octubre de 2026.
• Historia: dos amigas quedan atrapadas en una isla fantástica donde podrían perder los recuerdos de su amistad.
• Inspiración: la película incorpora elementos de la mitología filipina y combina animación 3D, 2D y recursos visuales del manga.

¿Qué estarías dispuesto a sacrificar para regresar a casa? Esa es la pregunta que plantea La Isla Olvidada, la nueva película de DreamWorks Animation que llegará a los cines de Ecuador el 1 de octubre de 2026. 

La historia sigue a dos amigas que se enfrentan a una amenaza inesperada: para encontrar el camino de regreso, podrían perder los recuerdos que construyeron juntas durante años.

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La historia comienza con Jo y Raissa, amigas desde la infancia que están a punto de separarse después de terminar la preparatoria. 

Durante su última noche juntas, ambas encuentran un portal que las lleva hasta Nakali, un territorio fantástico inspirado en la mitología filipina y poblado por criaturas extraordinarias.

Lo que parecía una aventura se transforma en una carrera contra el tiempo cuando descubren cuál será el costo de abandonar la isla.

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La película combina animación generada por computadora con secuencias dibujadas a mano y recursos visuales inspirados en el manga y el anime, mientras incorpora elementos de la cultura y mitología filipina en los personajes y criaturas de Nakali.

La cinta está dirigida y escrita por Joel Crawford y Januel P. Mercado, quienes participaron en El Gato con Botas: El último deseo.

La cantante, de 33 años, abordó el tema durante una entrevista con Zane Lowe, publicada el 17 de septiembre. Sus declaraciones rápidamente comenzaron a circular en redes sociales y provocaron reacciones encontradas entre sus fanáticos.

Cyrus se refirió a la demanda de entradas que tuvieron sus presentaciones en el Hollywood Bowl y planteó una alternativa a trasladarse de ciudad en ciudad para ofrecer conciertos.

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“Sé que por la demanda de entradas del Hollywood Bowl, mis cálculos son correctos y la gente vendrá hasta mí. No necesito ir hasta ellas. Esos shows fueron solo una prueba. Esto es perfecto porque la gente quiere verme actuar y yo quiero dormir en mi cama, así que todo el mundo queda feliz”.

La frase “la gente vendrá hasta mí” fue precisamente una de las que provocó mayor discusión.

Fans cuestionan que Miley Cyrus no quiera salir de gira

En X aparecieron críticas de seguidores de distintas partes del mundo. Algunas cuentas calificaron sus palabras como “elitistas”, al considerar que viajar hasta Estados Unidos para asistir a un concierto no es una posibilidad para todos sus fanáticos.

La cuenta brasileña POPTime (@poptime), dedicada a información sobre cultura popular y con cerca de un millón de seguidores, se hizo eco de la controversia.

Otra cuenta dedicada a Miley Cyrus (@Kaqui_) cuestionó la idea desde las dificultades que supone para los seguidores internacionales viajar a Estados Unidos: “No todos los fans tienen visa americana, la mayoría incluso tienen prohibido el ingreso, no todos los fans tienen el dinero necesario para viajar, no todos los fans pueden viajar”.

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Las reacciones fueron especialmente visibles entre usuarios brasileños, que reclamaron la posibilidad de volver a verla fuera de Estados Unidos.

Miley Cyrus explica el impacto de las giras en su salud

Pero las declaraciones de Cyrus durante la entrevista fueron más amplias que la frase que se viralizó.

La cantante también explicó por qué no quiere volver al ritmo de una gira tradicional. Aunque reconoció que la rutina que implica estar de tour puede ayudarla con su sobriedad, habló también del desgaste físico que supone mantener ese estilo de vida.

Cyrus mencionó declaraciones recientes de Charli XCX sobre el precio que el cuerpo puede pagar durante una gira y comparó su situación actual con la de sus primeros años de carrera.

Según explicó, cuando era más joven podía adaptar prácticamente toda su vida al calendario de conciertos. A los 33 años, asegura que ya no quiere someterse nuevamente a ese ritmo.

En Reddit, los fans se dividen por la decisión de Miley Cyrus

La discusión tuvo un tono diferente en Reddit. Mientras en X abundaron las críticas, en la comunidad dedicada a Miley Cyrus aparecieron seguidores que defendieron que la cantante priorice su salud y su voz.

Otros, en cambio, expresaron su frustración por el tiempo que ha pasado desde que realizó una gira.

El debate refleja las dos posiciones que dejaron sus declaraciones: quienes consideran legítimo que Cyrus establezca límites después de años de carrera y quienes cuestionan que la alternativa sea que sus seguidores tengan que viajar para verla.

La propia artista, por ahora, parece tener clara su prioridad: seguir actuando, pero sin convertir nuevamente su vida en una gira permanente.

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Miley fue comparada con Dua Lipa 

Dentro de toda la controversia generada en las plataformas digitales, Miley Cyrus fue comparada con Dua Lipa, ya que apenas el año pasado la cantante inglesa cerraba su tour después de 81 fechas en Asia, Oceanía, Europa, Norteamérica y Latinoamérica. Allí, la cantante deleitó a sus fanáticos con covers de canciones icónicas de cada país que visitó, cantando así en distintos idiomas.

Lo que debes saber

• Siddharth Jawahar recibió 11 años de prisión.
• El estafador se declaró culpable en enero pasado. 
• Jawahar tomó más de $35 millones de Swiftarc y solo invirtió cerca de $10 millones.

El jugador de football americano Travis Kelce, esposo de Taylor Swift, estuvo entre los inversores afectados por un esquema Ponzi. El asesor financiero Siddharth Jawahar fue condenado en Misuri a 11 años de prisión y al pago de $31,35 millones.

En el tribunal, fiscales mencionaron el nombre de Kelce como una de las víctimas de esta trama sin dar detalles de su inversión, según la estación de televisión estadounidense KMOV.

Jawahar, de 38 años, fue cofundador y socio gerente de Swiftarc Capital, con sede en Texas, cuyos inversores incluían a Kelce.

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Más de 35 millones de dólares recibidos de Swiftarc

El tribunal señaló que Jawahar tomó más de $35 millones de Swiftarc pero solo invirtió alrededor de $10 millones entre julio de 2016 y diciembre de 2023.

Una parte del capital fue gastado en jets privados, hoteles y apartamentos de lujo en Texas y Nueva York, ropa, comidas y membresías en clubes privados.

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Jawahar se declaró culpable

En enero Jawahar se declaró culpable de tres cargos de fraude por medios electrónicos.

Según documentos judiciales, Jawahar es ciudadano indio y se encontraba de forma irregular en Estados Unidos desde 2005.

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Ahora, al cumplir una década de trayectoria como solista, el cantante, compositor y productor dominicano comparte por primera vez una canción con una de las figuras que más ha admirado y que ha marcado su camino musical.

El resultado es Nieve en Verano, un merengue que toma como punto de partida una imagen improbable: que nieve durante la época más calurosa del año. La canción traslada esa contradicción a una historia de amor que desafía la lógica y que, para Cruz, terminó funcionando también como metáfora de su propio presente. 

“Es el vivo ejemplo de que no hay nada imposible bajo el cielo, que es precisamente de lo que habla el tema”, explica.

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La colaboración tiene además un componente personal para el músico dominicano. “Todavía me cuesta encontrar palabras para describir lo que significa este momento para mí”, reconoce Cruz, quien asegura que detrás de su carrera permanece “aquel niño que creció escuchando, admirando y amando las canciones de Juan Luis Guerra”. 

“Poder mirarlo hoy a mi lado y decir que hicimos una canción juntos —y no cualquier canción, sino un merengue— es algo que todavía estoy procesando”, cuenta.

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Juan Luis Guerra también se refirió al encuentro y al lugar que Cruz ha construido dentro del género. “Siempre recibí con mucha alegría y con mucho cariño el trabajar con Manny, sabiendo lo buen artista que es y lo mucho que representa para el merengue en República Dominicana”, señaló.

El sencillo está acompañado por un videoclip protagonizado por Guerra y Cruz, que vio la luz el viernes 18 de septiembre.

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Esa historia es el punto de partida de El tiempo del agua, la nueva exposición permanente de Yaku Parque Museo del Agua.

La muestra, desarrollada junto con la Empresa Pública Metropolitana de Agua Potable y Saneamiento (EPMAPS), fue inaugurada en el marco de los 20 años del museo y los 66 años de la empresa municipal. 

A través de mapas, videos, objetos e instalaciones interactivas, el recorrido aborda cerca de cinco siglos de relaciones entre Quito, sus habitantes y el agua, combinando perspectivas históricas, culturales y científicas.

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Una historia de transformación y resistencia

El recorrido comienza antes de la consolidación de la ciudad actual, con las sociedades que habitaron la hoya de Quito y las formas en que comprendieron y utilizaron este recurso. Desde la concepción andina del agua como un ser vivo y sagrado, la exposición avanza hacia los sistemas que durante distintas épocas permitieron abastecer a la población. Fuentes, acequias, aljibes y aguateros aparecen como rastros de una ciudad cuya relación con el agua cambió al mismo tiempo que crecía y modificaba su territorio.

La expansión urbana durante el siglo XX trajo consigo nuevas necesidades y obras de infraestructura. El tiempo del agua se detiene entonces en una parte del sistema que permanece fuera de la vista de la mayoría de habitantes: el trayecto que comienza en los páramos y otros ecosistemas altoandinos y continúa por sistemas de captación, plantas de tratamiento, estaciones de bombeo, tanques, canales y redes de distribución antes de terminar en los hogares.

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La exposición también incorpora a quienes intervienen en ese proceso. Técnicos, operadores, especialistas, trabajadores y comunidades forman parte de una cadena vinculada tanto al abastecimiento como a la conservación de las fuentes hídricas.

El último tramo dirige la mirada hacia los próximos años. El crecimiento urbano, el cambio climático y la presión sobre las fuentes hídricas plantean preguntas sobre la disponibilidad y el acceso al agua, así como sobre la conservación de los ecosistemas y las decisiones públicas y cotidianas relacionadas con su manejo

El tiempo del agua se puede visitar en de martes a viernes de 08:00 a 16:30 y los fines de semana y feriados de 09:00 a 17:30. La entrada cuesta $ 4 para adultos y $2 para estudiantes y niños.

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El proyecto piloto es impulsado por la Red ECA (Espacios Culturales Alternativos), en colaboración con el Instituto de Cine y la Creación Audiovisual (ICCA). En esta edición participarán Piso 11, Atelier Mayorga, Casa del Mango y el Instituto Cultural Nuestra América (ICNA)

La elección de espacios alternativos responde a uno de los ejes de la iniciativa: aprovechar infraestructuras culturales que ya funcionan en sectores urbanos y acercar las películas a otros públicos. 

Conoce la agenda

"La intención es construir, poco a poco, una red de espacios conectados por la circulación cultural artística: cine, performances, literatura, muestras, encuentros, y más en lugares diferentes entre sí, pero unidos por la voluntad de gestionar experiencias, abrir sus puertas y generar nuevas formas de encuentro con el público", explica Federico Koelle gestor y productor de este primer circuito y director de Remache Gestora Audiovisual.

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El recorrido comenzará el lunes 21 de septiembre en Piso 11, con Lo invisible (2021), dirigida por Javier Andrade. El martes 22, Atelier Mayorga proyectará La piel pulpo (2022), de Ana Cristina Barragán. Lo invisible volverá a exhibirse el miércoles 23 en Casa del Mango, mientras que el jueves 24 el circuito cerrará su programación mensual en el ICNA con una nueva función de La piel pulpo. Todas las proyecciones están previstas para las 18:30.

Circuito Fílmico se extenderá hasta finales de 2026 y cada mes incorporará nuevos espacios culturales alternativos de la ciudad. 

Lo que debes saber

• Rubén Blades se presentará el 14 de noviembre de 2026 en Guayaquil.
  
• El concierto será en el Coliseo Voltaire Paladines Polo.
  
• La presentación forma parte de Fotografía Tour, su gira de despedida de los escenarios.

Hay canciones que dejaron de ser únicamente canciones. En el caso de Rubén Blades, algunas se convirtieron en relatos sobre la ciudad, las relaciones humanas, las decisiones y las desigualdades. Ahora, después de seis décadas de carrera, el músico panameño prepara su despedida de los escenarios.

Blades regresará a Ecuador como parte de Fotografía Tour, la gira con la que recorre distintos países antes de retirarse de las presentaciones en vivo. Su próxima parada en el país será Guayaquil.

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¿Cuándo será el concierto de Rubén Blades en Ecuador?

La presentación está prevista para el sábado 14 de noviembre de 2026, en el Coliseo Voltaire Paladines Polo, en Guayaquil.

El espectáculo forma parte de la gira que el artista realiza junto a la banda de Roberto Delgado, agrupación con la que continuará sus presentaciones hasta 2027.

Por ahora, las entradas para el concierto de Rubén Blades en Guayaquil todavía no están disponibles. La organización anunció que los precios, localidades y detalles de venta serán comunicados próximamente a través de Ticket Show.

Una gira que marca el cierre de una etapa

El recorrido de Fotografía Tour comenzó en Lima, Perú, y posteriormente pasó por Chile y distintos países europeos, entre ellos Italia, Suiza, Reino Unido, Alemania y Francia.

El objetivo de la gira es cerrar una etapa de aproximadamente 60 años de actividad musical. Blades, sin embargo, ha dejado abierta la posibilidad de continuar vinculado a la música durante algún tiempo más.

El cantante, compositor, músico, actor, abogado, político y activista panameño, de 78 años, no descarta permanecer en la actividad musical "un par de años más", según señaló al anunciar su retiro de los escenarios.

Rubén Blades prepara su regreso a Panamá

La despedida de los escenarios no significa el final de las actividades del artista. La agenda de Blades también contempla proyectos relacionados con la literatura, el cine y la música.

La gira junto a Roberto Delgado se extenderá hasta 2027. Después de ese recorrido, el artista tiene previsto establecerse nuevamente en Panamá, su país natal. Su expectativa es estar radicado allí para 2028.

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Rubén Blades, una figura de la salsa

Blades alcanzó notoriedad en la escena salsera de Nueva York durante la década de 1970 y se convirtió en una de las figuras que ampliaron los temas abordados por este género.

Su música incorporó historias y conflictos sociales a las estructuras de la salsa. Entre sus canciones más conocidas están 'Pedro Navaja', 'Amor y Control' y 'Decisiones'.

Uno de los momentos centrales de su carrera llegó con Siembra, el álbum que grabó junto al salsero Willie Colón. El disco incluyó 'Pedro Navaja', una de sus canciones más reconocidas, que actualmente supera los 207 millones de reproducciones en Spotify.

La vigencia de su obra también se refleja en las plataformas digitales. Blades registra cerca de cinco millones de oyentes mensuales en Spotify y alrededor de 7,55 millones de usuarios en Music YouTube.

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Parte de ese lenguaje llega ahora a Guayaquil con Zzzwap!, su primera exposición en la ciudad.

Formada en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, Brunet ha trabajado con pintura, gráfica, serigrafía, textiles y cerámica. Su producción ha circulado dentro y fuera de México y forma parte de colecciones institucionales como las del Museo de Arte Latinoamericano de Los Ángeles, el Museo de San Diego, el Museo de Brooklyn y la Colección FEMSA. 

A través de esos distintos soportes ha regresado de manera recurrente al cuerpo femenino, el deseo y la libertad. En Zzzwap!, esas preocupaciones aparecen vinculadas a uno de los elementos centrales de su trabajo: el color. Animales, flores y otras formas orgánicas se cruzan con referencias provenientes del cómic y con composiciones abstractas.

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Una exploración constante

La muestra se inauguró en la Galería Casa del Barrio, en la vía a Samborondón, y reúne alrededor de diez obras

El artista mexicano Víctor Rodríguez encuentra en la convivencia de las obras de la artista una tensión que ha acompañado durante años la producción de Brunet. 

Por un lado, escribe, está “el color, que apela inocentemente a nuestros sentidos”; por otro, aparecen formas “agresivas, orgánicas y animales” que alteran esa primera impresión.

Rodríguez conoció a Brunet en un momento en que, recuerda, la pintura era considerada por ciertos sectores del mundo del arte como un lenguaje pasado de moda y las creadoras todavía eran colocadas con frecuencia en una categoría separada de sus colegas hombres. 

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Desde entonces, señala, ha observado el desarrollo de una obra asentada en referencias de la cultura mexicana y en una exploración que no ha abandonado la pintura, incluso mientras se extendía hacia otros medios. Esa continuidad, sostiene, ha permitido que su lenguaje se transforme a la par de su trayectoria.

La exposición puede visitarse hasta el 22 de octubre en el espacio cultural, ubicado en la calle La Moderna 5-6, vía a Samborondón. La entrada es gratuita.

Arte, sin tapujos ni remilgos

• Aprendíz sucio. Calle caballete, la retrospectiva de Ralex en el Centro Cultural Metropolitano de Quito, reúne cerca de dos décadas de producción entre pintura, dibujo e intervención urbana para recorrer su mirada sobre la ciudad, la memoria, el humor, la violencia y la política.
• Curada por María Fernanda “Mafo” López, la muestra reconstruye también las transformaciones del arte urbano quiteño desde los años 2000 y el tránsito de una práctica nacida en la calle hacia los espacios institucionales.

Un hombre cuelga en medio de una habitación amarilla. Lleva camiseta, pantalón corto y zapatos rojos. Su cuerpo, construido con piezas de cartón, permanece suspendido frente a una pared tomada por palabras escritas a mano: “pata sucia”, “aprendiz”, “bohemio”, “punkero”, “maestro”, “patán”, “muralista”.

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Algunas quedan parcialmente ocultas detrás de la figura; otras se desparraman por las paredes. Debajo, en una vitrina llena de pequeñas piedras, libretas abiertas, dibujos, objetos y retratos conservan los rastros de una producción que se ha acumulado, casi compulsivamente, durante dos décadas.

La instalación ocupa un lugar central en Aprendíz sucio. Calle caballete, la retrospectiva de Alex Tapia, conocido como Ralex, que se exhibe en el Centro Cultural Metropolitano de Quito.

A pocos pasos, la escala y el tono cambian. De la gran instalación se pasa a lo mínimo: una pared poblada de pequeños lienzos que condensan distintas miradas sobre el mundo. En uno de ellos, una acuarela reproduce una vieja puerta azul, de pintura desgastada y ladrillos expuestos. Sobre ella, un cartel improvisado advierte: “Cerrado por vacunas”. Más adelante, sobre un fondo celeste, Juan Pueblo levanta las manos mientras, desde un costado, una pistola apunta hacia su cabeza.

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Aunque las escenas parecen distantes entre sí, comparten un mismo punto de partida: observar lo que sucede afuera, recogerlo y devolverlo convertido en arte, y también en indagación.

Ralex lleva alrededor de dos décadas trabajando a partir de esa observación de la ciudad y de quienes la habitan. Artista visual autodidacta, nacido en 1984, su producción se ha desplazado entre la pintura, el dibujo y la intervención urbana. Fue además uno de los fundadores de Los Fenómenos, colectivo surgido en el contexto de expansión del arte urbano quiteño durante los primeros años de los 2000.

Un rompecabezas de trazos y memoria

Reunir ese volumen de trabajo en cuatro salas implicó renunciar a contar su trayectoria como una sucesión ordenada de fechas. María Fernanda “Mafo” López, curadora de la muestra, revisó obras conservadas durante años en la casa del artista en Sangolquí y decidió organizarlas a partir de temas, recurrencias y relaciones visuales.

Ralex lo describe como un rompecabezas antes que como una cronología. “Es una retrospectiva sin un tiempo anclado. Es más bien un rompecabezas cromático, de trazos, de sensaciones. Eso fue lo más complejo, tratar de armar un hilo conductor, pero sí se logró; la pintura tiene esa posibilidad, el color y la mancha”.

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De esa revisión surgieron núcleos como Gráfica necia, Escenas batracias, Momentos chéveres y Desde Sangolquí con amor por los que transcurre la exposición. En ellos conviven autorretratos, apuntes, personajes callejeros, humor, sátira, referencias políticas y escenas tomadas de lo noticioso. La museografía acompaña ese recorrido y, por momentos, abandona la disposición convencional: hay obras suspendidas del techo, palabras escritas directamente sobre los muros y materiales que trasladan al museo algo de la materialidad con la que Ralex ha trabajado fuera de él.

Pero, conforme avanza el recorrido, el humor y el color empiezan a convivir con imágenes más duras. Ese desplazamiento se vuelve evidente en Escenas batracias, donde aparecen niños y jóvenes atravesados por la violencia. López describe una operación recurrente en la obra de Ralex: “localizar lo turbio” e inyectarle “dosis inconmensurables de dulzura”, para después enfrentar al espectador con imágenes de “guambras sicarios” y niños atrapados en cruces de balas.

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Para la curadora, sin embargo, detenerse únicamente en la procedencia callejera de esas imágenes o en las anécdotas que las originaron dejaría fuera otra dimensión de la obra. “¿Por qué no hablar desde la estética, desde la plástica, desde el manejo del trazo, del rostro?”, cuestiona. “Eso es vaciarle de contenido a la propuesta creativa de Ralex, minimizar el proceso de reflexión, porque ahí hay un proceso de reflexión que golpea y que es relevante y necesario”.

Es allí donde la retrospectiva plantea una de sus preguntas hacia el presente: qué imágenes de la ciudad se conservan y cuáles quedan fuera de sus relatos. López sostiene que el artista, más que representar Quito, “la traduce desde sus propias fricciones”, haciendo entrar en la pintura aquello que circula por sus calles —el humor, la violencia, el lenguaje, la política y la vida cotidiana— y que no siempre encuentra un lugar dentro de los espacios destinados a construir memoria.

El rastro de una generación

Para López, la retrospectiva permite además volver sobre un momento de transformación del arte urbano quiteño. Entre las décadas de 1980 y 1990, recuerda, el grafiti de influencia neoyorquina había dejado su marca en distintos barrios de Quito. Con la llegada de los 2000, a las letras y al aerosol comenzaron a sumarse otras herramientas y lenguajes: brochas, acrílicos, rodillos, paste up y personajes que poco a poco ocuparon los muros de la ciudad. En ese escenario surgieron colectivos como Los Fenómenos.

La curadora ubica a Ralex dentro de ese tránsito y propone leer su trayectoria como un vínculo entre dos espacios que durante años siguieron caminos distintos: la calle y el caballete. “Lo que hicimos cuando revisamos la producción de Ralex fue darle una perspectiva historiográfica, darle un contexto sociohistórico y político”, explica. “Preferí tomar temáticas, lugares que le han movido mucho, independientemente del tiempo”.

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Esa mirada permite reconstruir también el recorrido de una práctica que nació y se desarrolló en buena medida fuera de los circuitos institucionales y que ahora ocupa el patio La Pictota del espacio cultural, ubicado en el corazón del Centro Histórico. Para López, su llegada a ese espacio plantea la posibilidad de incorporar otras trayectorias a la historia reciente de la plástica ecuatoriana.

Para el artista, volver sobre trabajos realizados muchos años atrás significó, además, reencontrarse con piezas que permanecían almacenadas y observar juntas distintas etapas de su producción. “Fue emocionante regresar al pasado. Cuando uno expone es como que se desnuda. Es chévere ver trabajos de hace tantos años. En vez de que los cuadros estén ahí con arañas, con polvo y guardados, mejor mostrar a la people y ver ahí qué onda”, cuenta.

Una muestra que tardó casi dos años

Llegar a las salas del Centro Cultural Metropolitano tomó más tiempo de lo previsto. El proceso comenzó en noviembre de 2024 y atravesó dificultades administrativas y presupuestarias que mantuvieron el proyecto detenido durante cerca de un año.

“Ha sido un esfuerzo muy grande. Estuvimos con la exposición montada y no se podía hacer nada porque ya no había presupuesto. Tenemos, por un lado, este espacio de reivindicación histórica de un referente de la plástica contemporánea ecuatoriana, que es un logo enorme, y, por otro, el atropello al trabajo, que se ha logrado hacer a cuentagotas”, señala López.

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Superados esos obstáculos y con la exposición finalmente abierta al público, el proyecto continuará activándose durante los próximos meses. Después de la inauguración se realizó un taller de paste up y el equipo prevé organizar una actividad mensual. Entre las propuestas están un conversatorio con artistas que, como Ralex, han transitado de la intervención urbana a otros espacios y soportes, y otro dedicado a las prácticas curatoriales contemporáneas.

Aprendíz sucio. Calle caballete puede visitarse de martes a domingo, de 09:00 a 16:30 hasta el 6 de diciembre. La entrada es gratuita.

Lo que debes saber

• La serie se estrenará el 16 de octubre del 2026, a través de Claro Video.
• La última película que tuvo a Jason Vorhees como protagonista salió hace más de 15 años.
• La serie se enfocará principalmente en Pamela Vorhees, la madre de Jason.

Jason Voorhees está de regreso, pero esta vez la historia comienza antes de que se convirtiera en uno de los asesinos más reconocibles del cine de terror.

A24 presentó el tráiler de Lago Crystal, una serie ambientada en el universo de Viernes 13 que funcionará como precuela de la saga. La historia se sitúa en 1971, nueve años antes de los acontecimientos de la película original, estrenada en 1980.

En el centro de la trama estará Pamela Voorhees, madre de Jason, interpretada por Linda Cardellini. La serie explorará su pasado y los acontecimientos que la llevaron por el camino que los seguidores de la franquicia ya conocen.

Creada por Brad Kane, Lago Crystal tendrá ocho episodios de aproximadamente una hora y se estrenará el próximo 16 de octubre.

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¿Qué pasó con Jason Voorhees?

La historia presenta a Pamela como una madre marcada por la aparente muerte de su hijo en Crystal Lake. Jason se habría ahogado en el lago, pero su cuerpo nunca fue encontrado.

Mientras los habitantes de la zona parecen haber dejado atrás lo ocurrido, Pamela continúa atrapada en la pérdida.

Todo cambia cuando dos desconocidos llegan a su casa para investigar aspectos de su pasado. Su aparición desencadena una serie de acontecimientos que hacen que el pueblo vuelva a preguntarse qué ocurrió realmente con Jason y quién es Pamela Voorhees.

La serie buscará así responder una de las grandes preguntas detrás de la saga: cómo comenzó la transformación de Pamela y qué ocurrió antes de la masacre de la película original.

Del universo de It a Viernes 13

Detrás del proyecto está Brad Kane, quien trabajó como showrunner y productor ejecutivo de It: Bienvenidos a Derry. En Lago Crystal asume funciones como creador, escritor, showrunner y productor ejecutivo.

A24 también incorporó como productor a Victor Miller, guionista de la película original de Viernes 13.

El proyecto lleva varios años en desarrollo. La serie fue anunciada inicialmente en 2022 con Bryan Fuller al frente, pero posteriormente cambió de dirección creativa y Kane asumió el proyecto.

El rodaje comenzó en Nueva Jersey en junio de 2025 y la producción regresó a Camp No-Be-Bo-Sco, en Blairstown, una de las locaciones utilizadas para la película original.

¿Dónde ver Lago Crystal en Ecuador?

Lago Crystal se estrenará el 16 de octubre de 2026. La primera temporada estará compuesta por ocho capítulos de aproximadamente una hora.

La serie ampliará el universo de Viernes 13 desde una perspectiva diferente: antes de Jason estuvo Pamela, y antes de la masacre hubo una historia en Crystal Lake que todavía no había sido contada.

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Dos años después, Jolie regresó al país para adoptar a su primer hijo, Maddox Chivan Jolie-Pitt. Ese vínculo también dio paso a un proyecto que, con el tiempo, se enfocaría en la conservación ambiental y el desarrollo de comunidades rurales.

Una compra de 39 hectáreas

Después de adoptar a Maddox en un orfanato local, Jolie creó una fundación que lleva el nombre de su hijo. Uno de sus primeros objetivos fue contribuir a la limpieza de minas terrestres y restos explosivos de la guerra en zonas rurales.

La actriz también adquirió 39 hectáreas de terreno en el área del bosque Samlaut Multiple Use Area. La propiedad se integró a una iniciativa más amplia de conservación en una zona considerada de gran importancia ambiental por su biodiversidad y extensa cobertura vegetal.

El bosque alcanza cerca de 61.000 hectáreas y alberga unas 30 especies de mamíferos y 140 especies de aves, además de especies vegetales que no se encuentran en otros lugares.

Del bosque de los elefantes a la conservación

El territorio fue conocido anteriormente como el “Bosque de los Cien Elefantes”. Sin embargo, la población de estos animales se vio amenazada por la caza furtiva, una de las actividades que afectaron a la fauna de la región.

Ante esta situación, el proyecto impulsado por Jolie incorporó a antiguos cazadores furtivos como guardabosques. Tras recibir capacitación, pasaron a participar en tareas de vigilancia y protección del bosque.

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La iniciativa también amplió su trabajo hacia las comunidades que viven en los alrededores. Los habitantes participan en programas de agricultura sostenible y acceso a agua potable. Además, el proyecto mantiene diez escuelas destinadas a la educación de niños y jóvenes de la zona.

Un proyecto que continúa en Camboya

En una publicación reciente, Jolie recordó la evolución del proyecto y explicó que la misión inicial de su fundación estuvo relacionada con la limpieza de minas terrestres para permitir que los habitantes pudieran volver a vivir y cultivar sus tierras.

Según la actriz, una vez que el terreno estuvo seguro, el trabajo tomó una nueva dirección. Actualmente, los guardabosques reclutados y capacitados localmente patrullan el bosque para combatir la tala ilegal y la caza furtiva.

El proyecto también contempla programas de apicultura sostenible para mujeres, una residencia estudiantil para jóvenes de aldeas remotas que buscan terminar la educación secundaria y un centro de salud destinado principalmente a madres y niños pequeños.

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Las candidatas afectadas representan a Tailandia, Indonesia, Vietnam, Malasia, Singapur y Laos. El anuncio está relacionado con los contratos de franquicia utilizados para seleccionar a las representantes de esos países y con la participación del empresario tailandés Nawat Itsaragrisil, actual director ejecutivo de Miss Universo Eastern.

¿Por qué fueron excluidas las seis candidatas?

JKN Universe LLC, entidad que opera la marca Miss Universo, sostiene que no reconoce los acuerdos de franquicia gestionados por Miss Universo Eastern Pte. Ltd. y entidades vinculadas a Nawat. Según la organización, esta estructura no contaba con autorización para otorgar, transferir o sublicenciar derechos sobre la marca.

Por esa razón, JKN considera inválidos los acuerdos correspondientes a Tailandia, Indonesia, Vietnam, Laos, Malasia y Singapur. El contrato de Tailandia abarcaría el periodo 2025-2029, mientras que los otros cinco acuerdos corresponden a 2026.

La organización también cuestionó declaraciones públicas de Nawat relacionadas con las finanzas de Miss Universo. JKN calificó esas informaciones como falsas o no verificadas y señaló que se reserva acciones legales civiles y penales.

Una disputa que divide a Miss Universo

El conflicto no se limita a las franquicias nacionales. La estructura empresarial de Miss Universo está dividida entre dos grupos que mantienen posiciones enfrentadas.

MU East sostiene que JKN Universe LLC tiene una estructura de propiedad 50:50 entre MU East y MU West, a través de JKN Legacy Inc. También afirma que un acuerdo denominado Hemisphere Agreement le concede derechos exclusivos para operar, promocionar y desarrollar la marca en 95 territorios de la región oriental.

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Desde esa división, MU East asegura que la declaración que anunció la exclusión no fue revisada ni aprobada por su representación y, por tanto, no refleja una posición consensuada entre ambas partes.

Nawat defiende la participación de las candidatas

Nawat Itsaragrisil rechazó la decisión y sostuvo que las seis representantes mantienen su derecho a participar en el concurso. Según declaraciones difundidas este viernes, las candidatas viajarán a Puerto Rico pese al anuncio de exclusión.

MU East también afirmó que los contratos suscritos con las franquicias de los seis países siguen vigentes y que la participación de las delegadas no debería ser bloqueada por el conflicto entre los propietarios.

Miss Universo 2026 continúa con su preparación

La edición 75 del concurso está programada para el 24 de noviembre en Puerto Rico y prevé la participación de más de un centenar de candidatas. Delegadas de países como Venezuela, España, Argentina y Chile ya han sido seleccionadas para la competencia.

El nombramiento de Nawat como CEO de Miss Universo Eastern fue anunciado oficialmente el 31 de julio, con responsabilidad sobre una estructura regional que comprende 95 países.

Lo que debes saber

• Barbra Streisand cuestionó a Trump por la disputa sobre el Kennedy Center en Washington.
  
• Zara Larsson rechazó el uso de ‘Midnight Sun’ en un video de ICE publicado por la Casa Blanca.
  
• Las cantantes se pronunciaron el 17 de septiembre sobre acciones de la Administración Trump.

Barbra Streisand y Zara Larsson se pronunciaron en las últimas horas sobre acciones de la Administración de Donald Trump. Streisand cuestionó la disputa alrededor del Kennedy Center, mientras Larsson rechazó que la Casa Blanca utilizara su canción Midnight Sun en un video relacionado con deportaciones.

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Las declaraciones de ambas artistas surgieron en escenarios distintos, pero coinciden en su rechazo a la asociación de sus carreras con decisiones de la actual Administración estadounidense. Streisand habló sobre el futuro del centro cultural de Washington y Larsson respondió al uso de su música en una publicación del Gobierno.

Streisand lleva la disputa del Kennedy Center a su comunicado

Barbra Streisand, quien recibió el reconocimiento del Kennedy Center en 2008, difundió el 17 de septiembre un comunicado en el que recordó el significado que la institución tiene para artistas estadounidenses. Su mensaje llegó después de nuevas decisiones judiciales relacionadas con posibles cambios físicos en el edificio y con el intento de incorporar el nombre de Trump a la fachada.

En su declaración, la cantante recordó que el centro fue concebido como un homenaje vivo al presidente John F. Kennedy y sostuvo que el arte tiene una función dentro de una democracia. También explicó por qué considera relevante el conflicto actual alrededor de la institución.

“En 2008 tuve el inmenso honor de formar parte de la 31ª promoción de galardonados del centro. Para mí, y para tantos otros artistas, aquel reconocimiento representaba algo más importante que un simple premio a una trayectoria profesional. Representaba la convicción de que el arte desempeña un papel fundamental en la vida de una democracia. Por eso resulta tan indignante y doloroso presenciar lo que le está sucediendo al Kennedy Center”, asegura.

La declaración se produjo el mismo día en que un juez federal ordenó al Kennedy Center notificar con 30 días de antelación cualquier proyecto de demolición, construcción o remodelación física. El proceso judicial se relaciona con las decisiones sobre el edificio y con la disputa por el nombre de Trump en la fachada.

El nombre de Trump, en el centro del conflicto

Streisand también repasó las distintas etapas de la controversia. Según su relato, la incorporación del nombre de Trump a la entrada del Kennedy Center generó rechazo y posteriormente fue retirada tras una decisión judicial que señaló que un cambio de nombre requeriría una ley del Congreso.

“Cuando Donald Trump intentó poner su nombre junto al del difunto presidente Kennedy en la entrada del edificio, la iniciativa suscitó un rechazo generalizado por parte de artistas y de gran parte del público. Posteriormente, un juez federal dictaminó que el nombre del Kennedy Center no podía modificarse sin una ley del Congreso, y el nombre de Trump fue retirado de la fachada del edificio”, resume la artista. 

“Sin embargo, la lucha continuó. Tras la retirada de su nombre, un Trump humillado ordenó colocar una gran lona sobre la fachada, que permanece allí. Posteriormente, la junta directiva -alineada con Trump- volvió a presionar incansablemente para que se restituyera su nombre, lo que provocó un nuevo fallo federal que bloqueó dicha iniciativa", agregó. 

"Y ahora, un Trump totalmente derrotado ha anunciado el cierre del Kennedy Center para llevar a cabo lo que la junta directiva -compuesta en su totalidad por partidarios suyos- califica como una renovación de gran envergadura ¡Resulta curioso que, cuando el nombre de Trump aún figuraba en el edificio no se planteara en absoluto la posibilidad de cerrarlo!”, resume sobre los últimos movimientos del presidente.

La artista cerró su mensaje con una referencia directa al conflicto que, según expresó, se ha generado alrededor de la institución. “Es fácil imaginar mi indignación al ver cómo esta venerada institución se convierte en el centro de una disputa tan encarnizada, motivada únicamente por el nombre y el ego desmedido de un solo hombre", sentencia la intérprete de The Way We Were.

Streisand también llamó a los estadounidenses a participar en las elecciones de medio mandato de noviembre. Para reforzar la difusión de su postura, compartió en Instagram una fotografía junto a John F. Kennedy y dirigió a sus seguidores hacia el comunicado completo publicado en su página oficial.

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Zara Larsson responde al uso de ‘Midnight Sun’

En paralelo, Zara Larsson cuestionó el uso de una de sus canciones en un video publicado por la Casa Blanca. La grabación apareció el miércoles 16 de septiembre en TikTok y muestra imágenes de agentes del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas, conocido como ICE, durante detenciones. La publicación fue acompañada por el mensaje “Deportaciones sin fin…” y utilizó Midnight Sun como música de fondo.

Larsson respondió mediante un video publicado en sus redes sociales. La cantante explicó que su reacción no estaba centrada únicamente en el uso de la canción, sino también en el contenido de las imágenes y en la forma en que las personas detenidas eran presentadas.

“El vídeo es tan deshumanizador (...) Evidentemente me etiquetaron en esto, y algunos decían: ‘Se va a enfadar’. ¿Saben qué? No estoy enfadada. Estoy triste. Estoy realmente triste. Sinceramente, me entristece mucho ver algo así“, se ha lamentado en su respuesta en TikTok.

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La artista también cuestionó el mensaje asociado a las imágenes y recordó que las personas que aparecen en ellas son individuos con sus propias historias. Su respuesta se extendió durante varios minutos y terminó con una crítica a quienes produjeron el contenido.

“Si alguien quiere debatir sobre política migratoria, de acuerdo. Pero no va de eso (...) Las personas que aparecen en el vídeo son personas reales”. Hay un tipo que lleva ropa de obra. Está trabajando. La inmensa mayoría de las personas indocumentadas son gente corriente con empleo que simplemente intenta construir un futuro mejor”.

La cantante cuestiona el sentido de su canción

Otro punto de la respuesta de Larsson fue el contraste entre el significado que atribuye a Midnight Sun y el contexto en el que apareció dentro del video. Para la cantante, la canción está relacionada con la conexión entre las personas y con la naturaleza, por lo que considera que su utilización en ese contenido genera un mensaje diferente.

“Es increíble cómo todo se ha convertido en un meme, en un ‘jajaja, qué gracioso’, y más aún con una canción que habla de sentirse conectado con la naturaleza, con el universo y, en última instancia, con otras personas. Esto solo crea una enorme división entre la gente”. La canción ya no se escucha en el vídeo, pero Larsson dice sentir una sensación “indescriptible, de locos”.

El episodio no es el primero en el que una canción de Larsson aparece en contenido relacionado con la Administración Trump. En meses anteriores también había cuestionado el uso de otra de sus canciones en una publicación vinculada con ICE.

Larsson se suma así a otras figuras de la música que han protestado por el uso de sus canciones en contenidos publicados por la Casa Blanca. Ariana Grande, Sabrina Carpenter y Olivia Rodrigo también han expresado su rechazo en episodios anteriores.

La cantante sueca terminó su mensaje con una reflexión dirigida a quienes elaboraron el video. “Me gustaría poder hablar con quien hizo este vídeo. Me gustaría hablar contigo y ayudarte a recordar que tú y yo no somos tan diferentes. En absoluto. Y tampoco somos tan distintos de las personas que aparecen en este vídeo. La mayor diferencia entre nosotros es que a cada uno nos han tocado cartas distintas en la vida”, reflexiona.

Las declaraciones de Streisand y Larsson ocurrieron en un mismo periodo, aunque corresponden a asuntos diferentes. La primera se refirió a la disputa alrededor del Kennedy Center, mientras la segunda cuestionó el uso de su música en un video de ICE. Ambas llevaron sus reclamos a sus propios canales públicos y generaron atención internacional por sus referencias directas a decisiones de la Administración Trump.

Lo que debes saber

• Harry reapareció en Londres para los premios Invictus Spirit tras regresar a Reino Unido.
  
• La gala de Invictus Spirit recaudó más de 1,7 millones de libras para sus proyectos.
  
• Harry evitó responder sobre el libro de Charles Spencer dedicado a Diana de Gales.

Harry volvió a aparecer en público en Reino Unido luego del regreso de los duques de Sussex al país el pasado 26 de agosto. El hijo menor de Carlos III asistió en Londres a la primera edición de los premios Invictus Spirit, una ceremonia vinculada al proyecto que creó para apoyar a miembros de las fuerzas armadas heridos, lesionados y enfermos.

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La presencia de Harry se produjo en un momento de atención sobre la familia real británica por la próxima publicación del libro que Charles Spencer dedicó a su hermana, Diana de Gales. El duque de Sussex acudió solo a la gala y evitó pronunciarse sobre el contenido de la obra de su tío, con quien mantiene una relación cercana.

Harry vuelve a una de sus citas más importantes

La ceremonia de los Invictus Spirit tuvo lugar el jueves en las afueras del Old Royal Naval College, en Greenwich. Harry llegó sin Meghan Markle y tampoco estuvo acompañado por sus hijos, Archie y Lilibet. La gala representó su primera aparición pública en Reino Unido desde que regresó al país con su familia después de varios años en Estados Unidos.

A su llegada, el duque de Sussex respondió de forma breve a las preguntas de los periodistas. “Estoy bien. Es un placer estar de vuelta en suelo británico”, fueron sus únicas palabras, según recogió la revista People. También recibió una pregunta sobre el nuevo libro de Charles Spencer, pero decidió no responder.

La aparición había generado expectativa debido a la situación que atraviesan los Sussex con la familia real. Medios británicos como The Times señalaron que existía preocupación en palacio por la atención que podía despertar el regreso de Harry. Sin embargo, el interés mediático también se concentró en Charles Spencer y en los adelantos de su libro sobre Diana.

Una noche dedicada al espíritu Invictus

Harry llegó vestido de esmoquin y con sus medallas militares. Durante la ceremonia conversó con asistentes, posó para fotografías y se tomó selfis con algunos de los invitados. La noche también le permitió reencontrarse con personas vinculadas a los Juegos Invictus desde sus primeros años.

Los premios buscan reconocer a organizaciones que han contribuido a fortalecer la comunidad internacional creada alrededor de esta competición deportiva. Los Juegos Invictus fueron fundados por Harry en 2014 y están dirigidos a miembros de las fuerzas armadas que afrontan lesiones, enfermedades o consecuencias de distintos traumas.

En su discurso, el duque explicó el significado que tiene para él el proyecto y destacó la actitud de quienes han encontrado una forma de levantarse después de experiencias difíciles.

“Hay algo que hemos presenciado una y otra vez durante los últimos 12 años que merece ser reconocido por derecho propio: el espíritu Invictus. Es difícil de definir, pero inconfundible cuando se ve. Coraje sin bravuconería. Fortaleza sin ego. Servicio sin expectativas. Se trata de ser derribado por algo inesperado -una lesión, una enfermedad, un trauma, una pérdida- y encontrar, de alguna manera, una razón para levantarse. Y luego, tender la mano para ayudar a otros a hacer lo mismo. De eso se trata esta noche”, afirmó el duque de Sussex en su discurso.

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La gala recaudó casi dos millones de euros

La primera edición de los Invictus Spirit también incluyó una subasta para recaudar fondos. El evento consiguió más de 1,7 millones de libras, una cifra cercana a los dos millones de euros según el cambio mencionado en la información.

Entre las experiencias disponibles para los participantes figuraron una sesión privada de escucha con Michael Bublé y un té con Elton John y David Furnish. Estos últimos, junto con Harry, formaron parte de una demanda contra el Daily Mail por la supuesta obtención ilícita de información.

La subasta también ofreció un día con gorilas en Uganda y una expedición a los Alpes. Uganda había dejado los Juegos Invictus después de una carta del rey, aunque posteriormente regresó a la competición.

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Harry también participó en un encuentro privado

Antes de la ceremonia de los premios, Harry asistió a un acto privado relacionado con la atención a niños heridos en conflictos. La actividad fue organizada por Save the Children y el Imperial College de Londres, según informó Reuters.

Su agenda en Reino Unido se desarrolla mientras la familia Sussex mantiene un perfil bajo desde su regreso. Hasta ahora, Harry y Meghan no han protagonizado una aparición pública conjunta en territorio británico.

Meghan, por su parte, publicó en Instagram un video con imágenes de algunos momentos de las primeras semanas de la familia en Reino Unido. Harry también apareció en unas fotografías tomadas en un estudio de grabación de Londres. Las imágenes fueron publicadas por el propio estudio en Instagram y retiradas después.

El regreso del duque de Sussex ocurre además a pocos días de la publicación del libro de Charles Spencer sobre Diana de Gales. Harry visitó a su tío en julio, una señal de la relación que ambos mantienen, pero en su primera aparición pública tras regresar a Reino Unido prefirió no referirse a la obra.

La atención sobre Harry se suma así a una agenda familiar marcada por distintos acontecimientos. Mientras el príncipe centra su actividad en los Invictus Games y en los proyectos relacionados con sus participantes, la publicación del libro de Spencer añade otro elemento de interés alrededor de la familia real británica.

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Pero Brasil, un país de más de 210 millones de habitantes y 8’515.770 metros cuadrados de superficie, es prácticamente un continente aparte.

Si Ecuador, que es casi 30 veces más pequeño en tamaño, tiene tanta diversidad, imagínese un país donde conviven tantas culturas, con una rica historia incluso desde antes de la llegada de la colonización europea. Además de que recibe a personas de todas las nacionalidades del mundo.

Representante del jazz que se hace en el gigante sudamericano, el pianista Salomão Soares forma parte de la edición de este año del Festival Ecuador Jazz en Quito, junto con su compatriota la cantante Vanessa Moreno. Ambos publicaron el año pasado el disco Outros Ventos, cuyos temas vienen a presentar.

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Usted es del estado de Paraíba. ¿Qué tipo de música es propia de esta región del noreste de Brasil?

Yo soy de una pequeña ciudad en Paraíba (Cruz do Espírito Santo), que es el noreste de Brasil, y la música más popular es el forró (se pronuncia como ‘fojó’ o ‘foho’, con ‘h’ aspirada). El forró es un baile, una danza. Es como samba, como bossa nova. Yo crecí tocando y escuchando mucho forró toda mi infancia. Mis mayores influencias fueron Luiz Gonzaga, Dominguinhos, Sivuca, que son grandes maestros de la música del noreste de Brasil, así como Hermeto Pascoal. De ahí me mudé a Sao Paulo, a estudiar bossa nova, samba, la música instrumental brasileña.

Es música que expresa mucha alegría, pero también puede tener su cuota de melancolía.

La música brasileña es muy alegre, en general. Es festiva. Creo que es importante para el pueblo de Brasil esa alegría en la composición. En el noreste de Brasil la música también es muy festiva, para bailar, para que las personas se encuentren.

¿Qué instrumentos tocaba de niño?

Yo tenía un pequeño teclado electrónico. Yo me fui a estudiar piano de verdad a los 18 años recién, pero comencé a tocar teclado con 10 años de edad. Tocaba en casa, en la iglesia.

¿Y cómo se acerca al jazz? ¿Sintió talvez que chocó con todo lo que había aprendido sobre la música brasileña?

Creo que para mí eso fue simple porque el jazz no es solo el ritmo. El jazz es una manera de pensar, es la libertad, es crear todo el tiempo, tocar juntos con otros músicos. Eso es jazz. Yo toco el jazz en mi música, en el forró, samba, bossa nova...

Más allá de estilos.

Cuando descubrí el jazz, esa manera de ver la música, de sentir, de tocar, todo cobró más sentido. Todo se volvió más fácil de mirar, de entender.

¿Con qué vertientes o músicos del mundo jazzero conecta más?

Comencé escuchando pianistas brasileños como Egberto Gismonti, Hermeto Pascoal, Jobim, todos esos artistas muy importantes del Brasil. Después fui descubriendo Chick Corea, Herbie Hancock (estadounidenses) y también jazz de Europa, como Tigran Hamasyan (armenio), Shai Maestro (israelí). Me gusta mucho escuchar diferentes músicas de América Latina... Gonzalo Rubalcaba (cubano), Danilo Pérez (panameño). En cada momento de mi vida estoy escuchando algún estilo, algún pianista e intento profundizar en ello.

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Sus discos en trabajo colaborativo

Salomão tiene la buena costumbre de lanzar discos en colaboración con otros músicos de su país. Junto a la vocalista y multiinstrumentista Vanessa Moreno, con quien se presentará en Quito este 21 de septiembre, tiene tres álbumes: Chão De Flutuar (2019), Yatra-Tá (2021) y Outros Ventos (2025).

“La idea de este proyecto con Vanessa es revisar canciones de grandes compositores de Brasil. Por ejemplo, (Antônio Carlos) Jobim, Vinicius de Moraes, Milton Nascimento, Chico Buarque”, nos explica Salomão.

También versionan temas de artistas brasileños como Tania María, “una de las más importantes y espectaculares cantoras y pianistas de Brasil, pero muy poco conocida”, o también Roque Ferreira, que talvez no son tan comunes para las nuevas generaciones.

Salomão tiene un disco con el acordeonista Toninho Ferragutti (del año 2017), con composiciones de ambos. “El acordeón es un instrumento muy tradicional del noreste de Brasil, de donde soy. Pero Toninho es de Sao Paulo. En cambio, yo soy del noreste, pero toco el piano, un instrumento europeo muy tradicional en Sao Paulo (donde Salomão reside). Fue como ‘intercambiar’ los instrumentos”.

Con el percusionista Guegué Medei, quien toca zabumba, otro instrumento tradicional de Brasil y del forró, publicó en 2023 Baião de Dois, nombre de un plato típico del noroeste de su país.

Salomão pertenece también a Hamilton de Holanda Trio, que se presento en la edición del año pasado del festival jazzero en Quito. Fue con este proyecto que ganó el Grammy Latino 2025 a mejor disco jazzero, por la obra Live in NYC.

Y en noviembre de este año empezará a grabar un disco tributo al pianista brasileño João Donato, en formato de quinteto.

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Aries

Siento una energía de movimiento alrededor de ti. Algo que estaba detenido comienza a avanzar, pero necesitarás paciencia para no arruinar el proceso por querer acelerarlo. En el amor, alguien podría buscarte después de un momento de distancia. No respondas desde el orgullo. En el trabajo, una conversación puede abrir una posibilidad distinta a la que imaginabas.

Mensaje del día: no fuerces una puerta que ya está empezando a abrirse sola.

Tauro

Hoy aparece una sensación de alivio. Algo que te preocupaba puede empezar a perder peso. En el amor, una persona cercana demostrará cariño de una manera sencilla, pero muy clara. Si estás soltero, puedes sentir atracción por alguien que transmite calma antes que intensidad. En lo económico, evita gastar para compensar cansancio o ansiedad.

Mensaje del día: presta atención a quien te da paz sin pedirte que seas otra persona.

Géminis

Una conversación cambia tu percepción sobre alguien. Puede que escuches una frase que se quede contigo todo el día. En el amor, una conexión que parecía ligera puede empezar a sentirse más profunda. En el trabajo, una idea rápida puede convertirse en algo útil si la anotas antes de olvidarla.

Mensaje del día: escucha lo que se dice entre líneas, pero no inventes respuestas donde todavía no las hay.

Cáncer

Siento una energía de nostalgia, pero también de sanación. Algo del pasado puede volver a tu mente sin la fuerza que tenía antes. Eso es una señal de avance. En el amor, una persona puede ofrecerte seguridad si te permites bajar la guardia. En lo familiar, evita cargar con problemas que no puedes resolver por otros.

Mensaje del día: no vuelvas a un lugar solo porque una parte de ti lo extraña. Pregúntate si todavía te hace bien.

Leo

Tu energía será magnética. Puedes llamar la atención sin buscarlo. En el amor, alguien puede mostrarse más interesado de lo habitual, aunque tú tendrás que decidir si realmente quieres abrir esa puerta. En el trabajo, un reconocimiento o comentario positivo puede devolverte confianza en algo que estabas dudando.

Mensaje del día: no confundas ser deseado con ser comprendido. Busca ambas cosas.

Virgo

Algo que no puedes controlar puede incomodarte hoy. La clave será aceptar que no todo necesita una respuesta inmediata. En el amor, una conversación puede sorprenderte porque la otra persona estará más abierta de lo que esperabas. En el trabajo, evita revisar demasiado una decisión que ya tomaste.

Mensaje del día: si ya hiciste lo mejor que podías, deja de castigarte buscando otra versión perfecta.

Libra

Hay una energía de definición. Una relación, amistad o situación ambigua puede mostrarte con más claridad hacia dónde va. En el amor, alguien puede pedirte una respuesta más directa. No respondas por miedo a perder a esa persona. En lo profesional, una alianza puede avanzar si pones límites desde el principio.

Mensaje del día: lo que es para ti no debería obligarte a desaparecer dentro de las necesidades de otro.

Escorpio

Hoy puedes sentir una emoción intensa que no esperabas: deseo, celos, curiosidad o ganas de volver a hablar con alguien. No te juzgues. Esa emoción solo está mostrando que todavía existe algo por entender. En el trabajo, una información importante puede llegar de forma indirecta.

Mensaje del día: antes de escribirle a alguien, pregúntate si buscas conexión, respuesta o cierre.

Sagitario

La energía del día te empuja a salir de la rutina. Una invitación o propuesta puede cambiar tus planes y terminar siendo justo lo que necesitabas. En el amor, una persona diferente a tu tipo habitual puede despertar curiosidad. En lo económico, evita gastar de más por entusiasmo.

Mensaje del día: sigue aquello que te despierte vida, pero no confundas aventura con impulsividad.

Capricornio

Siento cansancio acumulado, pero también una necesidad fuerte de sentir apoyo. Has estado resolviendo demasiado por tu cuenta. En el amor, alguien puede sorprenderte si le permites acercarse a una parte tuya que normalmente mantienes protegida. En el trabajo, no aceptes otra responsabilidad solo porque sabes que puedes.

Mensaje del día: hoy no necesitas demostrar fuerza. Necesitas reconocer dónde puedes descansar.

Acuario

Una conversación puede generar una conexión difícil de ignorar. Puede ser mental, emocional o ambas. No intentes definirla demasiado rápido. En el amor, algo empieza a moverse cuando dejas de analizar tanto. En el trabajo, una idea poco convencional puede ganar apoyo inesperado.

Mensaje del día: deja que una relación te sorprenda antes de decidir qué lugar debe ocupar.

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Vanessa Tapia

Piscis

Tu intuición estará especialmente activa, pero también tus emociones. Puede ser difícil distinguir una de la otra. Una persona puede aparecer en tus pensamientos con frecuencia, aunque eso no significa necesariamente que debas buscarla. En el amor, algo puede aclararse si escuchas más tus sensaciones que tus fantasías.

Mensaje del día: no interpretes cada coincidencia como destino. A veces una emoción solo quiere ser comprendida.

Lo que debes saber

• Cuenta cómo se involucró profundamente con el papel, al punto de inspirarse en su hija Ámbar para interpretarlo.
• También recuerda con tristeza la muerte del personaje en El Cholito Forever, la difícil grabación de la escena y la reacción de los espectadores.
• La actriz dejó la carrera de Medicina para dedicarse a la actuación, pese a la oposición de su madre.

Miriam Murillo ha interpretado muchos personajes a lo largo de su carrera, pero hay uno que ocupa un lugar especial: doña Esther, la madre de El Cholito. En El Cholito Forever, producción estelarizada por David Reinoso, su personaje tuvo un desenlace inesperado y triste: murió. En la segunda temporada volverá a través de flashbacks.

La actriz, esposa de Augusto Enríquez, mantiene una agenda muy ocupada en las tablas. El próximo mes, en el teatro Las Cámaras, protagonizará La última seductora, junto a Cecilia Cascante y Carla Sala, bajo la dirección de Jorge Toledo. 

En ese mismo escenario también participará en Las chicas OnlyFans. Y, durante los miércoles de este mes, estará en el Sánchez Aguilar como parte del elenco de La gran boda, donde le da vida a la madre de la novia, el personaje de Claudia Camposano.

Miriam inició su carrera en 1981. En teatro debutó con La abuela y, en televisión, ha intervenido en producciones como La PPG, Sin ánimo de ofender, La niñera, La novela de El Cholito, El secreto de Toño Palomino, La pareja feliz, Mostro de amor, Así pasa y Tres familias.

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Lo curioso es que, en un principio, la actuación no estaba entre sus planes. La descubrió casi por casualidad con Ernesto Suárez en los talleres de El Juglar, mientras buscaba una manera de escapar de la casa. “Yo era rebelde, quería andar en la calle. Así evitaba pelearme con mi mami (Rosa), quien era enfermera. Ernesto nos decía que el arte no es un pasatiempo, sino algo serio. Dejé botada la carrera de Medicina sin decirle nada a mi mami”.

Cuando se enteró, “casi se muere y me dio una paliza. No entendía que hubiera dejado Medicina por el teatro. Ella ya me tenía hasta trabajo. Luego estudié Tecnología Médica, también la dejé; me faltaba un semestre para terminar. Pero no me arrepiento”.

Su madre nunca quiso que sea actriz

¿Con el paso del tiempo, su madre aceptó que siguiera otro camino?

Más o menos. Todavía cree que la actuación es un chiste. Mi mamá tiene 82 años.

¿Qué le dice cuando ve que le piden fotos o la gente la saluda?

Ella se siente orgullosa, pero después se le olvida. Me dice que cuide mi vestir, que debo lucir bien porque soy una artista, así sea que vaya a la tienda a comprar cualquier cosa. Pero cuando le digo que estoy trabajando, quiere que deje los ensayos o las grabaciones. Me pide que la lleve a una consulta médica o a los bingos.

Ya ha trabajado varias veces con Jorge Toledo. ¿Cómo es aquello?

No he tenido problemas con él. Es estricto, pero ya le he cogido el golpe.

¿Qué tal la experiencia de compartir con Carla Sala?

Es una de las seductoras de la puesta en escena. Es la primera vez que trabajo con Carla. Es divertido y, a veces, le da vergüenza decir ciertas expresiones. Cecilia y yo la guiamos.

De todos sus personajes, ¿cuál es el más especial para usted?

Doña Esther, la madre de El Cholito. Iba a ser la mamá de Flor María Palomeque, pero Jorge Toledo quería que fuera la de El Cholito, sabía que, como el personaje es feo, le iban a hacer bullying. Yo, como madre, tenía que sacar las garras por mi único hijo. Me inspiré en mi hija Ámbar, también hija única. Me metí mucho en el personaje, lo vivía y lo sentía.

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¿Qué sintió cuando le dijeron que doña Esther iba a morir?

José Romero me lo dijo antes de firmar. Al principio pensé que era por presupuesto. Me dio pena. Jorge consideraba que no era indicado que muriera porque doña Esther es el complemento de El Cholito, su estabilidad. Querían cerrar la primera temporada con un momento muy dramático. Por ello, a mi personaje le regresó el cáncer y falleció. Tanto a David como a mí nos dolió ese desenlace.

"Fue horrible meterme en un cofre mortuorio"

¿Cómo fue grabar la escena de su muerte?

Fue horrible porque tuve que meterme en un cofre mortuorio. En 15 minutos grabaron las escenas. Además, esa caja era incómoda; no consiguieron una más grande. Tenía que aguantar la respiración. En la segunda parte habrá flashbacks, un recurso para regresar al pasado.

¿Y qué ocurre cuando el público la reconoce en la calle después de la muerte de doña Esther?

Algunos me dijeron que habían dejado de ver la telenovela porque me mataron. Una señora me pidió que le mandara un video a su hija de 10 años, quien lloraba porque no entendía lo que había pasado. Tuve que hacerlo y explicarle a la niña que era solo un personaje. La otra temporada se verá, creo, en marzo de 2027.

Ser esposa de un actor y director como Augusto Enríquez debe tener sus ventajas y desventajas.

Nos casamos en 1992. Ninguno de los dos es celoso. Al principio fue complicado. Regresamos de Argentina, donde estudiamos, y estábamos al frente del grupo Kurombos. A veces, por trabajo, nos peleábamos y así nos íbamos a casa. Cuando participé en Juego de manos, una grabación nos exigió mucho tiempo de trabajo: desde las ocho de la mañana hasta las cinco del día siguiente. 

Mi mamá y Augusto estaban preocupados. En esa época no había celulares. Se enojó y discutimos; se armó un relajo. Yo estaba cansada. Al día siguiente regresó a ofrecerme disculpas. Nos dimos cuenta de que no era sano seguir de esa manera, que lo profesional no tenía que ver con lo personal. Aprendimos a separar el trabajo de nuestra relación.

Su deseo de ser madre

¿Fue por la poca disponibilidad de tiempo que solo quiso tener una hija?

No pude tener más. Al regreso de una función en Cuenca, llevamos a lavar el vestuario. El chico que manejaba la camioneta se accidentó contra un tráiler y salí disparada por el parabrisas. Gran parte de mi cuerpo se golpeó y debieron hacerme radiografías. 

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Días antes me había hecho exámenes y, supuestamente, no estaba embarazada. Después supe que sí, el doctor me dijo que había muchos riesgos de que la criatura naciera enferma. Fue una decisión horrible. Pensaba que Dios me iba a castigar. Me operaron. Sentí que me moría. Augusto me dijo que él también lo sintió. Cuando nos fuimos a Argentina, me puse la T de cobre.

Después de todo lo vivido, ¿cuándo logró convertirse en madre?

Recuerdo que destiné todo mi sueldo de Sí TV para hacerme un tratamiento. Un doctor me dijo que tenía las trompas cerradas o calcificadas. Nunca sentí nada. Tuve que ingresar al quirófano. Siempre me hacía pruebas caseras. 

En una de ellas sentí que estaba esperando un hijo. Me hicieron un examen y salió positivo, pero en la ecografía no aparecía nada. La niña se había escondido de tal manera que no se la veía. Nunca más pude quedar embarazada. Dios me mandó a alguien que me dijera mamá.

¿Y El Cholito también terminó llamándola mamá?

(Risas) El Cholito también me decía mamá.   Cuando grabamos la historia de El Cholito, hace años, mi hija lloraba porque le hacían bullying en la escuela. La llamaban La Cholita y quería que dejara la televisión. Tuve que hablar con la profesora para que dejaran de molestarla.

¿Su hija mostró interés por la Medicina o por el arte?

Estudia Audiovisuales. Creo que prefiere estar detrás de la pantalla, no al frente.

Aún siente pánico en el escenario

Usted vivió la oposición de su madre cuando decidió dedicarse al arte. ¿Diría que con su hija ha sido diferente?

Yo la apoyaría en todo. Tiene carácter, siempre lo ha tenido desde niña. En una ocasión pagué un año de danza y ni a los dos meses se salió. No voy a obligarla; hacía berrinche.

¿Alguna vez sufrió pánico escénico?

Cuando recién empecé en teatro. Presenté un monólogo para una graduación. Se me olvidó el texto y no pude continuar. La mente se me puso en blanco, me puse a llorar y a temblar. Quería que la tierra me tragara. 

Salí corriendo y Ernesto Suárez me dijo que no podía dejar dos años de estudios. Yo le decía que no servía para la actuación. Me dio pánico escénico. Aunque no regresé al escenario en ese momento, no dejé la carrera.

Después de tantos años sobre las tablas, ¿todavía siente temor?

Yo puedo presentar varias funciones de una obra, pero siempre me dan nervios antes de salir. Hasta se me seca la garganta. Luego todo fluye. Hay que seguir y vencerlo porque, de lo contrario, no lo superas. Me gusta que me dé nervios en cada función; siento la adrenalina.

En esta época, muchos actores aprovechan la temporada para presentarse en espectáculos circenses. ¿Qué planes tiene para octubre?

Nos vamos al Oriente con Cecilia, Martín Calle y Kevin Chapin

Sin una presentación previa, el argentino abrió el repertorio con “CON EL COMBO”. Desde ese momento, el concierto avanzó sin pausas ni discursos.

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El barrio llegó al escenario de Trueno

La escenografía gris, construida sobre varios desniveles, representaba los techos de un barrio popular. El concreto y los metales se combinaron con extractores de aire, antenas de televisión y una parabólica. Era un paisaje urbano trasladado al espectáculo.

Cada sección tuvo una carga dramática diferente. La iluminación y el diseño sonoro evocaron la desolación, las angustias y las esperanzas del barrio. Trueno recorrió los distintos niveles, subió hasta la antena parabólica y también interpretó parte del repertorio desde una torre.

El rapero no se detuvo a conversar. Encadenó una canción tras otra y la secuencia avanzó casi tan rápido como sus versos. El repertorio incluyó “1000 HORAS”, tema compuesto por Andrés Calamaro, mientras que un solo de guitarra incorporó acordes de “Shape of My Heart”, de Sting.

Pogos, breakdance y una bandera de Ecuador

La asistencia no llenó Arena Park, pero mantuvo la energía durante todo el concierto. El público creó sus propias dinámicas con una sesión de breakdance, cánticos y pogos que movieron a los asistentes como una marea al ritmo del hip hop.

Durante “ESTILO SUDAKA”, Trueno tomó una bandera de Ecuador y la mostró desde el escenario. “TURRAZO” marcó uno de los momentos emocionales de la noche, mientras que “FUCK EL POLICE” provocó otro pogo cuando el artista apareció desde la torre.

Sin extender el cierre, el argentino recurrió a uno de los temas de mayor alcance de su carrera. “DANCE CRIP”, la canción número 29 del setlist, puso fin al primer espectáculo ecuatoriano de esta etapa.

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Las próximas fechas del TURR4ZO World Tour

Después de Samborondón, Trueno se presentará el 19 de septiembre en Quito. La agenda continuará por Arequipa, Lima, Santiago, Barcelona, Arona, Madrid, Ciudad de Guatemala, Guácima, Caracas y San Salvador.

La ruta finalizará su calendario publicado con cuatro fechas en México: Puebla, Guadalajara, Monterrey y Ciudad de México, donde participará el 29 de noviembre en el Coca-Cola Flow Fest 2026. Las ciudades y los recintos constan en el calendario oficial de TURR4ZO (https://www.turr4zo.com/tour/).