Lo que se sabe

• El evento astronómico será visible desde zonas del hemisferio norte
• "El Sol permanecerá completamente eclipsado durante menos de dos minutos", detalló la NASA
• Se recomienda utilizar "gafas para eclipses" para evitar daños a los ojos

Científicos y aficionados de la astronomía tienen una cita el próximo miércoles 12 de agosto de 2026 para apreciar un eclipse solar total, que será visible desde el hemisferio norte.

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Groenlandia, Islandia, el norte de Rusia, el océano Atlántico, España y un pequeño sector de Portugal serán las zonas que recorrerá el eclipse, según detalla la NASA (Administración Nacional de Aeronáutica y del Espacio, de Estados Unidos, por sus siglas en inglés).

En otros lugares del hemisferio norte el eclipse solar será parcial: norte de Estados Unidos (desde Alaska hasta Carolina del Norte), gran parte de Canadá y de Europa, así como el noroeste de África, señaló la entidad.

"Para muchas personas a lo largo de la parte occidental de la trayectoria del eclipse (en Europa continental y África), el Sol se pondrá mientras todavía esté parcialmente eclipsado, lo que brindará la oportunidad de presenciar un eclipse de sol durante el atardecer", destacó la NASA.

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Momentos en que ocurrirá el eclipse

La NASA precisó en su publicación cuáles serán los horarios en los que ocurrirá el eclipse solar total:

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En el caso del eclipse solar parcial, los momentos previstos son:

Las horas en las que se dará el eclipse, según las distintas ciudades, se pueden consultar en la publicación de la NASA. Desde Ecuador, y otros países del hemisferio sur, no será visible este fenómeno astronómico.

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Consejos para ver el eclipse solar del 12 de agosto de 2026

Este evento astronómico será histórico para países como España porque será el "primer eclipse total de Sol visible desde la península Ibérica en más de un siglo", según el Instituto Geográfico Nacional (IGN).

"La franja de totalidad de este eclipse cruzará España de oeste a este y pasará por numerosas capitales de provincia desde La Coruña hasta Palma, incluyendo Oviedo, León, Bilbao, Zaragoza y Valencia", mencionó la entidad en una publicación.

Entre las recomendaciones de la NASA para disfrutar del eclipse, están:

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Lo que debes saber

• Campo Baeza y MAODA ganaron el diseño del Museo Nacional en Quito.
  
  
• El proyecto Ecos del Sol tendrá patios, terrazas, salas y reservas patrimoniales.
  
• 
  El museo estará junto a La Carolina y conectará con Metro, plaza y boulevard.

Campo Baeza, el estudio del arquitecto español Alberto Campo Baeza, diseñará junto a Maoda el nuevo Museo Nacional del Ecuador en Quito. El proyecto Ecos del Sol ganó el concurso internacional y plantea un edificio de luz, sombra, patios y terrazas frente al Parque La Carolina.

Ecuador

¿Cuándo comenzará la construcción del nuevo Museo Nacional del Ecuador?

Marco Rivera

Quito tendrá un nuevo Museo Nacional del Ecuador y el diseño llevará la firma de Campo Baeza + Maoda. La propuesta Ecos del Sol fue seleccionada como ganadora del concurso internacional para el nuevo edificio del museo, en un proceso que reunió proyectos de Ecuador y otros países. Según reportes locales, la iniciativa fue elegida entre 148 propuestas de más de 20 países y avanzará a estudios técnicos antes de la construcción prevista para 2027.

El nombre Campo Baeza no corresponde a una firma local, sino al estudio de arquitectura del español Alberto Campo Baeza, con sede en Madrid. Su obra se reconoce por una búsqueda constante: convertir la luz, la sombra, el silencio y la geometría en parte de la experiencia del edificio. Su trayectoria está documentada en publicaciones de obra completa que recogen cuatro décadas de trabajo, de 1974 a 2014.

En Instagram, el estudio celebró el primer premio con un mensaje en el que destacó que su propuesta Ecos del sol, en colaboración con MAODA, fue premiada en el concurso organizado por el Gobierno Nacional del Ecuador. También señaló que el proyecto busca convertirse en uno de los espacios culturales del país para futuras generaciones.

Campo Baeza: arquitectura de luz, silencio y memoria

Alberto Campo Baeza ha construido una carrera alrededor de una idea que repite en sus textos: la arquitectura no debe depender del gesto, sino de una idea que pueda construirse. En sus ensayos, el arquitecto resume parte de su pensamiento con una fórmula: la gravedad construye el espacio y la luz construye el tiempo.

Esa filosofía aparece en proyectos como la Sede Central de Caja Granada, el Museo de la Memoria de Andalucía, el Espacio Público Entre Catedrales, en Cádiz, y la Casa del Infinito. En esta última, el propio estudio describe una casa concebida como un plano frente al mar, una plataforma de piedra que mira hacia el horizonte del Atlántico.

Su forma de pensar la ciudad parte de espacios que ordenan el recorrido de las personas. No se trata solo de levantar un edificio, sino de crear plazas, accesos, umbrales y zonas de transición. En Quito, esa lectura aparece en la relación entre el museo, el Parque La Carolina, la avenida Eloy Alfaro, la avenida de la República y el Boulevard Peatonal La Pradera.

¿Dónde estará el nuevo Museo Nacional?

El terreno del nuevo Museo Nacional del Ecuador se ubica en el centro norte de Quito, en la esquina suroccidental de la avenida Eloy Alfaro y la avenida de la República. El portal oficial del proyecto señala que el predio tiene más de 13.000 metros cuadrados, acceso directo a la estación La Carolina del Metro de Quito y cercanía con Trolebús y Ecovía.

La propuesta de Campo Baeza y MAODA plantea que el museo no sea una pieza aislada. El proyecto conecta el Parque La Carolina con el Boulevard Peatonal La Pradera mediante una plaza urbana llamada Plaza del MUNA. El documento arquitectónico explica que ese espacio tendrá árboles, agua y sombra para pasar del ruido de la ciudad al interior del museo.

Así será por dentro el Museo Nacional del Ecuador

El proyecto Ecos del Sol imagina el museo como una “caja de luz y sombra”. La fachada aparece como un prisma de hormigón excavado por patios y huecos. Esa envolvente funcionará como filtro solar y permitirá que la luz natural entre de manera controlada al edificio.

En planta baja estará el primer gran espacio de acogida. Allí se ubicarán la recepción, información, taquillas, guardarropa, tienda, cafetería, locales comerciales, coworking artístico cultural y áreas de servicio para visitantes. Esa zona también incluirá espacios para grupos, sala de protocolo, zonas de descanso, lactancia y preparación.

La zona este concentrará actividades públicas como el auditorio, la sala de cine y la sala polivalente. La zona oeste estará destinada a recepción de bienes culturales, bioseguridad, cuarentena, inventario, registro fotográfico, logística, talleres y áreas técnicas. Esta distribución separa el flujo de visitantes del movimiento interno de obras, personal y conservación.

El museo tendrá exposiciones permanentes, exposiciones temporales, sala de exploradores, mediateca, musicoteca, biblioteca, aulas y talleres. El programa también incluye un auditorio para 300 personas y una sala de cine para 100 asistentes, según el desglose del anteproyecto.

Patios, terrazas y una ruta por la luz

Una de las claves del edificio serán sus patios. En el documento aparecen nombres como Patio Sol de Oro, Patio Pichincha, Patio Inti, Patio Caspicara, Patio Legarda, Patio Antisana y Patio La Tolita. Estos espacios no solo llevarán luz al interior, también enmarcarán vistas de Quito y podrán funcionar como lugares para obras al aire libre.

Las plantas altas alojarán salas de exposición, reservas y zonas de trabajo. El proyecto ordena la planta en tres bandas: una franja de servicio y patios, una franja de circulación y una franja para los espacios principales del museo. El recorrido se apoyará en escaleras mecánicas ubicadas en los extremos de las salas para permitir una visita continua.

En la parte superior estará la Terraza Quito, concebida como un mirador a 2.854 metros sobre el nivel del mar. Desde allí, el documento indica que se podrán observar el Pichincha, el Cotopaxi y el Panecillo.

Quito

Así es el diseño ganador con el que se construirá el nuevo Museo Nacional del Ecuador

Mariella Toranzos

Un museo para mostrar lo que no se ve

El nuevo edificio busca resolver una deuda del Museo Nacional: la falta de espacio para conservar y exhibir parte de sus bienes. El portal oficial del proyecto señala que la sede deberá impulsar conocimiento, conservación y difusión de la historia, el arte y el patrimonio cultural ecuatoriano.

La propuesta ganadora plantea reservas, laboratorios de conservación y restauración, áreas documentales, archivo histórico, reserva audiovisual, salas de consulta, almacenes y talleres de museografía. Es decir, el museo no será solo un sitio de exhibición, sino también un centro de investigación, conservación y trabajo técnico.

Para Campo Baeza + MAODA, el Museo Nacional del Ecuador será una pieza urbana y cultural. La arquitectura no busca competir con las colecciones, sino crear un marco para ellas. En sus propias palabras, el proyecto intenta ser una caja para contener la historia y los tesoros artísticos del país.

Lo que debes saber

• Disney+ gana búsquedas por el Mundial 2026 y sus transmisiones para suscriptores.
  
• X-Men ’97 destaca en Disney+ por su segunda temporada, estrenada en julio de 2026.
  
• Bluey, Percy Jackson y Gravity Falls amplían la guía familiar más allá del fútbol.

Disney+ volvió al centro de las búsquedas por las suscripciones y las transmisiones del Mundial 2026. En Ecuador, la plataforma promociona la cobertura del torneo a través de ESPN en el Plan Premium, mientras que la oferta oficial para Sudamérica incluye 30 partidos de la Copa Mundial de la FIFA 2026.

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Pero el fútbol no es el único motivo para entrar a la plataforma. Entre partidos, previas y resúmenes, Disney+ también reúne series animadas, franquicias de Marvel, aventuras de Star Wars y producciones pensadas para distintas edades. Esta es una guía familiar para saber qué ver cuando el balón deja de rodar.

1. X-Men ’97: la segunda temporada pone a Marvel en agenda

El primer título destacado es X-Men ’97, que estrenó su segunda temporada el 1 de julio de 2026 en Disney+. La serie animada continúa la historia de los mutantes y presenta una nueva amenaza ligada a Apocalypse, con el equipo dividido y obligado a reencontrarse.

La producción funciona para quienes crecieron con la serie de los años 90 y también para nuevos espectadores que quieren entrar al universo de los X-Men sin ver todas las películas. Su estreno semanal la convierte en una opción para seguir en familia durante el mes del Mundial.

2. Bluey: episodios cortos para ver con niños

Bluey es una de las opciones más directas para hogares con niños pequeños. La serie sigue a una perrita y a su familia en historias cotidianas sobre juego, convivencia, emociones y aprendizaje.

Su formato de episodios breves permite verla entre partidos o antes de dormir. Además, es una de esas producciones que también conecta con los adultos, porque aborda la crianza y la vida familiar desde situaciones simples.

3. Percy Jackson y los dioses del Olimpo: aventura para adolescentes

Para los adolescentes, Percy Jackson y los dioses del Olimpo aparece como una alternativa de aventura, fantasía y mitología. La historia sigue a Percy, un joven que descubre que es hijo de Poseidón y entra a un mundo marcado por dioses griegos, misiones y conflictos familiares.

Es una serie pensada para quienes buscan una trama continua, con personajes jóvenes y una narrativa que mezcla escuela, identidad y acción. También puede funcionar como puerta de entrada para quienes no han leído los libros.

4. The Mandalorian: Star Wars para ver por capítulos

The Mandalorian sigue siendo uno de los títulos fuertes de Disney+. La serie de Star Wars presenta a Din Djarin, un cazarrecompensas que termina protegiendo a Grogu, uno de los personajes más reconocibles de la plataforma.

Su estructura permite ver un episodio por noche o armar una maratón de fin de semana. Para familias con seguidores de ciencia ficción, es una opción para descansar del fútbol sin salir del universo de las grandes franquicias.

5. Gravity Falls: misterio, humor y nostalgia

Gravity Falls es una recomendación para quienes quieren una serie animada con misterio, humor y una historia cerrada. La trama sigue a los hermanos Dipper y Mabel durante un verano en un pueblo lleno de secretos, criaturas y conspiraciones.

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Aunque tiene solo dos temporadas, su universo mantiene vigencia entre audiencias jóvenes y adultos que la descubrieron años atrás. Es una opción práctica para quienes buscan una serie para maratonear sin comprometerse con demasiados capítulos.

Lo que debes saber

• Vin Diesel confirmó que ya comenzó el rodaje de Fast & Furious 11.
• Fast Forever será el cierre definitivo de la historia de Dominic Toretto.
• La película retomará la batalla contra Dante Reyes y volverá a Los Ángeles.

Vin Diesel confirmó que el rodaje de Fast & Furious 11, también conocida como Fast Forever, ya está en marcha. El actor compartió un video desde el set de grabación en el que agradeció la paciencia de los fanáticos y aseguró que el equipo trabaja para ofrecer un final a la altura de una de las franquicias de acción más exitosas del cine.

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Esta entrega marcará el cierre de la historia principal iniciada en 2001 con Dominic Toretto como protagonista. Tras varios retrasos en la producción, Universal Pictures fijó el estreno para marzo de 2028, aumentando la expectativa por el desenlace definitivo de la saga.

Vin Diesel anuncia el inicio del rodaje

A través de un video publicado en sus redes sociales, Vin Diesel mostró parte del set de filmación y confirmó que ya comenzó la grabación de la película Fast Forever. En el mensaje, el actor agradeció el respaldo de los seguidores durante los últimos años y aseguró que todo el equipo está comprometido con ofrecer un final memorable para la franquicia.

La publicación rápidamente se volvió viral entre los fanáticos, quienes llevaban meses esperando noticias oficiales sobre el estado de la producción después de los cambios en el calendario y el desarrollo del guión.

¿De qué tratará Fast & Furious 11?

Aunque Universal mantiene en secreto gran parte de la trama, la película retomará los acontecimientos de Fast X, cuyo final dejó a Dominic Toretto y su familia enfrentando la amenaza de Dante Reyes, interpretado por Jason Momoa. Todo apunta a que la nueva cinta resolverá ese enfrentamiento y dará cierre a los principales arcos narrativos de la saga.

Además, Vin Diesel ha adelantado en ocasiones anteriores que el objetivo es regresar a la esencia de las primeras películas, con carreras callejeras en Los Ángeles, un mayor enfoque en la familia y un tono más cercano al que convirtió a Fast & Furious en un fenómeno mundial.

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El regreso de personajes históricos

Uno de los aspectos que más expectativa genera es el regreso de varios personajes emblemáticos. Dwayne Johnson volverá como Luke Hobbs tras su reaparición en la escena post créditos de Fast X, mientras que también se espera el regreso de Michelle Rodriguez, Tyrese Gibson, Ludacris, Jordana Brewster y Sung Kang.

Asimismo, Vin Diesel ha reiterado su intención de rendir homenaje a Paul Walker y al personaje de Brian O’Conner, quien sigue siendo una figura clave dentro del universo de la franquicia.

La última carrera de la familia Toretto

Fast Forever pondrá punto final a más de dos décadas de historia para una franquicia que ha recaudado más de 7.000 millones de dólares en taquilla y se convirtió en una de las sagas de acción más exitosas del cine.

Con el rodaje oficialmente en marcha, los seguidores ya esperan nuevas imágenes desde el set y más detalles sobre una película que promete despedirse regresando a las raíces que hicieron famosa a la familia Toretto. 

Lo que debes saber

• Gracie Abrams reveló a Olivia Rodrigo el significado de Daughter from Hell.
  
• La cantante confesó cuál es la letra que más representa su nuevo álbum.
  
• La entrevista completa fue publicada este 7 de julio en Spotify.
  

Gracie Abrams y Olivia Rodrigo protagonizaron una de las conversaciones más esperadas por los fanáticos del pop. En una nueva entrevista para la serie 'Countdown To' de Spotify, publicada este 7 de julio, ambas artistas hablaron sobre el proceso creativo de ‘Daughter from Hell’, el tercer álbum de Abrams, que llegará a las plataformas el próximo 17 de julio.

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Gracie Abrams anuncia ‘Daughter from Hell’: confesiones detrás de sus nuevas canciones

Arianna Molina

Durante la charla, Gracie abrió las puertas de su nuevo proyecto musical y confesó que este disco representa una etapa muy distinta de su carrera. La cantante explicó que, aunque al principio sentía que no tenía nada nuevo que contar, terminó creando un álbum que refleja el momento de transición que vive en sus veintitantos años. 

La letra que más emociona a Gracie Abrams

Después de cuatro años de su último concierto juntas, las dos cantantes se reunieron para el podcast de Spotify ‘Countdown To’.

Uno de los momentos más comentados de la entrevista ocurrió cuando Olivia Rodrigo le preguntó cuál era su letra favorita de Daughter from Hell. Sin dudarlo, Abrams eligió un verso de la canción ‘Humming’, el tema número 14 del álbum que sale este 17 de julio.

La artista explicó que esa composición resume el tono general del disco y representa una evolución en su manera de escribir. Según contó, las nuevas canciones son menos autobiográficas y más existenciales, abordando emociones y preguntas que surgieron durante los últimos años. 

Un álbum inspirado en crecer y enfrentar la incertidumbre

Gracie Abrams también reveló que el álbum nació en un momento en el que pensaba que ya había dicho todo lo que quería expresar en su música. Sin embargo, mientras avanzaba el proceso creativo, descubrió nuevas formas de hablar sobre la incertidumbre, el crecimiento personal y los cambios que acompañan la vida adulta.

La cantante aseguró que ‘Daughter from Hell’ representa la década de los veinte, una etapa marcada por las dudas, las decisiones importantes y la búsqueda de identidad, temas que se reflejan en gran parte del proyecto.

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Olivia Rodrigo y Gracie Abrams hablaron de música, fama y amistad

Además del nuevo álbum, ambas artistas conversaron sobre la fama, la amistad y cómo el contexto social actual también ha influido en su forma de escribir canciones. Abrams explicó que algunos acontecimientos recientes la llevaron a reflexionar más profundamente sobre el mundo que la rodea, algo que terminó reflejándose en las letras del disco.

La entrevista también dejó ver la cercanía entre Olivia Rodrigo y Gracie Abrams, quienes mantienen una amistad desde hace varios años. Rodrigo incluso invitó a la cantante a profundizar en aspectos personales de su proceso creativo, ofreciendo a los fanáticos un adelanto de lo que podrán escuchar en Daughter from Hell.

El momento que más ha destacado en redes sociales es cuando Olivia expresa que a sus 15 años descubrió a Gracie a través de Instagram, y se sintió inspirada por lo que hacía. "Verte tocando el piano o la guitarra en tu habitación y escribiendo esas canciones tan bonitas me inspiró mucho porque fue como, no tengo que ir a un estudio y todas esas cosas. Puedo estar en mi habitación y escribir sobre mi vida". 

Lo que debes saber

• Chappell Roan confesó a Rosalía un desamor vivido durante la pandemia en el LUX Tour.
  
• La cantante reveló que esa experiencia inspiró una de sus canciones, aunque no dijo cuál.
  
• La conversación se volvió viral tras el último concierto de Estados Unidos del LUX Tour.
  

Chappell Roan fue la invitada sorpresa del último concierto del LUX Tour de Rosalía en Estados Unidos y protagonizó uno de los momentos más comentados de la noche. Durante el popular confesionario del espectáculo, la cantante reveló una experiencia de desamor vivida en la pandemia que terminó convirtiéndose en inspiración para su música.

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La artista estadounidense compartió cómo una relación que comenzó por internet terminó de forma inesperada tras una cita que consideró perfecta. Su historia emocionó tanto a Rosalía como al público presente y rápidamente se viralizó en redes sociales por la sinceridad con la que abordó uno de los episodios más personales de su vida.

Chappell Roan recordó el desamor que vivió durante la pandemia 

Este lunes 6 de julio, durante el último concierto de Estados Unidos del Lux Tour de Rosalía, la invitada sorpresa fue Chappell Roan, quien participó del famoso confesionario que ya es parte del show.

"Vi la confesión de Lola Young y me recordó algo… algo que me pasó a mí”, mencionó la cantante antes de iniciar con su confesión. Frente a miles de asistentes, la cantante estadounidense compartió una historia íntima sobre un desamor que vivió durante la pandemia.

"Hablamos durante tres meses, todo por internet, porque era la época de la pandemia. Nos mandábamos mensajes, yo le mandaba fotos y esas cosas… y me gustaba mucho esa persona. Luego, viajé sola para tener una cita con ella. Nos besamos y me sentí en las nubes. Solo pensaba: «¡Guau!». Pero luego desapareció por completo.” 

“Conocí a otra persona”: la respuesta que cambió todo

La historia siguió en que durante cuatro días no supo nada de su pareja de cita, por lo que decidió escribirle para descubrir si había pasado algo, la respuesta que recibió fue “Conocí a otra persona”. Chappell Roan destaca su indignación detallando que la otra persona había aparecido durante los cuatro días que no hablaron, después de haber tenido una cita, que para ella, fue magnífica.

Lo que más sorprendió a Chappell Roan fue descubrir posteriormente que esa nueva pareja también era artista y, además, amiga suya.

El desamor terminó convirtiéndose en música

Durante la conversación con Rosalía, la cantante explicó que aquella experiencia terminó transformándose en música. Aunque no reveló el nombre de la canción inspirada en ese episodio, aseguró que escribir sobre lo ocurrido le permitió procesar la situación.

La confesión emocionó tanto a Rosalía como al público presente, ya que Roan relató cómo una ilusión romántica terminó en una inesperada decepción. El momento rápidamente se viralizó en redes sociales, donde los fanáticos destacaron la honestidad de la artista y la complicidad entre ambas cantantes.

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El confesionario del LUX Tour vuelve a viralizarse

Después de la confesión de la cantante, Rosalía aprovechó para hacerle preguntas que no estén relacionadas con la promoción musical, más bien buscando conocer una versión más personal de ella. Entre estas preguntas Chappell confesó que de esa decepción amorosa aprendió a conocerse mejor y no idealizar las relaciones.

Las distintas experiencias sentimentales que ha tenido, la han hecho cambiar su manera de ver y entender el amor, y ahora tiene una perspectiva desde el equilibrio emocional y el amor propio.

El confesionario se ha convertido en una de las dinámicas más populares del LUX Tour, donde artistas e invitados especiales, como Karol G, Cara Delenvigne, Bad Gyal, Aitana y más, suben al escenario para compartir historias personales antes de que Rosalía continúe con el espectáculo.

Lo que debes saber

• 'The Mandela Catalogue' tendrá película con Steven Spielberg como productor en Hollywood.
  
• Alex Kister dirigirá la adaptación para mantener la historia original del fenómeno de YouTube.
  
• La película está en desarrollo y aún no tiene fecha de estreno ni reparto confirmado.
  

'The Mandela Catalogue' dará el salto a la pantalla grande con una película producida por Steven Spielberg. La popular serie de terror analógico nacida en YouTube, que acumula más de 100 millones de reproducciones, será adaptada al cine manteniendo a su creador, Alex Kister, al frente de la historia.

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El proyecto marca un nuevo paso para las producciones surgidas en internet que llegan a Hollywood. Aunque la película aún no tiene fecha de estreno ni elenco confirmado, la participación de Spielberg y Amblin Entertainment ha incrementado las expectativas entre los seguidores del universo de horror creado por Kister.

¿Qué es 'The Mandela Catalogue'?

Lanzada en YouTube el 9 de junio de 2021, 'The Mandela Catalogue' se convirtió rápidamente en una de las series más populares del llamado “analog horror”, un subgénero que utiliza grabaciones con estética VHS y mensajes de emergencia para crear una atmósfera inquietante.

La historia se desarrolla en el ficticio condado de Mandela, en Wisconsin, Estados Unidos. Las criaturas conocidas como Alternates utilizan el miedo y la manipulación para atormentar a sus víctimas hasta que cometan suicidio, luego reemplazan sus identidades creando ‘doppelgängers’, manejándolos para cometer actos demoníacos.

El simbolismo religioso es uno de los pilares de la historia

En los videos se usan íconos e imágenes cristianas como elementos centrales para representar cómo los Alternates secuestran el cristianismo, reemplazando a Dios e intercambiándose por las figuras sagradas para engañar a las personas.

La serie ha superado los 100 millones de reproducciones en YouTube y es considerada una de las obras más influyentes del terror analógico junto a The Backrooms y Local 58.

Los seguidores de esta serie de videos han replicado la estética miles de veces en otros videos para redes sociales, creando parodias con sus propias historias. 

Steven Spielberg producirá la película de The Mandela Catalogue

Aunque Steven Spielberg es reconocido por dirigir clásicos como Jurassic Park, E.T. y Jaws, en esta ocasión asumirá el papel de productor del proyecto a través de Amblin Entertainment. Los derechos de adaptación fueron adquiridos tras una competitiva puja entre 11 estudios, reflejando el creciente interés de Hollywood por las franquicias nacidas en plataformas digitales.

El desarrollo de 'The Mandela Catalogue' llega en un momento en que los estudios buscan convertir fenómenos virales de internet en grandes producciones cinematográficas. El éxito de adaptaciones recientes de historias nacidas en YouTube, como ‘Backrooms’, ha demostrado que este tipo de contenido cuenta con una audiencia consolidada y un gran potencial comercial.

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Alex Kister continuará al frente de la historia

Alex Kister seguirá estando encargado de la historia como director de la película, una decisión que ha sido bien recibida por los seguidores de la serie, quienes consideran que mantener al creador original ayudará a conservar la esencia del universo que conquistó a millones de espectadores.

Por ahora, la película se encuentra en una etapa inicial de desarrollo y aún no tiene fecha de estreno ni reparto confirmado. Sin embargo, la participación de Steven Spielberg y Alex Kister ya ha elevado las expectativas entre los fanáticos del terror.

Sin demasiadas pretensiones, pero con mucha pasión, crearon una historia sobre un antihéroe punk que adquiere poderes cuando bebe una pócima alcohólica, quien en su intento de hacer el bien provoca un conflicto a nivel planetario cuando mata al mismísimo presidente chileno.

Después de casi tres años de trabajo, en 2025 tuvo su estreno en el Festival Internacional de Cine de Valdivia.

Y de ahí de forma espontánea, gracias al boca al boca y las redes, Matapanki ha recorrido varias citas importantes como Buenos Aires Rojo Sangre, en Argentina; Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, en Cuba; o el Festival Internacional de Cine de Berlín, Alemania, donde recibió la Mención Especial del Jurado Internacional en la sección Generation 14+, vitrina del cine juvenil.

Además ha logrado mantenerse durante quince semanas en salas de cines de su país, una verdadera hazaña. 

Su director, Diego ‘Mapache’ Fuentes, atendió las preguntas de EXPRESIONES sobre todo la gran acogida que ha tenido su ópera prima y su nueva en cambino, Corazón de polilla.

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Matapanki es un filme con el que el espectador se puede morir de risa, pero también llama al debate sobre temas sociales y políticos.

Sí, desde un inicio, decíamos que nuestra misión con la película era que la gente la pasara bien y que una vez ellos salieran del cine, tal vez en algún momento, se pararan a pensar qué está pasando con el gobierno, con el presidente, y tal vez despertar las conciencias de esa forma. Nunca quisimos llegar a un extremo de que la película fuera solamente chiste y cosas divertidas, pero tampoco queríamos hacer un panfleto político. Sentíamos que era necesario estar al medio.

No es sencillo lograr ese balance.

Sentíamos que era necesario hacer algo que le interesara no solamente a los festivales o a la gente que hace cine. No queríamos una película para nosotros mismos, sino que fuera una película que pudieran ver mis amigos, mis vecinos, mi mamá. Que la pasaran bien, pero que también tuviera esa calidad de una película de festival de cine.

¿Cómo fue esa gestión para que la película empiece a tener ese recorrido a traves de grandes festivales de cine?

Eso para mí fue súper bonito y súper surreal. Nosotros hicimos la película sin pretensiones de llegar a salas de cine y festivales. Para nosotros, lo máximo era estrenar en el Festival de Cine de Valdivia, porque era como nuestro referente local más importante. 

Entonces a la película le empezó a ir bien, nos dimos cuenta de que tenía buenas críticas, que no solamente los estudiantes y la gente que le gusta el cine acá hablaba, sino que también estaba saliendo en medios más tradicionales. Ahí nos dimos cuenta de que teníamos la posibilidad de llegar a otros festivales y empezamos a postular. Pero también nos ocurría que veces los festivales nos pedían la película.

El Festival de Valdivia fue también una gran vitrina.

Valdivia es un festival al que van muchísimos programadores de otros países, entonces yo creo que fue una mezcla como de estar en el lugar correcto, y de que también las personas que estábamos detrás de la película hicimos nuestro trabajo. Es decir, también nos dábamos tiempo de conocer a las personas de la industria, ese trabajo de lobby, que es súper necesario también. Es como tomarte en serio lo que estáis haciendo, como el futuro de tu trabajo cinematográfico.

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La escena subterránea santiaguina

En octubre del 2022, como parte de las actividades de recaudación para la película, organizaron un concierto.

Sí, hicimos una fiesta tocata, esa era la gracia. Una tocata que después se transformara en una fiesta ahí para quien quisiera llegar.

Era un cartel con bandas de estilos variados.

Claro, mezclamos un montón de géneros, eso yo creo que fue lo entretenido. Porque no solamente había bandas que tocaban punk o hardcore, sino que teníamos invitados que venían de otros lados, de otros géneros. Me acuerdo que había gente que fue a rapear, había unas bandas que eran indie, había hasta cueca chilena. Entonces fue bien interesante como ese cruce. Y claro, después terminaba con una fiesta y ahí fue como que todos se conocían entre todos. Entonces fue bien bonito ese acompañamiento.

Qué buena manera de empezar el proyecto, con esa vibra de la escena chilena, que es tan grande y diversa.

Sí, yo creo que nosotros desde un inicio, siempre sentimos el apoyo como de la escena. De hecho, las bandas que salen en la película, que son Mano de Obra, Altoids, Los Mirlos incluso y Dolor de Muelas, cuando nosotros nos acercábamos les explicábamos que no teníamos mucho presupuesto, pero que nos encantaría que sean parte. Y siempre existió ese compañerismo. Una vez que nosotros les contábamos de qué se trataba, se motivaron un montón.

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Las redes como catapulta de difusión

¿Qué tanto valoras la importancia de las redes sociales en la difusión de la película?

Mira, a nosotros nos sirvió un montón. En un inicio, el Instagram de la película lo administrábamos tres personas: Joaquín (Fernández), que es el cocreador y cámara de la película; Tom (Tomás Santelices), que es el productor, y yo a veces me metía a revisar cosas. En un inicio era poco profesional. Respondíamos a la gente como si fuera el personaje principal de la película. Peleábamos con la gente.

Eso ayudó a dar a conocer el proyecto. 

Llegó mucha gente universitaria de otras escuelas de cine, y les llamaba la atención. Como que empezó no solamente por redes sociales, sino que empezó por el boca en boca. Entonces cuando nosotros llegamos a estrenar en (el Festival de Cine de) Valdivia, ya teníamos más o menos un público armado.

Y después eso facilitó un montón cuando llegó la distribución en salas de cine, porque ahí nosotros tuvimos la suerte de ganarnos un fondo de distribución, entonces ya se profesionalizó un poco, le pudimos pagar a un community manager, y ahí ya explotó.

Consiguieron alguien que conozca el tema y esté dedicado exclusivamente a eso.

Nosotros entregamos la cuenta con unos dos mil seguidores; hoy en día la cuenta tiene como diez mil. Lo lindo fue que él también entendía el humor de la película. Nunca se transformó en una cuestión corporativa, sino que siempre tratando de conectar con la gente, mantenerla informada de lo que estábamos haciendo.

Hicieron las convocatorias al casting por Instagram.

Hicimos las convocatorias, el casting abierto para la película, cualquier persona que quisiera podía salir, si a nosotros nos servían algún personaje. Había gente que viajaba dos horas solamente por ir a grabar. Desde un inicio se sintió como el cariño o el interés de la gente en participar en la película, no solamente ir a verla, sino también ser parte. Creo que se formó una comunidad muy buena en eso.

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'Corazón de polilla', su siguiente largometraje

En medio de todo esto tan bonito que está viviendo con Matapanki, usted ya está pensando en su segundo filme, Corazón de polilla. ¿En qué etapa están ahora?

Estoy súper feliz porque reescribí el guion hace un par de semanas. Esa película tiene una técnica que es la pixilación, que es una técnica de animación como stop motion pero con personas. Acá hay un chico llamado Simón Bucher, que hace unos cortos con pixilación increíbles. Lo conocí en la premier de Matapanki, porque lo invitamos y le dije que me encantaría trabajar él. Se dio el tiempo de leer el guion y le gustó mucho. Entonces, estoy feliz porque siento que va avanzando.

¿Nos puede adelantar algo?

Creo que es una película que tiene ciertas temáticas que es necesario tocar, como son la discriminación y el tema con la comunidad LGBT, entonces yo estoy feliz y contento de tener la oportunidad de desarrollarla y espero poder llevarla pronto a cabo

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Gabriela Ponce: “Lo que pasa con el pueblo ecuatoriano es muy fascistoide”

Marco Martinez

Siente talvez que la gran acogida que ha tenido Matapanki le genera una presión para su segundo filme.

He tenido varios pensamientos sobre eso. Pensaba: “Ya estrené en Berlín, ¿ahora qué tengo que hacer? ¿Repetirlo? ¿Llegar a otro festival?". En un momento me decía: “Si ahora ya toqué este techo, la siguiente tiene que ser aun mejor, o que a la gente le guste más”. Pero he tratado de mantener los pies en la tierra. 

Cada película es su propio mundo.

Cada película tiene su propio público, su propia audiencia, sus propias necesidades. Yo lo que espero, más que los festivales, más que los premios, espero que a la gente le siga gustando lo que hago. Siempre he sido muy de pensar que nuestro primer espectador es la gente de Chile, la gente de Latinoamérica, la gente que habla el mismo lenguaje.

Siempre he dicho que en mis trabajos hay ciertas temáticas sociales y políticas, como el antifascismo, el antirracismo, decirle no a la discriminación, que a mí me interesa seguir plasmando, tal vez de forma directa o no, pero que estén ahí.

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Un filme hablado en ‘chileno’

Uno de los aspectos más interesantes de Matapanki es que le huye al español plano sin inflexiones regionales, que defienden ciertas productoras con el argumento de captar mayores audiencias.

“Creo que quitarle la manera en que hablamos los chilenos es no solamente autocensurarte, sino también quitarles una herramienta más a tus actores. Dentro de Chile tenemos formas de hablar diferentes según las regiones. Entonces, siento que se trata de una representación social que es necesario tener”, nos explica Diego al respecto.

“Yo no veo una película mexicana, ecuatoriana o boliviana esperando que su lenguaje suene neutro. Quiero escuchar los tonos, saber de qué manera hablan, sus modismos”, añade.

Lo que debes saber

• Mattú Arú une música amazónica y electrónica desde Manta y Macas
  
• Byron Pelaes trabaja con cantos shuar y achuar en su proyecto musical
  
• El EP Ritos de la Selva conecta Amazonía, visuales y sonido en vivo

Los cantos de las culturas shuar y achuar, la electrónica y el arte visual se cruzan en Mattú Arú, proyecto de Byron Pelaes que crea un puente sonoro con la Amazonía. Con base entre Manta y Macas, la propuesta explora la relación entre territorio, memoria y música.

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La música amazónica llegó a Byron Pelaes con el asombro de un niño. Llegó como una puerta hacia un mundo que todavía no conocía. El artista nacido en Cuenca y criado entre los paisajes de Paute tenía 8 años cuando viajó por primera vez a la Amazonía. Macas fue el punto de entrada.

Luego vinieron la selva, las comunidades achuar, los traslados en avioneta y una forma de vida que le mostró otra relación con el territorio, la comida, la naturaleza, el sonido y la identidad.

Esa primera visita marcó su camino. Mientras otros niños esperaban las vacaciones para ir a la playa, él volvía a la Amazonía. Más tarde decidió mudarse a Macas, donde el entorno se convirtió en una escuela. Allí no solo observó un paisaje: empezó a entender una cultura con códigos, símbolos y cantos. Esa memoria es hoy la raíz de Mattú Arú, el proyecto musical que lidera y que actualmente tiene base entre Manta y Macas.

Mattú Arú nace de una pregunta artística y cultural: ¿cómo puede dialogar la música amazónica con los lenguajes contemporáneos sin perder respeto por su origen?

La respuesta está en la arutrónica, concepto que el proyecto usa para definir su cruce entre electrónica de club, música en vivo, visuales, cantos shuar y achuar, ritmos afro, disco funk e indie dance. No se trata de tomar los sonidos de la selva y llevarlos a una pista, sino de construir un puente desde la colaboración, la escucha y la interpretación.

En ese proceso, los nampet, cantos vinculados a la celebración y la vida social, ocupan un lugar clave. Byron distingue esos cantos de los anent, asociados a lo ceremonial y lo sagrado, que no forman parte de su experimentación por respeto a su sentido cultural. Esa decisión marca una postura: la Amazonía no aparece como decorado, sino como territorio con memoria.

Su EP Ritos de la Selva condensa esa búsqueda. Las canciones trabajan frecuencias bajas, sintetizadores, percusión, rap shuar y paisajes sonoros pensados para una experiencia de escucha. En escena, Mattú Arú no funciona como un DJ set, sino como un live act donde cada presentación se arma en tiempo real con hardware, loops, improvisación y visuales.

Para Byron Pelaes, el arte es una forma de volver a mirar lo que Ecuador suele dejar en los márgenes. Su proyecto convierte la pista en un espacio de escucha y propone una lectura de la música amazónica: no como pasado detenido, sino como una fuerza que dialoga con el presente.

La ética de escuchar

Uno de los puntos centrales de Mattú Arú está en la forma en que se relaciona con los cantos amazónicos. Byron Pelaes distingue entre los nampet y los anent, dos universos que no ocupan el mismo lugar en las culturas shuar y achuar.

Los nampet están vinculados a la celebración, a la vida social y a formas de canto que pueden dialogar con una propuesta musical contemporánea. Los anent, en cambio, tienen un carácter ceremonial y espiritual.

Esa diferencia no es menor. Para el artista, trabajar con música amazónica implica reconocer límites. Por eso, Mattú Arú no toma los cantos sagrados como material de experimentación. Su propuesta se concentra en los nampet y en procesos de reinterpretación hechos junto a artistas de las comunidades. La intención no es extraer un sonido, manipularlo y presentarlo como propio, sino madurar una idea en conjunto.

Byron explica que incluso cuando se han realizado registros de ambiente o visitas a comunidades, esos materiales no se usan de forma automática. El acceso a esos espacios requiere cuidado, autorización y respeto. Esa postura separa al proyecto de una mirada extractiva sobre la Amazonía.

Mattú Arú no busca decorar la electrónica con sonidos indígenas. Su objetivo es amplificar lenguajes que ya existen y ponerlos en diálogo con sintetizadores, frecuencias bajas, loops y visuales.

Ahí aparece la importancia cultural del proyecto. En un país donde muchas veces la Amazonía ha sido vista desde fuera, Mattú Arú propone escucharla desde su complejidad: como territorio, memoria, música y sistema de conocimiento. La pista de baile, en este caso, también puede ser un espacio de reconocimiento.

Bogotá, el club y la física del sonido

La ruta de Mattú Arú también pasó por Colombia. Byron Pelaes, de 33 años, viajó a Bogotá para estudiar música y profundizar en herramientas que le permitieran entender mejor el sonido.

Primero se formó como músico de sesión, pero en el proceso descubrió que su interés iba más allá de tocar o grabar canciones. Le atraía comprender cómo se comporta el sonido, cómo se construye una experiencia en vivo y de qué manera la técnica puede alterar la percepción del oyente.

Esa inquietud lo llevó hacia la producción de eventos en vivo y a una búsqueda ligada a la física del sonido. Allí comenzó a aparecer una idea clave para Mattú Arú: la música no solo como composición, sino como espacio. No bastaba con crear una canción. También había que pensar cómo esa canción se movía, cómo golpeaba el cuerpo, cómo rodeaba al público y cómo podía habitar un escenario.

En Bogotá también se encontró con la música de club desde otro lugar. Él venía de escuchar música alternativa, rock, ska y propuestas con crítica social. La electrónica, en cambio, la asociaba más al universo del DJ. Esa percepción cambió al entrar en contacto con proyectos como Mitú, que trabajaban el sonido en vivo, los recursos culturales y la electrónica desde una mirada latinoamericana.

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Ese descubrimiento fue determinante. Byron entendió que era posible tomar una raíz territorial y llevarla hacia un lenguaje contemporáneo sin convertirla en adorno. La pista de baile podía ser también un laboratorio cultural.

De esa mezcla entre formación técnica, música de club y memoria amazónica empezó a tomar forma la arutrónica, el lenguaje con el que Mattú Arú busca unir tradición, cuerpo, tecnología y puesta en escena.

Lo que se sabe

• La edición XII del Festival de Cine de Guayaquil será la más amplia con diez días de programación, del 13 al 22 de agosto de 2026
• Se proyectarán, de forma gratuita, más de 84 películas de 30 países
• La sala de cine MZ14, de la UArtes, será la sede principal

Guayaquil se alista para la edición XII del Festival Internacional de Cine que lleva su nombre y que tendrá cerca de producciones nacionales e internacionales, entre las que destacan las del cine ecuatoriano.

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"La programación 2026 buscará, una vez más, convertir a Guayaquil en un punto de convergencia para el cine, la creación y la conversación en torno al audiovisual contemporáneo", destacó la organización.

"La ampliación a diez días responde a la necesidad de abrir más espacios para el encuentro entre películas, realizadores y públicos, y de seguir consolidando a Guayaquil como un punto de exhibición, reflexión y formación cinematográfica", indicó Marlon Freire, director del Festival.

Producción nacional destaca en el Festival de Cine

La organización del Festival resaltó que "Ecuador encabeza la Selección Oficial con 31 trabajos, incluyendo coproducciones, seguido por España con 7 películas, mientras que Argentina, Colombia y México participan con 5 títulos cada uno".

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¿Qué películas se proyectarán?

La organización del Festival de Cine de Guayaquil indicó que la programación reunirá largometrajes y cortometrajes de ficción, documentales, animación y propuestas experimentales del cine ecuatoriano, iberoamericano y mundial.

Algunas de las producciones anunciadas, son:

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Lo que debes de saber

• Mar Rendón anuncia BOICOT: El Concierto para el 12 de septiembre en Guayaquil
  
  
• Entradas cuestan $15 y $30; la opción Meet & Greet incluye primera escucha
• Dicapo y Chloé Silva acompañarán a Mar Rendón en Sports Garden

Mar Rendón anuncia Boicot: El Concierto, su primer show en Ecuador. La cita será el sábado 12 de septiembre en Sports Garden, en Guayaquil, con canciones de su carrera, material inédito y una experiencia previa para fans.

La cantante ecuatoriana Mar Rendón vuelve a poner su nombre en agenda musical. Esta vez no por la controversia con su casa discográfica, sino por el anuncio de Boicot: El Concierto, una presentación que marca una etapa en su relación con el público.

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¿Dónde es el concierto de Mar Rendón en Guayaquil?

El show se realizará el sábado 12 de septiembre en Sports Garden, ubicado en la avenida Carlos Julio Arosemena, E y Ilanes, en Guayaquil. La apertura de puertas será a las 17:00 y el concierto iniciará a las 20:00.

Según la información del evento, Mar Rendón estará acompañada por su banda. En el repertorio incluirá canciones que han formado parte de su carrera y también presentará material inédito. El anuncio llega después de meses de exposición pública por los desacuerdos que la artista dio a conocer sobre su vínculo con Intergroup Records.

En abril, Rendón señaló en redes que enfrentaba restricciones contractuales que, según ella, le impedían lanzar música y tomar decisiones sobre su proyecto. “He intentado resolver esto por todas las vías posibles, de manera profesional y de buena fe. Lamentablemente, las condiciones que se me han planteado para continuar o salir de esta relación no son razonables, transparentes ni sostenibles”, indicó.

La compañía, por su parte, sostuvo que cumplió sus obligaciones contractuales y atribuyó el conflicto a una decisión unilateral de la artista. En medio de ese escenario, el título Boicot adquiere lectura para sus seguidores, quienes han seguido el proceso de la cantante desde sus publicaciones en redes.

El concierto también contará con artistas invitados. En el afiche oficial aparecen Dicapo y Chloé Silva como parte de la propuesta musical de la noche.

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El valor de las entradas del concierto de Mar Rendón

Las entradas ya están disponibles en la app Meet2Go. La localidad General tiene un valor de $15, mientras que la entrada Primera Escucha + Meet & Greet cuesta $30 e incluye cortesía. Esta última opción permitirá asistir a una sesión previa al concierto, programada para las 18:00, en la que los asistentes podrán escuchar música antes de su lanzamiento y compartir un encuentro con Mar Rendón.

Lo que debes saber

• Haaland destaca en el Mundial 2026 por sus goles y su colección de bolsos Hermès
• El noruego usa piezas Hermès, Louis Vuitton, Chanel y Goyard fuera de la cancha
• Su estilo abre debate sobre moda masculina, lujo y fútbol durante el Mundial

Erling Haaland llegó al Mundial 2026 como una máquina de goles. Hasta el cierre de esta edición se perfila como uno de los máximos goleadores, con 6 marcados hasta el cierre de este artículo. Pero por fuera de la cancha está construyendo algo igual de potente: una identidad estética completamente propia. El delantero noruego no se limita a vestir ropa de lujo; ha convertido los bolsos en una extensión directa de su personalidad, una mezcla de funcionalidad, ironía y una seguridad poco común en el fútbol actual.

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Los bolsos de lujo de Erling Haaland

Su colección gira en torno a una pieza clave: el Hermès Haut à Courroies (HAC). No es una elección casual. Este bolso, creado en 1892 para transportar equipo ecuestre, es grande, estructurado y pensado para el movimiento. Es, en esencia, un objeto práctico elevado a símbolo de lujo. Y eso encaja perfectamente con Haaland: un jugador que combina fuerza bruta con precisión quirúrgica.

Entre sus favoritos destaca el Hermès Multipocket HAC 50, una versión más contemporánea que incorpora múltiples compartimentos exteriores. No es solo un bolso llamativo; es funcional, casi técnico, como si estuviera diseñado para alguien que vive entre viajes constantes. También ha sido visto con el HAC Rock Black, una versión más sobria y robusta, que refuerza su imagen de atleta dominante, y el Endless Road HAC 50, que juega con texturas y detalles más experimentales.

El HAC 40, más compacto, aparece en sus looks más estilizados. Es el que llevó a uno de sus viajes a España, cuando publicó la ya famosa foto con su outfit verde completo: pantalón, chaleco, camisa a cuadros, corbata y gorra plana. El bolso no era un accesorio más; era el punto de equilibrio entre lo clásico y lo excéntrico. Su caption, “Camos”, resumía todo: humor, despreocupación y una estética que no busca aprobación.

Pero Haaland no se queda solo en Hermès. Su Louis Vuitton Keepall Bandoulière 50, diseñado por Virgil Abloh, introduce una energía distinta: más urbana, más ligada al streetwear de lujo. Es un bolso de viaje, sí, pero también una declaración de pertenencia a una generación que mezcla deporte, moda y cultura pop sin jerarquías.

La maleta Chanel Métiers d’art añade otra capa inesperada. Chanel no es una marca asociada tradicionalmente al fútbol masculino, y ahí está precisamente el punto. Haaland no parece interesado en seguir códigos establecidos. Lo mismo ocurre con su neceser Goyard en tono celeste, un guiño sutil al Manchester City que demuestra que incluso en los detalles más pequeños hay intención.

¿Por qué es especial la colección de bolsos de Erling Haaland?

Lo que hace especial su colección no es solo el precio, que puede superar los 860.000 dólares, sino la coherencia. Cada bolso responde a una lógica: tamaño, historia, utilidad. No hay piezas elegidas al azar. Todo parece pensado para alguien que viaja constantemente, que necesita espacio, pero que también entiende el valor simbólico de lo que lleva.

Su personalidad se refleja en esa elección. Haaland no es un jugador que busque encajar. En la cancha es directo, casi imparable; fuera de ella, mantiene esa misma claridad. No recurre a los códigos clásicos del lujo masculino como relojes ostentosos o cadenas pesadas. Prefiere objetos con historia, con propósito, que además generan conversación.

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Esa autenticidad es lo que lo vuelve atractivo para públicos distintos. Para algunos, es el delantero que define partidos. Para otros, es una figura que rompe con la idea rígida de cómo debe verse un futbolista. Su estilo no es pulido ni calculado en exceso; tiene algo espontáneo, incluso ligeramente caótico, que lo hace creíble.

Lo que debes saber

• BLN rendirá homenaje a Erik Sánchez este lunes 6 de julio a las 20:00
  
  
• Jean Paul Prellwitz recordó a Erik Sánchez como parte de la familia de BLN
  

La muerte de Erick Javier Sánchez Suárez, participante del programa concurso BLN, generó mensajes de despedida entre sus compañeros de televisión. El joven fue asesinado la madrugada del domingo en Santa Ana, Manabí, y este lunes 6 de julio es velado en su provincia. Esta noche, el programa le rendirá un homenaje en pantalla.

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El luto llegó al equipo de BLN, el programa de competencia de Oromar Televisión, tras confirmarse el asesinato de Erick Javier Sánchez Suárez. La noticia conmocionó a sus compañeros, seguidores y figuras vinculadas al espacio televisivo, que usaron sus redes sociales para despedirlo y pedir respeto frente al dolor de su familia.

Las palabras de despedida de Jean Paul Prellwitz

Uno de los mensajes más sentidos fue el de Jean Paul Prellwitz, productor y director de BLN, quien publicó una carta en Instagram para recordar al competidor. “Hay noticias que uno nunca quisiera recibir, y esta es una de ellas. Hoy mi corazón está completamente roto”, escribió al inicio de su publicación.

Prellwitz aseguró que, desde su rol en el programa, vio crecer a Sánchez como competidor y como persona. “Como director de BLN tuve el privilegio de verlo competir, crecer y demostrar que se puede ser un gran competidor sin dejar de ser una gran persona”, señaló.

En su despedida, el productor lo describió como un joven respetuoso, cercano y querido dentro del equipo. También recalcó que su paso por el programa dejó una huella entre quienes trabajaron con él. “En BLN siempre decimos que somos una familia, y hoy esa familia llora la partida de uno de los suyos”, escribió.

El mensaje cerró con una promesa pública: mantener vivo su recuerdo dentro del espacio televisivo. “Descansa en paz, mi niño querido, mi engreído. Te prometo que mientras exista BLN, siempre habrá un lugar para recordarte”, expresó.

Ángela Orellana pide respeto y empatía

La animadora Angelita Orellana también se pronunció en redes sociales. Su mensaje no solo fue una despedida, sino también un llamado a detener los rumores y la difusión de información no confirmada sobre el crimen.

“Esto lo escribo desde el fondo de mi corazón”, inició la presentadora, antes de cuestionar la forma en que algunas personas convierten el dolor ajeno en contenido para redes sociales. “¿En qué momento nos volvimos tan insensibles?”, escribió.

Angelita pidió respeto para la familia y los amigos de Erick Sánchez, y recordó que detrás de cada noticia existen personas atravesando una pérdida. “No compartamos información si no sabemos que es cierta. No alimentemos el morbo”, expresó en su publicación.

La animadora cerró su mensaje con condolencias para los familiares del competidor. “Mi abrazo y mis condolencias para la familia de Erick Sánchez. Pudimos despedirnos de ti. Siempre serás el guerrero número 1 y el eterno ahijado de Latinoamérica”, escribió.

BLN anuncia homenaje para Erick Sánchez

El programa también anunció que esta noche dedicará su emisión al competidor. A través de sus redes sociales, BLN publicó el mensaje: “Esta noche recordaremos a Erik Sánchez, porque hay personas que nunca se van mientras permanezcan en nuestra memoria”.

El homenaje será transmitido esta noche, a las 20:00, bajo el mensaje: “Homenaje a Erik Sánchez”. La publicación fue acompañada por comentarios de cariño hacia el joven participante.

El dolor dentro de BLN

La muerte de Erick Sánchez también provocó reacciones de otros integrantes del entorno de BLN. En redes sociales, compañeros del programa compartieron fotografías, recuerdos y mensajes de despedida.

Rafa Barrios Cuba publicó una imagen junto al joven competidor y recordó una frase que, según contó, Erick le dijo durante un entrenamiento: “No somos máquinas pero le metemos”. El mensaje fue acompañado por la frase “Vuela alto”.

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Según la información preliminar, el ataque ocurrió durante la madrugada del domingo en la parroquia Ayacucho, del cantón Santa Ana. Sánchez fue trasladado al Hospital de Especialidades de Portoviejo, donde se confirmó su fallecimiento. Hasta el momento, las autoridades mantienen abierta la investigación.

El cuerpo de Erick Javier Sánchez es velado este lunes 6 de julio en Manabí, mientras sus compañeros de televisión, seguidores y familiares continúan despidiéndolo en redes sociales.

Lo que debes saber

• Gallagher es fanático del fútbol, y ha expresado su apoyo a la selección inglesa en sus redes sociales. 
  
• 'Wonderwall', la canción más famosa de Oasis, se ha convertido en el himno no oficial del equipo inglés en esta copa del mundo.
  
• Inglaterra venció a México el pasado 5 de julio, ocasionando que fanáticos mexicanos respondan a los mensajes de Gallagher en X.

"Stop crying your heart out": así le respondió Liam Gallagher, vocalista de la banda inglesa Oasis, a un hincha de la selección mexicana en sus redes sociales. 

El mensaje, que traducido al español significa algo cercano a 'deja de llorar con todo tu corazón', es una referencia al tema 'Stop Crying Your Heart Out', uno de los más populares de Oasis. 

Gallagher escribió en su cuenta de X el pasado 5 de julio celebrando la victoria de Inglaterra ante México por 3-2, resultado que aseguró el pase del conjunto británico a los cuartos de final. 

"Cobardes, no juegan a nada, México debió ganar. Se defendieron desde el segundo minuto", respondió el hincha mexicano a la publicación de Gallagher. La respuesta del cantante obtuvo más de 27.000 me gusta.

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Gallagher encendió las redes con predicciones y provocaciones a los hinchas mexicanos antes del partido. Empezó vaticinando que Inglaterra vencería a México por 5-0, lo cual llevó al vocalista de Maná, Fher Olvera, a responderle mediante un video publicado en las redes oficiales de su banda. 

"A ver... no manches, ¡ubícate, güey! ¿5-0? Cálmate. Ahí nos vemos el domingo, a ver cómo nos va", dijo el músico mexicano. 

Tensión entre México y Ecuador

Los fanáticos mexicanos no solo tuvieron roces con Gallagher. También fueron criticados por hacer ruido afuera del hotel donde se hospedó la selección ecuatoriana antes de enfrentar a México por los 16avos de final del torneo.

Ecuador también llegó atrasado a la Ciudad de México gracias a problemas logísticos, lo cual retrasó la planificación de la delegación ecuatoriana.

Lo que debes saber

• Erling Haaland lideró a Noruega al Mundial 2026 tras 28 años de ausencia.
• El delantero del Manchester City alcanzó 100 goles en solo 110 partidos de Premier League.
• La disciplina y mentalidad de Haaland impulsaron su ascenso desde Bryne hasta la élite europea.

Erling Haaland se ha convertido en una de las mayores estrellas del fútbol mundial. El delantero del Manchester City ha sido clave para que Noruega vuelva a disputar un Mundial tras 28 años de ausencia y continúa batiendo récords goleadores en la Premier League. Su historia comenzó en Inglaterra, pero fue en Noruega donde construyó el camino que hoy lo posiciona entre los mejores futbolistas.

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Con apenas 25 años, Haaland ya acumula marcas históricas, una impresionante capacidad goleadora y una mentalidad competitiva que lo distingue dentro y fuera del campo. Conocido como 'El Cyborg' o 'El Vikingo', el atacante ha demostrado que detrás de su potencia física existe una disciplina que comenzó desde la infancia y que explica su ascenso en el fútbol europeo.

De Inglaterra a Noruega: así comenzó la historia de Erling Haaland

Erling Haaland nació el 21 de julio del 2000 en la ciudad de Leeds, en Inglaterra, mientras que su padre Alf-Inge Haaland, jugaba en la Premier League inglesa para el Leeds United. Tiempo después, el ex-futbolista sufrió de una lesión en la rodilla que lo obligó a retirarse de su pasión. En 2003 la familia Haaland se trasladó a vivir a Noruega, específicamente en Byrne, donde Haaland creció. 

A pesar de haber nacido en Inglaterra, Haaland actualmente juega con la selección de Noruega. País donde el jugador creció y empezó a dar sus primeros pasos dentro del fútbol. Además, sus dos padres son ex-deportistas noruegos. Su padre Alf-Inge Haaland fue internacional con Noruega en 34 ocasiones, y su madre Gry Marita Braut fue campeona noruega de heptatlón durante la década de 1990.

Los primeros años del 'Cyborg' y la mentalidad que marcó su carrera

Desde los ocho años Haaland mostró interés por el deporte. A esa edad estuvo en el club profesional de Noruega, Bryne FK, donde conoció a Undheim, su entrenador de la época.

En una entrevista, Undheim, menciona que Haaland y sus amigos siempre se encontraban jugando fútbol, si no estaban comiendo, durmiendo, o en la escuela, los encontraba en la cancha.

Algunos años después desde que el 'Cyborg' empezó a entrenar en Bryne FK fue ascendido al equipo juvenil, en donde tuvo que entrenar para conseguir más habilidades y destacarse entre los demás.

Dentro de los entrenamientos y partidos, Haaland tiene una mentalidad fuerte, desde antes, se enojaba con sus compañeros si no le pasaban el balón, y si él no consigue un gol en situaciones evidentes el enojo es consigo mismo.

Undheim destaca que el jugador sabe cómo activar y desactivar esta versión de él, consiguiendo que sea una forma de ayudar al equipo y mejorar él mismo, más no como una herramienta destructiva. Es esta actitud la que ha logrado que 'El Vikingo' se convierta en la máquina de goles que es ahora.

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El crecimiento que llamó la atención del fútbol europeo

En 2017 fue fichado por el Molde, uno de los clubes de fútbol más grandes de Noruega. Fue en esta época cuando Haaland empezó a destacar aún más, llamando la atención de otros clubes de Europa, e incluso, de técnicos.

Smerud, entrenador de la sub- 18 y sub-21 menciona que al inicio Haaland no era demasiado diferente a los demás adolescentes. Poco a poco empezó a desarrollarse en su físico y durante esos años tuvo que desafiarse a sí mismo para encontrar maneras de superar a los otros defensores que en varias ocasiones eran más fuertes que él.

También menciona que ayuda mucho cuando los niños que quieren ser jugadores no tienen la misma fuerza que los otros, pues si ya tienen esas ventajas desde jóven pueden acostumbrarse a que por su naturalidad las cosas les funcionan.

Haaland no tenía eso, así que tuvo que trabajar su timing y su posicionamiento, el movimiento y la técnica, todas estas cosas. Así que creo que en realidad le ayudó.Smerud para CNN.

Haaland rompe récords con Manchester City y lleva a Noruega al Mundial 2026

Teniendo 25 años, Haaland ha llevado a Noruega al Mundial 2026, la primera vez que el país clasifica desde 1998.

Ya ha roto varios récords. En sus cuatro temporadas en el Manchester City, ha sido el máximo goleador de la Premier League en tres ocasiones. Marcó 100 goles en tan solo 110 partidos de la liga, convirtiéndose en el jugador más rápido de la historia en alcanzar ese logro. Actualmente cuenta con más de 160 goles, quedando en el segundo puesto de los máximos goleadores de Manchester City, superándolo Sergio Aguero con 260 goles.

Durante este Mundial, Haaland ha marcado 7 goles, empatando con Lionel Messi y Kylian Mbappé.

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Los apodos que reflejan su dominio en el fútbol mundial

En estos días ha demostrado su velocidad, fuerza y personalidad dentro y fuera de la cancha, obteniendo apodos como 'Cyborg', 'El Vikingo' y 'Daemon', este último por su parecido con el personaje de la serie The House of the Dragon.

Lo que debes saber

• Alex Warren alcanzó el número uno global con su canción “Ordinary” en 2025.
• El cantante prepara el lanzamiento de su álbum “Wildchild” con 13 canciones inéditas.
• Su carrera pasó de TikTok a escenarios de premios como los Grammy 2026.

Alex Warren se ha convertido en una de las revelaciones más importantes del pop actual gracias al éxito mundial de su canción ‘Ordinary’, que lo llevó a encabezar listas como Billboard Hot 100 y el UK Singles Chart. El artista estadounidense, que comenzó en redes sociales, ahora domina la industria musical con millones de reproducciones y una base global de fanáticos en constante crecimiento.

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Su impacto no se limita a un solo éxito. Warren ha consolidado una carrera ascendente con giras internacionales, presentaciones en premios como los Grammy 2026 y nuevos lanzamientos que lo posicionan como una de las figuras más fuertes del pop contemporáneo.

De una vida difícil al estrellato global: el ascenso de Alex Warren

Alex Warren inició su carrera como creador de contenido en plataformas digitales antes de dar el salto a la música profesional. Su viralización en TikTok fue clave para que su sencillo ‘Ordinary’ se convirtiera en un fenómeno global, impulsado también por su estilo emocional y letras centradas en historias personales.

Una de las etapas más comentadas de su vida ocurrió cuando tenía 18 años, periodo en el que atravesó una situación de inestabilidad y llegó a vivir en su automóvil mientras intentaba sostener su carrera en redes sociales. Esta etapa, que él mismo ha compartido en entrevistas, marcó profundamente su historia y se convirtió en parte clave de su narrativa de superación.

El tema no solo se volvió tendencia en redes, sino que alcanzó el número uno en múltiples países, incluyendo Estados Unidos, Reino Unido, Australia y Canadá, consolidando a Warren como uno de los artistas más reproducidos de su generación.

Aunque hoy está enfocado en su carrera musical, no ha dejado de lado su faceta digital y continúa activo creando contenido en YouTube y TikTok, donde registra eventos especiales de su día a día.

‘Ordinary’ y el éxito que lo llevó a los grandes escenarios

El impacto de ‘Ordinary’ marcó un antes y un después en su carrera. La canción se mantuvo durante semanas en la cima de los rankings internacionales y fue una de las más escuchadas de 2025 a nivel global. Su popularidad también lo llevó a grandes escenarios, incluyendo presentaciones en premiaciones como los Grammy 2026.

Durante este periodo, Warren también realizó giras internacionales donde agotó entradas en varias ciudades, reforzando su crecimiento como artista global y su presencia en la industria musical.

Ha pasado poco más de un año desde que ‘Ordinary’ fue lanzado y hace cuatro días esta canción consiguió dos billones de reproducciones, y en YouTube cuenta con 400 millones de visualizaciones.

El nuevo capítulo: ‘Wildchild’, el álbum más esperado de Alex Warren

Actualmente, Alex Warren se prepara para el lanzamiento de su segundo álbum de estudio titulado ‘Wildchild’, previsto para agosto de 2026. Este proyecto incluirá 13 canciones y ha sido descrito por el propio artista como una obra emocional, inspirada en experiencias personales de duelo, crecimiento y conexión.

El álbum ya genera alta expectativa entre sus seguidores, especialmente tras el éxito de adelantos como ‘Fever Dream’ y ‘Fine Place to Die’. Con este nuevo lanzamiento, Warren busca consolidar su evolución artística y ampliar aún más su alcance global.

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Un artista en expansión constante dentro del pop mundial

Más allá de sus éxitos musicales, Alex Warren también ha sido reconocido por su crecimiento en la industria, incluyendo nominaciones a premios importantes como los Grammy 2026 y el iHeartRadio Music Awards, donde fue destacado como artista revelación.

Su historia, marcada por el paso del mundo digital a la música mainstream, lo posiciona como uno de los casos más relevantes de la nueva generación de artistas que conquistan la industria global.

Lo que debes saber

• Taylor Swift y Travis Kelce iniciaron su luna de miel tras su boda del 3 de julio.
  
• La pareja recorrerá Caribe, Europa, Asia y Oceanía mientras permanece desconectada.
  
• Taylor Swift y Travis Kelce fueron vistos en las Bahamas durante los primeros días del viaje.
  

Taylor Swift y Travis Kelce ya disfrutan de su luna de miel tras celebrar su boda el 3 de julio en Nueva York. Los recién casados emprendieron un viaje por cuatro continentes y decidieron mantenerse alejados de la vida pública durante varias semanas para disfrutar de esta nueva etapa como pareja.

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Después de la ceremonia celebrada en Madison Square Garden, la pareja fue vista en las Bahamas, donde comenzaron un extenso recorrido que incluye destinos en el Caribe, Europa, Asia y Oceanía. Según medios internacionales, ambos avisaron a familiares y amigos que permanecerán "desconectados" durante el viaje.

Taylor Swift y Travis Kelce recorrerán cuatro continentes

Después de la boda más esperada que ocurrió este sábado 3 de julio en Madison Square Garden en Nueva York, donde Taylor Swift y Travis Kelce se casaron, y el oficio estuvo a cargo del comediante Adam Sandler, sigue su luna de miel.

Taylor Swift y Travis Kelce han planeado su luna de miel desde hace un tiempo, la pareja de recién casados planificó viajar por el Caribe, Europa, Asia y Oceanía. 

La pareja busca mantenerse alejada de la vida pública

Según informan fuentes cercanas a la pareja: “Llevan semanas planeando esto y ya informaron a amigos y familiares que estarán ‘desconectados’ durante ese tiempo”.

Durante su celebración limitarán el contacto exterior para poder vivir plenamente su experiencia de recién casados viajando alrededor de cuatro continentes. Después de su luna de miel cada uno tendrá que volver a sus trabajos, Travis regresará al campo de fútbol y Swift de vuelta al estudio de grabación.

La pareja pidió a sus amigos y círculo cercano que no esperen noticias de ellos durante este tiempo.

¿Se publicarán imágenes de la luna de miel?

Según The Daily Mail, sus viajes de luna miel serán grabados, pero no se sabe a detalle si estás grabaciones se harán públicas.

Este recorrido de continentes contempla una parada en Europa, en la cual según un informante aseguró que “Taylor ya ama esa parte del mundo, la ha visitado antes, y Travis está emocionado de llevarla allí como parte de este viaje”.

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Taylor Swift y Travis Kelce fueron vistos en las Bahamas

Tres días después de la ceremonia, Taylor Swift y Travis Kelce fueron fotografiados en las Bahamas disfrutando de las primeras jornadas de su luna de miel. Las imágenes muestran a la pareja abrazándose mientras compartían un momento en el mar.

Las fotografías rápidamente comenzaron a circular en redes sociales y medios internacionales, convirtiéndose en las primeras imagenes de la esperada luna de miel de una de las parejas más mediáticas del entretenimiento y el deporte.

Lo que debes saber

• La pareja mantiene su vida privada fuera del foco mediático, ocultando incluso la apariencia y el nombre de su hijo.
  
• Se conocen desde muy jóvenes, y comparten la pasión por el deporte. 
  
• Ambos jugaban para los equipos juveniles del Bryne FK, un club noruego de fútbol.

Erling Haaland disfruta de un pico de popularidad gracias a sus actuaciones en el Mundial 2026.

Sin embargo, el interés también se ha trasladado a su vida personal y, en especial, a Isabel Haugseng Johansen, la mujer que lo acompaña desde antes de alcanzar reconocimiento internacional.

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¿Dónde conoció Haaland a su pareja?

La pareja se conoce desde la infancia. Ambos crecieron en Bryne, una localidad de Noruega, donde coincidieron en las divisiones formativas del club Bryne FK. Aunque compartieron el mismo entorno durante varios años, la relación sentimental comenzó en 2021, cuando el delantero ya desarrollaba su carrera en el fútbol europeo.

Antes de ganar presencia en redes sociales, Isabel también practicó fútbol. Con el paso del tiempo dejó la competencia y mantuvo un perfil reservado, mientras Haaland continuó su ascenso hasta convertirse en una de las principales figuras del Manchester City y de la selección noruega.

El hijo de Haaland, un misterio para la prensa

Su relación ha permanecido fuera del foco mediático. Las apariciones públicas han sido limitadas y las publicaciones en redes sociales muestran momentos puntuales relacionados con viajes, partidos y actividades familiares. 

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Esa decisión también se ha mantenido tras el nacimiento de su primer hijo, ocurrido a finales de 2024, cuyo nombre y apariencia han decidido proteger de las redes sociales. Además, la pareja intenta llevar una vida tranquila fuera del fútbol: se distraen cocinando y jugando videojuegos juntos, por ejemplo.

A pesar de sus expresiones toscas y mentalidad decidida, no fue Haaland quien dio el primer paso: Isabel fue la que tomó la iniciativa y le envió el primer mensaje, contó el delantero en una entrevista concedida a la televisión noruega. 

Lo que debes saber

• Harry Styles rompió un récord Guinness con 12 conciertos agotados en Wembley el 4 de julio.
• El cantante superó las marcas de Coldplay y Taylor Swift durante la gira Together, Together.
  
• Harry Styles recordó a One Direction y homenajeó a Liam Payne ante 80.000 asistentes.
  

Harry Styles volvió a hacer historia en la música al conseguir un récord Guinness tras ofrecer 12 conciertos consecutivos con entradas agotadas en el estadio Wembley de Londres. El artista británico superó las marcas de Coldplay y Taylor Swift, consolidándose como una de las mayores figuras del pop mundial.

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El logro se alcanzó el 4 de julio durante la última fecha de su gira Together, Together, ante aproximadamente 80.000 espectadores. Además de recibir el reconocimiento oficial de Guinness World Records, Styles protagonizó uno de los momentos más emotivos de la noche al agradecer a los integrantes de One Direction y recordar a Liam Payne.

Harry Styles rompe el récord Guinness en Wembley 

Este 4 de julio, Harry Styles consiguió un récord Guinness durante su doceavo concierto en el estadio de Londres, Wembley, con aproximadamente 80.000 espectadores. Este logro lo consiguió por dar 12 conciertos consecutivos con entradas agotadas en todos para una misma gira, en este caso ‘Together, Together’.

El estadio, considerado uno de los escenarios más prestigiosos para artistas internacionales, ha recibido a figuras como Queen, Adele, Coldplay, Taylor Swift y Beyoncé, pero ninguno había alcanzado esta cifra de presentaciones durante una misma gira.

El cantante recibió su certificado de manos del juez de Guinness World Records, Will Munford, en el escenario.

Superó los récords de Coldplay y Taylor Swift

Este récord conseguido por el cantante y actor, supera las 10 presentaciones que Coldplay había conseguido en 2025 y los ocho shows que Taylor Swift realizó durante su gira ‘The Eras Tour’.

Aunque originalmente solo tenía planeado dar seis conciertos en Wembley, pero debido a la enorme demanda de entradas duplicó el número de shows.

El nuevo récord refleja el éxito sostenido del intérprete de As It Was, quien desde el inicio de su carrera en solitario ha consolidado una base de seguidores en todo el mundo y en cada una de sus giras sus conciertos causan el sold out casi inmediato.

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El emotivo homenaje de Harry Styles a One Direction y Liam Payne

Durante la última noche en Wembley, Harry Styles agradeció el apoyo del público que lo acompañó a lo largo de las 12 fechas. También, recordó el camino que lo llevó hasta ese récord, desde sus inicios con la banda One Direction hasta convertirse en uno de los artistas más exitosos de su generación.

El cantante también dedicó unas palabras a sus excompañeros de banda, agradeciendo y mencionando a cada uno de los miembros. Estas palabras dadas por Styles fueron significativas porque llevaron a los asistentes a recordar las aventuras del cantante y los otros tres chicos, además de rememorar a Liam Payne, quien falleció en 2024.

“Quiero agradecer a Niall, Louis, Zayn y a mi querido amigo Liam por estas noches y por todo lo que aprendí en este tiempo, por la amistad, todo… nada de esto sería posible, no estaría aquí sin vosotros. Muchas gracias”.
Harry Styles

Gemma Styles sorprendió a los asistentes en Wembley

La emoción entre los seguidores continuó cuando la hermana de Styles, Gemma, apareció de sorpresa en el estadio, dando un breve discurso antes de que le otorgaran la placa para reconocer el nuevo récord Guinness.

Rápidamente las fotos y videos de estos momentos se volvieron virales en redes sociales.

Harry Styles consolida su legado en el pop mundial

El récord en Wembley se suma a una larga lista de logros que Harry Styles ha conseguido en los últimos años. Sus álbumes han liderado las listas de éxitos en distintos países, mientras que canciones como As It Was, Watermelon Sugar y Late Night Talking acumulan miles de millones de reproducciones en plataformas digitales.

Entre sus logros está que fue el primer artista masculino británico en debutar con sus dos primeros álbumes de estudio en el puesto número 1 de la lista Billboard 200 estadounidense y ha obtenido multiples premios Grammys.

Con este nuevo hito, el artista británico demuestra que sigue siendo una de las figuras más influyentes del pop contemporáneo y uno de los pocos capaces de llenar durante 12 noches consecutivas uno de los estadios más importantes del mundo.

La conmemoración coincide con la antesala del 50.º aniversario de Rocky, cuyo estreno se celebrará en diciembre de este año. Para la ocasión está prevista la llegada de I Play Rocky, una película que reconstruye el camino de un joven actor sin recursos que desafió a la industria para escribir y protagonizar la historia que revolucionó el cine deportivo.

Sin embargo, el homenaje ha estado rodeado de polémica. Stallone sostiene que nunca participó en el desarrollo del proyecto, pese a que relata uno de los episodios más importantes de su vida.

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La disputa por la historia de Rocky

En declaraciones a The Playlist, Stallone reconoció que le sorprendió conocer la existencia de la producción y lamentó no haber sido incluido en ella.

"Me chocó mucho la noticia. No tengo nada que ver. Como lo viví en mis carnes, pensé que tal vez podría participar", afirmó.

Mientras tanto, el actor prepara su propia versión de los hechos con la publicación de sus memorias, tituladas Los escalones, que en España llegarán a las librerías el 8 de octubre bajo el sello Plaza & Janés.

La versión de Stallone contrasta con la del director de I Play Rocky, Peter Farrelly, quien aseguró al mismo medio que el actor sí conocía el proyecto y había autorizado su realización, aunque sugirió que pudo olvidarlo mientras concentraba sus esfuerzos en escribir el libro.

El episodio vuelve a poner sobre la mesa la larga disputa que Stallone mantiene por los derechos de Rocky, una franquicia que él creó y escribió, pero cuyos derechos continúan en manos del productor Irwin Winkler.

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Una infancia marcada por la adversidad

Antes de convertirse en un referente del cine de acción, Stallone tuvo una infancia atravesada por la violencia y el rechazo.

Su madre, Jackie Stallone, llegó a contarle que había intentado interrumpir el embarazo. Años después, el actor recordó en el pódcast Unwaxed, conducido por sus hijas Sophia y Sistine, que ella solía decirle: "El único motivo por el que estás aquí es porque la percha no funcionó".

Durante el parto sufrió una lesión causada por el uso de un fórceps, lo que le dejó paralizados parte del rostro, los labios y la lengua. Esa condición provocó las dificultades para hablar y la expresión facial que, con el tiempo, terminarían convirtiéndose en una de sus principales señas de identidad.

Su niñez tampoco fue sencilla. Creció en el barrio neoyorquino de Hell's Kitchen, donde fue objeto de burlas, mientras en casa sufría los maltratos de su padre, Frank Stallone.

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Tras el divorcio de sus padres pasó por 13 colegios en apenas 12 años y llegó incluso a estudiar en una academia militar. En medio de ese entorno encontró refugio en el cine, especialmente después de ver Hércules (1958), protagonizada por Steve Reeves, película que despertó su deseo de convertirse en actor.

Del fracaso a la creación de Rocky

Los comienzos en Hollywood estuvieron muy lejos del éxito.

Su aspecto físico y su forma de hablar limitaron las oportunidades laborales, por lo que solo conseguía pequeños papeles como matón o participaciones en producciones teatrales de bajo presupuesto.

La falta de dinero lo llevó a dormir en estaciones de autobús y portales. En ese contexto aceptó participar en una película para adultos, una decisión que, según explicó años después, tomó únicamente para sobrevivir.

"Era eso o acabar robando", recordó en una entrevista con Playboy.

Convencido de que nadie escribiría el papel que necesitaba, comenzó a desarrollar sus propios guiones. Entre ellos surgió Rocky, escrita en apenas tres días e inspirada en el combate entre Muhammad Ali y Chuck Wepner.

Aunque los estudios mostraron interés por la historia, pretendían que otro actor interpretara al protagonista. Incluso llegaron a ofrecerle más de 300.000 dólares por el libreto. Stallone rechazó la propuesta porque quería interpretar personalmente al boxeador.

Su apuesta terminó cambiando la historia del cine.

Estrenada en 1976, Rocky obtuvo el Óscar a la mejor película y convirtió a Stallone en una estrella internacional.

Un legado que sigue creciendo

Durante los últimos años, Stallone ha continuado activo con producciones como Rambo: Last Blood, su participación en la franquicia Guardians of the Galaxy y su papel protagonista en Tulsa King, donde interpreta a un veterano jefe de la mafia.

En 2025 también fue designado por el entonces presidente de Estados Unidos, Donald Trump, como uno de los embajadores especiales para impulsar la industria cinematográfica estadounidense, junto con Mel Gibson y Jon Voight.

Ese mismo año recibió el Premio del Centro Kennedy de las Artes Escénicas en reconocimiento a su trayectoria y su contribución a la cultura de Estados Unidos.

A sus 80 años, Sylvester Stallone continúa escribiendo nuevos capítulos de una carrera marcada por la perseverancia, las caídas y la determinación de proteger el legado del personaje que cambió para siempre su historia.